Cores quentes e frias serão apresentadas na narrativa da história da arte, seguindo duas intenções básicas: a primeira é justapor obras-primas clássicas com obras contemporâneas de Artmajeur, enquanto a outra consiste em comparar dois tipos de escrita, uma simples e descritiva, a outra mais lírico, criativo, imaginativo e emocional. Para ajudar você a entender: começarei tomando o exemplo do vermelho, analisando “O Quarto Vermelho” de Matisse através de uma descrição clara, fluida e óbvia, e depois contrastando-o, posteriormente, com um texto sobre uma obra contemporânea de assunto semelhante matéria, mas com um caráter textual mais complexo e articulado. Desta forma, à medida que continuamos com outras cores, não estou apenas pedindo que você escolha entre temas artísticos novos e antigos, mas também que se imagine expressando suas preferências em relação às diferentes formas como a interpretação pode ser abordada. Vamos começar!
50 TONS DE VERMELHO (2021)Pintura de Ditim
Cores quentes
Vermelho
Cores Quentes Vermelho "Harmonia em Vermelho" (1908) de Matisse
"Harmony in Red", de Henri Matisse, captura uma atmosfera emocional e pessoal distinta, desafiando as representações figurativas tradicionais. Na pintura, uma empregada doméstica arruma cuidadosamente as frutas em um pedestal colocado sobre uma grande mesa. Adjacente a esta cena, uma cadeira rústica de palha enfrenta uma grande tela que exibe uma paisagem simplificada. Em primeiro plano, um arbusto chama a atenção, enquanto ao fundo se desdobra um prado adornado com flores violetas e douradas. Árvores delicadas e imponentes adornadas com flores brancas pontuam a paisagem. O horizonte, posicionado notavelmente alto, delineia o céu azul esparso. Perto da seção superior, quase tocando o canto esquerdo, uma graciosa casinha rosa completa a composição.
"50 Tons de Vermelho" de Ditim
Encontramo-nos novamente dentro de casa, mas aqui o acto de arrumar a fruta substitui o sossego do descanso, mesmo de carácter observacional. Na verdade, não há muitos elementos na obra que desloquem o olhar do espectador, pois toda a atenção é captada pela sensualidade da protagonista de pele avermelhada. Essa cor quente e apaixonante, que também cobre o chão visto de cima, só é interrompida pelo preto da poltrona e alguns outros detalhes. É neste ambiente descrito acima que a modelo é apanhada no sono, fazendo uma pose sensual e estudada, provavelmente para chamar a atenção, convidando quem cruza a soleira da sua casa. Os traços estilísticos realistas reforçam o que acabamos de constatar, a par do respeito pelas leis da perspectiva, que faltavam na narrativa do mestre francês, onde tudo aparecia vermelho e quase no mesmo plano. No entanto, Matisse perseguia uma intenção clara: distanciar o espectador do espaço real e conduzi-lo para a sua própria dimensão interior e emocional. Os espaços que acabamos de mencionar, por outro lado, estão intimamente ligados ao mundo real pelo erotismo concreto de Ditim, que admite: a sensualidade “se espalha como ferro fundido sobre a pintura, executada em tons vermelhos ardentes. evocam eloquentemente graça, sensualidade e feminilidade. A mulher está definitivamente consciente de seu magnetismo natural e sabe como enfatizá-lo, provocando habilmente sem ultrapassar os limites. Um atributo mortal no arsenal de uma mulher é um vestido preto que expõe um pescoço gracioso sob o qual aparecem clavículas frágeis. As áreas expostas da pele queimam sob olhares ardentes, mas ainda deixam espaço para o vôo da imaginação. O vermelho é a cor da atração fervorosa, a cor da vida vibrante e pulsante. É a personificação da paixão nua, sinônimo de aceleração. batimentos cardíacos e antecipação agonizante. Pode acender um fogo com um olhar, aquecer o coração. A pintura impressiona pela sua aura que se adapta harmoniosamente aos interiores, atraindo indiscretamente a atenção graças ao seu romantismo picante e nitidez." Por fim, depois de associar o vermelho à vida dos ambientes internos, passamos para aquele que envolve o laranja e a figura feminina observada mais de perto.
MÚSICO, 2020 (2020)Pintura de Natasha Kiryushkina
Laranja
"Junho Flamejante" (1895) por Frederic Leighton
Na obra, vemos uma mulher dormindo tranquilamente em um banco de mármore, com o mar ao fundo refletindo o pôr do sol. Ela usa um vestido laranja semitransparente, que revela ao observador os contornos de seu corpo. Um leve rubor em suas bochechas sugere uma consciência subconsciente de ser observada, mesmo durante o sono. Talvez o ramo de oleandro tóxico posicionado no canto superior direito simbolize a delicada ligação entre o sono e a mortalidade.
