Dario Ortiz

No nació ni en Bizancio ni en Florencia sino en Colombia. Apenas al fiIo de los 30 años, residente en Miami y contrata¬do de manera exclusiva por el presti¬gioso galerista George Nader, Darío Or¬tiz es el pintor colombiano joven que traza un puente entre lo antiguo y lo moderno, entre lo clásico y lo contemporáneo.

Señala una ruta espiri¬tual y de arte que ilumina a iniciados y a los no cre¬yentes, que atraviesa el unívoco tiempo de los seres humanos y los siglos y que recoge en el arte la eterna batalla del hombre para hallar la perfección y el perdón frente al espejo que proyecta su sombra y tota¬liza su entorno.

De muy joven pintor abs¬tracto y expresionista, des¬pués de vivir en Italia y recorrer sus museos en busca de las huellas del Renacimiento, tras colocar flores en la tumba del gran Rafael Sanzio, después de buscar la intimidad creado¬ra y de afrontar los fantas¬mas de Dante, Miguel Angel y Maquiavelo, los tres grandes de Florencia, Darío Ortiz decide conver¬tirse en figurativo por criterio, porque sintió que las voces del pasado lo arrastraban hacia la antigüedad, hacia Bizancio, por Grecia, hasta Florencia, hacia los clásicos... Y en un país como Colombia donde los círculos del arte son renuentes al arte figurativo, él retoma la fuente primigenia y surge en su caballete Ia escena bíblica de Jesús y los apóstoles durante la mul-tiplicación de los peces y los panes, aparecen los pro¬fetas y escribas en la eterna discusión, lo mismo Ios cuatro evangelistas que la natividad, la víspera del pen-tecostés o el cordero místico y la anunciación del ángel a María. Pero sobre todo ese Jesús yacente, ya después del descendimiento, allí solitario como símbolo del mártir moderno, del hombre caído en las masacres y en las guerras injustas. Pero allí en esa antigüedad clá¬sica salta sutil lo moderno: en el lavatorio de los pies, el apóstol no tiene sandalias sino mocasines de gamu¬za y los profetas de túnicas lucen zapatos tenis y Ma¬ría, también bajo su manto sagrado, viste bluejeans y correa ancha con hebilla de cobre. Y el Mesías quizá tenga un reloj de pulsera. Es la moderna antigüedad de Darío Ortiz.

Como uno de los mejores exponentes deI arte figura¬tivo joven en Colombia, integrante de un grupo de pintores colombianos que viven en Miami y que son discípulos de la mejor tradición pictórica colombiana y admiradores de grandes creadores figurativos con¬temporáneos como el chileno Claudio Bravo, el espa¬ñol Antonio López y el inglés Lucian Freud, Darío Ortiz pintó para Revista Diners un rostro de Jesús donde confluye la visión clásica del Nazareno con la expresión moderna de un cristianismo más humani¬zado, arraigado en la di¬námica y en la fatiga del hombre contemporáneo. Este Jesús de Darío Ortiz, inspirado en el rostro que aparece en el famoso manto de Turín, es como una mirada que al mismo tiempo acompaña y cues¬tiona, con la dulzura del amigo y la acogida del Dios. Tiene este rostro la isometría matemática que los científicos con rayos láser han encontrado en el manto de Turín, donde el rostro de Jesús es alargado por la mayor distancia que hay entre las cejas y la boca y donde igualmente Jesús tiene el ojo izquierdo leve¬mente más grande y levantado que el derecho, para enmarcar una mirada excepcional y única y sobre todo diferente a todas las miradas humanas. Su túnica es amarilla y no blanca porque Jesús jamás tuvo hijos y porque según la tradición Veda este color significa la pureza de los renunciantes e iluminados.

Tolimense de nacimiento, formado e inspirado en el arte europeo clásico, joven entre los jóvenes pintores de Colombia, con una gran aceptación de su obra en el mercado norteamericano, Darío Ortiz representa en la pintura colombiana contemporánea el fluir hacia lo clásico, hacia lo más perdurable y eterno.

R. D.

Cuando vivía en Chapinero, en Santafé de Bogotá, en una casona con solar de grandes árboles, una tarde escuchó un chillido agudo en el techo. Era un águila. No estaba herida pero se negaba a volar. Se posó en su mano como un halcón amaestrado y era en realidad un águila migratoria, que había volado más de siete mil kilómetros desde los bosques de Montana, en Norteamérica, hasta llegar a este tejado bogotano. Cumpliendo su éxodo anual, su bandada debió haber llegado hasta los más altos bosques del monumental cañón del río Combeima, en las laderas del Nevado del Tolima, cerca a Ibagué, donde nació Darío Ortiz Robledo hace apenas treinta años.

O sea que el águila y el joven debieron encontrarse en ese gran cañón del Tolima, pero como ahora Dario Ortiz Robledo no vivía allí, entonces la cita se produjo en el centro de una gran ciudad, con la misma inexorable certeza del destino que se inmortalizó en la historia del hombre que parte de su ciudad natal hacia Samarkanda huyendo de la muerte, pero a ésta se la encuentra en el mercado y ella lo felicita porque había acudido puntual a la cita que era allí en Samarkanda y no en la otra ciudad.
Fue así como el águila intempestivamente recobró su vigor y por años permaneció libre posada en la copa de la arboleda solariega, y desde lo más alto se lanzaba en picada para recibir la comida que le ofrecía Darío. Ella se posaba en la mano con la elegancia de un halcón peregrino, y él la recibía con una innata destreza del mejor arte de la cetrería.

Tal vez no sea sólo el encuentro casual y una amistad de años entre un águila extraviada y un joven colombiano. Tal vez vino a traerle un mensaje. Quizá fue la cita escrita entre el mayor símbolo de lo clásico y lo eterno, el águila, que viene desde el águila de los jeroglíficos egipcios, pasa por el águila bicéfala de los romanos y entra a las águilas de los mejores momentos del Renacimiento italiano, con un joven artista colombiano que debe responder al llamado de una voz interior, que lo aleja del fragor político y lo lleva a la soledad del arte, para establecer un extraño puente con lo más profundo de la pintura, que revive los momentos más importantes de la antigüedad occidental, como lo son aquellas escenas en la vida de Jesús de Nazareth. Es la mirada infinita del águila, que ha dominado todas las alturas del poder y la geografía y la historia humana, que ahora se posa en la vida de un artista principiante de los andes sudamericanos.

Sería soberbio ver algo sobrenatural en este encuentro, como si fuera nuevamente el águila en el nopal devorando la serpiente, que es el momento más alto de la historia azteca, madre a su vez de todas las culturas precolombinas. Quizá no sea más que la hermosa casualidad poética entre el símbolo de la fuerza y la belleza y un pintor muy joven que por aquellos años pasó en su obra de lo abstracto a lo figurativo, se trasladó de Colombia hacia Florencia y que emprendió un viaje sin retorno hacia zonas secretas del alma humana, que se cubren con mantos y túnicas y que estremecen por su ascética sabiduría.

Porque sensible, sutil, casi silencioso, hay algo de telúrico, por no decir salvaje, en la vocación de Darío Ortiz Robledo. De entrada, afirma para que no se juegue a los equívocos: "Yo no hago cuadros, yo vivo cuadros". Esa vocación primigenia viene de una antigüedad de mucho más allá de un abuelo, cuando era cónsul de Colombia en Milán, mirando absorto las obras clásicas del Renacimiento, o de su padre, Darío Ortiz Vidales, estudiante en Milán, historiador y novelista, que en sus años mozos pintó con magnífica elegancia, pero que sucumbió ante el ardor de sus propias palabras y terminó de político avasallador y de soñador de quimeras libertarias para su país y para América.

Su hijo fue declarado antes de la adolescencia como poseedor de un talento y nivel intelectual muy superiores a los de sus compañeros de generación y se le señaló como destinado a recibir una educación especial. Primero él y los suyos creyeron que en la química o las matemáticas puras, en la Universidad Nacional de Colombia, podría encontrar el muchacho su realización plena, pues al fin y al cabo estas disciplinas comunican con las altas esferas de la filosofía. Después creyó que en las leyes y el derecho, en la Universidad Externado, encontraría el puente para encausar la rebeldía social que había heredado de su padre.

Pero en realidad la suerte estaba echada en 1979, a los once años, cuando ganó en Tokio un concurso mundial de pintura infantil, con un óleo donde se captaba la batalla de un barco azotado por el viento. No fue una imagen bucólica, o un juego de circo, o una ronda infantil, que serían motivos apropiados para el concurso, sino una embarcación zozobrando, con la fuerza de un naufragio de Conrad o con la esbeltez caída de un velero de Turner. Entonces compró su primer juego de pintura y rescató después una caja de óleo escondida por su padre desde hacía quince años. Y pintó y pintó y en el tercer cuadro trazó por primera vez un rostro, pero se sintió ofendido cuando no pudo terminar a la perfección los detalles de las manos.

Habló entonces por primera vez de pintura con su padre. El viejo zorro le dio en poco tiempo, acaso dos o tres horas, las únicas lecciones académicas que sobre pintura ha recibido Darío en su vida. Pero hicieron la práctica, cuando padre e hijo, a dos manos, a la limón, pintaron primero a Antonio Nariño, el precursor de la independencia colombiana, y después a Cervantes, el padre del idioma castellano.

Después, adulto y niño, emprenden la pequeña épica de pintar la batalla del Pantano de Vargas, inmortalizada en la gigantesca escultura de Rodrigo Arenas Betancur que se levanta en aquella planicie de Boyacá. Son catorce caballos y sus lanceros jinetes que se lanzan a la carga contra las tropas españolas para sellar la libertad de América. Cada uno pintaba un caballo. Darío "el viejo" pintó el primero: casi volaba con las fuerza de los centauros llaneros. Darío "el joven" pintó el segundo y le salió desmirriado, tal vez parecido al jamelgo cervantino. Y así continuó el duelo, donde los caballos de Darío "el viejo" eran más briosos y soberbios que los de su hijo. Hasta que una madrugada, con el orgullo herido, Darío "el joven" se levantó y en solitario, en vela, pintó un caballo ligero que en su atropellada carrera "escucha llegar el retrasado viento", como escribiera en un soneto el novelista de los llanos y las selvas americanas, José Eustasio Rivera. Ese fue el momento en que tal vez Darío Ortiz Robledo comenzó a dominar la pintura de la figura humana animal, desde un rostro hasta una cabeza, desde una mano hasta una pata. Y también fue el momento en que se selló su futuro destino de pintor solitario y autosuficiente, "porque aún en ese momento, cuando era tan joven, no pensé nunca estudiar pintura ya que no concebía mi vida sin la pintura".

Con un recuerdo muy antiguo empozado en el fondo de su corazón, que fue el recuerdo prestado primero por su padre y después por las fuentes clásicas que sólo encontraría más tarde en Italia, Darío Ortiz termina el bachillerato en Bogotá y hace primero los dos años de química y después los dos de derecho y de pronto se encuentra inmerso, a finales de la década de los años ochenta, en una turbulenta época , donde la universidad es un hervidero político, agitado por el asesinato de exlideres guerrilleros, candidatos presidenciales y otras personalidades de la vida colombiana. Heredero de su padre de la vocación por la pintura pero también de una pasión política que viene desde el fragoroso sur del Tolima donde por siglos, desde la conquista española, se ha librado una violenta lucha libertaria, en alma y corazón de Darío Ortiz se vive un conflicto ideológico profundo, porque era muy desgarrador para un joven "sentir el drama de mi generación desolada por haber nacido entre la violencia de un país turbulento".
Así de joven jugó su corazón casi al azar y al contrario del Arturo Cova de La Vorágine, no se lo ganó la violencia de su nación sino la fuerza del arte del mundo. "Entre la poesía que es la pintura y la porquería que es la política, me quedé con lo primero", recuerda y por ello se dedica a pintar intensamente, casi de día y de noche, primero sobrecogedores temas sociales e indígenas y después cuadros abstractos. Su trabajo en 1989 lo lleva a ganar dos premios, en pintura y dibujo, en el Salón de Agosto de arte en Bogotá y participar en exposiciones de arte colombiano en Miami y Suiza e incluso es seleccionado para el Sexto Gran Prix de Pintura Art-vie en París.

Al filo de los años noventa, trabaja con toda intensidad, y lo sorprenden las madrugadas casi todos los días frente a su caballete y es el tiempo cuando llega el águila peregrina a su casa. Hace un postgrado en la universidad sobre historia y apreciación del arte, aunque no le entregan el cartón porque no tiene titulo universitario. Pero él es el dueño ya de toda una vasta información sobre culturas y artes, especialmente sobre la cultura griega y el arte italiano del Renacimiento. Por ello se embarca para Europa a principios de 1991, con el objetivo de reclamar un premio que había ganado en la capital francesa. Apenas dura menos de una semana en París porque se enferma en la crudeza de un invierno y agobiado por la lucha kafkiana para reclamar el premio que había ganado. Entonces se mete en un tren para Milán, en busca de un amigo de su abuelo en los tiempos del consulado y lo encuentra al borde de la muerte. Sigue su travesía por Europa y no es su voluntad sino su destino el que lo lleva al lugar donde confluyen todas las voces del pasado. Antes de partir de Milán tropieza, en instantes fugaces de encuentros callejeros, con tres mujeres que lo sobrecogen porque parecen sus rostros y miradas provenientes del mármol y del lienzo de la noche de la antigüedad. Cerca a la estación, bajo un torrencial aguacero, le pregunta por una posada a la primera y queda aturdido ante aquel rostro tan hermoso que lo mira desde la lluvia. No es capaz de comprender la respuesta y en la misma acera le pregunta o otra, que igualmente lo mira deslumbrante desde la lluvia, y ante la tercera también sucumbe y se larga de esa ciudad sin saber jamás si fue la misma mujer tres veces repetida, bajo la lluvia, como una señal para la felicidad o la perdición. De prisa se trepa en otro tren y llega a Florencia, a las once de la noche de un día de febrero de un invierno aterrador.

