Edward Hopper, İkinci Hikaye Güneş Işığı. 1960. Whitney Amerikan Sanatı Müzesi, New York.
6 Noktada Amerikan Sanatının Tarihi
Sizi Amerikan sanat tarihinin en ünlü on ressamıyla tanıştırmadan önce, onların yaşamlarına kısa bir bakış ve üslup özelliklerine göndermeler yaparak, sizi ait oldukları bağlam hakkında bilgilendirmek istiyorum: Amerika ve onun sanatsal geleneği. Bu kapsamlı ve zorlu konuyu ele almak için 'makas ve yapıştırıcı'yı kullanmaya, ilgili materyali oraya buraya kesip yapıştırmaya ve yalnızca önemli anları vurgulamaya karar verdim. Bu niyetten, 6 noktada özetlenen ve yine de akılda tutulması gereken bir konu ortaya çıkıyor:
- Gelenek : ABD'nin sanatsal geleneğinin aslında yerli kültürler tarafından uygulanan sanatlardan kaynaklandığını düşünmek önemlidir.
- Avrupalılar : Bugün bildiğimiz Batı sanatı, ancak Avrupalıların gelişinden sonra gelişti ve başlangıçta portre ve manzara türlerinde şekillendi.
- 19. Yüzyıl : 19. yüzyılda tutarlı bir Amerikan sanat hareketi, yani Hudson Nehri Okulu'nun ortaya çıkışı ortaya çıktı.
- 20. Yüzyıl : 20. yüzyılda Amerikan yaratıcılığı yalnızca Avrupa'yı taklit etmeyi değil aynı zamanda kırsal bölgelerin yanı sıra Amerika'nın kentsel merkezlerini de sergilemeyi amaçlıyordu.
- İkinci Dünya Savaşı Sonrası : Savaş sonrası dönemin Soyut Ekspresyonizmi, sanatın ilgi odağının doğrudan Amerika bağlamında parlamasına neden oldu. Bu noktadan itibaren ABD'nin sanatsal etkisi, özellikle Minimalizm ve Pop Art'ın dünya çapındaki başarısı aracılığıyla küresel olarak yayılmaya devam etti.
- Bugün : Çağdaş küreselleşme, dünya çapında çalışmaları giderek birbirine bağlanan bir dünyada resim dünyasını gerçekten etkileyen bireysel kişilikleri tanımlamayı kolaylaştırdığı ölçüde, sanattaki özel ve özel olarak belirli bir bağlama bağlı eğilimleri anlamayı zorlaştırıyor."
En iyi 10
"Artık nihayet ilk 10'a hazırız, hadi dalalım!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Tuval üzerine yağlıboya, 121,9×94 cm. Güzel Sanatlar Müzesi, Ulusal Portre Galerisi, Boston.
1.Gilbert Stuart (1755-1828)
Biyografi : Gilbert Stuart Amerikalı bir ressamdı ve ilk beş ABD başkanının yanı sıra zamanın diğer birçok önde gelen şahsiyetinin resmi portrelerini yapmasıyla biliniyordu.
Stil : Benjamin West'in öğrencisi olduğu Londra'da portre konusunda uzmanlaşan Stuart, neoklasik idealleştirilmiş bir üslup geliştirdi. Tebaasının karakterini ve durumunu, duruşlarını, kıyafetlerini, renklerini ve çevrelerini dikkatle inceleyerek titizlikle yakaladı.
Başyapıt : Stuart'ın tartışmasız başyapıtı hiç şüphesiz "George Washington (Athenaeum Portresi)" (1796)'dir. Devlet adamı Washington'u kahverengi bir fon önünde tasvir eden eser, sanatçının eseri, öznenin eşi olan patronlara bırakmak istememesi nedeniyle kasıtlı olarak yarım kalmıştır. Stuart, tasvir edilen modelin şöhretinden yararlanmak için kopyalar oluşturmak istedi. Ancak bu kasıtlı eksiklik, sanat eserini meşhur etti çünkü güç ve otorite saçan ahlaki bir model olarak görülen, başkanın yüzünü vurgulamak için özenle tasarlanmış gibi görünüyor.
