Die beliebtesten Künstler des Jahres 2023

Frohes neues Jahr 2024!

Wie immer im Leben eines jeden von uns ist ein weiteres Jahr zu Ende gegangen, und jeder von uns ist darauf bedacht, ein Fazit zu ziehen. In gewisser Weise hat diese Dynamik auch Artmajeur erfasst, das beschlossen hat, Ihnen zu zeigen, wer die beliebtesten Künstler des vergangenen Jahres waren. Zu diesem Zweck habe ich das Nützliche mit dem Angenehmen verbunden, denn jeder Künstler, den ich vorstelle, erzählt uns anhand eines seiner Werke ein Stück Kunstgeschichte. Ich beginne mit der Beschreibung eines Gemäldes, einer Fotografie usw., die, wenn möglich, mit einer bestimmten Kunstrichtung in Verbindung gebracht wird, und schließe mit der Vorstellung ihres Schöpfers. Nochmals alles Gute für 2024!

WE LOVE YOUR FACE (2023) Gemälde von Brazo

PURPLE CHROME GOLD SOUP SPLASH (2021)Skulptur von 2fast

EROS & PSYCHÉ (2022)Fotografie von Mathilde Oscar

Zehn meistverkaufte Künstler des Jahres 2023

Mathilde Oscar

Ein geflügelter junger Mann küsst nackt die Stirn eines Mädchens und streichelt mit einer Hand die Haut ihrer Brust. In der klassischen Umgebung kommen weitere Details zum Vorschein: ein Bogen, ein Schmetterling und eine Loggia, die sich zu einer grünen Landschaft hin öffnet. Erkennen Sie diese beiden Charaktere? Es handelt sich um Amor und Psyche, was Oskars Foto mit der berühmten und alten Tradition der Historienmalerei verbindet. Es ist wichtig klarzustellen, dass sich die Historienmalerei von der Historienmalerei unterscheidet, die sich mit Geschichte im engeren Sinne beschäftigt, jenseits mythologischer, religiöser und allegorischer Erzählungen. Amor und Psyche sind in der Tat Figuren aus der griechischen Mythologie, die uns vor allem durch Apuleius‘ „Metamorphosen“ bekannt sind, in denen die Geschichte einer glücklichen Liebe erzählt wird, umfassend in der historisch-künstlerischen Erzählung umgedeutet, die in Canovas gleichnamigem Meisterwerk gipfelt. Apropos Oscar, 1980 in Paris geboren, ist eine vielseitige Künstlerin, deren Karriere mit einer tiefen Leidenschaft für die Malerei begann, die durch ihren Hintergrund in der Kunstgeschichte angetrieben wurde. Auf ihrem künstlerischen Werdegang wechselte sie von der Malerei zum Grafikdesign und wandte sich 2013 schließlich der Fotografie zu. In ihren Fotografien verbindet Mathilde gekonnt ihre Liebe zu den großen Stilen der Romantik und des Neoklassizismus und integriert dabei oft aufwendige Bühnenbilder, Kostüme und Accessoires arbeiten. Darüber hinaus wagt sie sich manchmal in den Bereich der digitalen Kreation und verleiht ihren ansonsten klassischen Inspirationen einen zeitgenössischen Touch.

SCHÖNES SIEGEL. ORIGINALGEMÄLDE (2020)Gemälde von Irena Aizen

Irena Aizen

Ein anthropomorpher Riesenhase sitzt ruhig an einem Teich und achtet ausschließlich darauf, was seine Hände und dann seine Augen tun: Er hält einen domestizierten Seehund an der Leine, der sich wie ein Pudel verwöhnen lässt. Es ist klar, dass wir uns in einer surrealen Realität befinden, weil das, was wir sehen, rational nicht möglich ist, auch wenn es ziemlich häufig vorkommt. Wenn wir uns das gesamte Werk von Aizen ansehen, fällt uns tatsächlich auf, dass die langohrige Figur oft als wiederkehrendes Motiv auftaucht und fast an Chagalls übernatürliche und kindliche Welt erinnert, in der eher Charaktere wie der wandernde Jude und der Geiger dargestellt wurden als einmal. In ähnlicher Weise erlebt Aizens Hase in einer komplexen Bilderzählung eine Vielzahl von Abenteuern, oft begleitet von seltsamen Haustieren oder zwillingsähnlichen Figuren. Teilweise konzentriert sich die Arbeit des Künstlers jedoch auch ausschließlich auf das Genre des Stilllebens, bei dem lebende Tiere in ausgewogenen Objektkompositionen auftreten. Irena Aizen ist eine russische Malerin, die derzeit in Israel lebt und ihre Leidenschaft und Neigung zur Kunst schon in jungen Jahren entdeckte, da sie in eine Künstlerfamilie der dritten Generation hineingeboren wurde. Dieser Kontext bestimmte ihre Hingabe an die Malerei ab ihrem zehnten Lebensjahr und sie setzte später ihre künstlerische Ausbildung an der Jaroslawler Kunsthochschule in der Oblast Jaroslawl, Russland, fort.

