Pablo Picasso, urodzony w Maladze w Hiszpanii 25 października 1881 roku, jest uznawany za jednego z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, który pozostawił niezatarty ślad w świecie sztuki dzięki przełomowym wkładom w takie ruchy jak kubizm i surrealizm. Jego nowatorskie podejście do sztuki, które obejmowało współtworzenie kolażu i tworzenie rzeźb konstruowanych, obejmowało szeroki wachlarz stylów i okresów, od okresu niebieskiego i różowego po późniejsze prace, które często łączyły elementy jego wcześniejszych eksperymentów. W trakcie swojej bogatej kariery prace Picassa, w tym arcydzieła takie jak Les Demoiselles d'Avignon i Guernica , odzwierciedlały jego ewoluującą wizję artystyczną i utrwaliły jego dziedzictwo jako rewolucyjnej postaci w sztuce nowoczesnej.
Biografia artysty: Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso urodził się 25 października 1881 roku w Maladze w Andaluzji w Hiszpanii jako pierwsze dziecko Don José Ruiza y Blasco i Marii Picasso y López. Dorastając w rodzinie klasy średniej, Picasso był zanurzony w sztuce od najmłodszych lat, pod okiem ojca, utalentowanego malarza i profesora sztuki. Jego wrodzony talent do rysowania był widoczny od dzieciństwa, a jego pierwsze słowa były podobno żartobliwym skrótem hiszpańskiego słowa oznaczającego „ołówek”. Od siódmego roku życia Picasso otrzymywał formalne szkolenie w zakresie rysunku postaci i malarstwa olejnego, co wykształciło w nim zdyscyplinowane podejście do sztuki, które kontrastowało z jego późniejszym buntowniczym duchem. Przeprowadzka rodziny do A Coruña w 1891 roku pozwoliła Picasso na dalszy rozwój umiejętności, chociaż decyzja jego ojca o porzuceniu malarstwa po rozpoznaniu wyższej techniki syna stanowiła kluczowy moment w artystycznej podróży młodego Picassa.
Tragedia wydarzyła się w 1895 roku, kiedy siedmioletnia siostra Picassa, Conchita, zmarła na błonicę, co skłoniło rodzinę do przeprowadzki do Barcelony. Tam Picasso rozwijał się akademicko i artystycznie, dostając się do Szkoły Sztuk Pięknych w wieku zaledwie trzynastu lat. Pomimo braku dyscypliny w formalnych warunkach, jego wyjątkowy talent przyniósł mu uznanie i podziw. W wieku szesnastu lat Picasso przeprowadził się do Madrytu, aby uczęszczać do Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ale jego pogarda dla tradycyjnego nauczania skłoniła go do porzucenia formalnych studiów. Zamiast tego zanurzył się w bogatym dziedzictwie artystycznym Muzeum Prado, czerpiąc inspirację od mistrzów takich jak El Greco, których wpływ jest widoczny w późniejszych pracach Picassa. Życie osobiste Picassa było tak samo pełne życia i burzliwe jak jego sztuka. Przez całe życie utrzymywał wiele intensywnych relacji, które głęboko wpłynęły na jego twórczość. Ożenił się dwa razy i miał czworo dzieci z trzema różnymi kobietami, a każdy związek pozostawił niezatarty ślad w jego twórczości. Muzy Picassa, w tym Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter i Dora Maar, odegrały znaczącą rolę w jego artystycznej ewolucji, służąc jako tematy i inspiracje dla niektórych z jego najbardziej znanych dzieł. Jednak jego związki były często naznaczone emocjonalnymi turbulencjami i tragedią, a kilka jego partnerek i dzieci cierpiało na problemy ze zdrowiem psychicznym i przedwczesną śmierć.
