GÜLLER (2021) Pittura da Valery Marche.
Çiçekli natürmort sıralamam, sembolde doruğa ulaşmayı amaçlayan, azalan düzende bir anlatım içinde düzenlediğim, adı geçen türün bence en ikonik ve "ticari" eserlerini bir araya getiriyor. konunun mükemmelliği, yani hiç kimsenin ya da neredeyse hiç kimsenin yanlış tanımaktan kurtulamayacağı o şaheserde, mükemmel bir şekilde "çiçek temalı" resimlerin ikonik temsili posteri olarak seçme özgürlüğünü aldım. Bununla birlikte, ilk 10'a geçmeden önce, en azından bir an için, çiçeklerle natürmortların ait olduğu tarihsel bağlama girmekte fayda var; doğal konular, tarihsel, dini ya da tarihsel, dini ya da dini konulara kıyasla başlangıçta küçük bir sanatsal tezahür olarak doğdu. Flaman Hans Memling'in elinden, yaklaşık 1490'da, yüzyıllar boyunca yoğunluğa ve yoğunluğa ulaşması sayesinde artık kaçınılmaz hale gelen bir konunun devamının temellerini attı. basit bir botanik reprodüksiyondan çok daha üstün estetik özgünlük. Ayrıca, türün Art Nouveau tarzı içinde yakaladığı başarıdan sonra, çiçekleri olduğu gibi yeniden üretmenin ötesine geçerek onları asamblajlara, enstalasyonlara, fotoğraflara vb. dahil etme sezgisini yirminci yüzyılın gelişine borçluyuz. Bu uzun, kadim ve gelecek tarihi yarıda keserek, on dokuzuncu yüzyılın sonları ile 2000'ler arasında benim için türün zirvesini temsil eden, yalnızca teknik ve üslup açısından emsalsiz değil, aynı zamanda gerçek "ana akım" olan eserlere yönelin. kitleler tarafından çokça düşünülen ürünler".
Murakami, Flower Ball serisinden bir örnekle. @soulr.co
10. Takashi Murakami, Çiçek Topu Pembesi, 2007
Kısa ve öz bir şekilde ve Murakami'nin çalışmasının kökenindeki niyetlere, eğitime ve etkilere herhangi bir gönderme yapmadan, Flowerball Pink (2007), parlak çiçeklerin yoğun ve "kalabalık" serpiştirilmesiyle dolu dairesel bir baskıdır ve her birinde bir gülen yüz vardır. yüz, yukarıda bahsedilen baskının tam olarak bir parçası olduğu Flower Ball serisinin tamamını canlandırmayı amaçlayan yanıltıcı bir üç boyutluluk hissi yaratın. Eksik ayrıntıların bu kısa ve öz açıklamasına ek olarak, Murakami'nin popüler çiçekleri, Warhol için Campbell'ın Çorba Tenekeleri kadar sanatçının kariyerinin temel bir unsuru olabilir ve çiçeklerin sıklıkla tasvir edildiği geleneksel Japon resminin orijinal bir yeniden yorumlanmasından doğar. Bu antik ikonografiye ek olarak, Takashi tarafından tüketimcilik ve sanat arasındaki sınırların bulanıklaştırılmasıyla sanata dönüştürülen ticari nesnelerin üreteçleri olan manga, anime ve Japon alt kültürü dünyasının dikkatli bir şekilde gözlemlenmesi de eklenmiştir. 1950'lerin Pop sanatının niyetleri. Bu tür yakınlıklara rağmen, Murakami'nin çizimleri, yüksek ve düşük kültürün salt yan yana getirilmesinin ötesine geçiyor, çünkü yukarıda bahsedilen parlak gülümsemelerin ardındaki gizli gözyaşları bir an için görülebiliyor ve acıyı onurlu bir dinginlik tezahürünün arkasına gizleyebilecek olgun cesareti şekillendirebiliyor. Aslında, ikinci gözlem, sanatçının New York Times'a yaptığı ve Gülen Çiçekler'in toplu olarak yaşanan travmaların yanı sıra bastırılmış duyguların sessiz bir tezahüründen başka bir şey olmadığını itiraf ettiği acı verici bir ifadeyle bağlantılıdır. Japonlar tarafından tarihlerinin en dramatik anında: 1945'teki Hiroshima-Nagasaki bombalamalarında.
