Wie man sich von einem weißen Teil abhebt...

Die versiegelten Fenster, die Decke, die zur Lichtquelle wird, und die weißen Wände werden innerhalb eines Raums vorgeschlagen, dessen Eigenschaften den Ausschluss von der Außenwelt fördern, da die Kunst, die in ihr Disposition und Leben findet, freigelassen werden muss sich auszudrücken, jene Ablenkungen durch Möbel zu vermeiden, denen nur der oben erwähnte hermetische Behälter, bekannt unter dem Namen White Cube, entkommen kann, und die Erhaltung von Meisterwerken in einer offenen und bloßen Umgebung fördert, die in einer ewigen zeitlichen Dimension wiedergegeben wird, immun gegen äußere Veränderungen . Dies ist die Geschichte einiger Ergebnisse, die der Modernismus in die Ausstellungsrealität gebracht hat, verwandelt in minimalistische weiße Behälter, in denen Werke derselben Farbe einfach mit den Wänden verwechselt werden könnten, obwohl uns Vasily Kandiskys Worte verständlich machen, wie weiß in seiner scheinbare „Stummheit“ kann „uns als eine große Stille auffallen, die absolut scheint“. Tatsächlich gibt es mehrere Meisterwerke, die es uns ermöglichen, die evokative, symbolische usw. Kraft des oben genannten Farbtons zu verstehen, der in der Lage ist, sich kraftvoll von der Wand des gleichen Farbtons abzuheben und sich durch seine intrinsische Bedeutung scharf abzuheben, als sowie seine vielen und wenig bekannten Nuancen. Als Beweis für die letzteren Aussagen möchte ich auf die Arbeiten in Weiß von Kazimir Severinovič Malevič, Piero Manzoni, Alberto Burri und Lucio Fontana hinweisen und darauf hinweisen, dass diese Farbe in der früheren christlichen Kunst hauptsächlich in den Gewändern von Gottheiten verwendet wurde sowie in den kleinen tonalen Flecken des Impressionismus, in der abstrakten, konzeptuellen und minimalistischen Kunst, andererseits wurde damit in großen Leinwänden experimentiert, um Inhalte durch die Darstellung von Begriffen zu generieren, die auf verschiedene Weise ausgedrückt werden, wie z B. Schnitte in Leinwänden oder Materialien, die von Textilien und Gegenständen stammen. Ausgehend von Malevič bietet uns das Beispiel der obigen Aussage seine suprematistische Komposition: Weiß auf Weiß, Öl auf Leinwand von 1918, in der ein weißes Quadrat leicht in einem weißen Feld schwebt, ein Werk, das, während es "ein unpersönliches " und unwirkliche geometrische Abstraktion, hebt die Hand des Künstlers hervor, dessen Ausführungsgesten aus der Textur des Gemäldes, in den subtilen chromatischen Variationen und in der asymmetrischen geometrischen Figur sickern. Diese Interpretation des Farbtons von Reinheit und Frieden bringt uns zu einer klaren Erklärung des Interesses des Meisters an Technologie und dem Flugzeug, so sehr, dass die Verwendung von Weiß einen zurück in den Himmel bringt, der von letzterem Transportmittel überquert wird, und den Betrachter einlädt sich in einer transzendentalen und unendlichen Dimension zu verlieren, der Heimat höherer Gefühle sowie der Wiege einer utopischen Welt der reinen Form. Solche Gefühle wurden später in einem ein Jahr später entworfenen Manifest des Künstlers zusammengefasst, in dem er erklärte, er habe "die Bedeckung des farbigen Himmels überwunden", um "im weißen und freien Abgrund" zu schwimmen, in dem die Unendlichkeit vor ihm liege. Der Mailänder Künstler, der sich dem Italiener Manzoni zuwendet, ist der Schöpfer der Serie von weißen Gemälden, oder eher als farblos zu verstehen, mit dem Titel Achrome, die ein klares Manifest darstellt, das als neutrale und wesentliche bildliche Suche zu verstehen ist es wird nicht versucht, eine existentielle oder emotionale bewegung auszudrücken, sondern eine tendenz zum absoluten, ein konzept, das mit dem relativen denken konfrontiert wird, mit dem der theoretische status des kunstwerks wahrgenommen wird. Darüber hinaus ermöglicht Manzonis Weiß innerhalb der Grenzen des Mediums die Realisierung eines Fragments der Unendlichkeit, das der Betrachter sich bemühen muss, sich in seiner absoluten Unermesslichkeit vorzustellen.

HINTER DEN KULISSEN (2022) Gemälde von Valeriya Avtukhova.