Politycznie Picasso pozostawał w dużej mierze oderwany od bezpośredniego zaangażowania w ruchy takie jak katalońska walka o niepodległość, chociaż wyrażał ogólne poparcie i utrzymywał przyjaźnie z aktywistami. Podczas hiszpańskiej wojny domowej przyjął honorową rolę „dyrektora Prado” zaocznie, pomagając chronić zbiory muzeum. Okropności wojny wywarły na niego głęboki wpływ, co doprowadziło do powstania jego kultowego obrazu antywojennego, Guernica . W 1944 roku Picasso wstąpił do Francuskiej Partii Komunistycznej, opowiadając się po stronie lewicowych ideologii i aktywnie wspierając ruchy pokojowe. Jego zobowiązania polityczne znalazły odzwierciedlenie w jego sztuce, w szczególności w takich dziełach jak Masakra w Korei i powszechnie rozpoznawany „Gołąb pokoju”. Życie Picassa zakończyło się 8 kwietnia 1973 roku w Mougins we Francji z powodu obrzęku płuc i zawału serca. Został pochowany w zamku Vauvenargues, posiadłości, którą cenił od 1958 roku. Następstwa jego śmierci naznaczone zostały osobistą tragedią, ponieważ jego żona Jacqueline Roque odebrała sobie życie w 1986 roku, zdruzgotana śmiercią Picassa.
Styl i technika
W ciągu swojej długiej kariery stworzył zdumiewający zbiór prac obejmujących wiele mediów, w tym malarstwo, rzeźbę, ceramikę, rysunek, grafikę warsztatową, a nawet tekstylia. Ogromna liczba jego dzieł, z ponad 45 000 niesprzedanych prac w chwili jego śmierci, jest świadectwem jego nieustępliwego pędu i wszechstronności. W malarstwie wykorzystywał kolor jako element ekspresyjny, ale opierał się głównie na rysunku, aby ustanowić formę i relacje przestrzenne. Jego nowatorskie podejście czasami obejmowało dodawanie niekonwencjonalnych materiałów, takich jak piasek, do farby, tworzenie zróżnicowanych faktur i wzbogacanie namacalnej jakości jego pracy. Naukowa analiza jego obrazu Czerwony fotel (1931) ujawniła, że Picasso używał w swoich dziełach zwykłej farby do domu, potwierdzając długotrwałe podejrzenia i pokazując swoją gotowość do przełamywania tradycyjnych granic. Rzeźbiarska twórczość Picassa również odzwierciedla jego nowatorskiego ducha. Na początku swojej kariery pracował z tradycyjnymi materiałami, takimi jak drewno, wosk i glina, ale od 1909 do 1928 roku zaczął tworzyć konstrukcje rzeźbiarskie z szerokiej gamy materiałów. Jego Gitara (1912), wykonana z blachy i drutu, jest doskonałym przykładem tego podejścia, które zostało opisane jako trójwymiarowy odpowiednik jego kubistycznych obrazów — radykalne odejście od konwencjonalnych technik rzeźbiarskich.
Niezależnie od tego, czy były to ponure tony jego Okresu Błękitnego, ciepło jego Okresu Różowego, czy też fragmentaryczne formy kubizmu, styl Picassa był płynny i ciągle ewoluował. Często malował z wyobraźni lub pamięci, tworząc dzieła, które odzwierciedlały jego osobiste doświadczenia i relacje, co sprawiło, że wielu postrzegało jego twórczość jako obszerną autobiografię malarską. Ten autobiograficzny aspekt jest wzmacniany przez nawyk Picassa do skrupulatnego datowania swoich prac, ponieważ chciał pozostawić kompletną dokumentację swojej artystycznej podróży. Kubistyczne dzieła Picassa, choć graniczące z abstrakcją, nigdy nie oderwały się całkowicie od realnego świata. Na jego obrazach często pojawiały się rozpoznawalne obiekty, takie jak gitary, skrzypce i butelki, nawet gdy były rozbijane na formy geometryczne. Podczas gdy duże sceny narracyjne były rzadkie w jego obrazach, Guernica (1937) stanowi monumentalny wyjątek, uchwytując grozę wojny w potężnej, złożonej kompozycji.
