David Hockney: pionier sztuki współczesnej

Dawid Hockney

David Hockney, urodzony 9 lipca 1937 r. w Bradford w Anglii, jest jednym z najbardziej wpływowych i innowacyjnych artystów XX i XXI wieku. Stał się kluczową postacią ruchu Pop Art w latach 60. XX wieku, zyskując międzynarodowe uznanie za swoje żywe i odważne dzieła, które często eksplorują tematy tożsamości osobistej, seksualności i doświadczeń ludzkich.

Hockney studiował w Bradford College of Art, a później w Royal College of Art w Londynie, gdzie jego talent szybko stał się widoczny. Jego wczesne prace, takie jak „A Bigger Splash” i „Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”, pokazały jego charakterystyczne użycie koloru i perspektywy, umacniając jego pozycję jako czołowego współczesnego artysty.

W Royal College of Art, Hockney, obok Petera Blake'a, został zaprezentowany na wystawie New Contemporaries, która oznaczała narodziny brytyjskiej sztuki pop. Choć związany z ruchem, jego wczesne prace wykazują ekspresjonistyczne cechy przypominające styl Francisa Bacona. W 1964 roku Hockney przeprowadził się do Los Angeles, gdzie zainspirował się do stworzenia serii obrazów basenowych, używając żywych kolorów w nowym wówczas medium akrylowym. Pod koniec lat 60. i 70. mieszkał na zmianę w Los Angeles, Londynie i Paryżu. Hockney eksplorował różne formy sztuki, w tym malarstwo, rysunek, grafikę warsztatową, akwarele i fotografię, a także niekonwencjonalne media, takie jak faksy, pulpa papiernicza, aplikacje komputerowe i programy do rysowania na iPadzie. Jego prace obejmują szeroki zakres tematów, od martwych natur i krajobrazów po portrety przyjaciół, jego psy i projekty scenografii dla prestiżowych miejsc, takich jak Royal Court Theatre, Glyndebourne i Metropolitan Opera w Nowym Jorku.

David Hockney - Wystawa Pool and Steps Litografia (2021)

Przez całą swoją karierę Hockney był znany ze swojej gotowości do eksperymentowania z różnymi mediami, w tym malarstwem, grafiką, fotografią i sztuką cyfrową. W latach 80. zyskał jeszcze większe uznanie dzięki innowacyjnym fotokolażom, znanym jako „joiners”, które polegały na łączeniu wielu fotografii w celu stworzenia jednego, spójnego obrazu. W XXI wieku przyjął technologię cyfrową, tworząc sztukę za pomocą iPadów i iPhone'ów i nadal poszerzając granice tradycyjnych form sztuki.

Prace Hockneya były wystawiane w najważniejszych muzeach na całym świecie, a on sam otrzymał wiele nagród i wyróżnień za swój wkład w sztukę. Jego wpływ wykracza poza jego własną pracę, ponieważ zainspirował niezliczonych artystów i pozostaje kluczową postacią w świecie sztuki. Dziedzictwo Davida Hockneya to nieustanna innowacja, eksploracja i głęboki wpływ na sztukę współczesną.

Portrety i refleksje: eksploracja znanych tematów i samego siebie przez Hockneya

Począwszy od 1968 roku i kontynuując przez kilka lat, Hockney skupił się na malowaniu portretów i podwójnych portretów przyjaciół, kochanków i krewnych. Te prace, niemal naturalnej wielkości, zostały wykonane w realistycznym stylu, który umiejętnie uchwycił istotę jego tematów. Hockney często powracał do tych samych tematów, w tym do swojej rodziny, pracowników, artystów takich jak Mo McDermott i Maurice Payne, różnych pisarzy, projektantów mody Celii Birtwell i Ossie Clarka (przedstawionych zwłaszcza w „Mr. and Mrs. Clark and Percy”, 1970–71), kuratora Henry'ego Geldzahlera, handlarza dziełami sztuki Nicholasa Wildera, George'a Lawsona i jego partnera baletowego Wayne'a Sleepa. Jego partnerzy romantyczni na przestrzeni lat, tacy jak Peter Schlesinger i Gregory Evans, również często pojawiali się w jego pracach. Poza tym Hockney często zwracał pędzel na siebie, tworząc ponad 300 autoportretów.