KOMPOSITION (2023) Gemälde von Claudia Amadesi.

Ein weiterer Italiener in "Weiß" ist Alberto Burri, ein Meister, der sein Interesse an der oben erwähnten Chromatik in einigen seiner Cretti konkretisierte, Werke, die aus einer Mischung verschiedener Materialien entstanden sind, die, wenn sie getrocknet wurden, außerhalb einer spontanen kreativen Aktion standen, um die Kontrolle des Künstlers zu fördern, der in der Lage ist, die chromatischen und kompositorischen Ergebnisse zu studieren. Das Ergebnis ist ein Werk von starkem plastischem Wert, in dem die Tiefe und Dicke der Schlitznetzwerke vielfältige Licht- und Formeffekte erzeugen, die in weißen oder schwarzen Monochromen wiedergegeben werden. Bei ersterem erlaubt der helle Farbton eine klare Unterscheidung der verschiedenen Fragmente, während die dunkle Farbe die Ränder der Steinchen in Dunkelheit hüllt, die in beiden Fällen nicht auf eine Wundfurche, sondern auf die anspielen sollen konservierender Abbau, in dem viele wichtige Öle aus unserer Vergangenheit zu finden sind. Darüber hinaus erinnern die Risse in den Cretti auch an die Besonderheiten der Landschaft des amerikanischen Südwestens, denn in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren entwickelte Burri eine Faszination für das Wattenmeer des Death Valley, einem Ort, an dem er diese typischen Spalten fand , dem er später eine Art Allegorie auf die Traumata des faschistischen Regimes und der industrialisierten Kriegsführung gegenüberstellen wollte, Ereignisse, die sein Leben und Werk unauslöschlich prägten und die er in den Cretti gekonnt wieder aufnahm. Schließlich kommen wir zu Lucio Fontana, Autor des Manifesto Bianco, einem Text, der den oben genannten Farbton als Titel verwendete, um die Bedeutung neuer Technologien für die Künste sowie die Suche nach der Integration von Kunst und Kunst zu fördern und hervorzuheben Wissenschaft. In letzterem Zusammenhang ist Weiß als repräsentativster Farbton für die Geschwindigkeit des unaufhaltsamen Fortschritts zu verstehen, eine formbare und lichterfüllte "Substanz", die die Entwicklung einer vierdimensionalen Kunst ermöglichen kann, also wieder in Bezug auf Fontana , ein Werk, das eng mit den Dimensionen von Zeit und Raum verbunden ist. Abschließend bringe ich als Beweis für die aktuelle Popularität von Weiß in der zeitgenössischen Kunst als Beispiel die Arbeit einer Reihe von Artmajeur-Künstlern, nämlich Vincent Sabatier (VerSus), Alina Shevchenko und Natalia Moreva (Наталья Морева).

ROBOCLUSION ONLY WHITE (2022) Skulptur von Vincent Sabatier (VerSus).

Vincent Sabatier (VerSus) : Roboclusion nur weiß

Weiß drängt sich in unseren Köpfen als die Farbe der Bildhauerei schlechthin auf, eine Kunst, in der es seit Jahrtausenden dominiert, und bleibt in unserer Vorstellung durch das Weiß des Marmors, des metamorphen Steins, aus dem Michelangelo einen der ikonischsten hervorbrachte, immer noch intakt Skulpturen überhaupt, nämlich der David, ein Meisterwerk, das kurz nach seiner Vollendung seine Bedeutung änderte. Tatsächlich wissen nur wenige, dass das Werk ursprünglich als Dekoration für einen der Strebepfeiler der Kathedrale von Florenz gedacht war, aber nach einigen Problemen mit seinem ursprünglichen Standort und einem Treffen, an dem Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Filippino Lippi teilnahmen, Piero di cosimo, Il Perugino usw. wurde es aufgrund seiner Größe und seines künstlerischen Werts in der Nähe des Eingangs zum Palazzo Vecchio aufgestellt, wo heute eine Reproduktion aus dem 19. Jahrhundert steht. Um auf die Diskussion des Bedeutungswandels zurückzukommen: Neben dem Ortswechsel übernahm der David nach der Vertreibung der Medici, Gönner, die dem Werk einen religiösen Wert beigemessen hatten, eine politische „Funktion“ und wurde zum Symbol der Sieg der Florentiner Republik über die Tyrannei. Die weiße Skulptur, die das Meisterwerk kurz beschreibt, stellt den jungen David dar, der stolz auf die Vollendung seiner kriegerischen Tat gegen den Riesen Goliath in der Vollständigkeit seiner Form und seines Stehens, das heißt still und stehend, während seines Blicks verewigt wurde scheint auf einen fernen und unbestimmten Punkt gerichtet zu sein. Einem solchen Bericht möchte ich mit unendlicher Vorstellungskraft Sabatiers weiße Harzskulptur gegenüberstellen, die durch die gesamte Definition des Körpers einer Minifigur ein Sprecher der Werte der Moderne ist, innerhalb derer der Mensch Die Figur ist nun mit einem extrem konsumorientierten Kontext verschmolzen, der nicht nur die Merkmale der Menschheit, sondern auch die der Kunst verändert hat.