Mary Cassat, Mavi Koltuktaki Küçük Kız, 1878. Tuval üzerine yağlıboya, Musée d'Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Biyografi : Mary Cassatt, Fransa'da önemli bir dönem geçirmiş, Degas'nın yanında çalışmış ve Empresyonistlerle sergiler yapmış Amerikalı bir ressamdı.
Stil : Cassatt'ın benzersiz stili, tipik Empresyonist fırça işçiliğini açık renklerin kullanımıyla birleştirdi ve genellikle geleneksel Japon sanatının sürekli etkisiyle zenginleştirildi. Bu fırça çalışmasıyla, muhtemelen bir kadın olarak sık sık hapsedildiği boyuta gönderme yaparak, ev ortamlarında "kapana kısılmış" kadınları tasvir ediyordu.
Başyapıt : Sanatçının en ünlü eserlerinden biri hiç şüphesiz "Mavi Koltuktaki Küçük Kız" (1878), yalnızca küçük bir köpek, belki de bir Yorkshire Teriyeri eşliğinde genç bir kızı tasvir eden, bir iç mekana yerleştirilmiş bir sandalyede dinlenerek onu taklit eden, muhtemelen oturma odasına benziyor. Bu sahne, sanki izleyicide kayıp çocukluğun anılarını uyandırmak istiyormuşçasına, gençliğin kaygısız doğasını ve rahatlığını yansıtıyor. Bununla birlikte, tablodaki mobilyaların öne çıkması, konunun zaman zaman yetişkinlerin dünyasından bunalmış hissettiğini de gösterebilir."
John Singer Sargent, Madame X'in Portresi, 1884. Tuval üzerine yağlıboya, 2,35 mx 1,1 m. Metropolitan Sanat Müzesi, Manhattan.
3. John Singer Sargent (1856-1925)
Biyografi : Yurt dışında yaşayan Amerikalı bir sanatçı olan John Singer Sargent, 19. yüzyılın en önemli portrecilerinden biri olarak kabul ediliyor. Dünya çapındaki seyahatleri sırasında, Venedik gibi ikonik yerleri fotoğraflayan belgesel tarzı resimler de gerçekleştirdi.
Stil : John Singer Sargent, geleneksel kompozisyonlarda hayat bulan kendine özgü Empresyonist fırça darbeleriyle tanınır. Eserleri, hem portre konularının karakter özelliklerini, hem de açık havada boyadığı manzaraları ölümsüzleştirdi. Bu, Anthony Van Dyck ve Diego Velázquez gibi ustaların öğretilerini Empresyonist nüanslarla zenginleştirerek ustalıkla yeniden yorumlamasının bir sonucuydu.
Başyapıt : "Madame X'in Portresi"nden (1884) bahsetmemek mümkün değil! Ustanın belki de en ünlü eseri, tabloyu kendisi sipariş etmeyen yüksek sosyeteden bir kadın olan Virginie Amélie Avegno Gautreau'yu tasvir ediyor. Aslında sanatçı, Paris toplumunda çok konuşulan bir figürü yakalamak için onu model olarak seçmişti. Baştan çıkarıcı yetenekleri çarpıcı çekiciliğiyle birleşen bu kişinin belirli fiziksel ve karakter özelliklerinden dolayı dedikodular ortaya çıkmıştı; resimde kaymaktaşı cildi ve cüretkar dekoltesi sergilenerek güzel bir şekilde tasvir edilmişti. Sanat eseri, konunun gerçek tavrını etkili bir şekilde ilettiğinden, bu benzersiz nitelikleri nedeniyle modern portre türüne girmektedir.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Tuval üzerine yağlıboya, 84 cm x 1,52 m. Chicago Sanat Enstitüsü Okulu.
4.Edward Hopper (1882-1967)
Biyografi : Wikipedia haklı olarak Edward Hopper'ın "sanat ve popüler kültür üzerindeki etkisi önemli olan Amerika'nın en ünlü sanatçılarından biri" olduğunu belirtiyor. Derin bir yalnızlık duygusunun nüfuz ettiği çağdaş Amerikan toplumunun özgün bir tasvirini sunarak kendisini Amerikan gerçekçiliğinde bir figür olarak öne çıkardı.