ABSTRACT 23105 (2023)Gemälde von Alex Senchenko

Alex Senchenko

Ein Himmelshintergrund ist in einen oberen und einen unteren Teil unterteilt. Im oberen Teil des Trägers kommt es zu einer Farbexplosion, wobei die Dynamik von Gelb, Fuchsia, Blau und Orange hervorsticht, während sich unten eine fast allgegenwärtige Schicht weißer Farbe befindet, die manchmal bricht und den Blick freigibt darunter. Diese Abstraktion wurde auch vom Künstler selbst beschrieben, der den Betrachter aktiv einbezieht und sie mit folgenden Worten zum Ausdruck bringt: „Tauchen Sie ein in eine Welt lebendiger Kunst mit ‚Abstract 23105‘, einem abstrakten Gemälde, das eine Explosion leuchtender und kräftiger Farben darstellt.“ ." Diesen Überlegungen folgend beschreibt der Maler seine satte, pastose Farbe als eine Art 3D-Effekt, der der Umgebung, in der er sich befindet, Tiefe sowie Lebendigkeit und dynamische Energie verleihen kann. Die Betonung der Farbe und nicht der Formen, die sie in der realen Welt erzeugen könnte, lädt den Betrachter ein, die Tiefe der Textur zu erkunden, und führt ihn zu einem klaren Konzept des abstrakten Ausdrucks in der Sprache der Malerei. Tatsächlich ist Abstraktion die visuelle Sprache von Farben, Formen und Zeichen schlechthin, die Gedanken, Gefühle, Emotionen und Erfahrungen vermitteln soll. Es ist wichtig zu betonen, dass diese Kunstform weniger Wert auf das dargestellte Thema legt, um die Methoden und Materialien der Schöpfung aufzuwerten. Schließlich ist Alex Senchenko ein im Vereinigten Königreich lebender zeitgenössischer Künstler, dessen Kunst ein klares Ziel hat: Metaphern seiner einzigartigen Sicht auf das Leben zu schaffen, die als „positiv, dynamisch und einfach“ beschrieben wird und sich durch die Klarheit und reine Intensität von auszeichnet Farbe.

CASETTA NEL GIALLO (2023)Gemälde von Gio Mondelli

Gio Mondelli

Ich dachte, dass Gio Mondelli, ein 1953 geborener italienischer Künstler, oft mit seinem Auto, vielleicht mit Staffelei und Pinseln im Kofferraum, losfährt und die schönsten und abgelegensten Landschaften des Bel Paese (Italien) beobachtet, Orte, die Leben spenden zur folgenden malerischen Darstellung seiner Vision: Ein gelbes, sehr gelbes Feld, möglicherweise aus Weizen, gipfelt im Meer mit Segelbooten, alles aus der Weite eines riesigen Himmels betrachtet. Der malerische Raum in der Farbe der Sonne beherbergt auch ein kleines Haus, das den Schatten zweier Bäume genießt und den abgebildeten Ort trotz der unwirklichen Lebendigkeit der Farben unserer realen Erfahrung näher bringt. Man könnte sagen, dass das traditionellste und realistischste Landschaftsgenre, das im Goldenen Zeitalter der Niederlande entstand, sich vielleicht an der chromatischen Lebendigkeit der Fauves orientiert hat, obwohl der italienische Maler seine kräftigen Farben mit einer beispiellosen und einstudierten Präzision arrangiert. Dadurch wird es geordneter und näher an der Erzählung der Realität. Der Effekt ist tatsächlich vergleichbar mit einem „Foto“ mit veränderten Farben. Was den Maler betrifft, so beschäftigte er sich zu Beginn seiner künstlerischen Laufbahn mit dem Studium und Experimentieren verschiedener künstlerischer Einflüsse mit der Absicht, sie mit immer innovativeren Ansätzen zu interpretieren, wobei er sich später mehr dem Surrealismus, dem Symbolismus und dem Expressionismus zuwandte, die hauptsächlich mit der Philosophie zu tun hatten Gedanken. Um zum Anfang dieses Absatzes zurückzukehren, können wir abschließend jede farbenfrohe Landschaft des Künstlers mit einer echten italienischen Landschaft assoziieren, die durch eine höchst persönliche Sensibilität, die verschiedene künstlerische Ausdrucksformen miteinander verbindet, neu interpretiert wird.

