A arte de dançar

A dança é uma forma de arte intensa, apaixonada, sublime e carismática, através da qual o corpo humano expressa, seguindo um plano pré-estabelecido ou através da improvisação, as sensações mais herméticas e ocultas da alma. Desde a antiguidade, a dança, muitas vezes acompanhada de música ou composições sonoras, tem sido parte fundamental dos rituais, que representaram momentos inesquecíveis de agregação coletiva, como cerimônias e festas folclóricas. De facto, esta disciplina esteve muito provavelmente presente em todas as culturas humanas, tanto que, entre as primeiras obras de arte que a retratam, encontramos as pinturas do antigo Egipto, da Grécia Antiga, dos Etruscos e dos Romanos. Além disso, esta temática foi investigada pela arte também durante a Idade Média, o Renascimento, o Classicismo do século XVII, o Neoclassicismo, o Impressionismo e a pintura dos anos 90'.

Pintura de parede egípcia do Túmulo de Nebamon com jogador e dançarinos, 1370 aC. Londres: Museu Britânico.

Mulher tocando címbalos , século I aC Fresco, Pompéia: Villa dos Mistérios.

Dança Macabra , século XV. Códice iluminado. Paris: BnF © Bibliothèque nationale de France Antonio Canova, dançarino com címbalos , 1809-14. Mármore 187 cm (altura). Berlim: Bode-Museum.

Antonio Canova: Dançarino com cravos

No que diz respeito ao Neoclassicismo, um excelente exemplo de escultura com tema de dança é Bailarina com címbalos de Antonio Canova. Nesse sentido, é importante destacar como, na produção artística do mestre italiano, tal tema tem sido tratado em muitas ocasiões. De fato, Canova representou a dança através de deusas, musas, figuras mitológicas, relevos, desenhos e pinturas a têmpera, para imortalizá-la no maior número de poses e movimentos possíveis. No entanto, as esculturas, criadas pelo mestre italiano, representam a pesquisa mais desafiadora sobre esse tema, pois foram capazes de imortalizar a plasticidade da figura humana em ação. A Bailarina com címbalos , parte de um tríptico de esculturas sobre o mesmo tema, retrata uma jovem que, apanhada durante um passo de dança, segura delicadamente cravos com as mãos. O corpo desta última, apoiado na ponta de um pé, pretende alongar-se verticalmente, como se quisesse acompanhar o som produzido pelos instrumentos musicais. Por fim, a cabeça da moça, virada para baixo, parece querer captar as vibrações sonoras, enquanto seu corpo, coberto por um vestido fino e requintado, é visível em suas formas sinuosas.

Gino Severini, Dançarino de Azul , 1912. Óleo sobre tela, 61 x 46 cm. Veneza: Coleção Peggy Guggenheim.

Gino Severini: Dançarino de Azul

O tema da dança também era caro a Gino Severini, que, atraído pelo mundo dos cafés parisienses, a retratou em duas pinturas famosas, como Dançarina de Azul e Dançarina de Branco , ambas feitas em 1912. Falando em Dançarina de Azul , este A obra de arte, que representa a pura expressão do dinamismo da dança, nasceu da união do estudo da figura humana em movimento com os reflexos da luz, que se encontram na pintura graças à presença de algumas lantejoulas. Estes últimos elementos luminosos foram inseridos na obra através da técnica de colagem, nascida nesse mesmo período graças à investigação artística de Pablo Picasso e Georges Braque. Voltando ao dinamismo, isso também é conferido à pintura pela execução fragmentária da bailarina, que se distingue nitidamente apenas em certas partes do rosto e das mãos. Nesse contexto, os planos angulosos, que destroem a forma ao dispersá-la no espaço, são dominados por uma ampla gama de gradações da cor azul, visando dar relevo e dinamismo às formas. Por fim, a bailarina, que, como seu autor, está a meio caminho entre o cubismo e o futurismo, assume uma forma cônica, que lhe permite adquirir uma espécie de movimento giratório.

Martin-Freville, Opéra , 2016. Acrílico sobre tela, 116 x 73 cm.