Yayoi Kusama'nın Çiçek Heykeli. @kusama_archive
9. Yayoi Kusama, Sabah Çiçek Açmaya Hazır, 1989
Yine kendisiyle çelişmiyor! Çağdaş Japon sanatçı Yayoi Kusama, çocukluğundan beri maruz kaldığı dramatik ve yuvarlak halüsinasyonlardan amansız bir şekilde aldığı ilhamla yoğun puantiyeli desenleri, süslemeleri takıntılı kullanımıyla son derece ünlüdür ve bizi şaşırtmaz. en sevdiği motifi yeniden tasarlamayı seçtiğinde, aynı zamanda tekrarlayan kırmızı bir arka plana hayat vermek için, iki çiçeği çevreleyen noktalarda somutlaşmayı ve ön planda kontrast oluşturmayı hedefliyor. Az önce ortaya çıkan, bu vakada çiçeklerin dünyasının tasviriyle ortaya çıkan saplantı sizi hayrete düşürdüyse, başka vesilelerle yine saplantılı bir şekilde çiçek dünyasına yaklaşan Japon ressamın çalışmalarına aşina değilsiniz demektir. Örneğin, Ulusal Victoria Trienali Galerisi sırasında (Melbourne, 2018), ziyaretçilerin bir odadaki mevcut tüm yüzeylere çok sayıda gerbera yerleştirmesine izin verdiğinde. Çiçek Saplantısı adlı bu iş, söz konusu görüntülerin tekrarlanmasıyla bir kez daha açıklama buluyor, ancak bu özel durumda enstalasyonun kaynağını sanatçının kendisi ortaya koyuyor: "Her şey bir halüsinasyonla başladı. Bir gün. çocukken masa örtüsünün üzerindeki kırmızı çiçek desenini gördükten sonra yukarı baktım ve tavan, pencereler ve sütunlar aynı kırmızı çiçek deseniyle sıvanmış gibiydi.Bütün odayı, tüm bedenimi ve evreni kırmızıyla kaplı gördüm. çiçekler ve o anda ruhum silindi ... Bu bir yanılsama değil, gerçeğin ta kendisiydi."
Andy Warhol, Çiçekler, 1964.
8. Andy Warhol, Çiçekler, 1964
1964'ten önce, biraz inanılmaz bir şekilde, Warhol'un repertuarında, neredeyse affedilemez bir şekilde, örneğin çiçekler gibi esas olarak natüralist bir konuya yaklaşım yoktu! Pittsburgh sanatçısı, sanat tarihinde böylesine yinelenen bir türü, belki de zorunlu olarak kitlelere sunulmak üzere tekrar eden bir tüketim nesnesine dönüştürülmeyi nasıl unutabilmişti? Aslında Andy yukarıdaki konuya hiçbir zaman bağımsız bir ilgi göstermedi, o kadar ki analizine New York'taki '64 Dünya Fuarı sırasında Warhol'u zenginleştirmeye teşvik eden çağdaş sanat küratörü Henry Geldzahler'in müdahalesi neden oldu. mükemmel doğal element ile üretimi. Ancak sonunda Andy böyle bir konuyla, özellikle izlenimci ve soyut teknikleri birleştirmeyi amaçlayan bir üslupla yapılmış, sanatçının en içteki ve belki de en az açığa çıkan ruhunu seslendirme niyetini izleyen Hibiscus ile yakınlaştı. ve çoğu zaman tüketici anlatısının görünüşleriyle gizlendiği için tartışmalı. Buraya kadar o kadar iyi, o kadar ki Warhol konuyu defalarca yorumladı, ama bir gün acı gerçek gün ışığına çıktı: "Çiçekler" serigrafileri, Hibiskus çiçeklerinin görüntüsünü, ressam Patricia Caulfield'ın fotoğraflarından açıkça alıyor. , Warhol tarafından sorgulanmadı, doğrudan yasal işlem başlattı!