Llega a la Florencia clásica el creador que había partido de Bogotá siendo un pintor abstracto. Entre muchos otros cuadros de esta época, había dejado en Colombia un tríptico que era simplemente una cruz sobre diferentes fondos, desde el azul intenso hasta el rojo profundo. Pero no era una cruz cualquiera. Era la cruz que se le había revelado al Emperador Constantino, en Bizancio, cuando el cristianismo se tomó a Roma y Bizancio, ahora Constantinopla, no sólo se convirtió en la capital del Imperio romano de oriente, sino en la ciudad de las artes y la filosofía, para que tres siglos después fuera en realidad el motor que potenciara el Renacimiento que surgiría allí en Florencia. Quizá ni siquiera el propio Darío Ortiz acepte que esa cruz abstracta, es en realidad su recuerdo personal del amanecer más importante de la antigüedad, pues fue en Bizancio donde se produjo el puente entre la noche bárbara y la poética teológica de una civilización que se enfrentó a las armas con el arte.

Fue así como el joven pintor llegó a la estación a las once de la noche y de pronto se encontró extraviado en un carnaval, donde las máscaras y los abalorios y los palacios y los pasadizos y las cúpulas y todo aquel ambiente medieval lo colocaron frente a un nuevo mundo, que en realidad era un pasado remoto, conectado secretamente hasta su presente, en un laberíntico juego del tiempo y del destino, como en otra cita en Samarkanta, pero no con la muerte sino con la vida del arte
. Por entre esa fiesta florentina, el tolimense que había cruzado Europa y superado las fatigas de una enfermedad invernal, encontró hospedaje en un hotel barato, llamado "albergue Marcela". Y Marcela era la novia que lo esperaba al otro lado del mar. Animado por esa casualidad cabalística, al siguiente día amaneció completamente aliviado y allí estaba Florencia radiante bajo sus pies.

Fueron días y noches de revelación. Era como si allí ya hubiera vivido en otra vida suya. De alguna manera desde el primer día se encontró con los fantasmas de los tres grandes de Florencia: Dante, Miguel Angel y Maquiavelo. Miró la ciudad, como ellos, desde aquella colina donde los puentes y los tejados y las cúpulas de las iglesias y las torres de los palacios se levantan al cielo como voces de eternidad enredadas en los jirones de un invierno que ya tocaba a su fin, para dar paso al nacimiento de una primavera alegre pero profunda, como allí mismo surgió el Renacimiento del arte, después de la larga noche de los tiempos, cinco siglos atrás. Caminó por sus calles, visitó sus museos y fue tal el impacto que le causó la ciudad, que juró que algún día volvería. Y volvió, cuatro años después, pero ahora con la otra Marcela, la mujer de verdad para su vida.

En vísperas de tomar el avión del retorno, una tarde vagabundea por Roma. Llega al Panteón Nacional, el que está coronado por la descomunal tumba del rey Victorio Manuel. Y allí se tropieza con la tumba de Rafael, casi oculta bajo los doseles de los mármoles del poder. Queda estupefacto al ver la morada final del gran maestro de Urbino cubierta de flores, de pinceles viejos y de cartas de admiradores desconocidos. La gente visita, ama y le lleva flores a la pequeña tumba del pintor, mientras la del rey es gigantesca, fría y solitaria. Darío se estremece cuando lee el epitafio que escribió allí un papa: "Rafael Sanzio de quien en vida la naturaleza temió ser superada y al morir, morir con él". El joven pintor colombiano juró que algún día volvería a ofrendarle una flor al maestro.

Pero antes tiene que vivir en Colombia el perfecto proceso de su metamorfosis creadora. Trabaja en arte conceptual, abstracto y hasta expresionista, pero poco a poco va retornando de nuevo a la figura. Es como si esa cruz de Constantino, en su fiebre abstracta, se uniera con los caballos que pintó de niño y luego con la deslumbrante galería de imágenes clásicas que había conocido en Florencia. "Terminé siendo figurativo por criterio", afirma y precisa: "Soy figurativo para comunicarme con el público, porque cuando escuché lo que dice la gente en las exposiciones sobre las obras abstractas, entendí que allí no se daba el puente de la comunicación".

Con rostros y cuerpos, con el arte figurativo que renacía como respuesta a esas voces antiguas que llevaba por dentro, acomete de nuevo su nocturna pasión por la pintura. Aunque dura seis meses sin vender un cuadro y aunque muchos de sus amigos se asombran por que el compañero de viaje abstracto ahora transita por lo más profundo de lo clásico, Darío pinta sin tregua y entonces día a día se va consolidando lo que no es solamente un discurso estético y temático, sino una forma íntima y ardorosa de comunicarse con esas voces antiguas que lo llaman y acosan. Surge así la escena bíblica de Jesús y los apóstoles durante la multiplicación de los peces y los panes. O los profetas y escribas en eterna discusión. Y los cuatro evangelistas y la natividad. Las vísperas del pentecostés o el cordero místico. O la anunciación del ángel a María.

Pero Darío Ortiz no nació en Bizancio ni en Florencia, sino en Ibagué, Tolima, Colombia, Sudamérica. Por ello entonces en el lavatorio de los pies lo que el hombre se quita no son las sandalias del pescador sino unos mocasines de gamuza. O bajo las túnicas, los profetas lucen zapatos tennis y María, también bajo su manto sagrado, viste unos bluejeans y una correa ancha con hebilla de cobre. Además, en su monumental cuadro "El discípulo", quien pinta a una mujer desnuda, tal vez en recinto de un palacio florentino, no es Miguel Angel sino el famoso pintor colombiano Alejandro Obregón. Fue así como, si en Bizancio se trazó el puente entre la antigüedad y el Renacimiento, en Darío Ortiz Robledo se logró el nuevo camino hacia Santiago, la senda jacobina del retorno y de la comunicación entre lo antiguo y lo moderno, entre lo clásico y lo contemporáneo. La gran ruta de la luz espiritual del arte, que ilumina por igual para los iniciados como para los no creyentes. No de una manera mecánica ni caprichosa, sino con la misma fluidez que las voces de profetas e iluminados atraviesan paredes y muros, o los ecos viajan por entre montañas. Es el unívoco tiempo de los seres humanos y los siglos, y la eterna batalla del hombre para hallar el perdón y derrotar el olvido.

Expone en varias ciudades colombianas, gana mencionas y premios, participa en exposiciones en París, Nueva York, Florencia y Lima. Pinta en sus vigilias de insomne y piensa en la vida y en la muerte, en lo efímero y en lo eterno y es como si por su sangre corriera viva la pintura y tal vez actúa con más rapidez que los mismos latidos de su corazón, pintando a toda hora y con lo que tenga en la mano, como un hombre atrapado en su espacio, incapaz de saltar fuera de su propia sombra. Pero no lucha en la derrota sino por la victoria. "No quiero pintar los muertos sino pintar el miedo de los vivos, porque la pintura es la vida misma", afirma.

Con esta impetuosidad regresa a Europa y vive un año en Florencia. Va acompañado ahora de Marcela su esposa, y ya no es el muchacho extraviado que se baja a las once de la noche de un crudo invierno en la vieja estación de aquella ciudad de Pontífices y genios. Ahora es todavía un joven pintor, pero llega contratado por una galería y durante un año vive la ciudad de sus sueños. No asiste a las escuelas de pintura porque descubre que ahora son para turistas norteamericanos ricos. Pero como vive a dos cuadras del Palacio Pitti, cada vez que estaba escaso de inspiración para su arduo trabajo se daba dos horas de museo, se quedaba de nuevo pensativo frente a lo más asombroso del arte italiano, y esa era la mejor vitamina para seguir produciendo. Pero igualmente allí en Florencia, en su frenético trabajo, comprendió a cabalidad que lo suyo no era intentar jamás hacer lo que hicieron los pintores que amó allí en Florencia, como un Andrea del Sarto, un Rafael Sanzio de Urbino o un Jacobo Garruci Pontormo. Su visión del mundo y su testimonio y su memoria y su obra futura estaban muy cerca pero muy lejos también de ese cuadro al que tanto miró y del que recibió tanta fortaleza: "La matanza de los Macabeos", de Antonio Ciseri.

Lo suyo es lo suyo y sin jamás tratar de desafiar a los dioses pero tampoco sin tratar de escamotear las propiedades de los Césares. Lo suyo es una pezuña por dentro, una necesidad vital de la pintura, una forma de exorcismo atávico, quizá una forma de saldar cuentas con conciencias propias o ajenas. Y él mismo lo afirmó en 1996, allí en Florencia: "Esta obra se ha construido viviendo, pintando, aprendiendo, estudiando, soñando, conociendo gentes y lugares, diferentes culturas. Los elementos que las construyen no son teorías frías e impersonales, no sigo ningún manual ni a un chamán visionario al hacerlas. Sigo mi propia intuición, mi bioritmo, mi experiencia personal y así cada figura puede pertenecer a un sueño, cada color puede pertenecer a un deseo y algún detalle o aquel repinte exagerado a la medida de mi neurosis"

Al mism

Por Juan Carlos Rincón


"La naturaleza muerta es un tema de estudio, un laboratorio para probar; combinar y componer" Paul Cézanne

Tal vez sin proponérselo, los bodegones de Dario Ortiz Robledo son la simbiosis perfecta de los ideales renacentistas de los pintores italianos y de la escuela flamenca de la composición, con un planteamiento visual y cromático que destaca el entorno y su economía de elementos gracias a un manejo profundo del color y sus matices, de la luz y sus intensidades.

La armonía de los objetos en la disposición espacial que este joven y perfeccionista pintor figurativo les otorga, respalda una concepción artística general en la que la acción humana esta siempre presente como un narrador semi - oculto. Están allí, en general pocos sobre la mesa, no con el ánimo de confundir al espectador sino de participarle de su búsqueda. El bodegón de Ortiz se convierte así en una visión sintética, en una realidad especializada que su pincel traduce con la misma fuerza del trazo renacentista que lo distingue; unas veces en su calidad complementaria o como parte esencial de la composición y otras en su unicidad, en ese diálogo expresionista con la sensibilidad que rescata el valor artístico de los elementos, su impresión visual y la dinámica de la luz.

Hace cuatro siglos, Caravaggio se sentía atraído por la forma y el color de un cesto de frutas. Creador del naturalismo dentro del arte barroco, su pintura de objetos y frutas como elementos narrativas, tuvo siempre un hilo conductor al que todos los grandes pintores son fieles: la luz como protagonista del cuadro. Dario Ortiz Robledo sigue ese parámetro, pero cambia los elementos y la atmósfera - usualmente la de su taller y además persigue con ese ejercicio otra premisa fundamental que Van Gogh, el genio del impresionismo, entendió claramente; el bodegón es el mejor modelo para aprender.

Al igual que los flamencos, que Velázquez, Zurbaran, Vermeer y posteriormente Cézanne, maestro de la interpretación, Dario Ortiz Robledo entendió desde muy joven lo sigue siendo que el bodegón es el mayor reto para analizar su pintura y perfeccionar su técnica. De sus inicios abstractos los bodegones no estuvieron ausentes pero de una década hasta hoy, son esa radiografía anual de su obra para descubrir y continuar la evolución de su trabajo pictórico. Son un aporte vital para su pincel, la perspectiva y el color. Así lo entiende el artista y así debe ser vista una temática usualmente comercial que en su caso particular es un examen personal.

En ese contexto, el bodegón contiene elementos de la obra del año. No son muchos los que pinta - uno o máximo dos al año - y tampoco desbordan por la riqueza de objetos. Similar al vestido de sus personajes de túnica renacentista y jeans de fin de siglo. Ortiz juega más con activos de la cotidianidad moderna que de la naturaleza, no sin embargo ajena a ese trabajo de perfeccionamiento continuo en que ha convertido esa temática. Sus objetos son tan diarios como una botella de vino, un rollo de papel, un juego de libros, un frasco de jabón, una jarra de cobre y su vaso de pinceles, siempre sobre una mesa con mantel. El artista cree en la norma de "entre mas sencillo mas hermoso" y la cumple con creces, tratando el bodegón como un elemento en el entorno del cuadro o una composición de naturaleza muerta. Es su clave personal. Entonces son pocos los objetos para que cada parte del cuadro, por si misma, tenga mucho que decir. El hombre esta presente desde la doble perspectiva del artista y del narrador, visible como figura del trasfondo o para el imaginario que recrean los pinceles detenidos o en acción, tan frecuentes en su obra.

Ortiz deja así un notable espacio a la armonía, sin importar los calificativos. Tal vez pinte varios cuadros dentro del mismo y en ocasiones los bodegones puedan ser vistos como adición o parte de la composición ("Susana y los Viejos" o "En la Fragua de Vulcano"). Lo esencia l es que a través es de ellos sigue desarrollando su percepción visual, experimenta las evoluciones de su estilo, trabaja las consecuencias y posibilidades del color y las intensidades de la luz. Para él, la pintura es un todo, es una integridad, es la expresión de sus emociones, de sus premuras, de sus urgencias. Y el bodegón, como parte de su realidad, es la terapia de sus fantasías y la búsqueda de la perfección, en la que las horas y los días para aprobar pictóricamente una botella o una jarra son eternas.