Tarz : "Amerikan gerçekçiliği" terimi, sıradan insanların günlük aktivitelerini tasvir etmeyi tercih eden, 19. yüzyılın ortaları ile 20. yüzyılın başları arasındaki gerçek hayata sadık bir bakış sunan tüm sanatçıları kapsar. Ancak Hopper'ın büyüklüğü bunun ötesine geçti; İnsan deneyiminin karanlık yanını araştırdı ve ortaya çıkardı, deneklerinin psikolojisini açığa çıkardı. Sonuç olarak, tasvir ettiği, çağın rahatsızlığından mustarip insanlar, çoğunlukla izole edilmiş ve çevrelerinden kopuk görünüyorlardı; bu ortamlar sıklıkla tekrarlanan aydınlatıcı ışıkların varlığıyla karakterize ediliyordu.
Başyapıt : Yukarıdaki açıklama, ustanın en tanınmış eserlerinden biri olan, New York City'deki bir lokantada gece geç saatlerde, sokakların ıssız olduğu ve birkaç figürün bir araya toplandığı bir zamanda geçen "Gece Şahinleri"nin (1942) bir yorumudur. Yorgun ve neredeyse dilsiz, düşüncelerine yenik düşerek sonsuz yalnızlıklarının farkına varırlar.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Petrol, 73,7 cm × 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Biyografi : Georgia Totto O'Keeffe, sanatsal akımlardan büyük ölçüde bağımsız olan ve doğal formların temsiline özellikle önem veren Amerikalı bir ressamdı. Sık sık, bazılarını bizzat ziyaret ettiği çiçekleri ve manzaraları resmetti.
Tarz : "Amerikan Modernizminin Anası" olarak anılan O'Keeffe, sanatsal araştırmasını çoğunlukla doğal dünyanın soyutlanmasında somutlaşan duyguları, öncelikle farklı çiçek türlerinin son derece ayrıntılı yakın çekimleri biçiminde aktarmaya yöneltti.
Başyapıt : Sanatçının en ikonik eserlerinden biri olan "Kırmızı Canna" (1924), onun üslupsal benzersizliğini açıkça ortaya koyan bir tablodur, ancak bu durumda, eserinde sıklıkla yer alan bir çiçeğe, cannalily'ye yöneliktir. O'Keeffe, bu bitkileri nasıl gördüğünü göstermek istediğini söyleyerek ilgisini haklı çıkarırken, birçok eleştirmen bunları, kadın formunun samimi tasvirine açık bir gönderme olarak yorumladı; sanatçı daha sonra kendisinin paylaşmadığını açıkladığı bir bakış açısıydı."
Grant Wood, American Gotik, 1930. Kunduz tahtası üzerine yağlıboya, 78 cm × 65,3 cm. Chicago Sanat Enstitüsü, Chicago.
6. Grant Wood (1891–1942)
Biyografi : Grant DeVolson Wood, Bölgeselcilikle olan ilişkisiyle tanınan Amerikalı bir ressamdı ve öncelikle Amerika Ortabatı'sının kırsal bölgelerini tasvir eden resimleriyle tanınıyordu. Özellikle "Amerikan Gotik" (1930) adlı eserin yaratılmasıyla ünlüdür.
Tarz : Wood, Bölgeselcilik hareketine uygun olarak sanatsal kariyerini yukarıda bahsedilen kırsal konuların gerçekçi temsiline adadı ve onları tarlalardaki sıkı çalışmanın tanıkları olarak tasvir etti. Bu, iki farklı stilden "alıntı yapılarak" başarıldı: Kuzey Rönesans sanatının netliği ve Art Deco tasarımının organik, kavisli çizgileri. Wood'un çalışmalarındaki diğer özellikler arasında karmaşık biçimsel kompozisyonların kullanımı ve izleyiciyi cezbetmek için tasarlanan tuhaf perspektifler yer alıyor. Ancak tüm bunların arkasında, Büyük Buhran döneminin hastalıklarını ortaya çıkarmaya hazır, özel bir eleştirel niyet yatıyordu.