7. Roy Lichtenstein, Kara Çiçekler, 1961
Yedinci sıraya geldik, Pop art'ın önde gelen sanatçılarından biri, biraz önce bahsettiğimiz sanatçıyla birlikte: Gazete ve çizgi roman baskılarından, özellikle de çizgi roman baskılarından esinlenen çalışmalarıyla tanınan Roy Lichtenstein'dan bahsediyorum. Ben-Day noktası aracılığıyla yapılan , zamanın yaşamını, her şeyden önce Whaam! (1963) ve oldukça küçümseyici bir şekilde neredeyse emir üzerine ağlayıp gülümseyecek kadar ileri giden güzel sarışın kadınları tasvir edenlerin yanı sıra. Donald Duck ve Mickey Mouse'un konu olduğu işlerin yanı sıra ünlü başyapıtların yeniden yapımlarına da yer verebildiğimiz bu yapımda çiçekli natürmortlara da rastlayabileceğimiz kimin aklına gelirdi? Bu noktada, 1961 tarihli, yani sanatçının kariyerinin başlangıcına yerleştirilecek olmasına rağmen, Lichtenstein'ın daha olgun üslup özelliklerinden bazılarını geri getiren ve dünya tarafından silinmez bir şekilde damgasını vuran bir çalışma olan Kara Çiçekler'i tanıtıyorum. çizgi romanlar, bu durumda, çiçeklerin kromatik güzelliğini bozmak, onları alışılmadık bir siyah ve beyazla yakalamak, yivli bir sütun şeklindeki bir vazonun üzerinde yükselmeyi amaçlıyor; klasik ve magazin dünyaları.
Georgia O'Keeffe, Kırmızı Canna, 1924. Petrol, 73,7 x 45,7 cm.
6. Georgia O'Keeffe, Kırmızı Canna, 1924
En iyi bilinen başyapıtlarından bazılarını yakın plan veya büyük ölçekte yaptığı çiçek resimleriyle tanınan Amerikalı sanatçı O'Keeffe'nin çalışmalarını bu ilk 10'a dahil etmemek imkansızdı. 1920'lerin ortalarından 1950'lere kadar uzanan. Bu geniş çiçek üretimi içinde temsili bir çalışma olarak Red Canna'yı (1924) seçmek istedim. açık bir çiçeğin güzelliği, zenginliği ve narinliği, kadınlığın en gizli kısmının yakından görünümüyle paralel, erotik ve şehvetli bir şekilde yorumlanabilir; bu, genellikle O'Keeffe'nin çiçek repertuarının çoğunda gözlemciler tarafından tanınan bir "boyut"tur. . Aslında, ressam aceleyle işinin kelimenin tam anlamıyla yanlış anlaşıldığını, erkeksi bir yorumun sembolü haline geldiğini ve cinsel bir sanat anlayışını sürdüren ağırlıklı olarak erkek bir sanat eleştirmeni tarafından formüle edildiğini beyan ettiğinden, muziplik tam olarak bakanın gözünde yatmaktadır. aslında orijinal niyetinden çok farklı olan işi.
Henri Matisse, Pencere önüne gül püskürtün, 1925. Tuval üzerine yağlı boya, 80×65 cm. Özel koleksiyon. @ resim_i_aşk.