Krótka historia kubizmu
Kubizm, rewolucyjny ruch artystyczny z początku XX wieku, który narodził się w Paryżu, głęboko przekształcił malarstwo i sztuki wizualne, a jego wpływ rozszerzył się na muzykę, balet, literaturę i architekturę. Pionierami kubizmu byli Pablo Picasso i Georges Braque, którzy zerwali z tradycyjnymi perspektywami, analizując tematy, rozkładając je na części i składając na nowo w abstrakcyjne formy, które przedstawiały wiele punktów widzenia jednocześnie. Ten ruch, który czerpał inspirację z późnych dzieł Paula Cézanne'a, jest często uważany za najbardziej wpływowy ruch artystyczny XX wieku. Początkowo rozwijany w paryskich dzielnicach Montmartre i Montparnasse, a później w pobliskim Puteaux, kubizm charakteryzował się radykalnym odejściem od przedstawiania realistycznej przestrzeni, co doprowadziło do różnych odgałęzień, takich jak orfizm, puryzm i sztuka abstrakcyjna. Ruch ten wprowadził kolaż jako nowoczesną formę sztuki i wpłynął na wiele innych ruchów artystycznych, w tym futuryzm, suprematyzm, dadaizm i konstruktywizm. Historia kubizmu jest zazwyczaj podzielona na fazy, zaczynając od kubizmu analitycznego, który pojawił się między 1910 a 1912 rokiem i charakteryzował się fragmentarycznym podejściem do formy i przestrzeni. Następnie nastąpił kubizm syntetyczny, który pozostał istotny aż do powstania surrealizmu około 1919 roku. Inna kategoryzacja obejmuje „wczesny kubizm”, „wysoki kubizm” i „późny kubizm”, przy czym każda faza reprezentuje różne etapy rozwoju i eksperymentów w ramach ruchu. Pomimo ewolucji i pojawienia się różnych interpretacji, wpływ kubizmu pozostał wszechobecny, wpływając nie tylko na sztuki wizualne, ale także przyczyniając się do szerszej zmiany ideologicznej w kierunku nowoczesności i mechanizacji na początku XX wieku.
Kultowe dzieła sztuki
Wśród jego najsłynniejszych dzieł znajduje się Guernica (1937), monumentalny obraz antywojenny, który w potężny sposób przekazuje okropności hiszpańskiej wojny domowej. Les Demoiselles d'Avignon (1907), przełomowe dzieło, rozbiło tradycyjne perspektywy i utorowało drogę kubizmowi. The Old Guitarist (1904), z jego Blue Period, uchwycił ponurą rzeczywistość ludzkiego cierpienia, podczas gdy Girl before a Mirror (1932) i Le Rêve (1932) to intymne portrety jego muzy Marie-Thérèse Walter, ukazujące jego fascynację psychologiczną głębią i surrealizmem. Wczesne mistrzostwo Picassa jest widoczne w takich dziełach jak First Communion (1896) i Science and Charity (1897), podczas gdy jego późniejsze dzieła, takie jak Dove of Peace (1949) i Don Kichot (1955), podkreślają jego trwałe zaangażowanie zarówno w prostotę, jak i symbolikę. The Three Dancers (1925) i Weeping Woman with Handkerchief (1937) ukazują jego eksplorację intensywności emocjonalnej, a Bull's Head (1942) jest przykładem jego zdolności do znajdowania sztuki w codzienności. Od przejmującej melancholii The Tragedy (1903) po tętniący życiem surrealizm The Kiss (1925), twórczość Picassa jest świadectwem jego nieustającej innowacji i głębokiego wpływu na sztukę XX wieku.
