Die Geburt
Weihnachten, der Tag, an dem die Geburt Jesu Christi gefeiert wird, wurde durch viele berühmte Kunstwerke verewigt, die die Geburt Christi darstellen, von denen das älteste wahrscheinlich der Stuck ist, der in den Katakomben von Priscilla in Rom aus dem dritten Jahrhundert erhalten ist . Dieses frühchristliche Werk zeichnet sich dadurch aus, dass es besonders und nicht kanonisch ist, da es Maria und Jesus in Begleitung eines Propheten zeigt, die auf einen Stern zeigen, ein Symbol für das Kommen Christi auf Erden. Tatsächlich hebt sich diese Darstellungsweise deutlich von der traditionellen ab, die etwa zwei Jahrhunderte später die Jungfrau und das Kind in Gesellschaft des Engels, der Hirten und Josefs unsterblich gemacht hat. Repräsentative Beispiele für das Gesagte sind die Geburt zwischen den Propheten Jesaja und Hesekiel von Duccio di Buoninsegna, die Geburt Jesu von Giotto und die Anbetung der Hirten von Rubens. Später jedoch bereicherten die verschiedenen Künstler, die sich mit diesem Thema befassten, die obige Komposition mit weiteren Details und persönlichen Neuinterpretationen, wie die Mystische Geburt Christi von Botticelli, die Anbetung des Kindes von Perugino, die Geburt und Anbetung der Hirten von Ghirlandaio, die Geburt Christi von El Greco und die Geburt Christi mit den Heiligen Laurentius und Franz von Assisi von Caravaggio.
Geburt , 3. Jahrhundert. Stuck, Rom: Katakomben von Priscilla.
Duccio di Buoninsegna, Geburt zwischen den Propheten Jesaja und Hesekiel , 1308-13011. Tempera auf Holz, 43,8 × 111 cm. Washington: Nationale Kunstgalerie.
Pieter Paul Rubens, Die Anbetung der Hirten , 1608. Öl auf Leinwand, 300×192 cm. Fermo: Pinacoteca Civica.
Sandro Botticelli, Mystische Geburt , 1501. Tempera auf Leinwand, 108,5 × 75 cm. London: Nationalgalerie.
Domenico Ghirlandaio, Geburt und Anbetung der Hirten , 1485. Tempera auf Holz, 167 x 167. Florenz: Basilika Santa Trinita .
Giotto di Bodone, Geburt Jesu , 1303-1305. Fresko, 200 x 185 cm. Padua: Scrovegni-Kapelle.
Giotto: Die Geburt Jesu
Zu den beliebtesten Krippen der Kunstgeschichte gehört sicherlich die von Giotto, Teil des Freskenzyklus, der in den Geschichten Jesu die Scrovegni-Kapelle in Padua (Italien) schmückt. Tatsächlich ist es diesem Werk, das zum Bezugspunkt für die Künstler der folgenden Generationen geworden ist, gelungen, eine der traditionellsten Ikonographien der christlichen Kunst durch eine beispiellose Einfachheit und Menschlichkeit zu erneuern. Was die Menschheit anbelangt, zeigt sich dies sowohl im Gesicht Marias, das ihren Sohn liebevoll ansieht, als auch in der Haltung der Anbetung, die die Tiere dem Neugeborenen entgegenbringen. Zu diesen Gefühlen gesellt sich das Staunen der Hirten, die Freude der Engel und die meditative Gelassenheit Josephs. Alle diese Figuren zeichnen sich durch eine raffinierte, gemessene Schönheit und regelmäßige Züge aus, die auf die klassische Welt verweisen. Giottos Meisterwerk ist jedoch nicht nur innovativ für die Wiederherstellung der antiken Kunst und den Wunsch, das heilige Ereignis zu humanisieren, sondern auch für seine räumliche Erforschung, Perspektive und Plastizität seiner Charaktere. Was die Beschreibung des Werks betrifft, so spielt eine solche Krippe an einem felsigen Ort, wo sich die Hütte befindet, in der Maria, Jesus und eine Frau, eine neue Figur in der Geschichte, die sich anbietet, der Jungfrau mit ihrem Neugeborenen zu helfen Sohn, tritt stark hervor. In Bezug auf die anderen Figuren ist Joseph weit entfernt von seiner Familie gemalt, dh im unteren Teil des Freskos, um seine Unterordnung unter den göttlichen Vater Christi hervorzuheben. Der Ochse und der Esel befinden sich jedoch auf der linken Seite des Werks, während auf der rechten Seite die beiden Hirten dargestellt sind, die darauf bedacht sind, mit einem Engel zu sprechen, der sie über das freudige Ereignis informiert. Schließlich finden wir vier Engel, die über der Hütte schweben und beten wollen.
Marc Chagall, Die Geburt , 19011. Öl auf Leinwand, 46×36 cm. Privatsammlung.
Marc Chagall: Die Geburt
Das Thema der Geburt Christi wurde auch in seiner säkularen Version untersucht, wie beispielsweise in Marc Chagalls Werk The Birth und Salvador Dali's Geopolitical Child Looks at the Birth of the New Man zu sehen ist. In Bezug auf Chagalls Malerei stellt diese sehr erzählerische und detailreiche Leinwand ein explizites Manifest der Poetik des Künstlers dar, die oft durch die Verwendung von Details des Alltags gekennzeichnet ist, die, übersetzt in symbolische Bilder, in ihrer ganzen Spezifität offenbart werden. Tatsächlich symbolisiert der vom Künstler speziell rot bemalte Baldachin den mütterlichen Schoß, der das weibliche Prinzip und Symbol des Lebens ist. Was die abgebildeten Charaktere betrifft, ist die linke Seite des Werks auf einer pyramidenförmigen Komposition aufgebaut, die als Protagonisten die Figur der Mutter, der Hebamme, die das Neugeborene in ihren Armen hält, und eines Mannes sieht, der dabei komisch auf dem Boden sitzt die Szene beobachten. Auf der rechten Seite der Arbeit sind jedoch ein alter Mann und ein Kind dargestellt, die fest entschlossen sind, durch das Fenster zu spähen, und einige Männer, die innerhalb eines auf den Boden gezeichneten leuchtenden Kreises fest entschlossen sind, zu diskutieren. Unter den letzteren sticht schließlich die Figur einer Kuh hervor, die auf innovative Weise gleichberechtigt mit Menschen in den Bildraum eintritt.