5. Henri Matisse, Çiçekler, 1907
Fauves'in önde gelen savunucularından biri olan Matisse, ikinci sanatsal akımın diğer sözcülerinin yaptığı gibi, basitleştirilmiş biçimlerin yaygınlaştırılması, perspektifin ve chiaroscuro'nun kaldırılması ve parlak, doğal olmayan ve saf renklerin kullanılmasıyla öne çıktı. 1907 tarihli çiçekli natürmort Çiçekler, yukarıda belirtilenlerden daha az "agresif" ve biraz daha "natüralist" renklere sahip, canlı tonların verdiği şaşkınlıktan çok, son derece etkileyici fırça darbesinin hareketini amaçlıyor. natürmortun daha "klasik" temasına yaklaşan düz ve grafik formlar oluşturmak. Çiçekler (1907) için geçerli olan tanım buysa, sanatçının uzun kariyeri boyunca çiçek temasına nasıl tekrar tekrar geri döndüğünü, onları iç sahneler ve manzaralar da dahil olmak üzere az çok gelişmiş bağlamlarda yorumladığını vurgulamak iyi olur. örneğin Purple Robe and Anemones (1937) ve Interior with Dog (1934) gibi.
Katsushika Hokusai, Ağlayan Kirazda Şakrak Kuşu, 1840.
4. Katsushika Hokusai, Ağlayan Kiraz Üzerindeki Şakrak Kuşu, 1840
"Tek bir kuş yıkanır / tüyleri uçup gider: / sabah kiraz ağacı": Bu, Bunrai'an Setsuman'a atfedilebilen on yedi heceyi gösteren Ağlayan Kiraz (1840) üzerindeki Şakrak Kuşu baskısında bulunan yazıtın çevirisidir. Hokusai'nin ilişkili olduğu bir okul olan Setsumon'un haiku şairi ve ayrıca Pines ve Mt Fuji tablosunda gösterilen metin için referans alındı. Aynı alıntıda bahsedilen kiraz çiçeği ağacından bahsetmişken, çiçekler ve tomurcuklar arasında, Japonya'da ünlü bir tören figürü olan uçucu bir şakrak kuşu ile birlikte sunulan işin tartışmasız kahramanı bu. her Yılbaşı gecesi Tenjin tapınaklarında yapılırdı. Bu vesileyle, sahibini bir sonraki yılın talihsizliklerinden koruyacak olan kutsanmış yeni kursa ait olanla değiştirmek için önceki yılın şakrak kuşu ile donanmış kutsal yere gitmek gerekir. Hokusai'nin baskısında gerçekçi bir şekilde görülen yardımsever hayvan ise, tıpkı yanaktan kuşun boğazına kadar uzanan pembe işaretten de anlaşılacağı gibi, kesinlikle bir erkek örneğidir. Son olarak, çiçekler, Prusya mavisi, kuş ve yazıtlar uyumlu bir bütün oluştururlar ve bize Japonya'nın en yüksek sanatsal geleneğini, geleneklerini ve kültürünü anlatabilir.
Gustav Klimt, Ayçiçeği , 1906 - 1907. Tuval üzerine yağlı boya, 110 x 110 cm. Özel koleksiyon.
3. Gustav Klimt, Ayçiçeği, 1906
Unut Öpücük (1908), The Judith (1901) ve The Three Ages of Woman (1905), Klimt'in doğadan çok insan figürünü tasvir etmede belki de daha yetenekli ve kesinlikle daha ilgili olduğunu düşünmemize yol açan eserler. veya natürmort. Sanatçının eklektizmi göz önüne alındığında, ilk hipotez kesinlikle yanlış olsa da, 1906 Ayçiçeği'nin alışılmadık bir şekilde en tipik antropomorfik öğeden yoksun bir konu olduğu ortaya çıktığından, ikincisi oldukça makul görünüyor. Her halükarda, Klimt'in söz konusu çiçekleri, yaşadıkları bir bahçede dimdik durdukları için insanlara çok benziyorlar, ancak yine de meyveler ve diğer ölmekte olan çiçeklerle birlikte bir vazo boşluğuna bağlı olmaktan çok uzaklar. örnekler. Bu nedenle, gerçekten dakik olmak istiyorsak, başyapıt, tamamen natürmort türüne girmek yerine, ayçiçeklerinin yukarıdaki kahramanların hareketlerini üstlendiği manzara türüne biraz benziyor gibi görünebilir. - Özellikle Öpücük'te aşıkların tutuşunu benzer bir kucaklaşmada birleşen yapraklarıyla yankılayan başyapıtlar.