"Músico" de Natasha Kiryushkina
O laranja transcende os limites do vestuário para transbordar para o fundo da obra e, em parte, para as nuances da pele da mulher retratada, neste caso acordada, mas talvez inconsciente de ser observada, pois o peso de seus pensamentos leva seu olhar para outro lugar, longe. do espectador e talvez ainda mais longe de ser compreendido ou intuído. A melancolia pode, no entanto, ser compartilhada com o modelo, apenas lembrando por um momento o que geralmente nos leva a sentir esse sentimento, convocando-o para nos cantar uma canção de ninar assustadora de angústia sufocada em nossas mentes. A tudo isto pode ser associada uma melodia lenta, que talvez o título da pintura realista do artista de Artmajeur sugira, que também pode alternar com o silêncio trazido pela chegada trágica de pensamentos feios não resolvidos ou pelo som compulsivo e pulsante do fluxo de tormentos contínuos. Por fim, relativamente ao contexto em que “Músico” foi executado, parece tratar-se de um interior, onde, ao contrário de “Flaming June”, não se pode olhar para horizontes distantes, pelo que o nosso olhar ficará preso na sonata melancólica de um laranja monocromático. Agora, depois da associação laranja-figura feminina, passemos ao surrealismo amarelo-abstrato!
2011-AMARELO-2-ACRYLIQUE SUR TOILE-130 CM X 130 CM (2011)Pintura de Corine Sylvia Congiu
Amarelo
"O Ouro do Azul" (1967) de Joan Miró
A obra de Miró é composta por uma combinação de formas e símbolos orgânicos. Várias áreas de formato oval, tanto em preto quanto em cores, adornam a tela. Esses elementos são colocados em um fundo amarelo vibrante, com alguns símbolos sobrepostos tanto ao fundo quanto à região oval azul.
"Amarelo 2" por Corine Sylvia Congiu
Deixando de lado a discussão das formas ovais para focar na cor de fundo, bem como na presença de formas orgânicas ou símbolos, podemos descrever a obra de Corine Sylvia Congiu de maneira semelhante, alinhando-a com a veia surrealista que vai da abstração ao figurativismo. Assim como Miró, oferece uma ferramenta pronta para evocar o inconsciente, bem como o desejo e a liberdade de expressão. No universo fantástico onde os estilos do artista catalão e do artista Artmajeur se encontram, pode-se ler a figura de formas híbridas, por vezes desenhadas para relembrar vagamente algum aspecto realmente encontrado na terra. Tudo é cuidadosamente elaborado sobre o suporte pictórico, evitando a aleatoriedade para ser organizado em cuidadoso equilíbrio composicional, onde fundo, formas, símbolos, alusões à realidade e cores se expressam harmoniosamente. Por fim, outros aspectos que unem as duas obras são a capacidade do fundo amarelo condicionar toda a composição, sobre a qual os signos se sobrepõem, respeitando uma concepção espacial bidimensional organizada pelos mesmos elementos que a compõem. Agora é a vez das cores cool, onde o azul se destaca em trabalhos onde aparece como acessório fundamental!
“VIRGINIDADE” (2016)Fotografia de Diako Art
Cores Frias
Azul
"Virgem Anunciada" (1475) de Antonello da Messina
Na pintura, Maria é retratada no momento em que se depara com um interlocutor imaginário, parecendo que a mão direita o segura; a silhueta do seu manto revela o oval perfeito do rosto da Virgem. A composição encontra um ponto focal na dobra do manto azul, que vai da testa até o canto do púlpito, talvez colocado arbitrariamente, enquanto a curva sutil da figura de Maria e seu gesto com a mão conferem uma sensação de naturalidade à cena. Algumas interpretações discernem vários momentos narrativos nos detalhes expressivos das mãos, do olhar e dos lábios de Maria.
"Virgindade" por Diako art
Podemos imaginar uma nova obra de Antonello, em que o manto azul se estende pelo exagero, cobrindo o fundo e a protagonista, revelando apenas parte de seu busto e de seu olhar, que permanecem misteriosos na postura e na intenção. No entanto, os olhos, na parte visível, parecem escrutinar algo ou alguém com suspeita, provavelmente alguma figura prestes a chegar, cuja presença é decididamente indesejável. Este detalhe nos remete ao que foi descrito na obra-prima acima, onde, com a mesma intenção de repelir, uma mão até havia sido levantada, mas quem poderá então dizer que o mesmo não acontece em “Virgindade”? Na verdade, pareceria possível, embora atribuível a expedientes narrativos decididamente diferentes, uma vez que a artista Artmajeur se inspira não na narração de textos sagrados, mas nas múltiplas dificuldades que as mulheres enfrentam nas suas vidas, confrontando interdições, repressões, constrangimentos e violência, que condená-los a manifestar a sua presença apenas na parte onde lhes é permitido e, neste caso, apenas com um olhar. Agora vamos passar para o verde e o roxo das roupas de alguns personagens em retratos, cenas religiosas e cenas de gênero!
