极简主义摄影：风景类型

Carlos Canet Fortea，《近似旅程》，2022 年。摄影，数码摄影/操纵摄影/纸上数码拼贴，100 x 80 厘米。

在谈到摄影媒介推动的艺术研究之前，很明显要提到绘画传统，几个世纪以来，它促进了最著名的艺术流派的诞生、发展和肯定，包括经久不衰的风景主题。因此，很明显，以后者为主题的摄影享受了先前的努力，这导致官方承认风景画的完全自主性，这是发生在历史上特定时间和地点的事件：荷兰黄金世纪的。事实上，在此之前，风景被认为只是一种图画背景，没有任何性别认同，旨在装饰或说明所叙述事件（主要是宗教、神话或历史事件）发生的地点。 19 世纪后期摄影的到来直接继承了上述成就，虽然是逐步的和实验性的，但促进了对风景类型的进步兴趣，几个世纪以来，它成为其主要的主力之一。此外，在摄影艺术的过程中，这门学科也像绘画、雕塑等一样，面临着多种运动、艺术潮流和趋势，其中不得不提到极简主义，一种观点在现实中，这也将其风格特征强加给了山水画。简明扼要的描述：极简主义的观点赋予景观类型通过极其综合和具体的渲染来捕捉真实数据的目标，通过仅使用几个元素的框架，有时甚至只使用一个元素，实现更大的视觉冲击力。事实上，将注意力集中在所描绘的那个“小”上的可能性，使观众能够立即掌握所构思的内容，以传达信息，避免将注意力分散在多个装饰性“虚饰”中。为了使刚刚阐述的内容在读者的想象中具体化，参考一些摄影师的作品是至关重要的，他们像 Hiroshi Sugimoto、Yamamoto Masao 和 Michael Kenna 一样致力于捕捉极简主义的风景视觉。说到前者，这位出生于 1948 年的日本艺术家和摄影师被证明是当代摄影最重要的代表人物之一，具有将极简主义和概念艺术与东方风俗的同类清醒和简单相结合的独特之处。这些风格特征在他 1980 年的海景系列中得以实现，其中相同的取景和材料使用，着重于增强黑白的变化，在视图中进行布置，旨在捕捉空旷平静的大海，上面是清澈透明的海面沉默的天空。在这样的背景下，水和空气之间的界限往往变得高度模糊，近乎抽象主义，他想明确说明，尽管时间无情地流逝，大自然的壮丽仍然显着地、几乎神圣地保持不变。在绘画中，1935 年出生的意大利画家、雕刻家和插画家 Piero Guccione 的作品可以向我们传达类似的感觉，他的概念码头在天空与大海的分界线上找到了倒影的焦点以冥想为中心，旨在让观众接触到他的内在自我。至于山本正男，日本摄影师则专注于小幅面影像的创作，如同珍藏在手中的盆景树种，让观者产生类似的回忆。在这个冥想的空间里，既有现在也有过去，以至于艺术家更喜欢使用“老化”的黑白图像，意在暗示我们自己千变万化的记忆、片段和痕迹.

Philippe Berthier， Phoetr y，2023。摄影，数码摄影/纸上操纵摄影，47 x 67cm。

说到风景，Masao 关于这个主题的镜头证明了他对观察自然转变的兴趣，其中的叙述似乎暗示着我们自己生命历程的演变。这位日本艺术家拍摄的极简主义作品的一个例子是 Kawa=Flow #1652，其中为了暗示秋天的风景，只提到了一群鸟儿栖息在神圣的树枝上的景象。同样，绘画也描绘了类似的主题，正如坦桑尼亚著名画家爱德华·赛义德·廷加廷加在树上的白鸟的更广阔、更丰富多彩的视角所表现的那样。最后，关于出生于 1953 年的著名英国摄影师迈克尔·肯纳 (Michael Kenna)，他以其极简主义的黑白风景而闻名，这些风景被典型的空灵光线照亮，是黎明时分或夜间拍摄的结果，追求专注于大气条件与永生主题之间相互作用的意图。通常，正是为了突出这种关系，他使沉浸在白色或黑暗中的孤零零的树木永生不朽，使我们想起一些绘画杰作所捕捉的个体标本，例如：蒙德里安的红树和蓝树和梵高的令人难忘的《秋天的桑树》（1889 年）是荷兰大师去世前不到一年的作品，也就是说，当时虽然混乱和不平衡，但结果却相当“开明”。文森特的新意识可能是受到他“停留”的地方的启发，即圣雷米的圣保罗精神病院，他在著名的耳朵事件后被收治的医院。正是在精神病院，他开始意识到自己动荡的过去，对自己的新艺术作品产生的兴趣以及医院不幸患者给予他的快乐陪伴让他感到宽慰。因此，极简主义摄影和后表现主义绘画之间的最后比较揭示了一个更多的细节：那些支持第二运动的人大体上更多地将艺术作为一种治疗，而不是作为一种更宁静的沉思和综合存在的手段.

