0023 (2021)Zeichnung von Hiperblackart.
Es gibt verschiedene Möglichkeiten, über die Kunst des Zeichnens zu sprechen, etwa indem man den Ursprung ihrer Technik erläutert, indem man ihre Entwicklung erklärt, oder indem man in chronologischer Reihenfolge Werke zeigt, die ihre Geschichte verändert haben, und schließlich, indem man die Erzählung in einen genauen Zeitrahmen einordnet, um das zu ermöglichen Die Werke der bedeutendsten Vertreter der jeweiligen Epoche sprechen für sich, als ob wir Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raffael als Vorbilder nehmen würden, um die Geschichte der Renaissance-Zeichnung zu erzählen. Im Hinblick auf Letzteres ist es sinnvoll, das Thema in einer allgemeineren Art und Weise einzuführen, d als eine produktive Zeit, die man sich der Ausarbeitung künstlerischer Ideen widmen konnte, die vielleicht erst zu einem späteren Zeitpunkt entwickelt wurden. Diese als vorbereitendes Zeichnen bekannte Praxis wurde für Künstler, die sich auf einen bevorstehenden Auftrag oder eine bevorstehende Komposition vorbereiten wollten, äußerst notwendig. Innerhalb dieser künstlerischen Veräußerlichung wurden tatsächliche Zeichnung und Erfindung unterschieden, wobei ersteres als die Fähigkeit angesehen wurde, harmonische und proportionierte Figuren zu schaffen, letzteres als das Element reiner Innovation in der Präsentation eines Bildes, bereit, das Imaginäre und das Imaginäre hervorzurufen Unbekanntes zu entdecken, aber auch der konventionellen Ikonographie eine neue Form zu geben und beispielsweise mit neuartigen Perspektiven zu experimentieren. Abgesehen von Erfindung und Zeichnung können wir in der Kunst der Renaissance im Allgemeinen vier Arten von Zeichnungen antreffen: Vorzeichnungen (Skizzen), Zeichnungen nach dem Leben, Modelle und Cartoons sowie Transferzeichnungen. In Bezug auf Ersteres ist es gut hervorzuheben, wie Renaissance-Künstler Skizzen anfertigten, in denen sie, indem sie sich ein zukünftiges zu behandelndes Thema vorstellten, Figuren mit gestischer Wirksamkeit zum Leben erweckten, ohne winzige Muskelkonturen und präzise Proportionen, und der Ausdruckskraft Gewicht verliehen Beziehungen zwischen den Elementen der Komposition. Das Zeichnen nach dem Leben hingegen diente dazu, die spezifischen Posen lebender Figuren zu studieren, während Modelle und Cartoons fertiggestellt wurden, formale Zeichnungen, die der Künstler mit dem Auftraggeber zur Verwirklichung eines bestimmten Auftrags teilte. Schließlich wurden zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert gerade viele fertige Kartons verwendet, um die Zeichnung auf die Oberfläche zu übertragen, die das fertige Werk enthalten sollte. Wenn wir uns nun der Darstellung der wichtigsten Vertreter der Renaissance zuwenden, ist es obligatorisch, zunächst von Leonardo da Vinci zu sprechen und dann zu Michelangelo und dem jüngeren Raffeallo überzugehen. Von dem ersten Meister, um den es geht, muss bekannt gemacht werden, wie er, der sich danach sehnte, die Welt um ihn herum durch Vernunft zu erkennen, sich auf das wissenschaftliche Modell stützte und genau durch die Technik des Zeichnens forschte, die als die zu verstehen ist unmittelbarste Darstellung einer Idee und eines Gedankens. In diesem Zusammenhang wird das Gesagte durch die Zeichnung des Katapults gut veranschaulicht, eine Mischung aus Kunst, Praktikabilität, Wissenschaft, Technik und Fantasie, die, mit einem Tintenstift auf Papier erstellt, eine Skizze der begleitenden antiken Kriegsmaschine darstellt durch erläuternde Anmerkungen, die darauf abzielen, ein Kunstwerk in eine Zeichnung umzuwandeln, die für den konkreten Gebrauch bestimmt ist. Tatsächlich deutet diese Tinte darauf hin, wie das Gerät funktioniert hätte, und zwar durch die Verwendung einiger Hebel, Zahnräder und Gewichte aus Holz, möglicherweise unter Hinzufügung einiger Metallelemente, die zum Werfen von Steinen über große Entfernungen geeignet waren.
CONVERGENCE OF RANDOM VARIABLES (2019)Zeichnung von Marco Paludet.
OFFICIUM (2021)Zeichnung von Karen David.