WHITE SHADOWS Nº 4 (2023) Gemälde von Alina Shevchenko.

Alina Shevchenko: Weiße Schatten Nr. 4

Obwohl Flaggen das grundlegende Symbol nationaler Identität darstellen, wissen nur wenige Menschen, wie Jasper Johns, ein 1930 geborener amerikanischer Künstler, die Flagge seines Landes weiß färbte und White Flag schuf, ein Enkaustik-Gemälde von 1955, das Teil einer Reihe von Werken war, die von inspiriert wurden ein amerikanischer Traum und Stars and Stripes. Trotz der Wiederkehr dieses Themas im Werk des Meisters stellt White Flag seine erste monochromatische Interpretation dar, die durch die Erforschung eines Objekts mit einer einfachen geometrischen Struktur, aber komplexer symbolischer Bedeutung realisiert wurde, das durch Collage wiedergegeben wurde, um seine Flachheit zu verzerren, während die weiße Enkaustik ihre übliche Färbung löscht und sie in eine Art "Geist" verwandelt. Schließlich eignete sich Johns' Neo-Dada-Arbeit ein bekanntes Bild an, um es von seinen ikonischen Eigenschaften zu befreien, das heißt, es in eine atypische vertraute Darstellung zu verwandeln, die das Verständnis des Betrachters für die Identitätsfrage herausfordern sollte. Andererseits wird eine klare patriotische Botschaft von Shevchenkos White shadows No. 4 vorgeschlagen, einem Acryl, das in der Weißheit der oben erwähnten Chromatik diesmal die Merkmale der ukrainischen Ornamente wieder vorschlägt, die dargestellt werden, um die zu vereinen alte Traditionen mit der Gegenwart des Landes, an die der Künstler nostalgisch an die weißen Häuser der Bauern erinnert, die Texturen von Holz, Lehm, die Farben von Erde und Heu, Leinen, den Geruch des Ofens usw.

CORSET 2 (2023) Gemälde von Natalia Moreva (Наталья Морева).

Natalia Moreva (Наталья Морева): Korsett 2

In Morevas Arbeit wurde Weiß verwendet, um die Merkmale eines sinnlichen Korsetts zu konstruieren, eines Frauenkorsetts, das, von den Brüsten bis zum Gesäß reichend, die Brennpunkte der weiblichen Sinnlichkeit auf natürliche Weise umrahmt und die Farbe der Reinheit in die der erotischsten verwandelt Verlockung. Tatsächlich wurde die Unbefleckte Jungfrau Maria, wenn man in der Erzählung der Kunstgeschichte rückwärts geht, oft in weißen Gewändern dargestellt, so wie es zum Beispiel in Giambattista Tiempolos Meisterwerk mit dem Titel Unbefleckte Empfängnis (1696-1770), einem Öl auf Leinwand, offensichtlich ist bei der Darstellung der Madonna, die, umgeben von Engeln, mit einer Sternenkrone gekrönt ist, während sie auf eine Schlange tritt, letztere ein Symbol ihres Sieges über den Teufel. Die klassischsten Embleme der Ikonographie der Unbefleckten Empfängnis sind jedoch Wolken, Engel, Lilien und die Rose. Darüber hinaus ist es angesichts der Osterzeit gut, hervorzuheben, wie oft Weiß den Zügen des auferstandenen Christus Leuchtkraft verleiht, so wie in Giottos Auferstehung und Noli me tangere, einem Meisterwerk aus der Zeit um 1303, in dem eine Doppelepisode zu sehen ist abgebildet: Das erste, links von der Stütze platziert, stellt das leere Grab Jesu mit sitzenden Engeln und schlafenden Wächtern dar, die die Auferstehung bezeugen, während das zweite, rechts platziert, durch die Anwesenheit von Magdalena bereichert wird, a kniende Figur vor dem Erscheinen des über den Tod triumphierenden Christus, der ihr mit einem Kreuzzugsbanner mit dem Satz "Noli me tangere" (Berühre mich nicht) sagt, sie solle ihn nicht berühren.