W latach 1999–2001 Hockney używał camera lucida, starego narzędzia opartego na soczewkach, do prowadzenia badań na potrzeby swoich studiów historii sztuki i własnej pracy w studiu. W tym okresie wykonał ponad 200 rysunków przyjaciół, rodziny i siebie samego, używając tego urządzenia.

W 2016 roku Królewska Akademia zaprezentowała serię Hockneya „82 Portraits and 1 Still-life”, która później została wystawiona w Ca' Pesaro w Wenecji we Włoszech, w Muzeum Guggenheima w Bilbao w 2017 roku i w Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles w 2018 roku. Hockney określał te obrazy, rozpoczęte w 2013 roku, jako „dwudziestogodzinne ekspozycje”, ponieważ każdy portret wymagał od sześciu do siedmiu godzin w ciągu trzech kolejnych dni, aby go ukończyć.

Podróż artystyczna Hockneya przez litografie i akwaforty

Hockney zaczął eksperymentować z grafiką już w 1954 roku, tworząc autoportret w formie litografii, a później eksplorował ryciny w czasie nauki w Royal College of Art. W 1965 roku został zaproszony przez pracownię drukarską Gemini GEL do stworzenia serii litografii o tematyce Los Angeles, czego efektem była „The Hollywood Collection”, gdzie wyobrażał sobie kolekcję sztuki należącą do gwiazdy Hollywood. Hockney kontynuował współpracę z Gemini GEL, tworząc portfolio takie jak „Friends”, „The Weather Series” i „Some New Prints”. W latach 60. stworzył również serie grafik, które nazywał „opowieściami graficznymi”, takie jak „A Rake's Progress” (1961–63), „Illustrations for Fourteen Poems from CP Cavafy” (1966) i „Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm” (1969).

W 1973 roku Hockney rozpoczął współpracę z Aldo Crommelynckiem, ulubionym drukarzem Picassa, przyjmując techniki Crommelyncka do prac takich jak „Artist and Model” (1973–74) i „Contrejour in the French Style” (1974). Jednym z ich znaczących projektów była „The Blue Guitar” (1976–77), zestaw 20 rycin inspirowanych zarówno Wallace’em Stevensem, jak i Picassem.

W 1978 roku Hockney spędził sześć tygodni w nowojorskim studiu Kena Tylera, eksperymentując z nową techniką wykorzystującą płynny papier, tworząc 29 unikalnych dzieł, w tym serię słoneczników i basenów. Jego późniejsze portfolio odbitek obejmuje „Home Made Prints” (1986), „Recent Etchings” (1998) i „Moving Focus” (1984–1986). Retrospektywa jego odbitek odbyła się w Dulwich Picture Gallery w Londynie i Bowes Museum w 2014 roku, prezentując prace wykonane faksami i drukarkami atramentowymi.

Stolarze i powrót do malarstwa

Na początku lat 80. Hockney zaczął tworzyć fotokolaże, które początkowo nazywał „łącznikami” w swoich osobistych albumach fotograficznych. Zaczął od odbitek Polaroid, a później używał kolorowych odbitek 35 mm, układając je w patchworkowe kompozycje pojedynczych obiektów. Te obrazy, wykonane z różnych perspektyw i w nieco innych czasach, odzwierciedlały wpływy kubizmu, co było zgodne z zainteresowaniem Hockneya eksploracją ludzkiej wizji. Niektóre z jego znanych dzieł obejmują krajobraz „Pearblossom Highway #2” oraz portrety takie jak „Kasmin 1982” i „My Mother, Bolton Abbey, 1982”.