Los bodegones de Dario Ortiz Robledo son intensamente expresivos y constituyen un deleite visual, un viaje a su técnica y un reencuentro con la dualidad realidad - ilusión. Su planteamiento cromático y visual evoca su herencia Italiana y Renacentista, mientras que la conjugación de la academia con su propuesta personal nos redescubren la importancia del contexto y de la fantasía. No son bodegones decorativos, a diferencia de otros artistas. Al contrario, acercan al observador con el universo del artista, gracias a un trabajo que aunque relativamente corto en relación con el conjunto de su obra, es primordial, estructuralmente armónico con ella y otro referente de la importancia de ese moderno pintor figurativo, tan cercano de los clásicos y a su vez de la modernidad

JUAN CARLOS RINCON

Periodista, Locutor y Escritor Ha trabajado para diferentes medios de prensa hablada y escrita como Radio Nederland, Caracol, Radionet, El Espectador, entre otros..

por Juan Manuel Silva

Todo artista tiene un conjunto o círculo de influencias de oscuro y ambiguo origen. Ningún esfuerzo será suficiente para explicar el arranque de un creador. Incluso, al intentar ubicarlo y clasificarlo se puede correr el riesgo de mal interpretar y unilateralizar su intención. Dice Herbert Read que el arte surge de una visión o de un acto de totalización de las experiencias vitales del propio artista y, por eso, tratar de comprenderlo de un modo demasiado preciso o es un engaño o es imposible.

Desde su adolescencia Dario Ortiz Robledo aprende las técnicas del gran arte pintando cuadros de trasfondo histórico, cuadros sobre la carga del Pantano de Vargas, los derechos del Hombre, Cervantes en la prisión y otros con temas de esa índole. Con el tiempo el virtuosismo técnico acompañara su obsesión de aprender de modo autodidacta. Dario Ortiz Robledo con su talento se hará notar en todos sus intentos de hacer figuración y de reconstruir con metáforas naturalistas la realidad del mundo en su obra. No sólo pasarán por sus manos los cuadros con motivos varios y "fáciles" de la Asociación Bolivariana de Pintores, sino los árabes, los campesinos, los caballos con los que a los veintiún años podía vivir de modo independiente. Sin embargo, de modo simultáneo el pintor trabajará los temas sociales y, con ellos, las carátulas de las revistas de análisis político, las carátulas de los libros y de las ilustraciones por docenas o, tal vez, por centenas, para textos pedagógicos y divulgativos. Desde un comienzo el pintor alternó la búsqueda de la recreación técnica y adecuada de los objetos del mundo con exploraciones conceptuales o, más exactamente, de significación. Sus cuadros desde siempre persiguieron representar y, por esos caprichos de su formación familiar y universitaria (estudió un tiempo química y luego derecho, pero nunca intentó empezar artes), tuvo siempre un marcado interés por las ciencias sociales y por las problemáticas ideológicas.

El proyecto religioso y reflexivo de Dario Ortiz Robledo se puede ubicar en todos los anteriores caminos que el artista ha recorrido en el desarrollo de su trabajo, al menos en los más importantes. Desde los bodegones de taller que pintó a los comienzos de los noventa y desde los cuadros abstractos y los expresionistas en los que se preguntaba por la animalidad, por la historia de la conquista y por el pasado mítico, como en la "Liturgia del jaguar", hasta cuadros más actuales en donde aparentemente se separa de lo religioso como en "Hacia la Tierra Prometida" o en "Tarde de lunes". Los cuadros de Dario Ortiz Robledo no dejarán nunca de ser de estirpe social porque son narrativas, porque son ideológicos, así no sean propiamente políticos, sino de sutil crítica social, de sutil irreverencia.

Existe en su obra religiosa un enorme gusto por el aprendizaje de la tradición pictórica, lo que ya Merleau Ponty en su libro Signos planteaba como el bagaje de las conquistas de la pintura en donde cada pincelada nueva permitía un avance en la conquista representacional del entorno humano. Dario Ortiz Robledo deja traslucir esa intención recuperadora en toda su obra pictórica y, en especial, en la que nos ocupa ahora. Lo hace porque tiene el talento del artesano, del maestro pintor, y, quizás, él aprendió de ellos sólo repitiéndolos y, también, soñándolos o idealizándolos: en él figurar conlleva a una búsqueda del virtuosismo. Su obra religiosa posterior representa el culmen de ese anhelo figurativo en su expresión pictórica. Considero que el mayor problema del pintor radica en esa autoconciencia un poco culposa del que se sabe poseedor de un "arte" viejo, un arte que, incluso, podrá ser admirado, aplaudido o deseado por alguno, pero al que hay que encontrarle, desde su propia perspectiva crítica, una salida tajante y contemporánea.

Dario Ortiz Robledo siente ese peso del pasado y no ha intentado instalarse en una pintura fácil, ha seguido, más bien, su gusto y su instinto que podría enunciar ahora que es narrativo, historicista, ideológico, porque refiere a lo que la gente cree, anhela o quisiera creer sobre lo trascendente, incluso más que sobre lo religioso como tal.

Dario Ortiz Robledo está jugando con la historia de la pintura, con sus personajes prototípicos y con sus motivos. Esto se constituye en una especie de posmodemismo de corte historicista, ya que Dario Ortiz coloca personajes y objetos de diversas épocas en un contexto ideológico y de significación al cual no corresponden.

En sus obras, en muchas de ellas, existen saberes sobrepuestos ese palimpsesto, ese libro que se copia y se retoca como por capas, de su particular experiencia de aprendizaje mezclada con elementos y gestos contemporáneos. A más de colocar con frecuencia su "ser", su propio retrato, el de ese pintor que se observa a sí mismo contemplando esos aspectos de la historia del arte. Lo realiza desde un gesto que pudiera afirmarse, si no conceptual, sí conceptista, ya que lo ideológico - narrativo no es producto del proceso de creación sino por la significativa composición que el pintor intenta lograr. El conceptismo de Darío Ortiz está entremezclado también con un cierto esbozo de barroquismo, no en la composición que es muy clásica, sino en el exceso de elementos en el cuadro, en la ausencia de vacíos, en ese temor a no significar. Su composición oscila entre el barroquismo de algunos cuadros y el manierismo conceptista. Dario Ortiz Robledo ha dado una vuelta para tratar de escapar a esa facilidad de representar que él posee.

Realiza sus motivos religiosos así él no crea estrictamente en aquello que representa, porque Dario Ortiz es hombre de fines de siglo. Ya no existen verdades absolutas, sólo recreaciones y acuerdos culturales que se han de aceptar o rechazar. "Yo no parto de temas, mi pintura trata es del hombre, de los problemas y los conflictos del ser humano. La razón por la cual utilizo a Rubens, por ejemplo, o a cualquier otro pintor, es porque creo que el conflicto ha variado muy poco desde la época de Rubens a mi época. Los temas que se han repetido en la historia de la humanidad lo que hacen es señalar enfáticamente que están dando los mismos mensajes. Un historiador del arte común nos dirá que estos temas parten de la religiosidad y del momento histórico, pero esto no es verdad propiamente, lo que la gente en realidad sentía al ver aquellas pinturas era el poder palpar con ellas un manejo de sus propias pugnas con la vida. Eso es lo que se repite mil veces en la historia del arte".

Considero que el conceptismo es un elemento fundador básico de su obra, y sobre todo de su pintura religiosa, y que desde allí se podrá valorar el techo actual, el horizonte de la obra actual de Dario Ortiz Robledo. Desde los juegos que él realiza continuamente sobre las creencias, sobre los motivos religiosos, es desde donde el pintor validará su destacado y ambicioso proyecto.

Su juego con lo religioso lo vuelve pródigo e intencionado. Por significar Dario Ortiz Robledo se arriesga a la acumulación de imágenes, incluso al collage. Pero solamente basta con observar los detalles, los gestos de sus personajes para percibir el gusto del pintor por ese arte de figurar. Para ello habría que examinar los detalles de muchos de sus cuadros. Pudieran ser los personajes de "Cuatro Santos en casa de María", de "Oración por la vida", son detalles grandes y pequeños. En "Susana y los viejos", por ejemplo, evidentemente el cuerpo de la modelo adquiere ese valor recreador y fundador que el poeta anhela; pero hay varios cuadros en ese cuadro. Coexiste junto a la simetría cuidada, al equilibrio de las composiciones, un desborde en el número de elementos presentes en el cuadro. Es posible observar en todas sus dimensiones figurativas esos fragmentos cuando se los separa a través de detalles.

Para realizar su proyecto religioso o de creencias no escoge las obras que siempre han sido pintadas, explora aquellas que encierran una maestría olvidada, una composición no recreada con frecuencia por los pintores de los siglos siguientes. ¿Por qué, entonces se pregunta, no pintar una Virgen, una señora, un gesto ejecutado antaño y relacionarlo desde las paredes de la cárcel cotidiana de un cuadro que relata un pequeño fragmento de la vida contemporánea actual?

Hay en su obra una preocupación por los significados y por las mezclas, por los elementos decorativos, por los pretextos textuales que van desde unos zapatos hasta instrumentos o ropas y actitudes que delatan la superposición de contextos y situaciones históricas dentro del cuadro. Quizá el pintor sí se ría de esas mezclas. A veces, su intención es evidente, como cuando juega con Obregón, personaje central de su cuadro "El Discípulo", quien nada tenía que hacer en ese taller de arte figurativo en donde él está representado. En esa pintura lo religioso se encuentra relegado al fondo de las paredes, a la causalidad.

Existe un sentimiento religioso presente en su obra. Más es un sentimiento atravesado por otras sensaciones y valores significativos. Aparecen en él ciertas alteraciones que se puede decir que se sueltan en las pinturas a modo de conceptos, de ideas sueltas que sobrepone y que añaden varios planos de significación al cuadro. Las manos, los pinceles que denotan el sentido particular de la pintura, la labor del pintor, su autoconciencia. Así, cruzan su obra sus autorretratos, su juego con el propio rostro. Muchos de sus personajes se asemejan a Dario Ortiz Robledo. Sólo se asemejan; pero otros lo son claramente. Denuncian el taller del pintor que sabe y plantea que está buscando cotidianamente algo para poder vivir y expresarse.

Existen otras irrupciones en la normatividad del cuadro. Pies, caras, cabezas, como en los primeros cuadros de la serie, tales como "La Anunciación", y que se revela en la suma de "Madonas y santos"; pero también hay cabezas, manos sueltas y pies en varios de sus trabajos; además de libros, relojes y otros objetos que rompen la significación y que son sobrepuestos o colocados, a veces, con cierta concordancia con la situación o escena que se representa. Luego vendrán los personajes claramente contemporáneos que se alternan con las figuras de los cuadros clásicos como en el "Lavatorio de pies" o en "Sobre cómo Cargar una Cruz" entre otros muchos. Los personajes del pasado, no obstante, no se "miran" con los del presente. Se entrecruzan y hacen parte del teatro normal de esas antiguas pinturas. En la obra de Dario Ortiz Robledo sí sobresalen porque se salen de lo esperado hoy muestran en su conjunto el exceso que el pintor ha propiciado. El cuadro adquiere, pese a su austeridad, un sesgo parcial de recreación, de violencia que en las pinturas de antaño no se notaba como en su cuadro "Tu desnudez". No en vano ha dicho el autor en alguna ocasión que el cristianismo hizo una apropiación directa y violenta de los temas sagrados. Dario Ortiz ha querido hacer la suya especial. Mas hay un cuidado y discreto aire profano en sus trabajos. Hay cierto descreimiento disimulado de los temas mismos. No así en algunas de sus primeras obras, en esos apóstoles expresionistas, en esos pescadores y discípulos junto a Jesús en una obra, aún convencional con respecto a las actuales, denominada "El Milagro". Es posible observar el cambio con respecto a los primeros apóstoles en los posteriores, tales como "Apóstol V" o el "Apóstol VI".

Puedo afirmar, para matizar todos estos juicios, que su proyecto no es absoluto y que el pintor logra también esa esencia de lo simple. Por ejemplo, en Estudio de rostro para "En el Taller" o en "Angustia en Silencio", en "Apóstol III", así como en los múltiples estudios que realiza; incluso en cuadros mucho más complejos como "El discípulo", o como en "Otros Tiempos" o en "Annunciazzione" 1993. La expresión que busca su camino, cuando se tiene corriente, caudal, abre su propio canal expresivo por donde tiene que hacerlo, así tenga esa desproporción, que es la que se le da vitalmente al artista, la que lo hace hacer ser un pintor con proyecto y no otro. Desproporción que le otorga, además, cierto atractivo ideológico, como sucede con los cuadros latinoamericanos de crítica social de mediados de siglo, cuadros que él traslada desde lo ideológico y narrativo a la dimensión más íntima y personal del creer y de lo religioso.

