Victor Vasarely, urodzony w Győző Vásárhelyi 9 kwietnia 1906 roku, znany ze swojego znaczącego wkładu w ruch Op-art, był węgiersko-francuskim artystą, cenionym za pionierskie wykorzystanie iluzji optycznych w sztuce. Często uznawany za „dziadka” i lidera Op-artu, nowatorskie podejście Vasarely'ego do percepcji wizualnej i abstrakcji geometrycznej położyło podwaliny pod ten wyjątkowy styl artystyczny. Jedno z jego najbardziej znanych dzieł, Zebra , stworzone w 1937 roku, jest uważane za wczesny przykład Op-artu, ukazujący jego mistrzostwo w tworzeniu wizualnie dynamicznych i angażujących kompozycji. Dziedzictwo Vasarely'ego nadal wpływa i inspiruje świat sztuki współczesnej, czyniąc go kluczową postacią w historii sztuki nowoczesnej.
Biografia artysty: Victor Vasarely
Victor Vasarely, pierwotnie nazywany Győző Vásárhelyi, urodził się 9 kwietnia 1906 roku w Peczu na Węgrzech. Jest uważany za pionierską postać sztuki nowoczesnej i powszechnie uważany za ojca ruchu Op Art. Podróż Vasarely'ego do świata sztuki rozpoczęła się niekonwencjonalną ścieżką; początkowo w 1925 roku podjął studia medyczne na Uniwersytecie Budapeszteńskim. Jednak jego pasja do sztuki wkrótce przewyższyła jego ambicje medyczne, co skłoniło go do porzucenia studiów i zapisania się do Műhely, znanej szkoły artystycznej w Budapeszcie. Műhely, która działała pod wpływem zasad Bauhausu, była tętniącym życiem centrum awangardowej sztuki i designu. Tutaj Vasarely studiował pod okiem Sándora Bortnyika, wpływowej postaci, która odegrała kluczową rolę w kształtowaniu jego wczesnej wizji artystycznej. Podczas pobytu w Műhely, Vasarely zetknął się z koncepcjami abstrakcji geometrycznej i potencjałem złudzeń optycznych w sztuce. Ten okres kształtowania położył podwaliny pod jego przyszłe eksploracje w percepcji wizualnej. W 1930 roku Vasarely wykonał znaczącą przeprowadzkę do Paryża, miasta, które było wówczas epicentrum świata sztuki. W Paryżu kontynuował udoskonalanie swojego stylu artystycznego, przyjmując nazwisko „Vasarely”, fonetyczną adaptację jego węgierskiego nazwiska, Vásárhelyi. Paryska scena artystyczna zapewniła Vasarely'emu wiele okazji do eksperymentowania z abstrakcyjnymi kształtami geometrycznymi i rozwijania jego unikalnego języka wizualnego. Lata 50. XX wieku były przełomową erą w karierze Vasarely'ego, ponieważ zaczął tworzyć dzieła, które miały zdefiniować jego dziedzictwo. Rozwinął charakterystyczny styl charakteryzujący się skrupulatnymi aranżacjami form geometrycznych i wykorzystaniem kontrastujących kolorów w celu tworzenia efektów optycznych. Jego dzieła z tego okresu, takie jak „Zebra” i „Vega-Nor”, są uważane za arcydzieła gatunku op-art. Termin „Op Art”, skrót od Optical Art, odnosi się do stylu, który wykorzystuje iluzje optyczne, aby angażować i rzucać wyzwanie percepcji widza. Wkład Vasarely'ego w ten ruch był przełomowy i szybko zyskał międzynarodowe uznanie za swoje nowatorskie podejście.
Oprócz wkładu w sztukę piękną, Vasarely był głęboko oddany idei „sztuki demokratycznej”. Uważał, że sztuka powinna być dostępna dla wszystkich, nie tylko dla elity. W tym celu stworzył wiele swoich prac, w tym serigrafie i litografie, dzięki czemu jego sztuka stała się bardziej przystępna cenowo i szeroko dostępna. To podejście nie tylko poszerzyło jego grono odbiorców, ale także wywarło znaczący wpływ na komercjalizację sztuki. Geometryczne i optyczne projekty Vasarely'ego znalazły zastosowanie w różnych kontekstach komercyjnych i przemysłowych, od projektowania graficznego i opakowań produktów po projekty architektoniczne. Prace Vasarely'ego były doceniane na licznych wystawach na całym świecie, a on sam otrzymał wiele wyróżnień w trakcie swojej kariery. Jednym z jego znaczących projektów było założenie Fundacji Vasarely'ego w Aix-en-Provence, zainaugurowanej w 1976 r., której celem było zachowanie jego spuścizny i promowanie badań nad sztuką kinetyczną i optyczną. Ponadto wpływ Vasarely'ego rozszerzył się na edukację i sztukę publiczną, co widać w jego wielkoskalowych instalacjach i współpracy z architektami. Dziedzictwo Victora Vasarely'ego jest głębokie, wpływa nie tylko na dziedzinę Op Art, ale także inspiruje przyszłe pokolenia artystów zainteresowanych eksploracją granic percepcji wizualnej i abstrakcji. Zmarł 15 marca 1997 r. w Paryżu, pozostawiając po sobie bogaty dorobek, który nadal fascynuje i inspiruje. Jego nowatorskie wykorzystanie form geometrycznych i iluzji optycznych pozostaje znaczącym rozdziałem w historii sztuki nowoczesnej, umacniając jego status pionierskiej postaci, której dzieła wykraczają poza czas i nadal rezonują w krajobrazie sztuki współczesnej.