Powstanie „łączników” nastąpiło przypadkowo. Pod koniec lat 60. Hockney zauważył, że obiektywy szerokokątne zniekształcają zdjęcia, czego nie lubił. Pracując nad obrazem w Los Angeles, zrobił zdjęcia salonu aparatem Polaroid i nieumyślnie je skleił, tworząc kompozycję. Zdał sobie sprawę, że ta metoda tworzy narrację, jakby widz poruszał się w przestrzeni, co skłoniło go do skupienia się wyłącznie na fotografii na jakiś czas, zatrzymując malowanie.

Jednak Hockney ostatecznie zaczął odczuwać frustrację z powodu ograniczeń fotografii, szczególnie jej niezdolności do uchwycenia przestrzeni, kluczowego elementu krajobrazów. Zauważył, że nawet fotografia Ansel Adamsa nie była w stanie w pełni oddać doświadczenia Yosemite. Rozczarowany „jednooką” perspektywą fotografii, Hockney powrócił do malowania.

Najważniejsze wystawy i kolekcje

David Hockney brał udział w ponad 400 wystawach indywidualnych i 500 wystawach grupowych. Jego pierwsza wystawa indywidualna miała miejsce w Kasmin Limited w 1963 r., gdy miał 26 lat. W 1970 r. Whitechapel Gallery w Londynie zorganizowała dużą retrospektywę, która odbyła tournée po Europie. LACMA zorganizowała retrospektywę w 1988 r., która później odbyła się w The Met i Tate.

W 2006 r. National Portrait Gallery w Londynie zaprezentowała jedną z największych wystaw portretów Hockneya, obejmującą ponad 150 prac. Jego wystawa z 2012 r., „A Bigger Picture”, skupiała się na krajobrazach i przyciągnęła ponad 600 000 zwiedzających. Później retrospektywa odbyła się w Muzeum Guggenheima w Bilbao i Muzeum Ludwiga w Kolonii.

Największa indywidualna wystawa Hockneya, „A Bigger Exhibition”, odbyła się w de Young Museum w San Francisco w 2013 r. i obejmowała prawie 400 prac. Jego retrospektywa w Tate Britain w 2017 r. stała się najczęściej odwiedzaną wystawą galerii, z ponad 4000 odwiedzających dziennie. Wystawa odbyła się w Centre Georges Pompidou i The Met, przyciągając duże tłumy w Paryżu i Nowym Jorku.

W 2018 r. Hockney wystawił nowe prace w Pace Gallery, w tym heksagonalne płótna i trójwymiarowe rysunki fotograficzne. Jego wczesne prace były prezentowane w Yorkshire w 2019 r., a w 2022 r. Cambridge gościło „Hockney's Eye: The Art and Technology of Depiction”. W 2023 r. Honolulu Museum of Art zaprezentowało największą retrospektywę grafik Hockneya.

Jego dzieła znajdują się w Tate w Wielkiej Brytanii, Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i Centre Georges Pompidou w Paryżu. Lokalnie jego prace są eksponowane w Salts Mill w Saltaire, niedaleko jego rodzinnego miasta Bradford, i są przechowywane przez The David Hockney Foundation. Inne znaczące kolekcje obejmują Museum of Fine Arts w Bostonie, National Gallery of Australia w Canberze i Art Institute of Chicago. Jego dzieła są również prezentowane w Museum of Fine Arts w Houston, Louisiana Museum of Modern Art w Humlebæk w Danii i J. Paul Getty Museum w Los Angeles. Dodatkowe zbiory znajdują się w Los Angeles County Museum of Art, Walker Art Center w Minneapolis i Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Na arenie międzynarodowej jego prace znajdują się w Museum of Contemporary Art w Tokio, Aboa Vetus & Ars Nova w Turku w Finlandii i Mumok, Ludwig Foundation w Wiedniu. W Stanach Zjednoczonych jego dzieła znajdują się w zbiorach Hirshhorn Museum and Sculpture Garden oraz Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie, a także Muscarelle Museum of Art w Williamsburgu w stanie Wirginia.