La expresión poética es la única por la que el verdadero artista sacrifica todo. En su lograda serigrafía de la última cena sacrifica el color y el montaje diverso de elementos fuera de contexto. Me refiero a la serigrafía del "El Cáliz de Elías". Allí sacrifica todos o casi todos los elementos externos al motivo religioso tradicional. Lúdicamente, presenta un Cristo que no posee ningún papel heroico ni dramático en la composición del motivo. Lo externo al sentimiento religioso se reduce a ese rostro. Ese Cristo es el eje que disuena, que chupa y produce extrañamiento en la obra. El pintor no necesita de más, no se sobreactúa. Se sonríe socarronamente del papel que ha tenido que representar en el cuadro porque es él o lo parece. Es muy posible, y no sólo por el parecido físico con el propio Dario Ortiz Robledo, que este detalle exprese en general la misma crisis actual de las grandes religiones sobre la que no abordaré demasiado por falta de espacio, a más de la propia crisis personal del autor ante los dogmas tradicionales del cristianismo y del catolicismo. Dario Oltiz participa con plena conciencia de la pregunta de fin de milenio por el sentido, lo hace a su particular modo, así como de modo simultáneo lo realizan otros pintores de los noventa. En sus cuadros se esconde el ansia de integración con el cosmos, el misticismo; así como ese vacío, esa pregunta sin respuesta casi por la fe perdida. Ya no se puede creer a pie juntillas, al pie de la letra los dogmas. Lo que el autor busca es expresar la renovación problemática por el interés religioso de fines de siglo, detrás de sus cuadros puede que esté esa interpretación de la historia y una búsqueda personal y muy intelectual de lo religioso. Esto se observa en cuadros de envergadura y logro como "Annunciazzione" 1993. En general, los personajes de los cuadros de Dario Ortiz son como esos actores sociales que juegan el rol de ciudadanos promedio, de personajes de ciudad. Pero en la práctica social son imposibles, son imaginados; porque son creaciones estéticas, porque son preguntas abiertas, son búsquedas aún del propio pintor que junta el pasado con el presente. Y la factura misma de los cuadros permite vislumbrar ese tipo de artificio. Tal vez, están pegados como seres irreconciliables socialmente con el presente histórico en esas composiciones como en "La fiesta de las flores". A diferencia del cuadro cuyo tema es el autorretrato del pintor conversando con lo clásico, me refiero al cuadro "Los Maestros", allí hay comunicación explícita entre los personajes del pasado en el cuadro y los del mundo actual; es un diálogo "real" con el autor. Es este el gran interés oculto de Dario Ortiz Robledo, es este su asunto íntimo: el gran pretexto para poder pintar las creencias. "Mi pintura se volvió un diálogo con los maestros, como si los fantasmas hubieran llegado al taller y se hubieran posesionado de él para arrastrarme ferozmente a la pintura. Yo hoy en día no hago panfleto religioso, ni hablo, ni pinto el tema religioso, yo pinto lo que yo siento y en lo que me reflejo como ser humano, vuelvo a los conflictos que imperan desde......"

Sus personajes están puestos, son hieráticos; pero chocan con la realidad social del presente. Producen, por consiguiente, un efecto distinto al de la pintura religiosa clásica. Existe un intento de trascendencia en los personajes de Dario Ortiz. Esta trascendencia ya no puede pretenderse con la misma caracterización del pasado, con la misma pose. Valdría la pena hacer la comparación entre los originales de Andrea del Sarto y las versiones de Dario Ortiz. Por ejemplo, la "Madonna de las arpías" con "El Lavatorio de los Pies"; comparar la Anunciación clásica del mismo autor con la contemporánea denominada "Annunciazzione" 1993. El ] pintor es consciente de su oportunismo, porque usufructúa esa contradicción: él usa a sus personajes. No está pintando fanáticos religiosos ni fanatismos. Utiliza esa reverencia con distancia de los personajes clásicos; respeto y reverencia discreta, distante, que hoy no sería tan frecuente. "En Mateo y el Ángel", donde el rostro un poco surreal que aparece sobre la mano del personaje no le añade, no le comunica mucho, atrapado como está ese individuo en su conflicto interior. Por fuera de una estrategia salvacionista en la que el autor de la obra, el pintor, no cree hay en ese cuadro dos sentimientos, dos mundos irreconciliables. Dario Ortiz está, más bien, y lo ha dicho él mismo, volviendo al problema esencial del ser humano que lo hace recaer en lo religioso, que lo hace preguntarse por Dios, etcétera. Él, desde esta consideración, pienso, tiene que justificarse pintando figurativamente.

Existe, no obstante, una gran virtud poética en "Mateo y el Ángel", cargado con la fuerza existencias de la soledad contemporánea si no desprendemos un podo del santo o de la figura acompañante Igual sucede con "Esperando en el Lugar de las Apariciones". Allí, la polifonía de voces, de significaciones, nos da una luz acerca del camino que está tomando el pintor. El no intenta la mesura y el mero representar del chileno Claudio Bravo, tampoco quiere la simetría y la tranquilidad de la obra de Fernando Botero.

Los ciudadanos de fines de siglo nos rodeamos de objetos, de elementos, de personajes, de seres; mas ya no poseemos ni sabemos exactamente cuál es el sentido de su trascendencia. En realidad no importan los motivos, ni siquiera se podría afirmar demasiado para el autor. Si acaso, se diría desde la Estética de Theodor W. Adorno, sólo para comprender que el cacharro de barro es una pieza arqueológica de alguna pretérita cultura. Importante porque está desaparecida. A Dario Ortiz, sin embargo, no le importan, como se ha planteado, tanto sus motivos. Él no los hace me refiero a los cuadros propiamente desde el ánimo de subvertir los significados que proclaman los motivos de las pinturas, sólo desea denotar la multiplicada facilidad de nuestros saberes. Si se mira el cuadro "El discípulo", nosotros comprenderemos que esos personajes son importantes, que Obregón es uno de los más grandes pintores colombianos, comprenderemos que ése es su taller y que así trabajaba Obregón, y, también, comprenderemos que detrás de las paredes imaginarias de su estudio estaban las creencias y algo del canon clásico del cual hace parte el mismo pintor en cuanto a Colombia se refiere. Y habrá quien se crea su narración, su lúdica crítica, su coqueteo con el canon pictórico y junto a ese saber se ubica, en esencia, el sentimiento religioso, el motivo religioso.

La narración posmoderna que propone es la de pintar por pintar, de juego de los personajes, de las mezclas y de la carencia de una verdad histórica. De ese talante es su interpretación religiosa, su juego de creencias. Y podemos ver su logro, su valor en cuadros como "Profetas y Escribanos", que con sus desequilibrios narrativas como esa mano con pincel que allí brota de la nada del cuadro haga comprender

Desde niño comienza a pintar. Por esa manía irrefrenable, aquel muchacho que nace el 12 de septiembre de 1968. se convierte en el centro de sus condiscípulos, primero en el Liceo Val de Ibagué y luego en el Liceo Cervantes, de Bogotá. El precoz artista que ya hubiera querido hacerlo todo porque vive de manera rápida, organiza en su colegio el grupo de teatro, realiza montajes de obras invertidas por él y se dedica a la lectura con la misma irrefrenable pasión que observa en sus progenitores.

A los cinco anos, mientras se reponía de un sarampión y una severa bronconeumonía, su madre, para entretenerlo, le entrega bastante plastilina y el impúber terminará ofreciéndole muñecos perfectamente proporcionados. A los nueve gana el segundo puesto para el mundial de pintura infantil en Tokio en 1977 y a los once, cuando llega un amigo de su padre perteneciente al cuerpo diplomático de Cuba, pasa todo el tiempo hablando de su patria y hace una acuarela con un retrato del Ché Guevara que presenta en un concurso infantil en esa isla donde también se gana el premio.

En tercero de bachillerato tropieza con la mirada seria de unos mejicanos que viajaban por Latinoamérica buscando talentos especiales o con cociente intelectual muy alto. El examen que le practican lo conduce a la opción de no seguir estudiando en Colombia puesto que debe ir a un Instituto especializado ya sus resultados son impresionantes. Sus padres mostraron desacuerdo pero de la experiencia se concluye por sus calificadores que Dario tiene en una compresión matemática fuera de lo común y descubre, él mismo, que por ser bueno en matemáticas y física quiere estudiar astrofísica.

Las condiciones económicas de su familia no les permite un lujo de esa categoría y resuelve estudiar química pura para luego conseguir un postgrado en astrofísica. Se presenta a la Universidad Nacional pero en ese horario no le queda tiempo para pintar y él en una carrera donde no tenga tiempo para hacerlo se ve como un fracaso.


Efectivamente, a los tres meses se retira. Resuelve matricularse en el Externado de Colombia e ingresa a estudiar Derecho. Dura dos años estudiando y es designado monitor de derecho romano, pero también resuelve no seguir porque esas cosas le quitan tiempo precioso para su pintura. Sigue sólo pintando. Es de constancia impresionante, sabe lo que quiere y tiene unas metas fijas en su vida, sin que a su ambición escape él querer convertirse en figura mundial de la pintura. Es, aparte de eso, de un optimismo y de una confianza en sí mismo que juega con el ritmo de tina generosidad galopante a los extremos.

En la formación de Darío Ortíz Robledo influyó mucho el entorno familiar. El y su hermana, hoy médica cirujana con especialización en oftalmología, se levantaron en medio de libros y en un ambiente cultural y artístico. Nadie quiso obligarlos a dedicarse a ese tema, pero es el ambiente. Martha Cecilia, su madre, es no sólo una enorme lectora sitio que posee tina gran sensibilidad artística, lo mismo que su padre, el historiador, novelista y periodista Darío Ortíz Vidales.

Con él empezó el aprendizaje del óleo. Un cuadro de la carga del Pantano de Vargas que adorna una de las paredes del apartamento de su padre es pintado entre los dos y se encuentra firmado por ambos. Un día discuten cuál de los cuarenta jinetes había pintado cada uno y si acaso identificaban uno o dos. Lo cierto es que el conjunto no salió malo y surge la iniciativa de hacer un mural con este cuadro que empiezan a pintar en la pared del garaje. Sin embargo, el trabajo sobre ese motivo, cuyo bosquejo construyeron y alcanzaron a pintar jinete y medio, es suspendido de inmediato cuando baja la madre y les grita que "se están tirando el garaje".
Darío es pintor por encima de cualquier cosa. Todo el tiempo tiene que estar pintando con lo que tenga a mano. Aún cuando habla por teléfono pinta, sea en los pantalones, la mesa, el papel. En los restaurantes, es típico ver las servilletas dibujadas e incluso han sido varias las noches en que su esposa Marcela, fonoaudióloga y con quien vive en Florencia, Italia, se despierta y observa que él está con la mano al aire, dibujando dormido.

Es de los que intentan pintar lo que tienen dentro. Creía que su pintura tenía el peso del pasado pero al llegar a Europa comprueba que es todo lo contrario. Advierte que lo clásico era algo muy diferente, muy lejano a su pintura y en consecuencia ésta se vuelve absolutamente contemporánea de los artistas clásicos europeos.

Cree que todavía no ha hecho un verdadero trabajo que valga la pena. Un pintor siempre busca y Darío piensa que siempre pinta el mismo cuadro. Todos los días está tratando de hacer ese cuadro, ese gran cuadro, ese cuadro por el que vale la pena todos los años de sacrificio. "Si tu consideras que ese cuadro ya lo hiciste, dejas de pintar".

La primera vez que va a Europa, en 1989, es porque se ha ganado un premio en París - el segundo mundial artístico Artvite, patrocinado por la galería del mismo nombre. Luego empieza a viajar. En Milán, donde su abuelo había sido Cónsul, tras unos días en Suiza, se va directo a la estación del tren y parte para Florencia. Se encuentra con algo muy diferente a lo que conocía de Europa porque en aquel duro invierno pide conversar con jóvenes y observa que todo el mundo está en la calle, las heladerías permanecen abiertas a las once de la noche en una estación como esa, lo que le parece insólito y curioso. Empieza a caminar y a reconocer los monumentos, a ubicarse en la ciudad.

Desde niño tenía un mapa de Florencia que le había regalado su padre y de alguna manera lo había grabado en la cabeza. Entonces, a pesar de tener programado ir después a Roma, Nápoles, Pompeya, decide quedarse todo el tiempo en Florencia y considera que su viaje ya había concluido, a pensar que va había visto lo que tenía que ver. Mucho tiempo antes se había prometido que al irse fuera de Colombia, el primer sitio adonde tenía que ir era a Florencia y así lo hizo. Ahora lleva más de un año en aquel templo del arte europeo.

Acaba de obtener un nuevo premio internacional y luego de varias exposiciones individuales, con obra expuesta en galerías de los Estados Unidos, Francia y, algunos premio y distinciones en diversos salones nacionales, se perfila como el joven talento tolimense con mayores proyecciones.

Sabe deslumbrar a su público por su extraordinario dominio técnico con sus obras llenas de fuerza y desafío intelectual. Las combinaciones de composición figurativas y narrativas, su inspiración en las tradiciones del pasado y el enfoque profundo de obras con tenía bíblico, asume en su enfoque y resultado dimensiones modernas. Figuras identificables del drama religioso reflejan identidades contemporáneas con sus trajes y otros objetos del presente. Un frenesí de alegría en sus escenas y la realidad conveniente que demuestra en sus santos y apóstoles, por ejemplo, son la ensoñación de un poder místico que nos muestra lo asombroso de su arte y la dimensión inequívoca de su talento.

En 1989 participó en el XXI Salón Internacional de Agosto que organizara la fundación Álzate Avendaño y el Museo de arte Proarte en Bogotá. En ese evento participó en dos categorías, en pintura y en dibujo y se ganó los dos premios, en un certamen en que había artistas franceses, brasileros, ecuatorianos, peruanos y obviamente colombianos.

Después vendrían unas selecciones a concursos nacionales partiendo de concursos en el salón 1988 de arte joven del Tolima, donde fue seleccionado entre 300 para una exposición de quince. También se encuentra su presencia en los salones de arte joven del Planetario de Bogotá en los años 90-91, así como antes había sido seleccionado para un internacional sobre el bicentenario de la revolución francesa en 1989.

Igualmente, en el mundial artístico Art Vital alcanzó el primer premio, y en 1992 obtiene un segundo detrás de Ana María Devis para un regional. Por último en 1996 alcanza el XI premio Italia para las artes visuales donde no hay primero ni segundo sino una serie de premios que los adjudican diferentes jurados.

El aprendizaje de la pintura es algo que se le pierde en la noche de los tiempos pero no hay que ir muy lejos para ver a su padre sacar un dibujo que hiciera en una previa en kinder donde perdió el examen a costa de realizar un dibujo excelente.