Başyapıt : 20. yüzyıl Amerikan resminin en önemli sembollerinden biri olarak kabul edilen, yukarıda adı geçen "Amerikan Gotik" eserine dönelim. Tür sahneleri türüne giriyor ve bu durumda Jan Van Eyck'in Flaman Rönesansı örneğini çağrıştırıyor. Ancak Wood, belki de ironik bir şekilde, taşralı, bilinmeyen, izole edilmiş ve geri kalmış bir Amerika'yı simgeleyen, "Amerikan rüyası"nın daha popüler ve ihraç edilen imgelerinden çok uzak bir çift Püriten'i tasvir etmek için ikincisinden ödünç alıyor.
Jackson Pollock, Sonbahar Ritmi: Sayı 30, 1950. Tuval üzerine emaye, 266,7 × 525,8 cm. MET, New York.
7. Jackson Pollock (1912–1956)
Biyografi : Amerikalı ressam Paul Jackson Pollock, Soyut Dışavurumculuk hareketinin temel figürlerinden biriydi ve damlama boyama tekniğini kendine özgü kullanımıyla silinmez bir iz bıraktı.
Üslup : Pollock'un eserini meşhur eden, sanatçının 1940'ların sonlarında kullanmaya başladığı yukarıda bahsedilen damlama tekniğidir. Bu teknik sayesinde Pollock, boyanın doğrudan bir tüpten veya boya kutusundan yere yerleştirilen bir tuval üzerine damlamasına izin verecek. Bu yöntemin ardından, çizgiyi renkten devrim niteliğinde ayırarak çizimi, resmi ve resimsel alanı yeniden tanımlayan, sanat tarihinin en radikal soyut üsluplarından biri ortaya çıktı. Teknik ve içgüdü arasındaki bağlantıyı ortaya çıkarmak için, Pollock'un damlamasının, fiziksel boyama eyleminin doğal dürtüsünden kaynaklandığını ve tamamlanan sanat eserinin, jestin duygusal gücünü aktarmasına olanak tanıdığını belirtmekte fayda var.
Başyapıt: "Sonbahar Ritmi: 30 Numara" (1950)! Bu çalışma, üzerine çeşitli renklerde ek boya şeritlerinin uygulandığı, kalın, ince, açık, koyu, düz, kavisli çizgiler ve daha fazlasını oluşturan doğrusal bir siyah boya yapısının varlığıyla oluşturuldu. Adından da anlaşılacağı gibi, özellikle toprak tonlarıyla sonbaharın atmosferini çağrıştırıyor.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Akrilik, Yağlıboya, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Modern.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biyografi : Roy Fox Lichtenstein Amerikalı bir sanatçıydı ve Andy Warhol, Jasper Johns ve James Rosenquist gibi sanatçıların yanı sıra Pop art hareketinin stillerini ve konularını derinden etkileyen önemli bir figürdü.
Stil : Roy Lichtenstein, 1960'lardan itibaren geliştirdiği, çizgi roman dünyasından büyük ölçüde ilham aldığı ve mekanik röprodüksiyon ile elle çizilmiş unsurların birleşimi yoluyla gerçekleştirdiği olgun stiliyle tanınır. Bu bağlamda, onun en ayırt edici üslup özelliği öne çıkıyor: ikonik Ben-Day noktalarının kullanımı, Pop sanatının reklamcılıktan sinemaya ve özellikle çizgi romanlara kadar dönemin tüm yönlerini filtrelemeye nasıl hazır olduğunu ortaya koyuyor.
Başyapıt : "Vay canına!" (1963), bir Amerikan savaş uçağının bir düşman uçağını füzeyle düşürdüğü bir çizgi roman panelini yeniden üreten bir tablo. Eser, benzersiz çizgi roman diline uygun olarak, muzaffer pilotun sözlerini açıkça sergileyen bir panelle zenginleştirilirken, patlamanın sesi de "WHAAM!" yansıma sesiyle aktarılıyor. Ancak burada anlatılanlar yalnızca Lichtenstein'ın hayal gücünün ürünü değildir; 1963'teki başyapıt, çizgi roman sanatçısı Irv Novick tarafından çizilen ve "All-American Men of War" dergisinin 89. sayısında yer alan 1962 tarihli panelin sanatsal bir uyarlamasını temsil etmektedir. "
Andy Warhol, Campbell's Çorba Kutuları, 1962. Polimero sentetik kumaş, 51×41 cm. Modern Sanat Müzesi, New York.