EGG BOY DRESSED TO TILL (2024) Gemälde von Ta Byrne

Ta Byrne

Das Kunstwerk zeigt eine Figur in Melone und Mantel. Ein grüner Apfel schwebt vor dem Gesicht des Mannes und verdeckt es weitgehend. Man kann jedoch die Augen des Mannes erkennen, die gerade noch über dem Apfel sichtbar sind. Moment, aber welches Kunstwerk habe ich gerade beschrieben? Eigentlich sprach ich von Magrittes „Der Menschensohn“, einem Meisterwerk, das, wie bereits erwähnt, erhebliche Ähnlichkeiten mit Byrnes Surrealismus aufweist. Dieser Künstler hat tatsächlich einen Mann mit Melone dargestellt, der den Apfel durch ein viel größeres Spiegelei ersetzt. Darüber hinaus weist „Egg Boy Dressed to Kill“ einen weißen Hintergrund anstelle einer Landschaft auf und zeigt nur die Büste des porträtierten Modells. Wie erwartet stimmt Ta Byrnes Stil oft mit den Visionen des Surrealismus überein, einer Bewegung, die in erster Linie darauf abzielt, das Unbewusste als Mittel zur Entfesselung der Vorstellungskraft zu nutzen, Rationalismus und Realismus abzulehnen und sich stattdessen von der Psychoanalyse und der Traumwelt inspirieren zu lassen. Wir können uns also vorstellen, dass Ta Byrne, ein 1974 geborener thailändischer Maler, ein Spiegelei kochte, nur um es am Abend anthropomorph zu träumen und es am nächsten Tag zu malen. Apropos Ta: Sie hegte eine tiefe Liebe zur Kunst, hielt es aber einst für ein unerreichbares Ziel, Künstlerin zu werden. Mit einer einfachen Skizze, die sie 2010 anfertigte, änderte sich jedoch alles und markierte einen entscheidenden Moment in ihrem Leben. Mit dieser transformativen Zeichnung erzielte die Künstlerin bemerkenswerte künstlerische Erfolge: Ihre Werke schmückten die Innenräume von Häusern, Büros, Hotels und Restaurants in über 66 Ländern weltweit!

