前十名：音乐家的画作

LADY GAGA (2022)Sobalvarro 的数字艺术。

凯蒂·佩里、碧昂丝和 Lady Gaga...

我的十大画作将艺术和音乐联系在一起，就像这两种表达形式中的前者接近后者一样，将其无形的声音永垂不朽并具体化。事实上，可能是绘画首先接近了音符的抽象世界，最初是通过旨在捕捉乐器和音乐家的现实主义，后来通过从更明显的真实数据中解脱出来，正如康定斯基和克利的例子所教导的那样我们。两位大师首先将自己的作品命名为与音乐相关的名称，将作品重点放在色彩之间的平衡与张力，产生不同音调的和弦，明确宣称绘画可以准确地发挥音乐的力量。然而，关于第二个，他，也是一名音乐家，受到了通过他的绘画研究开发的声音塑造技术的启发。这种对绘画作用的提升，可以理解为一种将短暂的音乐艺术呈现出卓越品质的手段，然而，我们不应该忽视声音如何通过更抽象的方式反过来激发了画笔的语言。例如，在詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（James McNeill Whistler）的活动中就可以看到这一点，这位画家用音乐术语为他的许多作品命名。除了后者，艺术家 PJ Crook 也着眼于音乐，设计了一系列令人难忘的专辑封面，与 King Crimson 乐队的奢华和探索性音符完美契合。

凯蒂·佩里 (2021) 伊琳娜·卡佐娃 (Iryna Kastsova) 绘画。

碧昂斯，原画，美丽的歌星 (2023) 由玛丽娜·费多罗娃 (Marina Fedorova) 绘画。

在观看 Artmajeur 描绘 Lady Gaga、Beyonce 和 Katy Perry 的艺术作品（就像 Iryna Kastsova、Marina Fedorova 和 Sobalvarro 创作的作品一样）之后，我将这种讨论转移并继续到更近的现代，我突然想到这三位歌手是如何有时实际上从音乐世界转移到视觉艺术世界。事实上，第一位明星与杰夫·昆斯合作，通过重现这位标志性艺术家过去的表演，开始了“阿布拉莫维奇方法”，并被艺术家兼摄影师罗伯特·威尔逊描绘成卢浮宫收藏中最著名的人物之一。另一方面，碧昂斯则以在视频、杂志和专辑封面中巧妙地融合艺术史参考而闻名，其造型旨在增强她作为自信女神的形象。这种艺术之间的混合形式源于艺术家成长的家庭背景，她的母亲鼓励她通过使用来自非洲、非裔美国人和更普遍的女性肖像的积极、高贵和强烈的图像来反思自己。最后，凯蒂还与画家威尔·科顿 (Will Cotton) 合作设计了视频《加州女孩》(California Gurls)，并与瑞士艺术家乌尔斯·费舍尔 (Urs Fischer) 合作，参与了她的专辑《见证》(Witness) 的宣传，促使他创作了一个折射佩里 (Perry) 的橡皮泥雕塑。她自己。最后，在公开了音乐界不太受欢迎的艺术参考之后，我回到了我的前十名，旨在说明有史以来最受欢迎的画家如何捕捉音乐家、乐谱和乐器。

前十名：音乐家的画作

爱德华·马奈， 《吹笛者》 ，1866 年。布面油画，160×98 厘米。奥赛博物馆，巴黎。

10.爱德华·马奈的《吹笛者》（1866）

在中性和空旷的背景下，地板与支撑物的上部几乎无法区分，描绘了，也许是室内的墙壁，放置了一个年轻的风笛手的形象，从他的衣服可以推断出驻扎在帝国卫队中，这一特点让人认为这样的模型是 Lejsne 指挥官为艺术家购买的，尽管一些评论家认为他是莱昂-爱德华·科拉 (Léon-Édouard Koëlla)，据称是马奈和苏珊娜·莱恩霍夫 (Suzanne Leenhoff) 的儿子。尽管有这些闲聊的识别假设，真正重要的是处理上述主题的方式，旨在通过简化语言的阐述来明确法国大师超越人物画规范的意图，时间，通过二维背景的并置给出的渲染形式模式被认为有些挑衅。最后，回到肖像，比他的身份更重要的是强调他是一个明显的西班牙灵感人物，马奈也开始从马德里普拉多博物馆收藏的作品中寻找灵感。在那里，他特别欣赏委拉斯开兹的作品，对名为巴勃罗·德·巴利亚多利德的杰作印象特别深刻。

