玫瑰 (2021) Pittura da Valery Marche。
我对花卉静物的排名汇集了所有这些，在我看来，它们是上述类型中最具标志性和“商业”的作品，我将它们按降序排列在叙事中，目的是在象征中达到顶峰出类拔萃的主题，也就是说，在这部杰作中，没有人，或者几乎没有人，可以免于误认，我冒昧地将其选为“以花为主题”的杰出绘画的标志性代表海报。然而，在进入前 10 名之前，至少暂时进入历史背景是有好处的，花卉静物画属于自然题材，最初是作为与历史、宗教或艺术相比的次要艺术表现形式。神话故事，出自佛兰德汉斯·梅姆林 (Flemish Hans Memling) 之手，他在 1490 年左右为这个主题的延续奠定了基础，这个主题现在已经不可避免，这也归功于几个世纪以来，它已经达到了强度和审美独创性远远优于简单的植物复制。此外，在新艺术风格的流派取得成功之后，由于二十世纪的到来，我们的直觉超越了仅按原样复制花朵，将它们融入组合、装置、照片等。我们打断这段漫长、古老和未来的历史，转向那些在 19 世纪末到 2000 年代之间对我来说代表了该流派顶峰的作品，因为它们不仅在技术和风格上是前所未有的，而且是真正的“主流”产品”深受群众关注。
村上隆与他的花球系列中的标本。 @soulr.co
10. 村上隆，《粉红花球》，2007
简而言之，没有提及村上春树作品起源的意图、训练和影响，Flowerball Pink (2007) 是一幅圆形印花，充满了强烈而“拥挤”的鲜艳花朵，每朵都带有笑脸脸，创造一种虚幻的立体感，旨在使整个花球系列充满活力，上述印刷品正是其中的一部分。再加上对缺失细节的简洁描述，村上隆广受欢迎的花朵，就像金宝汤罐头对沃霍尔来说一样，是艺术家职业生涯的主要内容，源于对传统日本绘画的原始重新诠释，其中经常描绘花朵。除了这个古老的图像学之外，还有对漫画、动漫和日本亚文化世界的仔细观察，商业对象的产生者，Takashi 通过模糊消费主义与艺术之间的界限将其转化为艺术，这种态度再次呼应了50 年代波普艺术的意图。尽管有这样的亲和力，村上隆的绘画却超越了高雅文化和低俗文化的简单并置，因为在上述灿烂的笑容背后可以瞥见隐藏的泪水，能够塑造成熟的勇气，能够在庄重的平静表现背后隐藏痛苦。事实上，后一种观察与艺术家向纽约时报发表的痛苦声明有关，他在声明中承认，他的《微笑的花朵》只不过是压抑情绪的无声表现，以及集体经历的创伤日本人在其历史上最戏剧性的时刻：1945 年的广岛-长崎原子弹爆炸。
草间弥生的花卉雕塑。 @kusama_archive
9. 草间弥生，准备在早晨开花，1989
再说一次，她并不自相矛盾！草间弥生是一位当代日本艺术家，她以强迫性使用密集的波尔卡圆点图案而闻名，由于她的灵感，无情地从艺术家从小就遭受的戏剧性和圆形幻觉中汲取灵感，并没有让我们感到惊讶当她选择重新调整她最珍爱的主题时，也为重复的红色背景赋予了生命，目的是在两朵花周围的圆点中具体化，目的是在前景中勾勒出轮廓。如果刚刚揭示的痴迷，在这种情况下通过对花卉世界的描绘表现出来让你惊讶，那么你不熟悉日本艺术家的作品，他在其他场合再次强迫性地接近花卉世界，就像例如，在维多利亚国家美术馆三年展（墨尔本，2018 年）期间，她允许参观者在房间的所有可用表面上自由放置大量非洲菊。这件名为《花的痴迷》的作品通过重复上述幻象再次找到了解释，尽管在这个特殊情况下，是艺术家本人揭示了装置的起源：“这一切都始于幻觉。有一天小时候，看到桌布上的红色花朵图案后，抬头一看，天花板、窗户和柱子上似乎都贴满了红色的花朵图案。我看到整个房间，我的整个身体和宇宙都被红色覆盖鲜花，在那一瞬间，我的灵魂被抹去了……那不是幻觉，而是现实本身。”
安迪·沃霍尔，《花》，1964 年。
8. 安迪·沃霍尔，《花》，1964