UNERWARTETE REAKTION (ARBEIT IM AUFTRAG) (2023) Gemälde von Peter Duhaj

Peter Duhaj

Sprechen Sie jemals mit Ihren Haustieren? Heben Sie sie jemals hoch, schauen Sie ihnen in die Augen und machen Sie Tierlaute aus Ihrem Mund, um mit ihnen zu kommunizieren? Ich kann ohne Scham gestehen, dass ich tatsächlich aufrichtige Gespräche mit meinem Hund führe, von dem ich ziemlich sicher bin, dass er über alle Werkzeuge verfügt, um ihn auf seine Weise zu verstehen und zu interpretieren. Warum sage ich diese Dinge? Denn Duhajs Kunstwerke versetzten mich aufgrund ihres Hyperrealismus direkt in das wirkliche Leben und erinnerten mich an mich selbst, meinen Hund, aber auch an alle Menschen, die ich gesehen habe, die lebhaft mit ihren Haustieren interagieren. Apropos Hyperrealismus: Er stellt eine relativ junge Form der künstlerischen Erkundung dar, deren Hauptziel die Schaffung von Illusionen ist, die die umgebende Realität betonen und vergrößern. Um dieses Ziel zu erreichen, nutzen hyperrealistische Künstler die Intensität von Farbe, Beleuchtung, Kontrast und Schärfe, um Darstellungen hervorzubringen, die lebendiger erscheinen als das, was wir normalerweise mit bloßem Auge wahrnehmen. Was Duhaj betrifft, so wurde der zeitgenössische ungarische Künstler stark von prominenten Persönlichkeiten der Kunstgeschichte seines Landes beeinflusst und hegte seit seiner Jugend eine tiefe Leidenschaft für Farben und Formen sowie für die vergängliche Essenz von Momenten. Obwohl Duhaj zu Beginn seiner Karriere danach strebte, Meistern wie István Sándorfy, Zsolt Bodoni, László Nyári und Tibor Csernus nachzueifern, verlagerte sich sein späterer Schwerpunkt auf die Darstellung der menschlichen Figur in einer Sprache, die eine Mischung aus Realismus und Hyperrealismus darstellt.

ICH LEIDE, DAHER LEBE ICH (2023)Gemälde von Miloš Hronec

Miloš Hronec

Die von Hronecs Expressionismus dargestellten Charaktere scheinen von den Farben, die sie umhüllen, beeindruckt, überwältigt, bedeckt und manchmal fast gequält zu sein und sind in der Lage, eine emotionale Erzählung zu erzeugen, die gelegentlich sogar entfernt an die brutaleren und gequälteren Darstellungsweisen der Menschen erinnert menschliche Figur im Stil von Bacon. Tatsächlich entwickelte selbst der letztgenannte Meister, der häufig verwundete und emotional gezeichnete Personen darstellte, einen unverwechselbaren Stil, der durch die Auseinandersetzung mit dem Porträtgenre gekennzeichnet war und in einer eher verzerrten und gewalttätigen Weise ausgeführt wurde. Dennoch zielen diejenigen, die nach den oben genannten Methoden arbeiten, in erster Linie darauf ab, intensive Emotionen zu kommunizieren, die bereit sind, echte Offenbarungen überwältigender emotionaler Zustände zu werden. Milos Hronec, ein zeitgenössischer slowakischer Maler, wurde stark von der pulsierenden Stadt Bratislava beeinflusst, die seine einzigartige und vielfältige künstlerische Identität geprägt hat, die Ölmalerei, Acrylmalerei, Sprühfarbe und Zeichnung umfasst. Tatsächlich ist Hronecs künstlerischer Ausdruck eine Verschmelzung von Expressionismus, Street Art und Graffiti, die sowohl figurative als auch expressive Elemente einbezieht und etablierte künstlerische Ansätze harmonisch mit spontanen Improvisationen verbindet.

Nr. - 741 (2023)Gemälde von Aykaz Arzumanyan

Aykaz Arzumanyan

Ölgemälde auf Leinwand, im Relief ausgeführt und über die gesamte Fläche wiederholt, erzeugt ein monochromatisches Blau, das nur durch eine schwarze „Fliese“ unterbrochen wird. Wenn wir dieses letzte Detail vergessen, können wir neben dem Diskurs über materielle Kunst das Kunstwerk auch mit diesen Worten beschreiben: Die Inspiration kommt von der Farbe des Himmels und zielt darauf ab, auf die Weite des Unendlichen hinzuweisen, die durch die Verwendung von a vermittelt wird einfarbig, soll die Illusion der ewigen Wiederholbarkeit der Vision vermitteln. Alles wird zu einem offenen Fenster zur Freiheit, geboten durch die Möglichkeit, von der Kraft und Konzentration einer einzigen Farbe umgeben zu sein. Was gerade geschrieben wurde, wurde von der Beschreibung von Yves Kleins „Blue Monochrome“ (1961) durch das MOMA in New York inspiriert und sollte uns die teilweise Verwandtschaft von Aykaz‘ Gemälde mit der des französischen Meisters verständlich machen. Doch wie sieht es mit dem Farbrelief aus, das nur im Beispiel des Künstlers von Artmajeur vorkommt? Jetzt erscheint das Unendliche konkreter und nicht mehr an etwas Immaterielles gebunden; Es ist, als ob wir endlich den Himmel berühren könnten, wohlwissend, dass er für immer unendlich und unerreichbar bleibt. Aykaz Arzumanyan ist ein 1977 geborener armenischer Künstler, dessen künstlerische Aktivitäten Malerei und bildende Kunst umfassen, obwohl er sich mit Begeisterung für neue Techniken und Materialien interessiert. Durch unermüdlichen Einsatz und ständige Hingabe an seine Kunst hat Arzumanyan einen unverwechselbaren Stil voller Vitalität und Rätselhaftigkeit entwickelt, der durch die Wiederkehr kleiner chromatischer Details, die in den Monochromen hervorstechen, zum Leben erweckt wird.