Nach Leonardo ist Michelangelo an der Reihe, dessen außergewöhnliche zeichnerische Fähigkeiten für so unterschiedliche Disziplinen wie Fresko, Architektur und Bildhauerei zur Verfügung standen, Techniken, für die seine Skizzen der erste und wichtigste Bezugspunkt gewesen wären. Im Allgemeinen wirken Michelangelos Zeichnungen unvollendet, so dass sie nur für die Herstellung des Hauptwerks von Nutzen zu sein scheinen, da sie nur in wenigen Fällen auch im Detail umgesetzt wurden, wodurch durch die Umwandlung in komplexe Werke Kompositionen entstanden sind, die die Der Meister schenkte es Freunden und Kollegen. Ein Beispiel für die Zeichnung des toskanischen Genies ist Il sogno (Der Traum), eine der bekanntesten Zeichnungen der italienischen Renaissance, deren rätselhafte und schwer fassbare Bedeutung wahrscheinlich mit der Traumwelt verbunden ist, die durch die Darstellung wiedergegeben wird eines geflügelten Geistes, der herabstürzt, um einem nackten jungen Mann eine Botschaft zu überbringen, der den oberen Teil seiner Figur auf einen Globus legen will, der seinen Platz über einer Kiste mit rätselhaften Masken findet. Den Hintergrund dieser Komposition bilden mehrere Gruppen verdrehter Körper, die sich in den Dämpfen eines eher trüben Dunsts verlieren. In diesem Zusammenhang könnte die Hauptfigur des Akts als Personifizierung des menschlichen Bewusstseins interpretiert werden, das aus einem Traum erwacht, um sich der Tugend zu widmen und dabei auf das Laster zu verzichten, was möglicherweise durch die mehreren Figuren im Hintergrund dargestellt wird. Schließlich scheinen weitere Symbole der Sack voller Geld zu sein, der auf Geiz anspielt, und die Masken, Sinnbilder von Täuschung und Lüge. Das Ergebnis ist ein Werk, das Michelangelos außergewöhnliche Fähigkeiten als Zeichner bezeugt, als Künstler, der in der Lage ist, komplexe und kraftvolle Kompositionen zu schaffen, in denen Fleisch mit fast unsichtbaren Strichen geformt und mit festen Konturen definiert wird, bereit, das Wunder der skulpturalen Kunst hervorzurufen. Schließlich handelt es sich beim letzten Meister um Raffael, einen Künstler, der sich, um sich auf die Worte von Giorgio Vasari zu berufen, intensiv mit innovativen Kompositionen beschäftigt hat, und zwar gerade durch das Medium der Zeichnung, einer Technik, die in der Renaissance als Kunsttechnik anerkannt wurde autonome Kunstform und daher auch wie Gemälde kommerzialisiert. Dennoch betrachtete Raffael die Zeichnung weiterhin nur in wenigen Ausnahmefällen als fertiges Werk und nutzte sie meist für utilitaristische Zwecke, das heißt als Modell für die spätere kreative Entwicklung, die ausschließlich in der Malerei, sei es Fresko, Leinwand oder …, umgesetzt werden sollte Panel. Ein Beispiel für die Zeichnung des italienischen Meisters ist Giovane donna seduta al parapetto di unafinera e altri studi, di figura e architettonici (1511-1514), ein im Gabinetto dei Disegni e delle Stampe degli Uffizi (Florenz) aufbewahrtes Werk, in dem a Die auffällige Frauenfigur, die dem Titel entsprechend positioniert ist, wird von der Engelsstudie begleitet, die für das Fresko mit der Apparizione di Dio a Mosè (Erscheinung Gottes bei Moses) im Gewölbe der Stanza di Eliodoro (Heliodorus-Raum) im Vatikan angefertigt wurde und Architekturskizzen. Abgesehen von italienischen Genies wird die Erzählung über das Zeichnen in der Kunstgeschichte durch die Werke von Artmajeur-Künstlern wie Alexander Boytsov, Philippe Alliet und Francesco Marinelli fortgesetzt.
SCHWARZ. METAMORPHOSE. ABSTRAKTION (2021)Zeichnung von Vesta Shi.
GEBURT (2023)Zeichnung von Alexander Boytsov.
