Пьер Огюст Ренуар, Обед лодочников, 1880–1881 гг. Холст, масло, 129,9 см × 172,7 см. Коллекция Филлипса, Вашингтон, округ Колумбия.
Коротко об импрессионизме
Как возник импрессионизм? Как и все, все началось с идеи! Художники, о которых идет речь, решили изобразить окружающую их реальность очень простым способом, оставив в стороне более сложные и избитые исторические и мифологические сюжеты, темы, которые часто были связаны с определенным стремлением к совершенству визуального и, следовательно, исполнительного внешнего вида. . Теперь, как следует из названия художественного движения, зародившегося во Франции около 1860 года, имело значение передача впечатления, то есть то, как пейзаж, а также объект и человек предстали глазу за ограниченный промежуток времени. Чтобы эта цель была эффективной, кардинально изменился способ нанесения цвета на подложку: мазки стали светлее, свободнее, а цвета более приглушенными, рожденными в результате исполнения исключительно на пленэре. Из наблюдений на открытом воздухе было очевидно, что то, что воспринимал глаз, действительно отличалось от того, что понимал мозг, так что, улавливая оптические эффекты момента, человек окончательно отходил от идеализированных форм и идеальной симметрии, давая голос миру, каким он действительно виден. нашим взглядом. Фактически, трехмерная перспектива также была заглушена - технический факт, который привел к тому, что импрессионизм перестал отличать наиболее важные элементы композиции от менее значимых. Все эти характеристики превратились в критику со стороны академической традиции того времени, которая, однако, уже не могла остановить развитие современного искусства, как и всей философии, связанной с авангардом.
Эдуард Мане, «Обед на траве», 1863. Холст, масло, 208×264 см. Музей Орсе, Париж.
Эдуард Мане: Обед на траве (1863)
Работы Эдуарда Мане, французского художника, преодолевшего разрыв между реализмом и импрессионизмом, подверглись резкой критике со стороны его современной публики, которая была совершенно дезориентирована, видя на холсте проблески реальной жизни, в которой порой даже люди, находящиеся на холсте, были совершенно дезориентированы. маргиналы общества сформировались, к ним относились так же, как к персонажам из более традиционных исторических и мифологических произведений. К вышесказанному добавлялась подозрительность, свойственная его своеобразному стилю, который, предвосхищая импрессионизм, лишен был как светотени, так и теней, поскольку в нем сочетались цветовые пятна, которые, только если смотреть с нужного расстояния, порождали формы, задуманные художником. Наконец, чтобы поговорить о мастере, которого многие считают отцом импрессионизма, я решил описать «Завтрак на траве», шедевр 1863 года, который глубоко шокировал публику Салона Отверженных, поскольку представлял не только сидящую обнаженную женщину по бокам двух одетых мужчин, но и сводную технику рисования, касающуюся описания форм и фона. Кроме того, глубина пространства была новаторски передана, не прибегая к традиционной перспективе, а посредством предложений, состоящих из наложенных друг на друга пятен разных цветов. Именно то, что представлено в этой работе, проложит путь к тому, что мы увидим в этом топ-10: важнейшим шедеврам импрессионизма!
Клод Моне, «Впечатление, восход солнца», 1874 год. Холст, масло, 48 см × 63 см. Музей Мармоттан Моне, Париж.