Gerrit Van Honthorst, Die Anbetung des Kindes , 1619-1620. Öl auf Leinwand, 95,5 × 131 cm..
Catherine Digue - Turpin, Nativite3 , Datum unbekannt. Gouache, 22 x 30 cm.
Catherine Digue - Turpin: Nativite3
Die Künstler von Artmajeur haben sich auch an der Darstellung von Geburt Christi versucht, sowohl heilig als auch profan, wie zum Beispiel die sehr traditionelle Gouache von Catherine Digue - Turpin, die der klassischen und religiösen Interpretation des gleichen Themas von Gerrit ähnelt Van Honthorst, aufbewahrt in den Uffizien in Florenz. Wie das florentinische Meisterwerk hat auch das Werk von Digue-Turpin, obwohl es weniger realistisch und detailliert ist, seinen Schwerpunkt in der Figur des Kindes, das von den anderen Figuren über ihm betrachtet wird. Darüber hinaus erzeugt die Anordnung und Art der Lichtführung in beiden Gemälden eine "gedämpfte", harmonische und ruhige Atmosphäre, die den weihnachtlichen Zauber perfekt zu vermitteln vermag. Daher fügt sich die Gouache von Digue-Turpin perfekt in die bildliche Tradition des heiligen Ereignisses ein, so sehr, dass sie neben dem Werk von Gerrit Van Honthorst auch mit Correggios Anbetung der Hirten und Carlo Marattas Geburt Christi verglichen werden könnte.
Paul Rossi, Die Familie von Harlekin IV , Datum unbekannt. Öl auf Papier, 57 x 76,5 cm.
Paul Rossi: Die Familie von Harlekin IV
Das Werk des Künstlers aus Armajeur, Paul Rossi, stellt, wie er selbst sagt, eine profane und ironische Krippe dar, in der die Mitglieder der Familie von Harlekin abgebildet sind, eine Figur, die uns sofort an das Gemälde erinnert, das dasselbe Thema hat und ausgeführt wurde von Pablo Picasso. Tatsächlich verewigt auch die Familie des Harlekins mit Affen des spanischen Künstlers, wenn auch mit einer geringeren Anzahl von Protagonisten als Rossis Werk, eine süße Szene des Familienlebens, die durch die Anwesenheit eines Neuankömmlings belebt wird. Darüber hinaus verbindet auch die Figur des Affen die beiden Gemälde, obwohl letzterer bei Picasso eine emotional aktivere Rolle innerhalb des Familienbildes spielt. Trotz dieser Gemeinsamkeiten sind die beiden Gemälde das Ergebnis zweier sehr persönlicher und unterschiedlicher Realisationsstile, die sich hauptsächlich in der Art der Hell-Dunkel-Ausführung und damit in der Wiedergabe der Gesichtszüge der Figuren unterscheiden. In dieser Hinsicht haben die Protagonisten der Arbeit des Künstlers von Artmajeur, die mit einem intensiveren und weniger nuancierten Hell-Dunkel gemacht wurde, härtere und kantigere Züge als die von Picasso. Darüber hinaus ist das Schwarz-Weiß von Rossis Kunstwerken weit entfernt von den sanften Farben des spanischen Künstlers, der dieses berühmte Gemälde während seiner rosa Periode malte. Abschließend wollte Rossi auf unterhaltsame und sehr persönliche Weise ein klassisches Thema der Kunstgeschichte aufgreifen und sich höchstwahrscheinlich auf das Werk des großen spanischen Meisters beziehen.
Raffael Sanzio, Madonna mit dem Stieglitz , 1506. Öl auf Holz, 113 x 88 cm. Wien: Kunsthistorisches Museum.
Frédéric Martin, F-Martin-Nativit , Datum unbekannt. Öl auf Leinwand, 55 x 33 cm.
Frédéric Martin: F-Martin-Nativite
Frédéric Martins realistische und innovative Krippe stellt einfach ein Baby in Windeln dar, das wir, ohne den Kontext der Hütte, die Anwesenheit der Jungfrau, Josephs, Engel und Hirten, nur aufgrund des der Leinwand zugeschriebenen Titels für Christus halten können . In der Kunstgeschichte fand die genaueste Untersuchung des Charakters des Jesuskindes in den Werken statt, die die Jungfrau und das Kind darstellen, die von den wichtigsten Meistern aller Zeiten angefertigt wurden, darunter Duccio di Buoninsegna, Beato Angelico, Filippo Lippi und Raffael. In diesen Meisterwerken wurde das Kind jedoch im Gegensatz zu Martins Leinwand nackt oder halb bekleidet dargestellt, wie zum Beispiel in Raffaels Madonna mit dem Stieglitz , wo Jesus in seiner ganzen Rundheit und Weichheit verewigt ist. Daher wird in der Arbeit des Künstlers von Artmajeur eine innovative Art der Darstellung des Themas der Geburt Christi zu der sehr persönlichen Wahl, den Leib Christi mit Bändern zu verbergen, hinzugefügt.
Olimpia Gaia Martinelli