Este pintor Figurativo al que los personajes que más lo han influido en su vida son en su orden Jesucristo, el Ché Guevara (y aquí menciona a su papá) Leopoldo Da Vinci y Helbert Marcuse, considera a Juan Cárdenas, Luis Caballero y Fernando Botero como lo más importantes pintores de este siglo en Colombia y a Jorge Elías Triana en el Tolima. Aspira a ganarse el premio a la inmortalidad y va tranquilo por la vida porque goza de un pasado limpio, una familia limpia, una relación amorosa limpia y así, en medio de esa paz, está listo para dedicarse tranquilamente a crear. Es como si fuera el dueño de una atmósfera que le permite hacer la luz sin que aparezca la apestosa turbulencia

Por Antonio O. Rodriguez
Detenerse frente a un cuadro del pintor colombiano Darío Ortiz es una experiencia que trasciende lo puramente estético y se abre a una variada paleta de sensaciones y reflexiones. A primera vista, resulta evidente que se trata de un creador que ha estudiado con profundidad el arte europeo de los siglos XVI al XIX y que ha alcanzado una maestría poco frecuente en la representación de la figura humana. Sin embargo, al observar con detenimiento cada uno de sus lienzos -muchos de ellos inspirados en escenas y motivos religiosos o en ambientes de épocas pretéritas-, se descubren detalles que amplían los significados de las obras y las dotan de un atrevido cariz contemporáneo. "Yo no hago cuadros, yo vivo cuadros", expresó en una oportunidad el artista, y esa pasión se pone de relieve en cada una de sus obras.
En el panorama de las artes plásticas latinoamericanas del nuevo milenio, la pintura de este creador nacido en Ibagué, en 1968, se distingue no sólo por su calidad técnica, sino también por la originalidad de sus propuestas. Sus pinturas revelan a un sagaz observador de la naturaleza humana; alguien que más allá de épocas o ambientes, toma al individuo como centro de su obra.
Su trayectoria artística se inició muy temprano. En 1979, cuando tenía 11 años, el premio obtenido en un concurso mundial de pintura infantil realizado en Tokio anunció las dotes de Darío Ortiz para las artes plásticas. Fue su padre -el novelista e historiador colombiano Darío Ortiz Vidales- quien lo adentró en los secretos de la técnica del óleo.
Al concluir el bachillerato en la ciudad de Bogotá, el artista en ciernes no matriculó en una escuela de artes plásticas, sino que escogió la química como carrera. Después de estudiar dos años esa ciencia en la universidad, decidió cambiar de rumbo. Pero en esa ocasión tampoco la pintura fue escogida: optó por el derecho y durante otros dos años estudió esa disciplina.
El ambiente de confrontación ideológica que se respiraba en las universidades de Colombia durante la década de los años 1980 no lo dejó indiferente, pero la pasión por la política no logró ser más fuerte que su vocación artística. "Entre la poesía que es la pintura y la porquería que es la política, me quedé con lo primero", ha expresado el artista. En 1989, abandonó la universidad para dedicarse de lleno a las artes plásticas. Los reconocimientos no tardaron: en ese mismo año de 1989 obtuvo los premios de pintura y dibujo en el Salón de Agosto de Bogotá.
En 1991, una estancia en Europa fue decisiva para su maduración como artista y para que comenzara a definir un estilo personal. En Florencia, entró en contacto con toda la riqueza del Renacimiento y comenzó a gestarse en su pintura un tránsito de lo abstracto a lo figurativo. Darío Ortiz se ha definido como un "figurativo por criterio", explicando que escogió esa vertiente para poder comunicarse con el publico: "Cuando escuché lo que dice la gente en las exposiciones sobre las obras abstractas, entendí que allí no se daba el puente de la comunicación".
De regreso a Colombia, se instaló en una hacienda campestre cercana a la capital y allí, además de pintar, comenzó a hacer grabados. En 1994 volvió a Florencia, esta vez para radicar en esa ciudad durante un año. Poco a poco, Ortiz consigue un universo visual propio en el que las vírgenes llevan escotes, los apóstoles usan jeans y los cristos se ponen relojes de pulsera; en el que hombres y mujeres de hoy irrumpen en los espacios de sus predecesores, o viceversa. Como ha escrito su compatriota Germán Santamaría, Darío Ortiz intenta "ensamblar los vasos comunicantes del hombre de todas las eras humanas, al conectar los días de su presente con las noches de la antigüedad, tanto de la cultura cristiana clásica occidental como de la misma prehistoria amerindia que corre por sus venas".
Con sus sutiles juegos entre lo real y las apariencias, la pintura de Darío Ortiz está llena de significados y de interrogantes. Su propuesta nos hace transitar del asombro a la reflexión, sin descartar una que otra sonrisa cómplice ante el humorismo implícito en algunas de sus creaciones.
Elementos provenientes del arte renacentista, del barroco y el romanticismo son actualizados para indagar en la naturaleza del hombre y sus problemas eternos.
Darío Ortiz es un pintor de realidades y espejismos, de vidas pasadas y presentes que convidan al espectador a recorrer y habitar los mundos imaginarios que evoca en sus obras. Entre la iconografía religiosa tradicional y la modernidad, la pintura de este destacado creador está llena de fantasía, de tensión y de símbolos por descifrar.
Ortiz cree en la pintura como evocadora de imágenes, como mensajera y seductora. "Sin dejar de ser colombiano, trato de lograr una obra que hable en el lenguaje más internacional posible", ha afirmado.
Tomado de la Revista Architectural Digest, noviembre de 2002

RETORNO AL RENACIMIENTO

por Raul M. Oyuela

Por primera vez un pintor colombiano expone individualmente 50 trabajos en el Museo de Abano, en Padua, Italia. Del 14 de julio al 10 de agosto (2000)se exhibirá su obra alli donde estuvo el verano pasado la gran exposición del italiano De Chirico. Dario Ortiz regresa a su fuente clásica.

En varias oportunidades había sugerido al pintor Darío Ortiz presentar su magnífica obra en algún museo de Italia pues sabía que este país, cuna de las artes plásticas y habitado por gente de permanentes inquietudes artísticas, iba a apreciar, con sensibilidad y conocimientos, la producción de este joven artista colombiano a quien podemos describir como una reencarnación de alguno de los maestros italianos que tanto nos asombran. Por eso es muy grato para mí, como organizador y parte del comité curador, presentar en el Museo Cívico de Abano Terme, en Padua, la muestra monográfica "Darío Ortiz, pintor y dibujante" que se realiza en colaboración con el Latin American Art Museum de Miami y las Galerías Nader de Miami y Santo Domingo.

Darío Ortiz es un creador incansable que aprovecha sus profundos conocimientos del oficio para dar rienda suelta a su imaginación sumando diferentes elementos en su obra sin llegar a hacer de ella una imagen claramente surrealista. Y aunque sus pinturas están más allá de Ia realidad, conservan un sentido de lo clásico y ese valor del cual los maestros italianos tanto se enorgullecían: el enorme respeto por el espectador.

La figura -el elemento humano- está presente en todas • las obras del autor, y en muchas de ellas se encuentra representada por él mismo. Su aparición en la pintura no es casual: espectador, testigo, participante, inquisidor... está ahí con su estampa inconfundible para vigilar de alguna forma a los demás integrantes de cada obra que el joven artista crea con gran maestría. Nacido en 1968, a la temprana edad de 12 años Darío recibió las primeras lecciones artísticas de mano de su padre, y tres años más tarde expuso colectivamente en una galería colombiana. Temprano despertar para alguien que, con el tiempo, no hará otra cosa que demostrar cómo en la pintura también existen genios precoces. Ortiz, sin embargo, transitó en su búsqueda por otro espacio pictórico maravilloso: el expresionismo. Aquel que cultivaron los grandes maestros alemanes y hasta el propio Bacon... Su manejo personal de la composición y el color se halla presente en aquella época del mismo modo que lo está ahora. Lo que ha cambiado es el concepto de la agresividad; de la pincelada frenética y el estallido de color, Ortiz pasa a la paz de una obra pensada, de pincelada precisa y segura realizada con acierto mediante un sagaz conocimiento de técnica, composición y color, unidos siempre a unpoético tema; aunque a veces, su carácter sarcástico e inquisidor continúe ahí. Cada obra de Darío Ortiz merece una cuidadosa lectura. Hay en ella un poema, un cuento, una historia personal y el ojo vigilante de quien es, generalmente, un importante protagonista. Cualquiera de nosotros puede sumarse al grupo de personajes e integrarse a su manera en el cuadro, por eso siempre que la observamos pensamos en un Rembrandt y su Ronda nocturna o en uno de los Velázquez del Prado en los que el elemento humano prima sobre cualquier otra consideración.

Su pintura une el presente y el pasado, por eso Darío Ortiz con sus misterios se convierte así en un clásico; alguien que puede mezclarse con los maestros del Renacimiento pero a través de un lenguaje propio. Con inteligencia destruye el concepto del "realismo por el realismo", de la imitación fotográfica de objetos y naturaleza inanimados, al inyectar a sus pinturas el fervor de un artista innato que ha conseguido llegar mucho más lejos que la propia realidad.

Por Raúl M. Oyuela
Director de Latin Amerícan Art Museum of Miami
Tomado de la Revista Diners, Julio de 2000

Dario Ortiz Robledo crea un espacio donde se desarrolla un juego entre la realidad y la apariencia entre la pose artificial y lo natural que se ve normal en un momento histórico y así se define su estilo propio.

El oficio técnico de dibujante y pintor Dario lo conoce a la perfección hasta el extremo de confrontarse con los mejores artistas del pasado y con ellos revisar su técnica y oficio, con ese diálogo provocado por Dario busca generar una reflexión.

1. Respecto al tiempo, y las tendencias.
2. Sobre el oficio y la calidad.
3. La forma y la apariencia.
4. Lo variable del momento y lo constante o permanente.Porque no hay duda que Dario le teme a lo ocasional, a lo circunstancial; a la moda, a la intrascendencia y con sus reflexiones quiere evitarlos.
Así se explican los asuntos, los argumentos siempre vigentes: los grandes asuntos religiosos y en ellos los momentos sublimes, donde hitos como "La Ultima Cena ", "El descendimiento de la Cruz", "La Anunciación ", "La Muerte de Cristo ", son los retos que Dario asume y donde quiere confrontarse. Al hacerlo está reflexionando sobre ellos, sobre los maestros y sus maneras, técnicas y secretos. Que Dario no los copia, los cita y convoca, para revisar su vigencia y su criterio, que se ve fortalecido en dicho diálogo.

Análisis Formal

Hay una forma externa en la obra de Dario Ortiz y una forma interna que no coinciden, por eso podemos afirmar que no se trata de una obra formalista, pero acude a las formas y con ellas juega.
1. Hay formas propias y formas ajenas en pleno diálogo formal
2. Hay formas reales y virtuales.
3. Hay formas estudiadas y formas espontáneas, por eso la obra se siente en algunos momentos en un espacio teatral.
4. Hay formas conocidas y otras resultan extrañas por lo desconocidas, que confrontan.
Las formas y las relaciones formales nos acomodan y una vez logrado su objetivo, nos desacomoda ganando la obra en argumentación y fuerza.

Análisis Estructural

La obra de Dario Ortiz Robledo está llena de tensiones que son las que le dan vitalidad y sentido.
1. La tensión argumental esta dada por la confrontación en el mismo espacio de obras o fragmentos de obras de varios autores, épocas y tendencias.
2. La tensión local se concentra en el sujeto actor (autoreferencial) que atrae y fija todas las miradas y se convierte en el centro de interés.
3. La tensión dinámica parte del sujeto y se irradia se concentra en el objeto y con estos se cuestiona a los sujetos.
4. Tensión temática define el sentido de obra y convierte al actor en punto departida de todo discurso.
Dario es un artista serio que utiliza el humor para cuestionar y para resolver diferencias, el oficio para confrontarse, la historia del arte como instrumento para ubicarse y trascender y los maestros como referencia para superarlos.
La forma nos lleva a la estructura y en ella surge el concepto por confrontación, como un diálogo donde surge el tema.
El Sujeto: Es autoreferencial, presente constante y es él mismo sumido en sus pensamientos con un libro o con un pincel confrontado con otras épocas y situaciones comunes.
El Objeto: Pensar, reflexionar, custodiarlo todo, técnica, épocas, actitudes, poses y maneras con equilibrio formal y desequilibrio estructural.
El Espacio: Variable y casi siempre cotejando, interior y exterior presencia y apariencia, pintura y realidad, lo instantáneo y lo permanente.
El Tiempo: Varios tiempos y de su diálogo surge el tiempo de la obra que no acepta ser transitorio y ocasional pero que acude a ellos como parte del argumento.
Análisis Simbólico
Los tiempos confrontados surgen como una metáfora y así podemos percibir:
1. El Renacimiento con su arquitectura y su eje: el hombre
2. El Barroco por sus recargos y exuberancias.
3. El Manierismo, por sus maneras y formas.
4. El Romanticismo por su evocación y nostalgia que son observados por un artista contemporáneo con criterio

El verbo confrontar, mejor citar, para confrontar o traer a escena es importante en Dario porque el ambiente donde son reunidos es teatral; como un escenario, con montaje, vestuario y actitud para que el público tenga la oportunidad de encontrar la verdad.
La prueba documental está en libros, textos, argumentos, y en iconos.
En la visita a los talleres de los maestros el artista se viste como ellos, se encuentra con ellos y los confronta mano a mano sin reverencias pero con respeto.
El Lenguaje simbólico de las manos es preponderante, constante, actuante determinante y preponderante: como una metáfora que nos dice de una presencia en potencia del pintor y de su reflexión.
Puentes Metafóricos: La mano sobre el mentón o en la cabeza en actitud de pensar, y frente a un lienzo, o con un pincel en la mano son símbolos inequívocos de reflexión que nos permite concluir que Dario piensa pintando porque para el son actos complementarios.
La línea fina casi imperceptible y la mirada fija son instrumentos para penetrar en el mundo del artista y su época.
Los trajes: mezcla de dos épocas con sus iconos correspondientes relacionan tiempos y espacios en un lugar común: el taller donde se congela el tiempo.
La simbología cristiana es una referencia constante con todos sus iconos que dialogan con otros propios del hombre contemporáneo; confrontando su permanencia.
El Libro aparece como documento ó prueba de un momento histórico. Algunos órganos como manos, pies o rostros insinuados, parecen participar desde otra dimensión que desordena el orden narrativo y nos saca o traslada a1 camino de la imaginación, al surrealismo metafórico de la imagen.
Los ejes en la construcción como en la arquitectura nos define simbólicamente distintos espacios - tiempos para ratificar lo constante.
La repetición como recurso, enfatiza y define la preocupación del tiempo y e1 espacio.
Los objetos simples y sencillos como un reloj, unos zapatos tenis, una ruana un bluejean son otros símbolos para ubicarnos en la modernidad, como otros elementos arquitectónicos nos sacan de ella y nos trasladan a un nuevo espacio.
Rubens o Velázquez, Andrea del Sarto u Obregón
Pueden ser convocados por el artista que los revisa, los observa, los cuestiona, los estudia pero no sólo con un criterio historicista o anecdótico sino como un crítico que de paso revisa la época, el autor y el momento artístico; porque el perfil de Dario es de un filósofo consciente de su papel en la vida: pensar y construir sobre lo permanente.