Krótka historia sztuki OP
Op Art, czyli „sztuka optyczna”, to wyjątkowy styl sztuki wizualnej, który wykorzystuje złudzenia optyczne do tworzenia dynamicznych i interaktywnych doświadczeń. Charakteryzujący się abstrakcyjnymi wzorami, często w czerni i bieli, Op Art daje widzowi wrażenie ruchu, ukrytych obrazów i wizualnych wibracji. Ruch ten ma korzenie w różnych formach sztuki, w tym neoimpresjonizmie, kubizmie, futuryzmie, konstruktywizmie i dadaizmie, z wczesnymi wpływami dywizjonistów, którzy badali złudzenia optyczne i efekty światła. Termin „Op Art” zyskał popularność po tym, jak magazyn Time wyróżnił Optical Paintings Juliana Stańczaka w 1964 r., ale dzieła sztuki, takie jak Zebras (1938) Victora Vasarely'ego, już pokazały definiujące cechy ruchu. Vasarely, często nazywany „dziadkiem” Op Art, odegrał kluczową rolę w jego rozwoju, wykorzystując geometryczne kształty i kontrastujące kolory do manipulowania percepcją wzrokową. Jego prace, takie jak Vega-Nor i Tlinko , są przykładem eksploracji głębi i ruchu przez ten ruch, podczas gdy jego seria plastikowych alfabetów stała się znakiem rozpoznawczym Op Art. Wystawa „Mouvements” w Paryżu w 1955 r., prezentująca prace Vasarely'ego i „Yellow Manifesto”, przedstawiła szerszej publiczności koncepcje sztuki kinetycznej i optycznej. Wystawa „The Responsive Eye” w Museum of Modern Art w Nowym Jorku w 1965 r. jeszcze bardziej wypromowała Op Art w oczach opinii publicznej, prezentując artystów takich jak Vasarely, Bridget Riley i Richard Anuszkiewicz. Wystawa odniosła publiczny sukces, pomimo mieszanego odbioru krytyki, i pomogła ugruntować miejsce Op Art w kulturze wizualnej. Wpływ Op Art rozszerzył się na projektowanie graficzne, modę i reklamę, odzwierciedlając fascynację epoki nowymi technologiami. Działalność Vasarely'ego na rzecz demokratyzacji sztuki, propagowanie stosowania multipli i technik przemysłowych, zaowocowała założeniem Fundacji Vasarely'ego w Aix-en-Provence, poświęconej ochronie i promocji jego twórczości oraz ruchu op-art.
Kallion (1989) autorstwa Victora Vasarely’ego
Victor Vasarely, Kallion , 1989. Grafika warsztatowa, sitodruk na papierze, 264,2 cm x 185,4 cm.
Kallion (1989) to limitowana edycja grafiki autorstwa Victora Vasarely'ego. Ta praca, oznaczona numerem 89 z 250, pokazuje mistrzostwo Vasarely'ego w używaniu form geometrycznych i żywych kolorów. Dzieło charakteryzuje się złożoną współgralnością prostych linii, krzywych i powtarzających się motywów, które zachodzą na siebie, tworząc dynamiczną i wizualnie urzekającą kompozycję. Kallion , zdominowany przez ciepłe brązy i pomarańcze, angażuje widza bogatą paletą kolorów i misternym wzorem. Vasarely zastosował w tym dziele technikę sitodruku, proces polegający na przenoszeniu tuszu przez drobno oczkowane sito w celu odciskania wzorów na papierze. Ta metoda pozwoliła Vasarely'emu na skrupulatne odtworzenie wzorów i eksplorację współgrania kolorów i faktur. Kallion jest uderzającym przykładem charakterystycznego stylu Vasarely'ego, w którym zręcznie manipuluje efektami, aby wywołać iluzje ruchu i głębi. Żywe aranżacje dzieła sztuki są przykładem zdolności artysty do przekształcania statycznych obrazów w pozornie kinetyczne doświadczenia, rzucając wyzwanie percepcji widza. Kallion nie tylko odzwierciedla artystyczne umiejętności Vasarely'ego, ale także jego znaczący wpływ na ruchy Op Art i sztuki kinetycznej.
