Musik und Kunst: eine Verbindung, die seit Jahrhunderten Bestand hat

Cébé, Himmlisches Klavier , 2014. Acryl auf Leinwand, 80 x 80 cm.

Musik und Kunst stellen zweifellos zwei verwandte Disziplinen dar, die durch die Immaterialität des Klangs und die Verzauberung der Bilder menschliche Gefühle und Erfahrungen offenbaren können, sowohl in ihrer positiven und freudigen Seite als auch in ihrer eher introspektiven und ernsthafte. Gerade wegen dieser Besonderheiten spielen die oben genannten Künste seit der Antike eine herausragende Rolle, insbesondere seit den Anfängen der klassischen Zivilisationen, als aus ihrer Vereinigung zwei unterschiedliche Kombinationen hervorgingen: Kunst, die Musik erzählt, und Kunst, die Musik unterstützt. Hinsichtlich des letztgenannten Aspekts genügt es, auf die griechischen und römischen Amphitheater und Theater zu verweisen, wie zum Beispiel das Theater von Epidaurus (Epidaurus, Griechenland), das im 4. Jahrhundert v. Chr. erbaut wurde und ein architektonisches Meisterwerk darstellt mit dem Ziel, die Akustik zu maximieren.

Polyclitus der Jüngere, Theater von Epidaurus, 340 v. Chr., Epidaurus.

Was andererseits die Kunst betrifft, die die Geschichte der Musik erzählt, wurde diese Paarung im Laufe der Jahrhunderte durch die Arbeit bedeutender Maler, Grafiker und Bildhauer verwirklicht, die mit dem Ziel, sowohl Musiker als auch Musikinstrumente zu verewigen, haben folglich auch ihre Entwicklung dokumentiert. In ihren frühesten Beispielen wird uns diese Geschichte von den Statuetten und Vasen früher mediterraner Zivilisationen erzählt, genau wie der Leierspieler aus dem 2. Jahrtausend v. Chr. Von den Kykladen. Die letztere Marmorfigur, die einen Mann darstellt, der die Leier spielen will, wurde in der reinsten geometrischen Schematisierung der für die kykladische Kunst typischen menschlichen Form hergestellt. Um das Verhältnis zwischen Kunst und Musik in der hellenischen Welt darzustellen, können wir dagegen die rotsäulenige Amphore mit schwarzem Grund und der Darstellung des leierspielenden Orpheus, ein Gefäßwerk aus Attika, das heute im Pergamonmuseum aufbewahrt wird, als Beispiel nehmen in Berlin. Derselbe „musikalische“ Mythos wird auch in der römischen Welt und insbesondere im Mosaikboden des Archäologischen Museums in Palermo wiederhergestellt, der mit Orpheus geschmückt ist, der von Tieren umgeben ist . Dem Beispiel des antiken Roms gehen jedoch die etruskischen Fresken in der Nekropole von Tarquinia voraus, die einen eher spielerischen Aspekt der Musikwelt hervorheben können, da sie von Tänzern begleitete Leier- und Aulosspieler unsterblich machen.

Leierspieler , 2. Jahrtausend v. Chr., Marmor. Athen: Nationalmuseum. Orpheus umgeben von Tieren , 1. - 2. Jh. v. AD, Römisches Bodenmosaik. Palermo: Archäologisches Museum.

Die Geschichte der Verbindung von Kunst und Musik setzt sich bis ins Mittelalter fort, als neben Gemälden und Skulpturen auch illuminierte Handschriften zu einem wichtigen Medium der musikalischen Wissensvermittlung wurden, so wie die Remède de Fortune des Dichters und Musikers Guillaume de Machaut, die seit dem 14. Jahrhundert eine der umfassendsten künstlerisch-literarischen Quellen zu diesem Thema darstellt. Ebenfalls aus dieser Zeit stammend, sind auch die Portale romanischer und gotischer Kathedralen zu erwähnen, die vielfach mit Musikinstrumenten bewaffnete Engel- oder Heiligenfiguren beherbergen. Beispiele für diese Verbindung von Kunst, Religion und Musik sind das Portal von St. Anne in Notre Dame in Paris und das Portal of Glory in Santiago de Compostela.