Клод Моне: Впечатление, восход солнца (1874)
Вот еще один шедевр, который представляет собой не только живопись, но и осязаемую историю движения импрессионистов, как «Импрессия, Восход солнца», выставленный в 1874 году в бывшей мастерской фотографа Надара, что предполагает в названии название всего художественного движения. Рассматриваемая картина, созданная на пленэре, чтобы запечатлеть то, что мастер видел из окна своего гостиничного номера в Гавре, воспроизводит утренний вид гавани, с морем, пересекаемым несколькими лодками, и горизонтом, показывающим индустриальную жизнь Гавра. городской контекст. Описанное уже обладает всеми чертами, присущими более зрелому импрессионизму, настолько, что вид передается с помощью совмещенных, быстрых и свободных мазков, готовых придать форму всем элементам композиции. В действительности, только наблюдая целое, мы можем полностью понять природу увековеченных предметов, которые, если рассматривать их один за другим, почти теряют свою идентичность. Это позволяет нам понять истинные намерения художника, которые заключались уже не в создании натуралистической сцены, а в том, чтобы вызвать ее через экологические предложения. Наконец, неплохо бы раскрыть секрет, а именно, что практически позволило Моне исполнить вышеупомянутый шедевр? Итак, необходимо раскрыть, как практика уличной живописи, типично импрессионистской, стала возможной благодаря изобретению в 1841 году Джона Рэнда, создавшего металлические трубки для сохранения масляных красок, которые с этого момента можно было легко транспортировать куда угодно!
Эдгар Дега, «Танцевальный класс», 1873–1876 гг. Холст, масло, 83,5 на 77,2 сантиметра. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Эдгар Дега: Танцевальный класс (1873-1876)
Прежде чем обсуждать рассматриваемый шедевр, важно прояснить личность художника, который, изначально ближе к реализму, с 1870-х годов подходил к предметам современной жизни в импрессионизме, несмотря на то, что всегда держался в стороне от пленэрной живописи и устранения контура. линии. Теперь, когда мы выяснили, что делает французского мастера нетипичным импрессионистом, можно перейти к описанию одного из самых известных его полотен: «Танцевальный класс». Несмотря на то, что он был создан в студии, создается впечатление, будто он был создан за один раз, чтобы увековечить танцевальное фойе Парижской оперы, куда художник смог получить доступ благодаря заступничеству своего друга, дирижера оркестра. Из этого привилегированного места художник запечатлел юную балерину, практикующую шаги под бдительным присмотром знаменитого хореографа Жюля Перро. Что касается других девушек в пачках, они пользуются перерывом, чтобы отдохнуть, возможно, спокойно поболтать и поправить одежду. Все кажется чрезвычайно спонтанным и естественным, потому что Дега придает новое значение повседневной жизни, иногда воспроизводя ее с почти навязчивым вниманием, всегда готовым синтезировать отношения и поведение в наиболее аутентичном способе пребывания в ситуациях.
Пьер Огюст Ренуар, Обед лодочников, 1880–1881 гг. Холст, масло, 129,9 см × 172,7 см. Коллекция Филлипса, Вашингтон, округ Колумбия.
Пьер Огюст Ренуар: Обед лодочников (1880-1881)
Как и Моне, Ренуар — настоящий импрессионист, автор одного из самых известных шедевров интересующего нас художественного направления, а именно: «Завтрак гребцов», полотна примерно 1880 года, на котором он изображает друзей и знакомых, мастерски поставленных, почти как будто на съемочной площадке. Все это составляет сцену, в которой под навесом собираются гребцы и другие фигуры вокруг стола, на котором подразумевается, что еда только что была употреблена. Теперь испытуемые думают о разговоре, наслаждаясь атмосферой теплого дня, проведенного на Сене, реке, которая, как видно в левом верхнем углу, буквально пробивается сквозь растения, и ее пересекают несколько лодок. Однако наиболее выделенными, поскольку они находятся на переднем плане, являются девочка, играющая с маленькой собачкой, за которой наблюдает гребец, и другой гребец, опирающийся на балюстраду слева. Кроме того, всегда рядом со зрителем за столом сидят еще двое молодых людей, стоящих спиной к более шумным фигурам на заднем плане. И снова фактура картины состоит из широких материальных мазков, готовых размыть очертания форм, на детали которых намекают, но не описывают.
Эдгар Дега, «Абсент», 1875–1876 гг. Холст, масло, 92×68 см. Музей Орсе, Париж.