Miasto Meksyk autorstwa Victora Vasarely'ego
Victor Vasarely , Mexico City. Grafika, 66 cm x 66 cm.
Mexico City to oryginalna, limitowana edycja serigrafii autorstwa Victora Vasarely'ego. Ta grafika, podpisana ołówkiem przez artystę, ma wymiary 26"x26" bez ramki. Dzieło sztuki wyróżnia się żywą żółtą paletą kolorów, a czarne linie misternie dodają kompozycji głębi i wymiaru. Żółte odcienie tworzą efekt gradientu, zanikając w kierunku krawędzi płótna i zbiegając się w centralnym punkcie ogniskowym, który wygląda jak forma kulista. Dzieło sztuki charakteryzuje się wzorem siatki, znakiem rozpoznawczym stylu Vasarely'ego, który dodaje dziełu ustrukturyzowanego, ale dynamicznego elementu. Mexico City prezentuje wpływy różnych nurtów artystycznych, w tym impresjonizmu, kubizmu, futuryzmu i dadaizmu, łącząc te style w kompozycję graniczącą z abstrakcją. Wzajemne oddziaływanie form geometrycznych i gradientów kolorów w tym serigrafii nie tylko demonstruje mistrzostwo Vasarely'ego w tworzeniu iluzji optycznych, ale także jego eksplorację granic percepcji wizualnej.
Kultowe dzieła sztuki
Sophia (1954) jest przykładem przejścia Vasarely'ego od abstrakcji figuralnej do geometrycznej, z siatką czarnych linii na białym tle tworzących iluzje ruchu i trójwymiarowości. Ta praca odzwierciedla eksplorację abstrakcji Vasarely'ego pod wpływem konstruktywizmu i jego fascynację percepcją wizualną. Vega III (1957-59) jest kluczowym dziełem prezentującym charakterystyczny wzór szachownicy zniekształcony w celu uzyskania iluzji wklęsłych i wypukłych, co oznacza znaczący rozwój jego stylu i krytyczny moment w historii op-artu. Alphabet VR (1960) reprezentuje rewolucyjny „Alphabet Plastique” Vasarely'ego, system form zaprojektowanych dla nieskończonych możliwości kompozycyjnych, odzwierciedlający jego pragnienie powszechnie dostępnego języka wizualnego. Vega-Nor (1969) przedstawia sferyczną formę złożoną ze zniekształconych kwadratów, demonstrując użycie przez Vasarely'ego żywych kolorów i jego ciągłe dążenie do przedstawienia głębi i ruchu. Ambigu-B (1970) z serii „Homage to the Hexagon” łączy wariacje kolorów i kształtów, aby tworzyć dynamiczne iluzje optyczne, łącząc makrokosmos i mikrokosmos. Na koniec Kettes (1984), dzieło rzeźbiarskie ozdobione heksagonalnymi wzorami, ilustruje zastosowanie teorii koloru przez Vasarely'ego do form trójwymiarowych, odzwierciedlając jego zainteresowanie zarówno wymiarem duchowym, jak i naukowym.
Victor Vasarely otrzymał kilka prestiżowych nagród, w tym Nagrodę Guggenheima w 1964 r., francuskiego Chevalier de L'Ordre de la Légion d'honneur w 1970 r., Nagrodę Krytyków Sztuki w Brukseli i Złoty Medal na Triennale w Mediolanie. Jego spuścizna jest czczona w różnych muzeach poświęconych jego twórczości, w tym w Fondation Vasarely w Aix-en-Provence we Francji, założonej w 1976 r., a także w Vasarely Museums w Peczu na Węgrzech (1976) i Zichy Palace, Óbuda, Budapeszt, Węgry (1987). Muzeum Vasarely w Pałacu Saint-Firmin w Gordes we Francji działało od 1970 r. do zamknięcia w 1996 r. Jego spuścizna nadal rezonuje w świecie sztuki, a jego wpływ rozciąga się na wiele pokoleń i mediów. W 2012 roku Musée en Herbe w Paryżu zaprezentowało nową wystawę Vasarely'ego, podkreślając jego trwały wpływ na sztukę współczesną. Jego prace trafiły nawet do kultury popularnej, zdobiąc oryginalną brytyjską okładkę albumu Davida Bowiego z 1969 roku, „David Bowie”. Centre Georges Pompidou uhonorowało Vasarely'ego w 2019 roku wystawą „Le Partage des Formes”, jeszcze bardziej umacniając jego rolę jako kluczowej postaci ruchu Op Art. Ostatnio, w lipcu 2024 roku, w Arkas Art Center w Alaçatı zainaugurowano stałą wystawę jego prac z kolekcji Arkas, w której wziął udział jego syn, Jean-Pierre Yvaral. Ta trwała obecność na głównych wystawach i kolekcjach podkreśla głęboki i ciągły wpływ Vasarely'ego zarówno na społeczność artystyczną, jak i szerszy krajobraz kulturowy.
Selena Mattei