Tomáš Tisoň， 《守护者》，2021 年。摄影，纸上数码摄影，50 x 50 厘米。

吉奥·蒙德里 (Gio Mondelli)，《炎热的夏天》，2018 年。油画，布面丙烯，45 x 45 厘米。

吉奥蒙德里：炎热的夏天

1953年出生的意大利艺术家吉奥·蒙德利 (Gio Mondelli) 在画布上描绘的极其明亮的色彩，加上少量的风景元素，重新开启了上述关于摄影对绘画艺术的伪“依赖”的“辩论”，在“借用”许多主题和文体方法的层面上发现。如果我们恰恰考虑 Artmajeur 中艺术家对风景艺术的观点，这种情况就会发生逆转，他似乎几乎是 Franco Fontana 的摄影调查的一种图像解释，Franco Fontana 是一位出生于 1933 年的摩德纳人，以其极简主义风景而闻名，其中无可争议的主角是，除了田野、树木和巧妙放置的云、颜色和几何形状的意大利自然。正是这最后两个组成部分成为他主题选择的真正动力，能够将“简单”的乡村景观以及工业和城市景观转化为一种抽象，旨在表达“夸张的色彩的哭泣”，以合成的清晰和标记的线条表达。在这种情况下，Mondelli 的 Calda 庄园似乎可以追溯到 Fontana 的 Apulian 摄影系列，该系列可追溯至 1980 年代后期，展示了黄色、蓝色和绿色在自然界中最真实的胜利，就秩序而言和活泼，对人和他的恶行更加华丽和善意。

伊曼纽尔·帕塞留 (Emmanuel Passeleu)， 《蓝色》，2021 年。摄影，数码摄影/纸上操纵摄影，50 x 50 厘米。

Emmanuel Passeleu：蓝色

重要的是要强调，除了经典类型之外，摄影世界还由时尚、潮流和最后一刻的创新组成，这些在当今时代通常从互联网和社交媒体领域传播，更陈旧的学院和博物馆机构被排除在外。上面的内容似乎总结了 Marcus Cederberg 的生活经历，他是一位出生于瑞典的极简主义摄影师，他有点乐此不疲，开始通过 Instagram 平台传播他的照片以及他的独特观点，登录开始于2014 年。如今，他的个人资料备受关注，好奇的人们、摄影爱好者、一般艺术爱好者和摄影师本人都经常光顾，他们渴望通过赋予仿射“合成”颜色和形状来捕捉真实。这种“有序”的视觉源于艺术家的特殊需求，他觉得他必须反对我们社会的混乱，具有令人痛苦的节奏形式，充满了投入和虚假的神话来追逐。他的斗争是与极简主义诗学作斗争，这种趋势能够传播一种多产的平静感，这主要归功于对颜色、对比和负空间的精心选择。说到具体行动，我打开了这位摄影师的 Instagram 个人资料，注意到他最喜欢的主题之一是窗户，对窗户进行单独分析、成对分析，有时甚至通过几乎“无限”的乘法分析。这些主题的轮廓映衬在简单的彩色墙壁上，这些墙壁有时会呈现一些逼真的细节，包括静态和动态。窗户也是这位 Artmajeur 艺术家数码摄影的主要主题，他通过添加巧妙的超现实主义风格来个性化极简主义，旨在以新颖和创新的方式混合两种根本相反的趋势。

伊丽莎白·拉普兰特， Neon noué ，2018 年。摄影，纸上数码摄影，30 x 45 厘米。

伊丽莎白·拉普兰特： Neon Noué

暗红色、紫红色、玫瑰色、海水色的墙壁上流淌着一缕霓虹灯，我们看到它被困在照片的矩形格式中，却无法知道其路径的实际范围。这大概就是拉普兰特的极简主义所暗指的奥秘，它也把前面提到的荧光物体作为一种细节来利用，旨在明确地抓住观众的注意力。的确，霓虹灯即使在后期也能被注意到，但当你的目光落在它身上时，这可能是你最不会观察到的如此准确的东西，因为，谁会在发现了光之后又想回到黑暗中去呢？事实上，光之所以如此吸引人，恰恰是因为它可以定义空间，使其充满活力和活力，让我们能够以我们所感知的方式看待世界，区分形状和颜色。美国艺术家詹姆斯·特瑞尔 (James Turrell) 的艺术研究假设也可能依赖这些概念，他的作品主要涉及对光和空间的感知。事实上，这位艺术家被认为是 Light and Space 的主要倡导者之一，这一运动于 1960 年代在美国诞生，将光转化为艺术品，旨在与人们的思想和身体进行交流观众。