Claude Monet , Ninfee , 1919. New York: Metropolitan Museum of Art.
2. Claude Monet, Nilüfer göleti, yeşilin uyumu, 1899
Ayrıca "natürmort" ile manzaranın ortasında, Monet'nin açık havada ve hala canlıyken daha "sade" vazolar, meyve ve çiçek aranjmanları gibi model haline gelen uzun nilüfer serisi vardır. 1890 ile 1926 yılları arasında yapılan 250'den fazla resimden oluşan bu döngü, aslında ustanın temsil ettiği hareketin bazı özelliklerinden kopukluğunu anlatıyor: İzlenimcilik. Aslında, ikincisinin tuhaflıklarından biri "en plein air"i resmetmekse, tamamen bir anda yapılan tek bir görüntüde, kesin bir anın izlenimini sabitlemek için, usta yetersiz kalıyordu. Bu şekilde çalışmasının iki nedeni var: son tuvallerinin boyutu ve kış mevsimi. İlki ile ilgili olarak, büyük medya kesinlikle stüdyosunda tutuldu, hayattan yakaladığı izlenimlerini parçalara ayırabildiği ve ardından onları bir dizi tutarlı an halinde yeniden düzenleyebildiği bir yer. Kış mevsiminde ise soğuk hava, sanatçının seyyar şövalelerin yardımıyla işine dışarıda başlayıp atölyesinde bitirebilmesi anlamına geliyordu ve burada ustaca bir genel bakış elde edebildi.
Vincent van Gogh, Ayçiçeği , 1889. Tuval üzerine yağlı boya, 95 x 73 cm. Amsterdam: Van Gogh Müzesi.
1. Vincent Van Gogh, Ayçiçekleri, 1889
Ve kazanan: Vincent! Gerçeği söylemek zorundayım, sorunlu ruhlara karşı her zaman zaafım olmuştur, ancak bu durumda onun ayçiçekleri, sanatçının dış gerçekliğinin mükemmel sentezini gerçekleştirdikleri için sanat tarihi için gerçekten de kaçınılmaz bir natürmort başyapıtını temsil ediyor. iç dünya. Göbekli bir vazoda toplanmış bir demet ayçiçeğinin bir düzlem üzerinde tam açık renkli bir duvarın önünde sergilendiği tablo, aslında resmi bir sanat olarak yaşamış bir ustanın figüratif deneylerinin bilinen bir örneğidir. günlük varoluşsal bir terapi, yani hem sanatsal bir arayış hem de gerçeklikle yüzleşmek için bir filtre. Ayrıca ayçiçeği serisi, arkadaşı ve meslektaşı Paul Gauguin'e şükranlarını ifade etme niyetiyle yapıldı, öyle ki Vincent'ın kendisi için Arles'te, Fransız'ın kaldığı Sarı Ev'de kurduğu odayı dekore etmek için tasarlandı. ona katıldı. Hatta Hollandalı usta bu çiçeği o kadar çok sevmişti ki, onu "tamamen Vincent" olarak adlandıracak kadar onunla özdeşleştirdi. Son olarak, Van Gogh'un vazolara yerleştirdiği ayçiçeklerinin, Theo'nun figürlerine eklenen İsa'nın havarilerinin sayısına atıfta bulunmak için, kardeşi Theo'ya ifşa edildiği gibi, zaman zaman on dört veya on beş olduğunu belirtmek de önemlidir. ve Vincent'ın varlığının da eklenebileceği Paul Gauguin.
Olimpia Gaia Martinelli