埃德加·德加， 《歌剧院管弦乐团》 ，1868 年。布面油画，56.5 × 46 厘米。巴黎奥赛博物馆。

9. 埃德加·德加的《歌剧院管弦乐团》（1868）

这部杰作的透视剪裁旨在“斩首”舞者的上半身，描绘是为了让我们了解自己在哪里，同时将注意力集中在管弦乐队的主题上，似乎是借用的新生的摄影艺术，德加将这种技术用作他许多绘画的灵感来源，同时也尝试了一种熟悉而即兴的关系。回到这部杰作，《歌剧院管弦乐团》主要描绘了巴黎著名剧院的一些音乐家，在中心放置了一位双簧管演奏家的肖像，他周围是其他乐器演奏家，人们可以在一种几乎令人毛骨悚然的是，背景中一个孤独的人物在侧舞台内描绘。需要指出的是，上述题材的处理方式在当时是有些新颖和不合常规的，因为在同时代的绘画中，所考察的题材一般都是舞台，而事实上描绘的却很少。这可以在多雷和杜米埃的作品中找到。此外，我们不知道选择这样一个主题是否是因为上述音乐家实际上是德加的熟人，其中包括作曲家伊曼纽尔·夏布里埃和双簧管演奏家德西雷·迪豪，他们就住在德加的隔壁。从意大利回来后，他回到了画家的工作室。

8. 乔治·布拉克的《提琴的人》

一种有点混乱的形式观，其中只有明暗对比清晰地出现，目的是起源，正如标题必然表明的那样，一个拿着小提琴的人的形象，一个通过布拉克最典型的立体主义光学呈现的主题，能够通过分解形式的并置，在这种情况下，呈现出弦乐器的外观，在支撑的下部发光部分可以直观地感觉到其存在。这种对现实的独特观点的意图肯定是超越更传统的图像几何设计，倾向于超越单纯观察的形式描述，刺激观看者想象以前从未感知到的事物。这种艺术概念接受了抽象的组成部分，其主要兴趣是在具象分解中实现的，旨在成为审美理想的精确陈述，其中人和小提琴很难被识别，当然，通过很少的细节能够指导形式的破译。

7. 钢琴课 (1916) 赫尔尼·马蒂斯

与艺术史上的大多数杰作不同，马蒂斯的作品旨在通过更流行的描绘肖像的双手连续的蜿蜒运动来揭示人与音乐之间的关系，并将他们的“爱抚”转向特定的乐器。杰作在乐谱后面隐藏了这种反复出现的触觉相遇的景象。我说的是《钢琴课》，这是法国大师 1916 年创作的一幅画，画中捕捉到了标题本身所暗示的事件，这幅画发生在伊西莱穆利诺画家家的客厅里，捕捉了艺术家最年轻的时候。儿子，即皮埃尔，当他专注于练习上述乐器时，周围是他父亲制作的雕塑，名为“装饰人物”（1908），位于支架的左下角，以及同一作者的画作，描绘了凳子上的女人。一切都是通过逐渐被放弃的自然主义风格特征来叙述的，因为它们被剥夺了细节，并用“抽象”色彩的宽广背景丰富起来，其目的是唤起那精确的瞬间，光线突然在室内显现出来，位于法式窗门附近的绿色三角形，以及作品中年轻主角脸上出现的相同几何图形。

阿梅代奥·莫迪利亚尼， 《大提琴家》 ，1909 年。布面油画，73,5 × 59,5 厘米。私人收藏。

6. 阿梅代奥·莫迪利亚尼的《大提琴家》（1909）

在分析《大提琴手》之前，有必要先弄清楚这位意大利大师对肖像画风格进行的比喻研究的一些要点，这位意大利大师是一位典型的吸毒成瘾和酗酒的画家，他了解人类主体作为一种相互交织的关系交流的具体可能性，旨在为一种侵入性的人才发出声音，准备捕捉肖像最亲密的方面，并在一种内在的镜子中揭示它们。出于这个原因，在大多数情况下，艺术家会正面捕捉他的拍摄对象，突出他们的特征和他们经常失明的眼睛。然而，在《大提琴家》中，捕捉主角脸部的难以捉摸的视角使我们无法仔细地外化他的内在自我，而这种内在自我是在他与乐器的亲密关系中捕捉到的。此外，《大提琴家》也是阿梅迪奥为数不多的作品中主题被其他事物所吸引的杰作之一，因为他极其专注于一个动作的执行，而不是一个等待被描绘的静态模型。

马克·夏加尔， 《提琴手》 ，1913 年。绘画，   188×158厘米。荷兰阿姆斯特丹市立博物馆。

5. 马克·夏加尔的《提琴手》（1913）

马奇·夏加尔的“音乐肖像”不仅仅描绘了一个受过教育的人物，同时专注于演奏音乐，因为它还代表了对画家祖国文化遗产的清晰唤起，通过上述演奏者的肖像，人们怀旧地回忆起这一点以及他劳作的乡村。除此之外，夏加尔的宗教信仰也提到了查巴德·哈西德派（Chabad Hasidim）的形象，认为音乐和舞蹈是与上帝交流的一种手段，以至于小提琴家本人被认为是仪式中必不可少的存在。和节日。尽管这幅画反映了其创作者与其祖国的接近，但它是在 1913 年完成的，当时画家在法国，在那里他也吸收了一些立体主义风格特征，以生动地呈现出上述描述恰好以维捷布斯克为背景，概括了每个普通人内心深处的斗争，旨在对比不同人生阶段的经历。