Guernica (1937)
Guernica (1937) Pabla Picassa jest jednym z najbardziej wyrazistych obrazów antywojennych w historii sztuki, ucieleśniającym nieludzkość, brutalność i rozpacz wywołane przez konflikt poprzez surowe obrazy i skomplikowaną symbolikę. Stworzony w odpowiedzi na bombardowanie baskijskiego miasta Guernica 26 kwietnia 1937 r. podczas hiszpańskiej wojny domowej, obraz wykracza poza konkretne okrucieństwo, stając się uniwersalnym symbolem cierpienia spowodowanego przemocą. Bombardowanie, przeprowadzone przez niemiecki Legion Condor na rzecz nacjonalistycznych sił Francisco Franco, doprowadziło do śmierci setek cywilów, głównie kobiet i dzieci. Picasso, głęboko poruszony tymi wydarzeniami, otrzymał zlecenie na stworzenie Guernicy do hiszpańskiego pawilonu na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu w 1937 r. Monumentalne płótno o wymiarach 3,5 na 7,8 metra jest wykonane w monochromatycznej palecie czerni, bieli i szarości, co wzmacnia jego ponury ton i podkreśla powagę tematu. Chaotyczna kompozycja jest wypełniona pokawałkowanymi ciałami, udręczonymi wyrazami twarzy i symbolami przemocy, z bykiem stojącym beznamiętnie po lewej stronie i koniem, przebitym włócznią i krzyczącym, dominującym w centrum. Interpretacje byka i konia są różne, niektórzy widzą byka jako symbol brutalności, a konia jako cierpienie ludu, podczas gdy inni postrzegają te postacie jako bardziej niejednoznaczne. Sam Picasso pozostawił interpretację otwartą, zachęcając widzów do wyciągania własnych znaczeń. Guernica oznaczała znaczącą zmianę w twórczości Picassa w kierunku ekspresji politycznej, częściowo pod wpływem jego relacji z Dorą Maar, surrealistyczną fotografką i działaczką antyfaszystowską, która dokumentowała powstanie obrazu. Dzieło zyskało siłę polityczną dzięki wystawom międzynarodowym, podnosząc świadomość i fundusze dla hiszpańskich uchodźców i stając się symbolem oporu przeciwko faszyzmowi. Po wojnie Guernica została powierzona Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku, a Picasso zastrzegł, że nie powróci do Hiszpanii, dopóki nie zostanie przywrócona demokracja. W 1981 roku, sześć lat po śmierci Franco, obraz został ostatecznie przeniesiony do Hiszpanii, gdzie obecnie znajduje się w Museo Reina Sofía w Madrycie. Guernica pozostaje ponadczasową ikoną nie tylko tragedii, którą przedstawia, ale także szerszej kondycji ludzkiej w obliczu wojny i cierpienia, trwając jako surowe przypomnienie niszczycielskiego wpływu konfliktu i mocy sztuki, która może być świadkiem historii.
Le Baiser (1932) Pabla Picassa
Pablo Picasso, Le Baiser, 1932. Obraz, olej na płótnie, 37 cm x 48 cm.
Le Baiser (1932) Pabla Picassa jest urzekającym przykładem jego kubistycznego podejścia, uwieczniającym czuły moment poprzez mistrzowską grę formy i koloru. Obraz, olej na płótnie, ma wymiary 48 cm na 37 cm i ujawnia niezrównaną zdolność Picassa do rozkładania na części pierwsze i rekonstruowania ludzkich emocji. W swojej istocie dzieło przedstawia mężczyznę i kobietę zaangażowanych w pocałunek, ale moment ten jest przesiąknięty głębokim poczuciem dualizmu. Spojrzenie kobiety jest intymnie skierowane w stronę jej kochanka, podczas gdy on, paradoksalnie, patrzy w stronę widza, tworząc intrygującą dysjunkcję między ich wspólnym doświadczeniem a perspektywą obserwatora. Płótno jest przeważnie wykonane w surowej monochromatycznej palecie, ale kunszt Picassa wykracza poza prostotę czerni i bieli poprzez subtelne użycie niebieskich linii, które tworzą dynamiczne tło, oraz miękkiego zielonego cienia, który delikatnie akcentuje sylwetkę mężczyzny. Ta stonowana plama koloru ożywia kompozycję, podkreślając emocjonalną głębię sceny, a jednocześnie zachowując wyrafinowaną równowagę. Powierzchnia obrazu ujawnia jego historię, z bogatą patyną czasu widoczną na zażółconym płótnie i delikatnej naprawie w prawym górnym rogu. Elegancka rama, wciąż w doskonałym stanie, otacza dzieło, które niesie ze sobą urok paryskich korzeni z 1932 roku. Na odwrocie dzieła znajduje się etykieta galerii z tamtej epoki, łącząca obraz z jego bogatą przeszłością.
Wtedy córka faraona otworzyła kosz i zobaczyła, że w środku jest dziecko (2010) Pablo Picasso
Pablo Picasso , Wtedy córka faraona otworzyła koszyk i zobaczyła, że w środku jest dziecko, 2010. Grafika warsztatowa, 50,5 cm x 37 cm.