Análisis Conceptual

No puede existir obra de arte sin concepto, puesto que éste es su esencia y en la obra de Dario Ortiz no es la excepción.
Para llegar al concepto hemos utilizado el método inductivo que nos permite penetrar en el fondo de la propuesta estética para no quedamos en lo superficial.
La obra se presenta bajo la apariencia de un falso realismo; pero la intención es muy diferente.
Hay una constante formal: una confrontación de obras con dos tiempos, dos espacios, dos realidades que chocan y le dan vitalidad a la obra.
Ese diálogo produce en la mente del público una tensión formal que lo lleva a otra realidad; a la realidad de la obra.
La tensión creada por Dario es grande, debido a su realismo o mejor dicho a su calidad técnica como figurativo, que nos pone a dudar por sus referencias tan realistas, es como un argumento para denunciar las apariencias.
Cuando Dario nos evoca o convoca a otros artistas con una o varias de sus obras, lo que está haciendo es confrontarse y denunciar o cuestionar algún aspecto que él considera cuestionable.
El camino para llegar al fondo en la obra de Dario, es el de la forma pero nos podemos quedar en ella porque la forma nos lleva a la estructura y en ella encontramos tensiones o conflictos que se resuelven simbólicamente y allá está el concepto.
Las acciones que la obra propone, se pueden resumir en verbos y éstos tienen categorías: así hay un verbo rector en la obra de Dario y unos verbos auxiliares. Los verbos denunciar, evocar e invocar son muy importantes en sus composiciones, pero no suficientes para explicarla, lo que sí ocurre con el verbo confrontar

Análisis Sistémico

El juego: La vida del sistema depende del juego que proponga y como ese juego es resuelto: Es frecuente en la obra de Dario el juego de tiempos, para generar un tiempo especial: el tiempo de la obra, producto de la sucesión de varios momentos. El Sujeto actor: (auto referencias), el mismo, que se puede ver en varias épocas, de varias edades y representando varios papeles, pero siempre con una actitud de reflexión.
Los espacios múltiples: internos y externos o combinados y el ambiente propio de hoy en día o del pasado, que se puede atribuir a otro autor y cultura con el cuál se confronta.
Como todo sistema que no se alimenta muere, la obra de Dario se alimenta de las obras de otros artistas épocas y culturas y de la participación directa del publico que a veces es incorporado en forma virtual a la obra y en otras oportunidades en forma real.
En la obra hay trampas de entrada y de salida así: El juego del sistema se encarga de atrapar los jugadores para que no se salgan porque hay dos tipos de trampas: internas y externas.
1. Internas: Son las que se proyectan del sistema para atrapar adeptos o nutrientes entre los observadores.
2. Externas: Son las que mantienen a los jugadores en el juego.
Todas estas posibilidades son aprovechadas por Dario como argumentos o hipótesis para llenar su obra de tensiones o hipótesis que se perciben en el concepto que es el fondo de la obra.
Así en la pintura de Dario Ortiz hay un reto al publico a quien le propone que penetre mas allá de esos aspectos formales importantes pero superficiales así: cada obra es como una hipótesis que aclara un aspecto resuelve algún interrogatorio pero propone otra que va mas allá, al fondo.

Análisis Estilístico

El diálogo formal Dario lo plantea entre las formas ajenas y las propias; las primeras pertenecen a maestros conocidos, a las personas y a las formas de su propia cultura.
De esa composición surge un diálogo que deja ver las relaciones, cada cual en su dimensión.
La obra de Dario no se agota en ese trabajo experimental y técnico, sino que con esos elementos compone un nuevo espacio que tiene algo teatral, algo sicológico, algo fantástico y algo mágico que nos sacan de lo real y nos transporta a un espacio metafísico y así Dario Ortiz con su obra nos ubica en un momento del arte y cuando nos sentimos cómodos, nos transporta a otra y de ese a otro; así puede ir del pasado remoto al próximo, de éste a la modernidad y de ésta a la contemporaneidad.
Porque estilísticamente Dario es un artista contemporáneo que parece no aceptar formalismos de nadie, con su rebeldía busca bases sólidas para sobre ellas construir.
1. Las referencias al surrealismo son claras, pero no es un surrealista. Tampoco se agota en el arte. Tampoco se agota en el arte metafísico a pesar de referencias historicistas.
2. Por su humor y crítica se acerca al Dadá, pero a ellos también los critica por facilistas.
3. De los clásicos tiene mucho, sobre todo de los renacentistas, pero su obra es contemporánea y ante todo conceptual.
Hay una característica especial en Dario que marca su carácter y es su referencia latinoamericana. La obra de Dario es mágica, porque sólo lo mágico logra unir lo que aparentemente está tan distante en tiempo y espacio. El hilo conductor que explica toda su obra está en las asociaciones mentales que salen del realismo y se transforman en relaciones propias de la fantasía. Así el mundo de Dario está en el terreno de lo maravilloso.

JUAN CARLOS CONTO
Abogado y crítico de arte de la Universidad del Rosario, investigador de Estética y de Fenomenología de la Creatividad,- ha sido profesor de las Universidad Jorge Tadeo Lozano y Javeriana, entre otras.

Desde la primera aproximación a su trabajo se hace evidente que Dario Ortiz Robledo no pinta como si fuera una rutina y mucho menos como lo indican los pretendidos cánones de la época que le tocó en suerte. Por el contrario, resulta apenas axiomático que haciendo lo que le viene en gana, sin ataduras y sin compromisos distintos de los que le señalan una imaginación exuberante y un oficio excepcional, disfruta al máximo de una tarea en la cual no esboza la mínima concesión con lo que se estila. Su obra está lejos de invocar ese supuesto intelectualismo lleno de requiebros y recodos que campea en el arte contemporáneo; tampoco intenta zanjarse en los ámbitos de la insulsez decorativa o de una pretendida galanura ornamental y menos aun beneficiarse con las mieles de un establishment que, en una incongruencia, nació en olor de rebeldía pero se ha ido atiborrando de designios de unos sumos sacerdotes de lo abstruso o de unos áulicos del cuento refundidos, para colmo de males, en una maraña de especulaciones. El trabajo de Ortiz no pertenece a ese panorama en que el acatamiento a una pretendida contemporaneidad ha ido forjando un género de academia, con todo y la correspondiente miopía, que fragua unas normas jamás escritas pero reconocidas y hasta idolatradas por la mayoría; unas pautas que proponen una dictadura casi imposible de evadir en aras del reconocimiento, o lo que es peor, de la urgencia de ejecutar lo-que corresponde.

Cabe preguntarse de dónde surge esa misteriosa querencia, atemporal a independiente, que se ha adueñado del espíritu de Darío Ortiz para llevarlo a pintar como se le antoja. Debe de aferrarse a una convicción culta, fruto de un largo recorrido, y a esa perspicaz observación del arte de todos los tiempos que en un ciclo sin fin no para de alimentar la creación artística. A estos factores habría que agregar la destreza, el reconocimiento de un talento propio y una devoción que le permite asumir una certidumbre de maestro en la construcción de una temática, o mejor aun, de unos mundos que si bien han sido trasegados desde el Renacimiento, combina dos y ante todo tamizados por una peculiar forma de mirar, se vinculan con la estética posmoderna y a través de ella con la creación de un cosmos plástico sui géneris. Quizás el estilo de esta obra singular puede resumirse diciendo que en ella se presenta una carencia de estilo que paradójicamente es fruto de la capacidad de elegir, de la flexibilidad, del examen, del reconocimiento, o tal vez de todo ello junto.

Es inevitable que algunos lienzos de Darío Ortiz traigan a la memoria los ardides de los pintores ibéricos del siglo XIX y primeros años del XX, en particular aquellos que formaron parte de ese grupo sin escuela que se Ilamó el eclecticismo español. En no pocas telas parecieran encontrarse rastros, sólo rastros que se desvanecen con una observación minuciosa, del romanticismo tardío de un Gutiérrez Solana, mientras que en otros cuadros se descubren aproximaciones a la espacialidad historicista de dimensiones heroicas de un Francisco Pradilla. Por momentos se tiene la impresión de que se vislumbran los abigarramientos y el clima de perpetuo esbozo de Mariano Fortuny; las reminiscencias renacentistas de José Casado del Alisal; el patetismo de Antonio Gisbert o la sensualidad de un Julio Romero de Torres y con ella el colorido entre ocre y aceituna de esa Córdoba que lo rodeaba. No tardan en surgir, como unos espectros del pasado, con la intención de mezclarse con una mirada posmoderna, la sutil ondulación de los cuerpos típica de los manieristas, los drapeados de Rafael y el claroscuro de los maestros del barroco. Se advierten las formas rollizas de los protagonistas de Caravaggio, los horizontes de sabor velazqueño y, en un nuevo y rapidísimo viraje, los desnudos llenos de un sutil erotismo de Ingres inmersos en una de esas tertulias de los talleres de los pintores decimonónicos, pero todos ellos con la intención casi desesperada de retratar un mundo que le pertenece al autor y que éste, como si fuera un género de performance íntimo, le enseña al espectador sin dejarlo toparse del todo con un esclarecimiento que puede convertirse en obviedad. A la obra de Darío Ortiz y a los códigos que explora puede aplicárseles el pensamiento del novelista Joseph Conrad que consideraba que cada texto suyo debía tener un estilo propio apenas coherente con el contenido. AI fin y al cabo, Darío Ortiz, como ya se ha dicho hasta la saciedad, pinta lo que le viene en gana y lo hace como le viene en gana.

En este galimatías de una pintura que pudiera catalogarse como figurativa pero que por lo descarnada y no convencional trasciende cualquier posibilidad de registro, el observador, a pesar de las apariencias, no tarda en advertir las huellas de un conceptualismo a ultranza. ¿Se puede negar la fuerza conceptual de, por ejemplo, la familia de Carlos IV de Goya, en la que se hace tangible la capacidad de burla que tenía el maestro de Fuente de Todos? Con la obra de Ortiz ocurre lo propio. ¿Acaso la decisión de nadar contra la corriente, de juguetear por encima de cualquier posible tipificación no posee una profunda fuerza conceptual? Quizás sea la capacidad de liberarse de los tópicos y de los formulismos más o menos fáciles lo que sitúa su producción fuera de la moda, de la tendencia; lo que le permite cultivar sin ambages un formalismo que pareciera superado pero que a la postre pone de relieve, con un brío insólito, la aproximación vital al hecho plástico a través de la reivindicación de los ingredientes de la gran pintura como son la fuerza de la composición, el dibujo y una capacidad insólita de resolver el cuadro. Tal vez la integridad que proyecta cada uno de los lienzos y los dibujos de Darío Ortiz se relaciona sobre todo con la aproximación honesta a la emoción primaria de pintar, o quizás con el hecho de no haber tomado en consideración lo que se lleva. Es posible que por no haberse de tenido demasiado en la observación de los lugares comunes circundantes, y con seguridad por no haberse apropiado de unas supuestas directrices que acaso empiezan a desgastarse, este artista sui géneris ha podido enfrentar el fenómeno de la creación como le ha venido en gana.

Frente a una posición tan emancipada no se puede menos que reflexionar en los inacabables ciclos de la expresión artística. Valga como ejemplo el de los impresionistas, que si bien no tardaron en convertir se en academia, plantearon en sus orígenes una revolución plástica y una rebeldía que se hizo patente en el Salon des Independients. Luego el asunto se revirtió. Todo parece indicar que a su turno Ortiz, habiéndose liberado de las pseudonormas, con lo que al menos en apariencia es una apoyatura en el pasado, ha establecido su indocilidad particular alrededor de un hecho a estas alturas es incuestionable: la gran tradición de la pintura occidental. Cabe preguntarse si esa tradición, en esa noria sin fin de los lapsos, volverá a ser la norma. De hecho importa poco. AI fin y al cabo todo lo dicho, que bien puede oler a intentona de interpretación, obedece a una búsqueda que a la postre es innecesaria. Un amago a todas luces fallido, por tratar de explicar las razones por las que Darío Ortiz pinta como le viene en gana. Y en resumidas cuentas, la única aclaración posible es decir que sí, que pinta como le viene en gana; sin vuelta de hoja, como le viene en gana. (Fragmento).

