静物是一项既迷人又神秘的运动。令人着迷的是技法，因为很多画家都在这些风俗画上“动手”过，很容易实现，因为他们不需要模特，没有长时间的姿势，还因为它们可以直接在工作室里画出来，甚至经常烛光下。
文森特·梵高，向日葵 (F456) ，1888 年。德国慕尼黑新陈列馆。
最重要的是，许多静物被证明是特别神秘的，因为它们比无生命物体的简单表现包含更深的含义。尽管经常被遗忘，静物是 vanitas的遗产，那些风俗画提醒我们时间的流逝和我们所爱之物的易腐本质。在绘画中，一个破损的果实代表死亡，盛开的向日葵代表忧郁。
那么，艺术史上最著名的静物画有哪些？
1. Fede Galizia，静物（约 1610 年）
Fede Galizia，静物，约 1610 年。私人收藏。
如果我们开始将一些正义放回艺术史会怎样？考虑到过去几个世纪的艺术史诗中留给女性的位置，这可能会让人感到惊讶，但静物作为一种独特风格的出现主要是强烈女性意志的结果。
一个女人？不，女人。在 17 世纪初，第一个真正的静物实验蓬勃发展，在现代意义上（远离旧的虚荣） ，意思是无生命物体的组合，通常是水果、食品、器具和动物。
费德·加利齐亚（Fede Galizia）， 《珐琅塔扎上有苹果、枸杞和白醋栗的静物》 ，约。 1612. 未知的本地化。
当时，静物画并没有贬值，而是与其他传统流派共存：神话和宗教绘画、肖像画或风景画。然而，画家们主要画肖像（因为有报酬），然后是神话和宗教画（因为它使他们成名），逐渐放弃了虚荣、静物和风景，这些都没有给他们带来名利。欧洲正处于艺术蓬勃发展的时期，从荷兰到意大利，再到法国，许多艺术场所都涌现出各种各样的人才。在这些艺术家中，三位女性会超脱常态，将大部分创作投入到静物的实现上。
但是这些静物画中的飞天小女警是谁呢？
首先，在米兰（意大利）， Fede Galizia创造了一系列美味的水果篮。几千公里外，她的同时代人之一克拉拉·皮特斯(Clara Peeters) 生活在安特卫普（荷兰），她在数百幅静物画中绽放，这些静物代表着为丰富而精致的餐点而设置的餐桌。最后，几年后，也就是 1630 年左右，法国艺术家路易丝·莫永(Louise Moillon) 也以 Fede Galizia 的风格创作了许多静物。
克拉拉·皮特斯（Clara Peeters），带有镀银 tazza 的静物，1613 年。私人收藏。
这三位女性无可否认地在整个欧洲推广了这一流派，无论是收藏家还是其他艺术家。然而，他们的男性同行后来到达，他们在艺术史上获得了一个选择的位置。今天，让我们为这三位女性伸张正义，尽管她们做出了开创性的工作，但仍被不公正地遗忘，值得重新发现。
Louise Moillon， 《有水果和芦笋篮子的静物》， 1630 年。芝加哥艺术学院。
如果艺术史上女性艺术家的康复是您心心念念的主题，请查看我们的专题文章：4 位改变了（非常重男轻女的）艺术史的非凡坏蛋女性和4 位因丈夫的名声而黯然失色的女性艺术家.