Эдгар Дега: Абсент (1875–1876)
Вот Дега, да, снова он! Ведь нельзя было не включить в рейтинг и его «Любителей абсента», произведение, которое, помимо документирования печальной реальности того времени, было вдохновлено романом Эмиля Золя «Ассоммуар», некоторые превью которого художник видел. . Собственно, писатель признался художнику, что говорил о деградационном положении, в котором жил парижский пролетариат, хорошо воплощенный в шедевре двумя друзьями Дега. Однако, как только картина была завершена, эти двое пожаловались, что это может повредить их репутации, поэтому художник решил публично заявить, что эти две фигуры на самом деле не были алкоголиками. Однако в работе оба посетителя сидят за столиками кафе, на которых расставлены алкогольные напитки, хотя изображенные, кажется, почти оставляют их там, возможно, потому, что, уже пьяные, они кажутся занятыми более глубокими мыслями, проецируя их взгляды прямо в пустоту. Как насчет коктейля сегодня вечером?
Клод Моне, Пруд с кувшинками, Розовая гармония, 1900. Olio su tela, 89,5×100 см. Музей Орсе, Париджи.
Клод Моне: Пруд с кувшинками, Розовая гармония (1900)
Невозможно было не обратиться еще раз к самому популярному из импрессионистов, несомненно, Клоду Моне, автору знаменитого «Пруда с кувшинками» «Розовая гармония», датированного 1900 годом. В этой работе перед зрителем предстает внушительная фигура арочного моста, готов пересечь пруд с кувшинками. Вся сцена освещена лучами солнца, тщательно проникающими в каждый лист, а цветы раскрывают свой преобладающий цвет: розовый! На переднем плане мы видим берег, характеризующийся наличием густой и высокой растительности, которая местами сливается со свисающими листьями ив. Здесь снова говорится о просачивающемся свете, создающем области тени и области света, готовые создать богатое чередование оттенков, простирающееся над водой и берегом. Где находится сюжет пейзажа Моне? В Живерни, в резиденции художника, где он лично ухаживал за различными растениями в саду, который он хотел превратить в зеленый театр, всегда готовый стать предметом его искусства, где у него были и упомянутые выше японцы. Построен мост в стиле .
Гюстав Кайботт, Парижская улица; Дождливый день, 1877. Холст, масло, 212,2 см × 276,2 см. Художественный институт Чикаго, США.
Гюстав Кайботт: Парижская улица; Дождливый день (1877)
«Парижская улица» Гюстава Кайботта; «Дождливый день» рассказывает и документирует перестройку французской столицы, произошедшую в конце XIX века по проекту Жоржа-Эжена Османа, готовую проявиться в изображении большого перекрестка возле вокзала Сен-Лазар, который заменил старую холмистую местность с узкими извилистыми улочками и ветхими зданиями. Через это новое лицо Парижа пролегают главные сюжеты произведения — пара прохожих, идущих под руку, укрывающихся от дождя под зонтиком и пересекающихся с другим прохожим, нашедшим себе место рядом с фасадом здания на улице. право. Слева идут другие люди, также оснащенные зонтиками, постепенно избегая некоторых экипажей, которые находят причину своего пребывания среди больших зданий, вероятно, готовых отразиться в многочисленных отражениях, создаваемых мокрым каменным тротуаром. Конечно, эти последние принимают цвет облачного неба, на горизонте которого доминирует большое угловое здание, которое кажется изолированным в центре сцены. Наконец, безусловно, стоит отметить еще одного, но молчаливого главного героя картины: я говорю о зеленом фонарном столбе, молчаливо стоящем за фигурами двух главных героев.
Мэри Кассат, «Вечеринка на лодке», 1893. Холст, масло, 90 см × 117,3 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия.