令人难以置信的是，在 1964 年之前，沃霍尔的曲目几乎无法原谅地缺乏对主要自然主义主题（例如花朵）的处理方法！这位匹兹堡艺术家是如何忘记这种在艺术史上反复出现的流派，也许会变成一种重复的消费对象，强迫性地提供给大众？事实上，安迪从未对上述主题表现出独立的兴趣，以至于他的分析受到当代艺术策展人亨利格尔德扎勒的干预，他敦促沃霍尔在纽约'64世界博览会期间丰富他的作品与自然元素出类拔萃。然而，最终，安迪与这样一个主题变得亲密，尤其是芙蓉，它以一种旨在结合印象派和抽象技术的风格制作，追求表达艺术家内心深处的灵魂的意图，也许也是最不暴露的灵魂和有争议的，因为它经常被消费主义叙事的外表所掩盖。到目前为止一切顺利，以至于沃霍尔多次诠释了这个主题，但有一天苦涩的真相浮出水面：“花朵”丝网印刷明显采用了帕特里夏考菲尔德照片中的芙蓉花形象，一位艺术家，没有被沃霍尔质问，直接走上了法律之路！
7. 罗伊·利希滕斯坦，《黑花》，1961
我们来到了第七位，波普艺术的主要艺术家之一，以及上面刚刚讨论的一位：我说的是罗伊·利希滕斯坦，他以受报纸和漫画印刷品启发的作品而闻名，尤其是那些， , 通过 Ben-Day 点制作，展示了当时的生活，尤其是通过 Whaam 等杰作进入历史！ （1963 年），以及那些描绘美丽的金发女郎的人，她们相当居高临下，几乎甚至在命令下哭泣和微笑。这部作品中，既有唐老鸭和米老鼠的题材作品，也有知名名作的翻拍，谁能想到还能找到一些花卉静物呢？在这一点上，我介绍了《黑花》，尽管它的日期是 1961 年，也就是说，放在艺术家职业生涯的开端，但它已经带回了利希滕斯坦一些更成熟的风格特征，这些特征在漫画，在这种情况下，来颠覆花朵的色彩之美，以不寻常的黑白捕捉它们，旨在高出凹槽圆柱形状的花瓶，这一细节使两者之间的结合成为可能古典和杂志世界。
Georgia O'Keeffe，红色美人蕉，1924 年。油画，73.7 x 45.7 厘米。
6. Georgia O'Keeffe，红美人蕉，1924
不可能不将 O'Keeffe 的作品列入前 10 名，O'Keeffe 是一位美国艺术家，以她的花卉画而闻名，这些画以特写或大型形式完成，代表了她一些最著名的杰作，从 20 年代中期到 50 年代。在这庞大的花卉作品中，我想选择红美人蕉（Red Canna，1924）作为代表作，这幅画布描绘的芦苇百合被“放大”，因此可以近距离观看，其视角追求的目的是让我们熟悉并欣赏一朵开放的花朵的美丽、丰富和精致，可以通过平行、色情和感性的方式与女性气质最隐蔽部分的特写视图进行解释，这是观察者在 O'Keeffe 的大部分花卉曲目中经常认识到的“维度” .事实上，恶作剧恰恰在于旁观者的眼睛，因为画家冲动地宣称她的作品实际上被误解了，成为男性主义解释的象征，由一位主要是男性的艺术评论家制定，他延续了性概念她的工作其实与她的初衷大相径庭。
亨利·马蒂斯，窗前喷洒玫瑰，1925 年。布面油画，80×65 厘米。私人收藏。 @paintings_i_love 。
5. 亨利·马蒂斯，《花》，1907 年
马蒂斯是野兽派的主要代表人物，他和后者艺术潮流的其他代言人一样，通过简化形式的普及、透视法和明暗对比法的废除以及明亮、不自然和纯色的使用而出类拔萃。花卉静物 Flowers，日期为 1907 年，与上述作品相比，其色彩不那么“咄咄逼人”，而稍微“自然主义”一些，比充满活力的色调所传达的惊讶更重要的是，其极具表现力的笔触的运动，旨在构建平面和图形形式，接近静物的更“经典”主题。如果这是适用于 Flowers（1907 年）的描述，那么最好强调一下，在艺术家漫长的职业生涯中，他如何反复回到花卉主题，在或多或少发展的背景下诠释它们，包括室内场景和风景，例如，Purple Robe and Anemones (1937) 和 Interior with Dog (1934)。
葛饰北斋，《垂枝樱桃上的红腹灰雀》，1840 年。
4. 葛饰北斋，红腹灰雀在垂枝樱桃上，1840 年