2. 让-西蒙·夏尔丹， 《光线》 （1728 年）
让·西蒙·夏尔丹， 《光线》 ，1728 年。巴黎卢浮宫。
对于他的同时代人来说，让-西蒙·夏尔丹被认为是这一流派的绝对大师，尤其是他的技术技巧和惊人的作品。这件艺术品在卢浮宫博物馆展出，令人信服地证明了他的绘画效率。
在这幅作品中，我们发现了一个小的木制工作台，上面放着各种物品：厨房用具和容器与猫、鱼尸体和牡蛎一起找到了自己的位置。在这种奇怪的混乱之上，一堵砖墙强加了它的半光，在艺术品的中心，一根金属钩保持着光线。
为什么这么乱？这种无生命物体的纠缠（除了这只勇敢的猫科动物）让艺术家可以更自由地表达他的绘画意愿：例如，他选择了金字塔结构来构建构图。中央金字塔显然由射线代表，然后在动物的每一侧显示另外两个较低的金字塔：一个位于猫科动物尾巴的末端，另一个位于平衡放置在铸件上的钢包末端鍪。
白色桌布在艺术品的中心创造了一种二元性，并将构图一分为二。最后，可见的光线的内脏给艺术品带来了令人惊讶的残酷：这样安排，它奇怪的面部表情面对我们，让我们感到不舒服。 Chardin 带我们远离浪漫主义与这条剖开腹腔的黄貂鱼，它既险恶又令人不安。
3. 爱德华·马奈，《一串芦笋和芦笋》 （1880 年）
爱德华·马奈，《一束芦笋》 ，1880 年。德国科隆 Wallraf-Richartz 博物馆。
这是艺术界的一个非传统故事，以及一个在社会上闪耀的有趣轶事。这两幅静物是一回事，更出名的是它们创作背后的故事，而不是它们纯粹的审美品质。
从前，在 1880 年，有一位艺术收藏家和印象派的好朋友：查尔斯·埃弗鲁西（Charles Ephrussi） 。他决定委托他最喜欢的艺术家爱德华·马奈（Edouard Manet）画一幅代表一束芦笋的静物画。他为这幅画出价 800 法郎。马奈接受了，画了芦笋，并将结果发送给他的赞助人。收到后大吃一惊： Charles Ephrussi 很喜欢这幅画，他对这束华丽的芦笋感到很高兴，并给了马奈1000 法郎（比预期的多200 法郎）。艺术家随后决定为这位慷慨的赞助人提供另一幅静物——芦笋——并附上以下评论： “你这群人少了一个。” .
爱德华·马奈，一枝芦笋，1880 年。法国巴黎奥赛博物馆。
这就是一件看似微不足道的艺术品，成为现代艺术史上的传奇。今天，这两件艺术品分开了：一件在巴黎奥赛博物馆，另一件在科隆城市博物馆，但因为它们的关系如此密切，我们衷心希望它们有一天会到来在一起。
4. 保罗·塞尚， 《有头骨的静物》 （约 1898 年）
保罗·塞尚， 《有头骨的静物》 ，大约 1898 年。巴恩斯基金会，费城。
我们如何谈论艺术史上最著名的静物画而不提及这种风格练习无可争议的大师：奇怪而迷人的保罗塞尚。这位热爱法国南部的艺术家在他的职业生涯中实现了数百幅静物画，每幅都比其他作品更加崇高。
对于瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky），塞尚“将静物提升到了不再是无生命的地步。他将这些东西描绘成人类，因为他获得了猜测万物内心生活的能力” 。向这位热情的画家致敬，他致力于在数学的棱镜下分析这幅画。
保罗·塞尚，苹果篮子，约。 1892. 芝加哥艺术学院。
如果塞尚的苹果如此迷人，那是因为他将它们视为球体和圆柱体，而不是简单的物体来表示。如果他的作品如此自然，那是因为它们不是由线条和形状构成的，而是由对比的炼金术构成的。形式是通过色调的精确协调而产生的，如果这种协调是和谐的，那么这幅画就完成了。在艺术家的语言中， “造型”首先意味着“调制” 。塞尚的作品是艺术史的重要组成部分，预示着 20 世纪的主要艺术趋势，尤其是立体主义。
5. 乔治·布拉克，《小提琴与烛台》 （1910）
Georges Braque，小提琴和烛台，1910 年。旧金山现代艺术博物馆。
乔治·布拉克与巴勃罗·毕加索共同创立了立体主义，这是二十世纪的主要艺术风格。立体主义是一种艺术运动，其主要特点是放弃古典透视，将形式分解为不同的几何面（给人一种“立方体”的印象）和不同构图平面的独立性。为了使他们的研究有意义，布拉克和毕加索必须按照以下过程制作艺术品：布拉克首先创作风景，然后他着手解构传统的静物主题。
小提琴和烛台无疑是艺术史上最著名的立体派静物画。它创建于 1910 年，是立体主义第一阶段的一部分，通常称为分析立体主义。在这里，构图的元素由简单的形状表示，以纯单色风格使用多个视角：艺术家仅使用相同颜色的不同色调。有了布拉克和毕加索，艺术就变成了一种逻辑和数学练习。
Georges Braque， 《有玻璃和字母的静物》， 1914 年。纽约现代艺术博物馆。
就是这样，这个分类结束了，我们希望你喜欢它！
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Bastien Alleaume (Crapsule Project)