Ta praca, część Exodus Suite, odzwierciedla zaangażowanie Picassa w biblijną opowieść o odkryciu Mojżesza, scenę zarówno czczoną, jak i wzruszającą. Odbitka, oryginalna litografia na papierze Velin Arches o wymiarach 50,5 x 37 cm, wyłania się z limitowanej edycji 250 kopii próbnych. Kompozycja jest żywym obrazem, w którym akt odsłonięcia staje się głębokim spotkaniem. Córka faraona, gotowa w chwili delikatnego oczekiwania, jest przedstawiona z intensywnością, która przekazuje zarówno powagę jej odkrycia, jak i wdzięk jej gestu. Kolory, harmonijny taniec jasnych odcieni i subtelnych odcieni, tchną życie w scenę, zestawiając historyczny ciężar narracji z charakterystyczną dla Picassa bujnością i nowoczesną wrażliwością. Litografia, opublikowana przez Leona Amiela w Paryżu i Nowym Jorku w 1966 roku, stanowi dowód zdolności Picassa do nasycania wiekowych opowieści świeżą, dynamiczną perspektywą. Wydrukowane przez znanego Fernanda Mourlota dzieło jest świetlistą częścią ambitnego projektu podjętego przez Marca Chagalla, który chciał rzucić światło na historię Exodusu za pomocą zestawu dwudziestu czterech litografii. Przedstawienie Picassa, z jego brakiem marginesów, wciąga widza w immersyjne doświadczenie, odzwierciedlając nie tylko moment objawienia, ale także głębię ludzkich emocji i duchowego znaczenia.
Historia aukcji
Kilka obrazów Pabla Picassa należy do najdroższych na świecie, a ich liczne rekordy sprzedaży na aukcjach są rekordowe. Obraz Garçon à la pipe został sprzedany za 104 miliony dolarów na aukcji Sotheby's w 2004 roku, a następnie obraz Dora Maar au Chat za 95,2 miliona dolarów w 2006 roku. W 2010 roku obraz Nude, Green Leaves and Bust , przedstawiający kochankę Picassa Marie-Thérèse Walter, został sprzedany za 106,5 miliona dolarów na aukcji Christie's. Jego dzieło z 1932 roku, Women of Algiers , ustanowiło nowy rekord w 2015 roku, kiedy zostało sprzedane za 179,3 miliona dolarów na aukcji Christie's w Nowym Jorku. Inne godne uwagi aukcje obejmują Femme Assise (1909), która została sprzedana za 43,2 mln funtów w 2016 r., ustanawiając rekord najwyższej ceny zapłaconej kiedykolwiek za dzieło kubistyczne, oraz Femme assise, robe bleu (1939), która została sprzedana za 45 mln dolarów w 2017 r. po sprzeniewierzeniu podczas II wojny światowej. W 2018 r. Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937), kolejny portret Waltera, został sprzedany za 49,8 mln funtów w Sotheby's w Londynie.
Uznając jego niezrównany wpływ, Picasso został pierwszym artystą uhonorowanym specjalną wystawą w Luwrze w swoje 90. urodziny, a Robert Hughes zauważył, że żaden artysta, nawet Michał Anioł, nie osiągnął takiej sławy za swojego życia. Pomimo swojej sławy, Picasso nie wystawił wielu swoich dzieł na sprzedaż, a po jego śmierci, wraz z kolekcją dzieł innych artystów, stały się one podstawą Musée Picasso w Paryżu. Muzea poświęcone Picasso, takie jak Museu Picasso w Barcelonie i Museo Picasso Málaga, przechowują obszerne zbiory jego wczesnych dzieł i osobiste archiwa. Warto zauważyć, że Guernica była wystawiana w MoMA w Nowym Jorku, zanim wróciła do Hiszpanii, gdzie obecnie znajduje się w Muzeum Reina Sofía. Dziedzictwo Picassa rozciąga się również na kulturę popularną, w jego dzieła wcielali się tacy aktorzy jak Anthony Hopkins i Antonio Banderas, a jego dzieła są nadal wysoko cenione, a Picasso pozostaje najlepiej ocenianym artystą pod względem sprzedaży aukcyjnej od 2015 r. Jego obrazy są najczęściej kradzione, a ponad 1000 z nich zostało wymienionych jako skradzionych przez Art Loss Register w 2012 r. W Bazylei referendum w 1968 r. doprowadziło do udanego publicznego zakupu dwóch jego obrazów, po czym Picasso przekazał miastu kolejne dzieła, stając się honorowym obywatelem Bazylei.
Selena Mattei