Мэри Кассат: Вечеринка на лодках (1893)
Можем ли мы говорить об импрессионизме, не прославляя его самых выдающихся женщин? Я бы сказал категорически нет, поэтому спешу упомянуть Мэри Кассат, американскую художницу и гравёрку, родившуюся в 1844 году, автора книги «Вечеринка на лодках». Этот шедевр, созданный в Антибе (Лазурный берег, Франция), изображает женщину, ребенка и мужчину на парусной лодке без мачты, но с корпусом, похожим на каноэ, и тремя сиденьями, окружение, переданное с использованием желтого цвета. который выделяется на фоне более темной и широкой синевы моря. Фактически, Кассат использует как смелые, так и более темные цвета для создания контрастов, которые достигают своего пика в сравнении яркой лодки и синей фигуры гребца. Несмотря на цветовую трактовку, призванную вписаться в обычный стиль художника, отличается тема работы, которая, включающая знакомую тему матери и ребенка, включает в необычное пространство лодки и мужчину. Фигура, часто упускаемая художником из виду. В любом случае роли внутри шедевра кажутся прочно установленными, настолько, что мужчина сосредоточен исключительно на работе (теперь гребет), а женщина постоянно присматривает за ребенком. Вслед за этой трактовкой следует идея рассматривать весло как разделительную линию между мужским и женским мирами, второй из которых неразрывно связан художником с природой, творчеством и обновлением, сферами, в которых важность роли матери в обществе возрастает. является бесспорным.
Берта Моризо, Колыбель, 1872. Холст, масло, 56 см × 46 см. Музей Орсе, Париж.
Берта Моризо: Колыбель (1872)
Берта Моризо — французская художница-импрессионистка, известная как одна из основательниц этого движения, а также создательница множества шедевров в истории искусства, таких как «Колыбель». На этой картине, датированной 1872 годом и выставленной на первой выставке импрессионистов, состоявшейся два года спустя, изображена молодая женщина в профиль, сидящая рядом с колыбелью, в которой спит ребенок. Мать — не просто модель, а одна из двух сестер художника, Эдма, увековеченная вместе с племянницей Берты, маленькой Бланш. Этот двойной портрет был задуман, чтобы сознательно обратиться к теме материнства, одной из любимых тем художника, который любил изображать интимные сцены, всегда раскрывающие существующие узы любви, особенно между матерями и дочерьми. Чтобы сделать эту вечную связь явной, в композиции используются также мелкие детали, такие как лица двух главных героев, соединенные композиционной диагональю, а также жест матери, защищающий малыша как взглядом, так и вуалью. и, наконец, тот факт, что у обоих испытуемых согнуты руки.
Клод Моне: Женщина с зонтиком - Мадам Моне и ее сын, 1875. Холст, масло, 100 см × 81 см. Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия.
Клод Моне: Женщина с зонтиком - Мадам Моне и ее сын (1875)
Помогите, я не могу перестать упоминать Моне, но опять же, осмелитесь ли вы не говорить о нем слишком много, обсуждая самые знаменитые шедевры импрессионизма? Лично я решил завершить свой рейтинг одной из самых известных картин самого известного из импрессионистов: «Женщина с зонтиком – мадам Моне и ее сын» (1875)! Эта работа вместе со своим «аналогом» «Женщина с зонтиком – мадам Моне и ее сын» хранится в Музее Орсе и выделяется темой, которую она исследует. Фактически, французский художник был весьма известен своими пейзажами, определенно более популярными, чем возвышение человеческой фигуры, которая в данном случае принимает форму Сюзанны Ошеде, жены американского художника-импрессиониста Теодора Эрла Батлера. Интерес к этой конкретной теме возник в определенном контексте: мастер наблюдал, как Сюзанна поднималась на холм на острове Орти, месте и ситуации, где на платье девушки воспроизводились интересные игры света. Именно из этого видения родилась картина, изображающая фигуру в типичной буржуазной одежде того времени, ищущую тень от солнца с зонтиком, погруженную в буколический пейзаж, в котором природа кажется пышной. Наконец, художник делает его еще более особенным, придавая ему своеобразную монументальность, достигаемую за счет низкой перспективы, готовой возвысить образ Ошеде, чье лицо, лишь «очерченное», находится в тени, как и большая часть ее тела, запечатленного сзади.
Olimpia Gaia Martinelli