Alexander Boytsov: Geburt
„Noch ein Moment und ein Lichtstrahl wird Sie berühren“: Mit diesen Worten leitet Alexander Boytsov, Künstler von Artmajeur, seine Geburt ein, eine Zeichnung, in der, wie er selbst sagte, die Anwesenheit von Licht, einer physischen Einheit, fähig ist Durch seine Anwesenheit und Abwesenheit werden scharfe und ausgedehnte Schatten konstruiert, wobei in diesem Fall die Volumina des Körpers einer Tänzerin, die sich auf den Zehenspitzen bewegen will, während sie ein klassisches Tutu trägt, gut hervorgehoben werden. Gerade diese Verstärkung der Funktion des Lichts hat mich an einige ikonische Fotografien erinnert, deren Ziel es ist, das Binomial Zeichnung-Helligkeit konkret und „greifbar“ zu machen: Ich spreche von Pablo Picassos „Zeichnungen des Lichts“, die durch die bekannten Aufnahmen verewigt wurden von Gjon Mili, ein Symbol für die brillante Begegnung dieser beiden großen Vertreter der Kunst des 20. Jahrhunderts. Um die Geschichte der fraglichen „Lichtzeichnungen“ nachzuzeichnen, besuchte Gjom Mili, ein 1904 geborener albanischer Fotograf und Innovator auf dem Gebiet der Beleuchtung, Picasso im Jahr 1949, als dieser sich in Südfrankreich aufhielt, einem Ort, an dem die Der Fotograf machte den Maler auf seine neuesten Experimente aufmerksam, bei denen es um die Darstellung von Eisläufern ging, die sich mit speziellen Lichtern an ihren Schlittschuhen in der Luft zeichnend bewegten. Der spanische Meister, der von einem solchen Projekt begeistert war, schlug die Durchführung einer ähnlichen 15-minütigen Fotosession vor, auf die fünf Sitzungen folgten, in denen er sein Bestes tat, um in der Atmosphäre einige Skizzen in Form von Lichtspuren nachzuzeichnen als Motive die beliebtesten Motive seiner Arbeit, darunter Zentauren, Stiere und griechische Profile. Der Kontrast zwischen der Dunkelheit und der Helligkeit der Zeichnung wurde durch die Anordnung zweier Kameras in einem abgedunkelten Raum wiedergegeben, von denen die erste für die Seitenansicht und die andere für die Vorderansicht verwendet wurde.
Philippe Alliet: Rebellenpferd 032
Der Wettbewerb und die Dynamik der „unvollständigen“ Pferde des Artmajeur-Künstlers Philippe Alliet stehen im Einklang mit einem der bekanntesten zeichnertechnischen Experimente von Henri de Toulouse-Lautrec. Gleichzeitig steht das Rebellenpferd 032 in starkem Kontrast zu einem deutlich statischeren Meisterwerk desselben Meisters sowie zu einem anderen von Leonardo da Vinci. Apropos rennendes Pferd: Der französische Meister hat dieses Thema in „Sheet of Sketches“ (ca. 1881) angefertigt, einem Graphit, in dem eine bürgerliche Jungfrau rittlings auf ihrem Pferd Hürdensprünge macht, mit der Absicht, in einer Bewegung zu springen, die sich im Schwung wiederholt von zwei winzigen, flinken Hündchen. Die Dynamik, die sowohl das Skizzenblatt als auch die Artmajeur-Tinte des Künstlers auszeichnet, hört in „Eine Frau und ein Mann zu Pferd“ (1879-81), einer Zeichnung von Toulouse-Lautrec, auf zu existieren, in der man den Einfluss beider findet der erste Meister des Künstlers, der Sportler René Princeteau, und der Einfluss der modischen Figuren, die Henri möglicherweise vom Familienanwesen in Albi aus beobachtet hat. Zur Stille von „Eine Frau und ein Mann zu Pferd“ gesellt sich die Stille von „Studien über Pferde“ mit Silberstift auf blauem Papier von Leonardo da Vinci, einem Genie, das das betreffende Säugetier ebenfalls dynamischer darstellte, wie aus den Zeichnungen hervorgeht, die in entstanden sind den Kontexten von Schlachten sowie in den einzelnen Figuren von Pferden und Pferden und Reitern.
FRANZÖSISCHES DORF (2023)Zeichnung von Francesco Marinelli.
Francesco Marinelli: Französisches Dorf
Francesco Marinellis Tusche auf Papier mit dem Titel „Französisches Dorf“ greift ein Thema auf, das der Kunstgeschichte am Herzen liegt, nämlich das der Aussicht, das im Kontext kleiner Städte sicherlich auf das Beispiel von Rembrandt, dem Autor von „Die Windmühle“, verweist (1641), ein Werk, in dem er die Kunst des Zeichnens auf einer Metallplatte übte, die später durch das Tiefdruckverfahren der Radierung korrodierte. Abgesehen von der Technik stellt das Meisterwerk von 1641, ähnlich wie das von Marianelli, die Realität der Stadt sehr detailliert dar, obwohl im Werk des Niederländers die Grenze zwischen Dorf und Land etwas verschwimmt, da es hauptsächlich die Mühle zeigt, die sich auf der Bastion De passeerde befand. liegt entlang der Stadtmauer, die die westliche Grenze von Amsterdam verlief. Dieser Ort, Heimat der Zunft der Lederarbeiter, die sich damit beschäftigt, gegerbtes Leder durch die Behandlung mit Lebertran weicher zu machen, wurde so sorgfältig gefertigt, dass es den Anschein hat, als ob die Arbeit beobachtet, studiert und aus dem Leben heraus begonnen wurde, und zwar und dann fertig im Studio. Von der Zeichentechnik losgelöst sind schließlich die diagonalen Streifen im Himmel, die durch das Auftragen von Säure auf den Teller entstehen und einen atmosphärischen Effekt erzeugen sollen.
Olimpia Gaia Martinelli