Guillaume de Macaut, Remede de Fortune , 4. Jh., illuminierter Codex.

Einige Jahrhunderte später, genauer gesagt im späten 15. Jahrhundert, erzählten einige der größten flämischen Meister die Welt der Musik durch Kunst, so wie es in Hans Memlings Musikengel (um 1485) und Hieronymus Boschs Der Garten des Irdischen zu sehen ist Freuden (1480-1490). In letzterem Gemälde jedoch scheinen die Instrumente, die auf der rechten Seite des die Hölle darstellenden Triptychons platziert sind, auf den Klang einer Melodie anzuspielen, die alles andere als angenehm ist, d Kombination von Noten, die in das Pentagramm transkribiert wurden, das in der Arbeit vorhanden ist. Wie Bosch zeigte sich auch Caravaggio in dem Gemälde Ruhe auf der Flucht nach Ägypten von 1595 sehr aufmerksam gegenüber den Botschaften der Partituren. Tatsächlich wird das Notenblatt einer präzisen Melodie, das des flämischen Komponisten Noel Bauldewijn, basierend auf dem Text des Hohelieds und mit dem Titel „Quam pulchra es“, in Josephs Händen gegeben.

H. Bosch, Der Garten der Lüste , 1480. Öl auf Holz. Madrid: Prado-Museum.

Caravaggio, Ruhe auf der Flucht nach Ägypten , 1595. Öl auf Leinwand. Rom: Galerie Doria Pamphilj.

Das 19. Jahrhundert, das eine Zeitspanne von etwa zwei Jahrhunderten überspringt, ist durch eine sehr intime Sicht auf die Beziehung zwischen Kunst und Musik gekennzeichnet; Tatsächlich erweisen sich die in dieser Zeit porträtierten Spieler als gesammelter in ihren Studien und folglich in ihrer Welt. Ein Beispiel dafür ist Thomas Coutures Der Dudelsackspieler , der, völlig in seine Praxis vertieft, sich nicht um seine Umgebung kümmert. Schließlich ist es wichtig hervorzuheben, wie das Kunst-Musik-Paar mit Beginn des 20. Jahrhunderts von den Avantgarden, unerbittlichen Trägern beispielloser Visionen der Realität, unauslöschlich verändert wurde. Eine emblematische Demonstration dessen, was gerade bestätigt wurde, ist die Gitarre von Pablo Picasso (1912-1913), die derzeit im MOMA in New York aufbewahrt wird und eine dreidimensionale Idealisierung der Musik darstellt, die darauf abzielt, "Konkretheit" durch ein greifbares Volumen zu erlangen, Dicke und formen. Hinzu kommt, dass das erwähnte Meisterwerk, da es durchaus in der Lage ist, Klänge wiederzugeben, nicht mehr nur ein Kunstwerk darstellt, sondern auch ein Medium ist, das die Existenz eines Instruments zum Ausdruck bringt.

Kristof Toth, Diptychon-Skulptur Cellist + Harfenspieler , 2020. Skulptur, Bronze auf Stein, 52 x 30 x 15 cm / 10,00 kg.

Karen Axikyan, Melody , 2020. Skulptur, Metalle auf Metall, 41 x 26 x 10 cm / 1,20 kg.

Die Verbindung von Kunst und Musik in den Werken der Künstler von Artmajeur

Das zeitlose Muttermal, die Geschichte der Musikwelt durch Kunst zu erzählen, setzt sich bis heute fort; Tatsächlich belebt dieser Wunsch die Arbeit vieler zeitgenössischer Künstler, darunter die von Artmajeur, die sich oft von den größten figurativen Beispielen der Vergangenheit inspirieren ließen. Dieser Wille, der höchsten Kunsttradition nachzueifern, wird jedoch von einem starken Wunsch nach Innovation begleitet, der darauf abzielt, die historische Verbindung zwischen Kunst und Musik zu bereichern, und der sich in den Kunstwerken von Pierre Duquoc, Massimo Iacovelli und Jamie Lee gut manifestiert.

Pierre Duquoc, Ghost #36 , 2022. Fotografie, Manipulierte Fotografie / Digitale Fotografie auf Papier, 50 x 75 cm.