“一只鸟沐浴/它的羽毛飞走了：/早晨的樱花树”：这是在 Bullfinch on Weeping Cherry（1840 年）版画上找到的铭文的翻译，显示了文来庵节万的十七个音节， Setsumon 的俳句诗人，与 Hokusai 有联系的一所学校，也被引用为绘画 Pines 和 Mt Fuji 上显示的文字。说到同一引文中提到的樱花树，这是该作品无可争议的主角，在鲜花和花蕾中，与一只红腹灰雀一起出现，红腹灰雀在日本是一种众所周知的仪式傀儡每年除夕在天神神社举行。在这种情况下，人们必须带着前一年的红腹灰雀去圣地，以便用新的红腹灰雀代替它，这将保护它的主人免受来年的不幸。另一方面，在葛饰北斋的版画中逼真的仁慈动物绝对是雄性标本，从从脸颊延伸到鸟的喉咙的粉红色标记可以看出。最后，花卉、普鲁士蓝、鸟和铭文构成了一个和谐的整体，能够向我们讲述日本最高的艺术传统以及风俗文化。
古斯塔夫·克林姆 (Gustav Klimt)， 《向日葵》 ，1906 - 1907 年。布面油画，110 x 110 厘米。私人收藏。
3. 古斯塔夫·克里姆特，向日葵，1906
忘记吻 (1908)、朱迪思 (1901) 和女人的三个年龄 (1905)，这些作品让我们认为克里姆特在描绘人物而不是自然方面可能更有技巧，当然也更有兴趣，或静物。虽然第一个假设肯定是不正确的，但考虑到艺术家的折衷主义，第二个假设似乎很合理，因为 1906 年的向日葵被证明是一个异常缺乏最典型的拟人化元素的主题。无论如何，克里姆特的上述花朵似乎与人类非常相似，因为它们直立在他们居住的花园中，仍然远未与水果和其他垂死的花卉一起被束缚在花瓶的空间中标本。因此，如果我们真的要准时的话，这部杰作与其说是完全属于静物类型，不如说是有点类似于风景类型，其中向日葵承担了上述主角的动作- 特别提到的杰作，呼应了《吻》中恋人的拥抱，他们的叶子紧紧相拥。
克劳德·莫奈 (Claude Monet) ，宁菲 (Ninfee) ，1919 年。纽约：大都会艺术博物馆。
2. 莫奈，睡莲池，绿色和谐，1899
同样介于“静物”和“风景”之间的是莫奈的长系列睡莲，这些睡莲虽然放置在户外并且还活着，但与更“家常”的花瓶、水果和插花一样成为模型。这一系列创作于 1890 年至 1926 年之间的 250 多幅画作，实际上讲述了这位大师与他本人所代表的运动的某些特点的超脱：印象派。事实上，如果后者的特点之一是“在空气中”作画，以便固定在一个单一的图像中，完全是一时冲动，精确瞬间的印象，那么大师就没有做到这种工作方式有两个原因：他最后一张画布的尺寸和冬季。对于前者，大型媒体被严格地存放在他的工作室里，在那里他可以将他从生活中捕捉到的印象碎片化，然后将它们重新组合成一系列连贯的瞬间。另一方面，在冬季，寒冷的天气意味着艺术家可以在移动画架的帮助下在户外开始他的工作，然后在他的工作室完成，在那里他能够获得熟练的概览。
文森特·梵高，向日葵，1889 年。布面油画，95 x 73 厘米。阿姆斯特丹：梵高博物馆。
1. 文森特梵高，向日葵，1889
获胜者是：文森特！说实话，我一向对忧郁情有独钟，但这次他的向日葵真正代表了艺术史上不可逃避的静物杰作，实现了艺术家外在现实与现实生活的完美结合。内心世界。事实上，这幅画描绘的是一束向日葵聚集在一个大肚花瓶中，并在平面上展示，恰好在浅色墙壁的衬托下，是一位大师进行比喻实验的著名例子，他以绘画为生一种日常的存在主义疗法，既是一种艺术追求，也是一种面对现实的过滤器。此外，向日葵系列的制作是为了表达对他的朋友兼同事保罗高更的感激之情，以至于它确实被设想用来装饰文森特在阿尔勒为他设置的房间，在黄色的房子里，法国人曾在那里加入了他。甚至，这位荷兰大师对这朵花爱不释手，以至于对它产生了认同感，甚至称它为“完全的文森特”。最后，同样重要的是要注意，梵高放置在花瓶中的向日葵有时会像他的兄弟西奥透露的那样，是十四或十五朵，以参考基督使徒的数量添加到西奥的数字中和保罗高更，文森特本人的存在也可以添加到其中。
Olimpia Gaia Martinelli