Martin-Freville: Ópera

A dança é também protagonista de muitas obras criadas pelos artistas de Artmajeur, como, por exemplo, a tela de Martin-Freville, onde, sobre um fundo marcado por simples pinceladas, sobressai a figura de um bailarino, que, em roupas de palco, tem a intenção de executar um passo clássico complexo. Os bailarinos clássicos foram o tema preferido de um artista muito famoso, como Edgar Degas, que criou muitas obras que retratam este tema, entre as quais, uma das mais famosas é certamente A Escola de Dança . Na última pintura, que documenta os ensaios nos bastidores de um teatro, os bailarinos, de tutus e sapatilhas, são flagrados no momento em que, sob o olhar atento da velha professora, interpretam diferentes posições. O ambiente no qual a cena é ambientada é dominado por uma cor de fundo neutra, tendendo ao ocre, que identifica o palco, enquanto as paredes são de cor verde claro. É justamente nestas nuances cromáticas que os tutus brancos das bailarinas se destacam com força na parte central da obra, atraindo de imediato a atenção do espectador. Por fim, o enquadramento da pintura, imediato, instantâneo e quase jornalístico, certamente foi inspirado na fotografia, que ganhava espaço na época de Degas. Assim, a pintura de Martin-Freville, que tem como único centro de interesse o corpo do bailarino, representa uma versão simplificada da obra-prima francesa, em que se dá maior valor à dança, na sua qualidade de arte apaixonada, destinada à expressão dos mais sensações herméticas e ocultas da alma.

Shulman, dançarino de rua , 2021. Óleo sobre tela, 120 x 50 cm.

Shulman: dançarino de rua

A pintura de Shulman, artista de Artmajeur, retrata um homem com roupas elegantes, que, dentro de um fundo branco, no qual apenas sua sombra e os reflexos de seus movimentos estão presentes, pretende dançar de maneira selvagem. Os movimentos apaixonados do protagonista desta obra nos lembram os de Louise Weber, conhecida como "La Golosa", e de Edme Etienne Renaudin, conhecido pelo nome artístico de "Valentin le Désossé", protagonistas da obra-prima de Toulouse-Lautrec , intitulado Dança no Moulin Rouge . A obra do mestre francês, porém, diferentemente da de Shulman, não se limita apenas a eternizar a dança dos dois protagonistas, pois retrata também o cenário do famoso clube parisiense, o Moulin Rouge, e muitos outros personagens, que são intenção de se mover e conversar. Deve-se notar que, entre essas figuras, está pintada até a da famosa bailarina Jane Avril, que, com a intenção de dançar vigorosamente, foi protagonista de outras obras de Toulouse-Lautrec. Além disso, esta pintura também é denotada pela presença do pai do artista, que foi retratado ao fundo com uma espessa barba branca. Assim, a obra altamente original do artista de Artmajeur, desprovida da representação do fundo e de outros personagens, consegue romper com a tradição figurativa expressa pelos maiores mestres da história da arte, valorizando, de forma inovadora, , apenas a dança selvagem de seu único protagonista.

Alexandra Van Lierde, Selfie dançante , 2021. Óleo sobre tela, 100 x 80 cm.

Alexandra Van Lierde: selfie dançando

As obras de arte, tendo como tema figuras dançantes, muitas vezes imortalizaram os costumes e tradições da época em que foram concebidas, como, por exemplo, a pintura Dancing at the Moulin de la Galette , de Auguste Renoir, que retrata um momento da vida cotidiana em Paris no final do século XIX. Esta tela, na qual encontramos personagens dançando ou conversando em uma mesa, é caracterizada por pequenas pinceladas de cores saturadas, destinadas a reproduzir o efeito do sol, que filtra pelos galhos das árvores. Além disso, outros efeitos luminescentes foram alcançados por Renoir através da justaposição de cores contrastantes, como, por exemplo, o escuro das roupas masculinas, que foi pintado ao lado da luz das mulheres. Além disso, a obra é marcada por uma forte profundidade, que lhe é conferida pela sobreposição das cabeças dos personagens e um enquadramento do tipo fotográfico, em que o acontecimento é imortalizado da mesma forma que apareceu aos olhos do francês. mestre. A pintura da artista de Artmajeur, Alexandra Van Lierde, tal como a de Renoir, conseguiu, através da utilização de personagens dançantes, imortalizar uma época, nomeadamente a contemporânea. De facto, nesta tela, onde foram pintadas apenas duas raparigas, num espaço indefinido, expressa-se, através da representação de uma selfie, a essência de uma sociedade marcada pelo uso das novas tecnologias e das redes sociais. Portanto, a atmosfera intimista da obra de Van Lierde também pode ser lida como uma crítica a um mundo, no qual as pessoas tendem a se isolar atrás de uma tela.