4. 音乐 I (1895) 古斯塔夫·克里姆特

通过克里姆特，我们了解了一种音乐描绘类型，到目前为止，在前十名中，这种描绘在某种程度上一直被忽视，即寓言式音乐描绘，通过描绘两个主要主题来呈现：一个拿着竖琴的女人和她的女人。对应的，以狮身人面像的形式绘制在展台右侧，旨在代表埃及神话中的生物，她是半女人半狮子，能够将动物世界和精神世界的极性统一起来，以及本能和理性。另一方面，至于七弦琴演奏者，她是艺术家另外两幅作品的主题，例如1901年在《Ver Sacrum》上发表的一幅面板和贝多芬弗里兹的一个场景，是作为叔本华理论的综合而创作的、尼采和理查德·瓦格纳，旨在将音乐视为高级艺术，因为它能够独立于文字和图像向人类传递知识。所有这些复杂的叙事都通过精确的风格手段传达给观众，这些手段同时混合了形象和装饰，以及二维和浮雕，成为艺术家年轻风格的明确宣言，与新艺术运动密不可分。

扬·维米尔（Jan Vermeer）， 《音乐课》 ，1662 年。布面油画，74.6 厘米 × 64.1 厘米。女王画廊，伦敦。

3. 扬·维米尔的《音乐课》（1662）

在分析这幅 1662 年的杰作之前，有必要解释一下音乐如何成为维米尔作品中反复出现的主题，这位画家诠释了这一主题，这是荷兰黄金时代绘画中最具代表性的作品之一，在 30 幅作品中至少有 12 幅。 -目前已知的六件出自他之手的艺术作品。这种象征性的选择可能与以下事实有关：以音乐为主题的作品在艺术家的客户中取得了相当大的成功，这些客户都是上流社会的成员，当然接受过音乐训练。这类绘画也广为人知且广受欢迎，因为它们经常包含恶作剧和迷人的浪漫阴谋，旨在增加人们对此类描绘的兴趣。刚刚确定的内容也反映在《音乐课》（1662）中，这是一部杰作，其中镜子揭示了事实上，少女更感兴趣的是观察她身边的绅士，而不是钢琴。维金纳琴上出现的拉丁格言也强化了这些假设：“音乐是欢乐的伴侣，是悲伤的安慰”，旨在暗示音乐的舒缓力量和感伤的变迁。

巴勃罗·毕加索， 《老吉他手》 ，1903 年。面板油画，122.9 厘米 × 82.6 厘米。芝加哥艺术学院。

2. 巴勃罗·毕加索的《老吉他手》（1903）

谈论《老盲吉他手》就不可能不提及这部杰作本身所属的蓝色时期，这一时期可以追溯到1901年至1904年的三年时间跨度，致力于通过艺术外化，艺术家的朋友卡洛斯·卡萨吉马斯（Carlos Casagemas）的去世给这位艺术家留下了不可磨灭的印记。卡洛斯·卡萨吉马斯是一位画家，他因对法国模特兼舞蹈家杰曼·皮乔特（毕加索许多画作的主角）的单相思而自杀。除了上述邪恶事件之外，巴勃罗还面临着经济困难，他在蓝色中找到了一种弥补悲伤的方法，这种悲伤主要体现在对被遗弃者、焦躁不安和戏剧性主题的描绘中。老盲人吉他手非常符合刚才所描述的内容，他自己呈现出一种明确的戏剧和痛苦的表达，而他的吉他则与之相反：一种代表生命和救赎的乐器，而艺术本身总是被理解为一种艺术。克服逆境并再次看到世界之美的手段。

卡拉瓦乔， 《音乐家》 ，1597 年。布面油画，87,9×115,9 厘米。纽约大都会艺术博物馆。

1.卡拉瓦乔的《音乐家》（1597）

这位意大利大师的画布油画使异教寓言的愿景在图画上具体化，旨在塑造三位穿着老式服装的年轻音乐家的形象，他们在狭窄的环境中找到了自己的位置。所描述的内容似乎很难用情色的基调来解释，尽管这是可能的，因为一心想要摘一串葡萄的带翅膀的丘比特形象的存在似乎表明亲密本质的团聚，旨在爆发出一种多情的激情，这是卡拉瓦乔早期作品中典型的模糊性。所讨论的色情是由理想化的年轻人的身体赋予的，他们有着相当精致和精致的面孔，其中只有位于中心吹短号的角色似乎可以归因于肖像的类型，并且正是这幅自画像，以至于它可以描绘年轻的卡拉瓦乔本人，因为后者与其他当代绘画作品有着密切的关系，画家在其中捕捉到了他自己的特征。另一方面，至于服装，大师提到古代并不奇怪，因为当时年轻的音乐家穿着古典风格，即厄洛斯、巴克斯或天使歌手，就像画家最伟大的赞助人德尔蒙特红衣主教所钟爱的表演可能就是这种情况。最后，在伟大的意大利艺术史传统中，值得强调的是，乔尔乔内和提香这样的画家通常如何在户外、田园和寓言背景中安排音乐主题，而卡拉瓦乔则将主题转移到室内，创新地将主题融合在一起从自然和寓言的描绘中捕捉到的肖像。