Tomado de la Revista Diners No.437, agosto de 2006

A diferencia de la continua referencia histórica de sus obras anteriores, el pintor Darío Ortiz Robledo centra esta serie en torno a un hecho personal: la reciente muerte de su padre, que le hizo cuestionarse sobre la existencia humana, sobre la vida y la muerte.

Aunque sí existen referentes a la pintura antigua, estos son colaterales pues, dice el artista, los personajes de sus obras son amigos y conocidos que visitan su taller y que terminan siendo protagonistas de su trabajo.

Ortiz trabaja el naturalismo con base en dibujos y bocetos previos a cada obra. También utiliza la fotografía para captar poses y situaciones que los modelos no pueden mantener por largo tiempo. Pero principalmente es el dibujo la base de todo su trabajo pictórico.

De los bocetos a la obra final

La nueva propuesta de esta exposición es, dice Ortiz, "mostrar el trabajo de bocetos y dibujos preparatorios de los cuadros exhibidos, con el ánimo de abrir al público su proceso creativo que mantiene una carga de realidad. Se va a explicar el origen de cada obra y cómo las figuras surgen a partir de estudios y de una idea; nada es casual".

Así pretende que el espectador descubra los motivos que le llevaron a pintar cada cuadro. Le permiten aproximarse a sus personajes y al por qué figura un asesinato en una obra, o por qué en otra hay tres autorretratos. Son pequeñas narraciones y meditaciones del artista frente a sus vivencias.

Ortiz no solo quiere exhibir sus obras: quiere mostrar el proceso y contenido de su trabajo.

La apertura

En realidad, aunque lo parezcan, no son modelos históricos, dice el artista. "Tengo en mi estudios telas que me sirven para generar la representación al natural. La gente mira con el recuerdo una tela al natural, que les evoca un estudio y referencia al pasa do. Pero no es mi particular interés evocarlo, lo que sí me interesa es cuestionar al hombre contemporáneo y la arrogancia de la modernidad". Y luego añade: "Mi particular encuentro con la muerte me permitió reflexionar y cuestionar el paradero final de todo, adónde queda todo, dónde queda la moda. La vida es un lapso muy breve y es el mismo que hace 100 años", dice Ortiz.

El Renacimiento con lo actual En cuanto a la técnica, dice el autor que es ecléctica, "no sigo a Velásquez ni a Rubens, pero sí tengo un bouquet de pintura antigua. La composición parte de relaciones geométricas que tienen que ver con la pintura del Renacimiento pero también con los cánones arquitectónicos actuales", explica el artista.

"Mi trabajo no tiene mucho de casualidad, todo es estudiado y planeado y esto es parte del proceso que el espectador podrá ver en la exhibición. Los textos que acompañan las obras, tanto en la ex posición como en la revista Mundo, publicada para el evento, tienen el ánimo de permitir una lectura abierta y generar un dialogo mucho más directo con el espectador".

La revista Mundo, que usualmente se publica con cada muestra, en este caso enfatizará en las obras exhibidas.

Ya anda por su número 21 y contiene, adicionalmente, textos de Gianlucca Baroni, galerista francés con sede en Londres, especialista en dibujos antiguos; del crítico de arte italiano Alfredo Sigolo; un texto inédito del escritor colombiano Fernando Toledo y un artículo del periodista Germán Santamaría.

El interés real del artista

"Yo quiero decir cosas con mis obras, no solo mostrar la acción de pintar, sino establecer una comunicación con mayor facilidad", remata el artista autodidacta que nació en Ibagué en 1968.

Ortiz realizó su primera muestra individual a los l2 años. Estudió química y derecho, para posteriormente dedicarse por completo a la pintura. Ortiz prepara una próxima muestra en la galería Praxis, de México, y otra posterior en la galería Yaco García, de Panamá.

Tomado del periódico El Tiempo, 4 de agosto de 2006

Darío Ortiz pintor y dibujante
Por Alfredo Sigolo
Padova, Italia 2000

Darío Ortiz Robledo es nacido en Ibagué hace 31 años, pero puede considerarse casi italiano de adopción, por sus frecuentes estancias en este país y por su basta cultura especialmente en el campo del arte de nuestro renacimiento. Así son hechos para él los nombres de los grandes artistas del quinientos y del seiscientos. En la instalación de la escena, en el dibujo, en la elección del color, cuando no hasta en la temática tratada, no es difícil divisar en la obra el amor extraordinario por la época de la proporción aurea y la abnegación total al estudio de las técnicas y de la norma clásica. Es tan evidente y recalcante en Ortiz el referente técnico a la tradición que hace perder de vista un aspecto igualmente microscópico de su arte: aquel de ser una reapropiación de los esquemas icnográficos del renacimiento, de la doctrina, de la fisonomía y del orden sagrado. Pero la operación de Ortiz parece algo bien diferente a una simple variación citacionista. Al centro del mundo del artista está el hombre, Ortiz es en efecto pintor de figuras y de autorretratos; sus escenas son pobladas de personas que vienen bien sea del mundo antiguo o bien del contemporáneo: conviven y comparten el mismo espacio, pero la distancia entre los unos y los otros es marcada, más que de los hábitos, del velo de melancolía que invade los rostros de los hombres de hoy. Sucede también que en algunos casos, y frecuentemente le pasa a las figuras femeninas, los personajes modernos llegan a personificar la fiereza y la sacralidad clásica en un sutil juego de ambigüedad, siempre conducido en un modo extremadamente lucido y solemne. En todas las pinturas es evidente también la atención prestada al factor temporal, las acciones son acompasadas de ritmos lentos, solemnes, a veces se tiene la impresión que el tiempo se ha detenido, o que ha invertido su curso.

¿Es una visión pesimista aquella del pintor colombiano? Tal vez, pero se tiene la sensación que detrás de la melancolía está la esperanza de un reencuentro del hombre con el aprendizaje de los valores sacros y afectivos y, contextualmente, de la reconquista del tiempo como dimensión que permita el reconocimiento de si mismo y sus reflexiones sobre la vida. No es un simple tributo a la antigüedad aquel de Ortiz por lo tanto, pero más allá del llamado a un nuevo humanismo, diremos un “llamado al orden”, si eso no implicase precisas referencias históricas. El camino de Ortiz está trazado: si jamás su Hombre consigue salir vencedor de la confrontación con lo antiguo, si nunca se desvincula del lugar metafísico en el cual se encuentra y regresa al mundo (como ya lo hicieron los dioses de Mitoraj), tendremos quizás el “Hombre nuevo de Ortiz”

Todo regreso de un hombre a Itaca es otra creación del mundo
Alvaro Cunqueiro, “Las mocedades de Ulises”

Dónde han quedado las voces, oh sombra?
El mar que las trajo, el verso y el terror dónde están?
Entre arenales cuatro hombres me persigue,
Cuatro rayos que no ven mis ojos apagados
A esta hora en que Grecia espera ser iluminada;
Caerá una lluvia de oro para las mentes;
Yo hablaré entre los mármoles y las velas
Con la voz del reino,
Le daré mi nombre a las cosas que arrojé al mar.
El mensajero de los dioses me trajo la lengua griega,
El sabio amor de Ulises,
Y me dolió la suerte de los guerreros bajo la luna sangrienta.
Oh musa, háblame¡ ya que me has otorgado la edad
Y la antorcha, pero también el laberinto,
Dime como puedo negar algo tan bello,
Por qué detrás de los pensativos libros
La rosa aun tiene la forma que le diste?
Oh noche, espejo, mar incansable resonando como una cítara,
Puedo hundirme contigo ahora detrás del viento
Y ahogar mi voz en los colores como los pájaros.

Fernando Denis

Darío Ortiz es hoy un pintor lleno de certezas. O sea, en plena posesión de sus medios. Tan poderosamente equipado como para poder expresarse a través de ese palimpsesto que es para él el tiempo. El tiempo como centro obsesivo de todo lo que ha querido decir a lo largo de su obra.

Y es que más allá de sus cuerpos, de sus pieles y desnudeces, lo que se debe leer en el texto pintado, es, en suma, el deterioro mismo de la carne. El eterno mandato de la carne en lo que perece y la limita: la caducidad. Ortiz explora, así, los rincones de la memoria, tamizada por la melancolía cotidiana y la evocación doméstica, en una combinatoria de caminos y sugerencias, para representar la tónica general de un tiempo. Imágenes afrontadas de un modo un poco provocador, por las que se aproxima significativamente a una verdad dionisiaca y por las que resume, aclara y orienta, sus criterios de pintor, acerca del perfil de la civilización moderna. Resume pues, la llamada condición humana, el tiempo y la memoria, los desarrolla desde la versión más real y más humana, cayendo desde la piel al alma, o como en un negativo de las artes de la apariencia, o de todo lo que se siente como bello y vigente en el glamoroso modelo publicitado por el siglo.

¿Qué grieta ha descubierto el pintor en la realidad, que ha despojado su ojo de todo velo, condenándolo a ver detrás del espejo, el rostro del tiempo que transcurre y adviene? ¿Qué acecha desde el ojo, por debajo de la corteza externa, y que él se obliga a mostrar, en éste ahora, activo, puntual, extraordinariamente demandante del cuerpo como el soberano absoluto del mundo? … Palimpsesto que tiene por objeto “escribir” sobre el antiguo texto, raspado, borrado; reescribiendo dentro de esa libertad de movimientos del pintor cosmopolita, Ortiz podría ser precursor del pintor Transconceptual, que ve bajo el engaño apolíneo de lo epidérmico, las mordeduras de lo real, que van royendo, lo mismo el seno de las mujeres que el cráneo de los hombres. Cuerpos gruesos, metidos en carnes, flácidos, pero vivos. De tierra y hueso, vulnerables; y rostros, en los que hay algo ensimismado, solitario, o doliente, por debajo del disfraz, como personajes sorprendidos a medio vestir, en medio de la escena. Personajes que sin ser ficticios, aluden a otra realidad enigmática, en una escenificación particular, que va del pretérito al presente; donde las dimensiones se funden, lo temporal y lo espacial se deslizan, (aunque puedan parecer inmóviles), y dentro de un clima de soledades, que es hoy por hoy el común denominador del mundo.

Retrospectivo y proyectivo, con una mirada que se bifurca, y con la pintura como un acto de reflexión sobre ella misma y sobre el mundo, audaz en su papel de iniciador y en su mensaje, es por ello, que entre otras cosas, que nos invita a leerlo como un transconceptual, (palabra con la que designo al pintor del mañana) una vez terminen de pasar los “ismos” como aventura exterior de moda, y solo hablen las obras.

Elusivo y alusivo, Ortiz exorciza sus demonios ( sus obsesiones) a través del proceso mágico de la pintura, que se transforma en exploración, y le funciona como reconocimiento. Dentro del desliz pendular de los tiempos, el pintor observa y pinta, se detiene para intentar la reflexión critica de su mirada, en viaje desde lo real a lo interior y trascendente. Y con él mismo, como el gran actor, en su papel inclusivo en el lienzo. Con esa identidad Proteica, ubicua, (los que fui, los que soy, lo que me invaden) y al otro lado de otros personajes que entran a la escena como el coro en la dramaturgia griega.

Performance pintado, que con altura sabe alimentarse de conocimientos, asombros, memorias, sueños y certezas, cubriendo un horizonte amplio, que va desde su relación con el Mito, (el ejemplo significativo) hasta su relación consigo mismo, con una voluntad de artista tan explicita que ha tenido que atravesar el tiempo, desde los logros de los griegos, (que están en el origen,) pasando por la pintura Clásica y Moderna, el Barroco y la Vanguardia, para llegar a esta transmutación. Un entreveramiento de mundos, en una relación ecléctica, hibrida, que da sentido a ésta travesía.

Surge así éste palimpsesto que se “reescribe” mediante un dibujo vigoroso, lleno de tensiones, y un color expresionista, de gran fuerza dramática, por la sensibilidad y audacia de la luz, aunque sin alardes gratuitos. Como al ritmo de un péndulo, en donde desde el lienzo, el color, la Historia y la Muerte, reflejaran su lección enigmática.

Por: Fausto Panesso

31 de enero de 1999
pag. 9

LA MODERNA ANTIGÜEDAD

Por: Germán Santamaría.

Cuando vivía en Bogotá, en una casona con solar de grandes árboles, una tarde escuchó un chillido agudo en el techo; Era un águila. Se posó en su mano como un halcón amaestrado y era en realidad un águila migratoria, que había volado más de ocho mil kilómetros, desde los bosques de Norteamérica hasta llegar a este tejado bogotano. Cumpliendo su éxodo anual, su bandada debió haber llegado hasta los más altos bosques del monumental cañón del río Combeima, en las laderas del Nevado del Tolima. El águila recobró su vigor y por años permaneció libre posada en la copa de la arboleda solariega, y desde lo más alto se lanzaba en picada para recibir la comida que le ofrecía Darío Ortiz. Ella se posaba en la mano con la elegancia de un halcón peregrino, y él la recibía con una innata destreza del mejor arte de la cetrería.