CONEXÕES DA SÉRIE "NORTE E SUL. NOVA REALIDADE" (2015)Pintura de Yaroslav Kurbanov
Verde
"Retrato de Arnolfini" (1434) de Jan van Eyck
A cena retratada se desenrola dentro da câmara nupcial: um casal, adornado com trajes opulentos, está diante de nós. O homem de aspecto severo gesticula, um gesto passível de interpretação como uma bênção ou uma saudação, enquanto a mulher, visivelmente grávida, estende a mão ao marido, a outra mão acaricia ternamente a barriga inchada. Os cônjuges Arnolfini assumem uma postura solene e digna, provavelmente reflectindo a gravidade da ocasião: este retrato foi provavelmente encomendado para comemorar o seu casamento, exigindo uma certa seriedade nas suas expressões. Jan van Eyck captura meticulosamente os detalhes do ambiente, renderizando com precisão cada objeto dentro da sala.
"Norte e Sul - Nova Realidade" por Yaroslav Kurbanov
O verde é o protagonista da obra-prima descrita acima, que, juntamente com o seu vermelho complementar, consegue animar, aumentando o impacto composicional, tanto os volumes como a profundidade dos espaços da obra. Ao fazê-lo, naturalmente leva a nossa atenção mais para o lado direito do suporte pictórico, onde é posicionado precisamente nas vestimentas da gestante. Podemos pegar o que foi descrito até agora e compará-lo com a obra do artista Artmajeur: também um retrato duplo. “Norte e Sul”, utilizando a perspectiva do grande plano, enquadra apenas os rostos de duas figuras, novamente animadas pela presença do verde e da sua complementaridade. O primeiro deles aparece mais uma vez no que é a roupa, ganhando forma no chapéu colorido pronto para animar o lado direito da composição, que novamente aparece cromaticamente mais cativante, vivo, rico e mais capturado pelo olhar do observador.
OLÁ, COMO POSSO AJUDAR? (2024)Pintura de Ta Byrne
Roxo
"A Ressurreição de Cristo" por Rafael (1501-2)
Emergindo de um túmulo de estilo clássico, Jesus ascende. Ele está sobre uma nuvem leve, segurando uma bandeira dos cruzados na mão esquerda enquanto estende uma bênção com a mão direita, formando o sinal Trinitário. Sua figura, nua exceto por um grande manto vermelho que envolve seu corpo, deixa o peito nu. Acima de sua cabeça repousa uma auréola delicada, e seu rosto não tem barba, com cabelos longos e esvoaçantes. Na periferia, os soldados ficam deitados de ambos os lados. Um repousa sobre um escudo, a cabeça adornada com um turbante justo, enquanto o seu homólogo empunha uma espada suspensa na cintura e levanta o braço em direção ao Cristo ressuscitado. Ao fundo, outra figura olha para cima, vestida com armadura, capacete e roupas justas, armada com escudo e lança. As cenas em primeiro plano mostram uma cobra deslizando em direção a um soldado à esquerda, enquanto uma garça paira perto da beira da água à direita. A Madonna e duas mulheres devotas percorrem um caminho que desce de uma colina, ladeado por um rio sinuoso e emoldurado por árvores esbeltas. A luz solar emerge por trás da colina central, lançando um brilho luminoso. Flanqueando Cristo estão dois anjos pairando, envoltos em vestes esvoaçantes, uma das quais é roxa.
"Olá, como posso ajudar", de Ta Byrne
Do roxo sagrado, passamos para o roxo secular, que visa animar a cor da parte superior de uma lâmpada antropomórfica, que, à semelhança do anjo, se posiciona ao lado do tema principal da narrativa pictórica: uma mulher loira retratada num interior. “O outro anjo”, desta vez vestido de amarelo, seria a segunda luz luminosa, colocada do lado direito do suporte de Ta Byrne. Os dois seres alados dos Evangelhos e do Novo Testamento acompanham a revelação da imortalidade de Cristo, enquanto a luz das lâmpadas em "Olá, como posso ajudar" realça a dança por vezes avassaladora da vida quotidiana, levando-nos a refletir tanto sobre o potencial daquela energia frenética e dos momentos mais tranquilos, de natureza reflexiva, introspectiva e reveladora que também lhe são inerentes. Por fim, a respeito de sua pintura, a própria Ta Byrne acrescenta: “Tentei capturar a beleza caótica da multitarefa moderna, o truque da tecnologia, a indulgência e o constante chamado do dever”. Assim, concluo pensando em como a onipresença da narrativa divina da época de Rafael é agora substituída pela referência frequente ao nosso sistema compulsivo, devorador, rápido e onipresente, iluminado, e assim tornado compreensível, pela lâmpada roxa de Ta, outrora um anjo revelador. da palavra divina.
Olimpia Gaia Martinelli