RETRO-WASSERFRONT. (2023)Gemälde von Igor Shulman

Igor Schulman

Auf einer Bürgersteigmauer begegnen sich zwei Liebende in einem Kuss, umarmt, wobei die Frau so von Leidenschaft überwältigt ist, dass sie ihre Handtasche beiseite gelassen hat. Abgesehen von den Gedanken an die Ankunft eines möglichen Taschendiebes wird die gesamte Szene in einem realistischen Stil dargestellt, der die Qualitäten der realen Welt getreu in künstlerische Darstellungen umsetzt. Diese Besonderheit sollte jedoch nicht mit der künstlerischen Bewegung der 1840er Jahre verwechselt werden, die die Probleme der modernen Gesellschaft hervorheben sollte. Shulmans Werke hingegen scheinen den Alltag darzustellen, ohne ihn mit Problemen zu belasten, sondern zeigen einfach die Schönheit von Szenen, die in dem Moment, in dem sie festgehalten werden, zum Leben erwachen. Die Tiefe ist in der Realität immer noch vorhanden, so wie es der Künstler versteht: „Ich teile Fragmente meiner Erinnerung oder meines Lebens. Ich weiß nichts außer dem, was ich gelebt und erlebt habe. Deshalb teile ich meine Gefühle mit Menschen, die mich verstehen können. Meistens.“ mit meinen Altersgenossen, Menschen, die den größten Teil ihres Lebens verbracht haben.“ Apropos Shulman: Er ist ein russischer Maler, der derzeit in Prag lebt und dazu neigt, mit verschiedenen Themen und Malstilen zu experimentieren und Elemente aus verschiedenen Quellen geschickt zu kombinieren, um völlig originelle und innovative Werke zu schaffen.

BORN WITH A GOLDEN SPOON (2023) Gemälde von Pavel Filin

Pavel Filin

Unterschiedlich aufgetragene Farbpinselstriche, die manchmal an Flecken erinnern, erzeugen eine Art Akrobat, der einfach auf einem Bein balanciert, während das andere, auf sich selbst gebeugt, einen seltsamen und mehrdeutigen Stab darunter hält. All dies geschieht, während er Unterwäsche trägt, einen Hut und eine Maske trägt und einen goldenen Löffel im Mund hält. Vielleicht wurde dieses letzte Detail in Anlehnung an das Sprichwort „Geboren mit einem silbernen Löffel im Mund“ erstellt, das auf Menschen mit hohem sozialen Status anspielen sollte. Zurück zum Auftragen von Farbe erinnert es an den Impressionismus, eine künstlerische Bewegung, die schnelle, dichte Pinselstriche mit nebeneinander platzierten, manchmal nicht gemischten oder überlagerten Farbtupfern verwendete, bei der Licht, Raum und Formen ausschließlich durch Farbe konstruiert wurden. Apropos Flecken: Vielleicht wäre es auch wichtig, an die Macchiaioli zu denken, italienische „Impressionisten“, deren Pinsel überlappende Farbflecken erzeugten, um Massen aus Licht und Schatten zu definieren. Was Filin betrifft, so begann die künstlerische Reise des Malers in einer ruhigen Stadt an der Wolga, wo sich seine frühen Werke hauptsächlich um das Landschaftsgenre drehten. Allerdings hatte er schon immer den Wunsch, das Wesen der menschlichen Figur einzufangen und ihre Bewegungen und Emotionen zu erforschen, so dass dieses Thema tatsächlich zum Hauptschwerpunkt seiner Arbeit geworden ist.