9.Andy Warhol (1928–1987)
Biyografi : Andy Warhol, hareketin tarzlarını ve ideallerini yalnızca resim ve serigrafi yoluyla değil, aynı zamanda fotoğraf, heykel, film ve müzik aracılığıyla da ifade ettiği için (ikonik plak kapakları yarattı) nihai Pop ustasıdır.
Tarz : Warhol'un öncelikle sanatsal ifade, reklam ve şöhret kültürü arasındaki ilişkiyi araştıran çalışmaları, canlı renkler ve zorunlu olarak tekrarlanan konular aracılığıyla bu temaları ele alıyor. Bir çağın sembollerini, tüketim toplumunun seçtiği ebedi tanrılara benzer, zamansız ikonlara dönüştürmeyi amaçladı.
Başyapıt : "Campbell'in Çorba Kutuları" (1962), aynı adı taşıyan Campbell'in çorba kutularını tasvir eden 32 resimden oluşan bir enstalasyon. Sanatçı bunu süpermarket ürünlerinin endüstriyel seriliğini belgelemek için tasarladı, öyle ki bu konuların düzenlemesi raflarda sergilenmelerini kopyalamak için özel olarak tasarlandı. Bahsedilen serilik sadece başyapıtın konusunda değil, aynı zamanda icrasında da mevcut; zira "Campbell'in Çorba Kutuları", sanat eserinin yeniden üretilebilirliği kavramını vurgulayan yarı mekanize serigrafi baskı tekniği kullanılarak yaratıldı.
Basquiat, İsimsiz, 1982. Tuval üzerine akrilik, sprey boya ve yağlıboya, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biyografi : Jean-Michel Basquiat, grafiti sanatçısı olarak başlayan ve daha sonra grafiti dilini metrolardan sanat galerilerine taşıyan Neo-Ekspresyonizm hareketinin önde gelen isimlerinden biri haline gelen Amerikalı bir sanatçıydı. Basquiat neden sıklıkla Andy Warhol'la ilişkilendiriliyor? Genç sanatçıya ünlü New York galerilerinin kapılarını açan şeyin onun ikincisiyle karşılaşması olduğunu vurgulamak önemlidir!
Stil : Basquiat'ın sanatı iki farklı dünyanın buluşmasını temsil eder: fırçanın dünyası ve dolayısıyla daha geleneksel anlamda resim ve sprey kutusunun dünyası, esas olarak stilize çizimler ve yazılarda kendini gösteren grafitinin kendine özgü dilinin sözcüsü. Bu kombinasyon, bazen kısmen soyut, sanatçının yaşadığı zamanın kültürüne göndermeler açısından zengin, aynı zamanda ırkçılık ve toplumsal eşitsizliğin açık bir şekilde kınandığı bir ifade tarzı yaratıyor. Zengin ve fakir, siyah ve beyaz ama aynı zamanda sanatçının kendi iç dünyasını dış dünyayla yan yana getirmesine yol açan sürekli keşif, onun dışavurumculuğa olan yakınlığına, insan figürüne ve onun varoluşunun hastalıklarına son derece ilgi duymasına yol açtı.
Başyapıt : Bahsedilen yönler, Basquiat'ın sadece bir yıl önce yarattığı bir çalışmaya benzer bir kafatası tasviri olan "İsimsiz (Basquiat kafatası tablosu)" (1982) tablosunda bulunabilir, "İsimsiz (kafatası)'dan bahsediyorum )" (1981). Her ikisi de bize derimizin altında ne olduğuna dair bir fikir vererek, yaşamın iç ve dış yönlerini aktarma ve bunların tuvalde bir arada var olmalarını sağlama yeteneğine sahip gibi görünüyor.
Olimpia Gaia Martinelli