Pierre Duquoc: Geist Nr. 36

Pierre Duquocs Aufnahme mit dem Titel Ghost #36 fängt eine Geigenspielerin mit einer etwas paradoxen Technik ein; Tatsächlich ist es, wie der Künstler selbst behauptete, für einen Fotografen nicht üblich, seine Werke unscharf machen zu wollen. In Wirklichkeit treibt Duquoc den erwähnten Widerspruch aber noch weiter, indem er die Unschärfe aus ursprünglich scharfen Aufnahmen nachbildet. Dieses Verfahren verfolgt die Absicht, das kleine Verschwinden des Alltags zu untersuchen, also jene flüchtigen Momente, die in unserem Gedächtnis festgehalten und gespeichert werden, die anschließend in Erinnerungen umgewandelt werden. Aufführungen auf der Bühne, die oft von repetitiven und geordneten Bewegungen geprägt sind, erweisen sich als besonders geeignet, den Begriff der Reminiszenz wiederzugeben, auch weil die Musiker nach der Aufführung eine Art „Verschwinden“ erzeugen, das Nachstellungen begünstigt. Auf der anderen Seite hat Ghost #36 in Bezug auf die Kunstgeschichte mehrere Affinitäten zu Giacomo Ballas The Hands of the Violinist , einem Gemälde, in dem der italienische Meister durch einen optischen Effekt, der einer fotografischen Unschärfe nahe kommt, die Bewegung eines Musikers einfing .

Massimo Iacovelli, Formidable , 2022. Holzskulptur, 74 x 24 x 24 cm.

Massimo Iacovelli : Beeindruckend

Iacovellis Skulptur, die mit einer echten Geige hergestellt wurde, ist das Ergebnis der Zerlegung des letzteren Musikinstruments, das darauf abzielt, beim Betrachter multiple, fragmentierte und sezierte Visionen des Objekts zu erzeugen. In diesem Zusammenhang präsentiert sich das Kunstwerk dem Betrachter in seiner ganzen Relativität, indem es das bekannte Bild einer Geige auf eine nie dagewesene und unkonventionelle Weise, losgelöst von jeder Gewohnheit, neu präsentiert. Darüber hinaus erinnert Formidable an Armans ikonische zerlegte Geigenskulpturen, die mit dem gleichen Zweck konzipiert wurden, gleichzeitig verschiedene Formen und Perspektiven in einem einzigen Objekt zu zeigen. Der oben erwähnte französische Meister, der zusammen mit anderen Künstlern wie Yves Klein und Jean Tinguely von Nouveau Réalisme ein Exponent war, hatte die Angewohnheit, reale und veraltete Objekte wiederzugewinnen, um sie in ihre Formen zu zerlegen, indem er ihre Wahrnehmung veränderte und ihre Essenz enthüllte. So erweisen sich die Eigenheiten von Iacovellis Werk als höchst verwandt mit höchster kunsthistorischer Tradition.

Jamie Lee, Buddy Rich , 2022. Acryl / Sprühfarbe auf Leinwand, 70 x 70 cm.

Jamie Lee: Kumpel Rich

Jamie Lees Pop-Gemälde zeigt den berühmten amerikanischen Schlagzeuger und Bandleader Buddy Rich in einem von Roy Lichtenstein entlehnten Stil. Eine solche Themenwahl sollte uns nicht überraschen, da die Pop-Art schon immer eng mit der Musikwelt verbunden war; Tatsächlich tendierten die populärsten Kulturformen seit dem 20. Jahrhundert in Richtung Multimedia, dh die Kombination von Wörtern, Musik, Bildern und Tanz, die komplexe künstlerische Ergebnisse hervorbrachte. Darüber hinaus nahm die genannte Bewegung in ihrer ständigen Bezugnahme auf die Moderne und neue Massenphänomene offensichtlich Rücksicht auf die Musik und ihre Protagonisten. Unübersehbare Bezüge zur Musikwelt finden sich in den Arbeiten von Peter Blake, David Hockney, Richard Hamilton und Andy Warhol, sodass das Schaffen des Künstlers von Artmajeur in eine große Tradition eingebettet ist.