Quizá no sea más que la hermosa casualidad poética entre el símbolo de la fuerza y la belleza clásica y un pintor muy joven que por aquellos años pasó en su obra de lo abstracto, a lo figurativo, cuando se fue a vivir a Europa. Con 21 años llega a Florencia. Había dejado en Colombia un tríptico que era simplemente una cruz sobre diferentes fondos, desde el azul intenso hasta el aguamarina claro. Era la cruz que se le había revelado al emperador Constantino, en Bizancio, cuando el Cristianismo se tomó a Roma y Bizancio, ahora Constantinopla, no sólo se convirtió en la capital del imperio romano de oriente, sino en la ciudad de las artes y la filosofía, para que tres siglos después fuera en realidad el motor que potenciara el Renacimiento que surgiría en Europa.

VOCES DE PROFETAS

Fueron días y noches de revelación. Era como si allí ya hubiera vivido en otra vida suya. Se encontró con los fantasmas de los tres grandes de Florencia: Dante, Miguel Ángel y Maquiavelo. Miró la ciudad, como ellos, desde aquella colina donde los puentes y los tejados y las cúpulas de las iglesias, las torres de los palacios se levantan al cielo como voces de eternidad. Pero Darío Ortiz no nació en Bizancio ni en Florencia, sino en Ibagué, Tolima, Colombia, Sudamérica. Por ello entonces en el lavatorio de los pies que empezó a trabajar allá lo que el hombre se quita no son las sandalias del pescador sino unos mocasines de gamuza. O bajo las túnicas, los profetas lucen zapatos tenis y María, también bajo su manto sagrado, viste unos bluejeans y una correa ancha con hebilla de cobre. Además, en su monumental cuadro El Discípulo, quien pinta a una mujer desnuda, en el recinto de un palacio florentino, no es Miguel Ángel sino el lamoso pintor colombiano Alejandro Obregón. Fue así como, si en Bizancio se trazó el puente entre la antigüedad y el Renacimiento, en Florencia Darío Ortiz Robledo descubrió su camino hacia Santiago, la senda jacobina del retorno y de la comunicación entre lo antiguo y lo moderno, entre lo clásico y lo contemporáneo. La gran ruta de la luz espiritual del arte, que ilumina por igual para los iniciados como para los no creyentes. Con la misma fluidez que las voces de profetas e iluminados atraviesan paredes y muros, ó los ecos antiguos viajan por entre las montañas.

Vuelve a Colombia. Expone en varias ciudades, gana menciones y premios, participa en exposiciones en París, Nueva York, Florencia y Lima. Pinta en sus vigilias de insomne y piensa en la vida y en la muerte, en lo efímero y en lo eterno y es como si por su sangre corriera viva la pintura y tal vez actúa con más rapidez que los propios latidos dé su corazón, pintando a toda hora y con lo que tenga en la mano, como un hombre atrapado en su espacio, incapaz de saltar fuera de su propia sombra.

LA MEJOR VITAMINA

Regresa a Italia y vive otro año en Florencia, ya no es el muchacho extraviado que se baja a las once de la noche en un crudo invierno en la vieja estación. Ahora es todavía un joven pintor, pero llega contratado por una galería y durante más de un año vive la ciudad de sus sueños. Como habita a dos cuadras del Palacio Pitti, cada que estaba escaso de inspiración para su arduo trabajo se daba dos horas de museo, se quedaba de nuevo pensativo frente a lo más asombroso del arte italiano, y esa era la mejor vitamina para seguir produciendo. En Florencia, en su frenético trabajo, comprendió a cabalidad que lo suyo no era intentar jamás lo que hicieron los pintores que amó allí en Florencia, como un Andrea del Sarto, un Rafael Sanzio de Urbino o un Jacobo Carruci Pontormo. Su visión del mundo y su testimonio y su memoria y su obra futura estaban muy cerca pero muy lejos también de ese cuadro al que tanto miró y del que recibió tanta fortaleza: La matanza de los Macabeos, de Antonio Ciseri.

Armado así retorna a Colombia y se instala en una espléndida hacienda, de siglos de antigüedad, cercana a Bogotá. Funda un taller de grabado y con sus propias manos y manos obreras trabaja serigrafías propias y ajenas de asombrosa minuciosidad artesanal. Bajo el techo de un estudio grande y solariego, diagonal a una capilla doctrinera y cerca de corrales y cocheras donde se escuchan voces animales, pinta y pinta, casi siempre de noche, solitario en la cumbre andina, apenas acompañado por el melodioso estruendo de Verdi, Vivaldi, Bach o Tchaikovski. En esa estancia sabanera, durante un largo tiendo trabaja un cuadro monumental y majestuoso, sobre el eterno tema de la última cena. Una obra tan grande y ambiciosa que tal vez cancele su periodo de modernismo bíblico y renacentista. Como todas sus obras, esta es producto de vastas lecturas y reflexiones y de una ingeniería de relojero, a través de apuntes, bocetos, planos y proyecciones, con la misma minuciosidad con que Gustave Flaubert trazó sus novelas que fundaron la modernidad en la literatura. Pero más allá del procesó de ingeniería y mecánica personal, está el desgarramiento creador, la obsesión por la perfección, la búsqueda de las influencias de luz, la necesidad de hallar un fondo donde se junten lo tangible y lo inmaterial, es decir, donde termina el realismo y empieza la metafísica, que es lo que le infunde a la pintura de Darío Ortiz un foco de profunda vigencia creadora.

Un hombre que piensa y trabaja así no es un anciano de Bizancio, ni un maestro de Florencia. Es en estos momentos, cuando termina el siglo XX, apenas un latinoamericano que frisa los treinta años, pero que intenta en el espacio y el tiempo ensamblar los vasos comunicantes del hombre de todas las eras humanas, al conectar los días de su presente con las noches de la antigüedad, tanto de la cultura cristiana clásica occidental como de la misma prehistoria amerindia que corre por sus venas. Porque no tiene duda o reticencia alguna sobre el mestizaje que yace bajo su piel. Es Latinoamérica con sus misteriosas culturas precolombinas, con los etnocidios infames, ahora en su nueva batalla para recobrar la identidad cultural y la dignidad social expoliadas

Noviembre 26 de 2005



Ocurrió en un encuentro de 16 artistas, en un lugar abierto, con modelos desnudos.

El pintor Darío Ortiz lo sabe: la modelo es su víctima. Desnuda, Paola Montoya, de 25 años, está totalmente expuesta a él, a merced de su pincel, indefensa y al mismo tiempo con una mirada clavada en el artista como si lo desafiara a que le descubriera el alma.

Para alguien que mire desde afuera, ella sería solo una mujer voluptuosa, servida en bandeja de plata sobre tres mesas mal unidas que sirven de pedestal. Pero en el cuadro su piel no es su piel: es óleo. Su labio carnoso no es labio: es trazo. Y su desnudez no es morbo: es erotismo. Y arte.

“Paola no sabe que ella no es ella en mi cuadro. Desde la primera pincelada se convierte en un personaje. Es como si llegara siendo Clark Kent y se se convirtiera en Superman. Ella se puede ir, pero su personaje crecerá, inundará el cuadro y exigirá vida propia”, explica Ortiz.

Y cobrará erotismo. Ella, desnuda, sabe que es tentación. “Cuando Darío me pinta, me siento femenina y sensual. Como estoy desnuda, no tengo nada ya que esconder”. La rubia mira a Ortiz, mientras el pintor la desnuda una segunda vez. “Para pintar el erotismo tengo que filtrar su desnudez. Así, no solo la veo a ella, sino lo que esconde. El pincel descubre lo sublime”.

ENRIQUE PATIÑO
Editor de Entretenimiento
El tiempo

JUNIO 2001 EDICIONES GAMMA


Por Wilson Arcila

El joven pintor Darío Ortiz asume ahora el drama de la marginalidad y la violencia en Colombia. Expone veinte obras en Austria y Yugoeslavia e ingresa en la polemica sobre la validez del arte comprometido con el conflicto nacional.


El pecado más grave de nuestra hora, reclamaba el filósofo español Camón Aznar, es el hecho de que los grandes duelos, los sacrificios multitudinarios, los magnos crímenes, han pasado al flanco del arte como si no hubieran interesado a la sensibilidad artística y que la espantosa catástrofe de la última guerra mundial "no ha dejado ningún residuo artístico cotizable", a no ser el horror al mundo y al hombre, reflejado en su alejamiento de las formas.

Asombra desde esta perspectiva el hecho de que un artista joven como Darío Ortiz (32 años) asuma un compromiso con la realidad de una historia que a pesar de ser nacional, no deja de abarcar al ser huma-no en su universalidad. La violencia contra el ser humano ejercida desde cualquier ámbito es siempre condenable y es siempre universal. Ortiz hace un interregno en su parábola renacentista que lo venía caracterizando y pasa de pintar vírgenes, apóstoles y madonas modernizadas a representar los muertos y heridos de nuestra guerra y el dolor y la tristeza de los desplazados tanto por el conflicto como por otras causas de carácter social.

El compromiso de Ortiz con la realidad de su país -y por extensión con el mundo es de fondo: pinta Mi Barrio a partir de su acercamiento íntimo con los personajes, de compartir y dialogar con ellos, de adentrarse en sus almas para transmitimos una realidad que de tanto conocida se nos ha vuelto indiferente. Indiferencia, en general, que cobija las masacres diarias, los atentados, los desplazamientos, contra la que el artista se rebela: "Mi generación no es la generación X embrutecida por la televisión y el consumismo, es una generación mutilada por acontecimientos salvajes de una historia que nadie se ha atrevido a escribir", como señala el artista en el magnífico catálogo editado para su exposición en Austria.

Impecables en su ejecución, las pinturas de Ortiz revelan un admirable oficio y permiten rastrear sus influencias y conocimientos. Abstracto en los inicios de su carrera, toma la opción de la figuración clásica luego de un periplo por Italia, opción que también revela una clara admiración por Velásquez, así como la asimilación de técnicas impresionistas.

Siguiendo un camino paralelo al de las obras recientes de Femando Botero, Ortiz se aleja del maestro antioqueño no sólo en lo formal sino en la distancia que ambos toman: Botero, más frío y racional; Ortiz, cálido y emotivo. En Botero hay dolor, en Ortiz hay amor, y ambos sentimientos son vehículos válidos para la denuncia. En Que alguien me ayude el efecto de luz produce un hálito poético que nimba el cuadro. Con Ortiz podemos saludar una apetencia de calor humano, de resonancia fraterna en la intimidad del espectador.

LUNES 28 DE JULIO DE 2008

Darío Ortíz es uno de los pintores colombinos con mayor proyección, y luego de su magnífica exposición en Ibagué, nos regala a Botero. Para él, este texto que publiqué hace unas semanas.

Darío Ortiz es pintor. Quizá esto baste para definirlo pero no es así. Es cierto que sus manos viajan por el lienzo con maestría y que el color y el tiempo parecieran doblegarse a su voluntad. También es cierto que es el colombiano joven con mayor proyección en el mercado internacional y que sus obras descansan en las más importantes colecciones públicas y privadas del continente. Que es tolimense, ibaguereño para mayor precisión, y que ha expuesto en museos y galerías de Europa y América. Pero nada de esto puede definirlo de manera completa.

Darío Ortiz es un obsesionado por la historia. Es, quizá uno de los mayores conocedores del arte colombiano desde sus inicios. Ha investigado, reunido y catalogado a los más importantes artistas plásticos del país. Con pericia de marinero, navega en las aguas del renacimiento, se ha enfrentado a las tormentas del arte pop, ha enfrentado las olas del abstraccionismo y hasta ha bordeado el arte conceptual de los noventa. Conoce como nadie los artistas del arte contemporáneo pero desde la trinchera de su taller de Bogotá o de Nueva York, ondea la bandera de la narración contemporánea como única manera de enfrentar su universo creativo.

Darío Ortiz Robledo no solo pinta. Estudia, escribe, analiza cada obra con una mirada certera. No hay dato que se escape a su ojo entrenado que ve cada matiz del color, cada pincelada escondida. Sus artículos sobre arte dan muestra de una pasión no solo por el hecho creativo sino por todo lo que rodea la creación.

Hijo del político e historiador tolimense Darío Ortiz Vidales, este pintor colombiano también ha sentido la pasión por la política. Pero no la política como un hecho proselitista sino como un ejercicio académico y filosófico a través del cual plantea nuevos caminos en los que la cultura se muestra como la mejor vía para alcanzar estadios de paz en el país.

Pero Ortiz no se conforma únicamente con la disertación. La terquedad que lo caracteriza lo impulsa con la misma fuerza que sus sueños. Sólo así pudo lograr que una ciudad como Ibagué tuviera el museo de arte de provincia más importante del país. El Museo de Arte del Tolima tiene en él no sólo su fundador. Él mismo consiguió los dineros para la construcción y luego donó su importante colección privada de arte colombiano. Y ante la pasividad de los gobiernos municipales y departamentales, de su propio bolsillo ha sacado dinero para las exposiciones y para el pago de los que trabajan allí. Es que la palabra fracaso no existe en su vocabulario.

Darío Ortiz ha vivido en Europa. Los fantasmas de Florencia y Milán aún se pasean por su taller. Es quizá, la influencia de los pintores renacentistas la que más ha marcado su vida. No su obra. A la manera de estos artistas que engalanaron la mitad del pasado milenio, este tolimense busca una obra total. Una obra que parta de la pintura pero que se pasee por la filosofía y la historia, por la política y la ciencia. Quizá sea más certero decir que Ortiz es un humanista. Sí. Darío Ortiz es un humanista, un político, un filántropo y un hacedor de cultura y de sueños. Pero todo esto no define a Ortiz. Porque también es un pintor. Un extraordinario pintor. Y hoy, cuando su obra vuelve a Ibagué después de tantos años, los ibaguereños sentiremos la emoción de asomarnos a su taller, que no es otra cosa que una ventana al mundo.
PUBLICADO POR CARLOS ORLANDO PARDO VIÑA