Życie Fridy Kahlo opowiedziane przez jej obrazy

Frédéric Durieu & Nathalie Erin, Frida z kwiatami 2 , 2018. Grafika cyfrowa 2D na aluminium, 80 x 80 cm.

Autoportret w aksamitnej sukni z 1926 roku to jedna z najwcześniejszych prac Fridy Kahlo, kultowej meksykańskiej artystki, której pasja do sztuki rozwinęła się dokładnie rok wcześniej, czyli w 1925 roku, kiedy w wyniku poważnego wypadku samochodowego została zmuszona do długiej hospitalizacji i powolnego powrotu do zdrowia, podczas którego zaczęła wyrażać swoje stany umysłu poprzez malarstwo. Wspomniane arcydzieło, pierwszy z wielu znanych autoportretów stworzonych przez artystkę, uważany za początek jej malarskiej kariery, pomyślany został przez Fridę, aby przekazać swojemu byłemu chłopakowi Alejandro Gomezowi Ariasowi, realizując zamierzenie odzyskania miłości. Istotnie, w liście towarzyszącym pracy malarka błagała Gomeza Ariasa, aby autoportret powiesił w miejscu, w którym wzrok artystki zawsze mógłby się krzyżować ze spojrzeniem ukochanej. Wracając do arcydzieła, obraz, który ukazuje wszystkie cierpienia Kahlo jako weterana, zarówno z powodu wypadku, jak i rozczarowania miłością, uwiecznia Fridę z zaciśniętymi ustami i utkwionym wzrokiem, jakby chciał powstrzymać bolesne emocje , który zaznaczył ten szczególny etap jej życia.

Dalinina, Fridom , 2022. Akryl na płótnie, 127 x 97 cm.

Christina Bilbili, Frida Kahlo (moimi oczami) , 2017. Akryl na płótnie, 60 x 50 cm.

„Miałem w życiu dwa poważne wypadki. Pierwszym był potrącony przez mnie tramwaj, drugim był Diego”.

Intensywne słowa Fridy wskazują na kolejne kluczowe wydarzenie w życiu i karierze artystki, a mianowicie spotkanie z meksykańskim malarzem i muralistą Diego Riverą, którego poznała po raz pierwszy w 1922 roku i poślubiła siedem lat później, co zaowocowało jedną z najbardziej intensywnych historii miłosnych w świecie sztuki. , zdolny do przetrwania wszelkich dziwactw życia, zdrad i złej pogody. Autoportret Kahlo opowiadający o roku, w którym odbyło się jej małżeństwo z ukochaną Riverą, to Time Flies , olej na masonicie z 1929 roku, mający na celu ukazanie zmian zachodzących w życiu artystki poprzez porzucenie przez nią renesansowych modeli malarskich. aby zbliżyć się do świata meksykańskiego i malarstwa ciemieniowego praktykowanego przez jej towarzyszkę. Następnie, po intensywnym okresie podróży, podczas którego Frida śledziła zlecenia artystyczne Diego w Ameryce, malarka stała się bohaterką kolejnego tragicznego wydarzenia: w 1932 roku poroniła, dramat, który udało jej się wysublimować w obrazie Henry Ford Hospital , w którym wyraziła całą swoją świadomość, że nie może urodzić dzieci z powodu jej problemów fizycznych. To arcydzieło, namalowane olejem na metalowej płycie, uwiecznia leżącą na szpitalnym łóżku Kahlo, otoczoną rozsianymi wokół niej elementami, co, mając dużą wartość symboliczną, można kojarzyć z meksykańską tradycją wotum. Jednak w przeciwieństwie do tej ostatniej Frida, uwieczniając siebie jako męczennicę, uwydatnia cały swój dramat, wyrażając z jasną świadomością, że prawdopodobnie nawet Bóg nie mógł rozwiązać jej sytuacji. Po tym smutnym wydarzeniu nastąpiły kolejne tragiczne poronienia, liczne podróże w towarzystwie Rivery, wystawy Kahlo w Nowym Jorku i Paryżu, rozstania i pojednania z mężem oraz nieubłagane pogorszenie stanu zdrowia malarki, która musiała przejść kilka operacji i nosić specjalne gorsety chroniące jej kręgosłup. Sytuację tę dobrze podsumowuje kultowy obraz z 1944 roku zatytułowany The Broken Column , dzieło, w którym ciało Fridy jest symbolicznie rozdarte przez ból, od brody po pachwinę, oddane przez gwałtowne rozerwanie jej torsu, który jest spasowany przez biały gorset. Wewnątrz wspomnianego pęknięcia znajduje się reprezentacyjna kolumna jońska, która pęknięta w kilku miejscach interpretuje rzeczywisty, kruchy kręgosłup malarza. Owa wgłębienie ciała, wzbogacone obecnością gwoździ, które zapewne nawiązują do męczeństwa św. Sebastiana, odbija się na tle pejzażu, w którym widać opustoszały krajobraz, pełen spękań, które wymagają naprawy. Wreszcie, zbliżając się do 1954 roku, pamiętnego roku śmierci malarza, nie sposób nie wspomnieć o obrazie Viva la vida, który namalowany zaledwie osiem dni przed odejściem artysty stanowi ostatnie i radosne pożegnanie z wiecznym istnieniem człowieka cierpiący, ale jednocześnie pełen optymizmu. Rzeczywiście, ta bardzo martwa natura, mająca na celu przedstawienie soczystych czerwonych arbuzów, zdaje się sugerować ostatnie myśli zapisane w pamiętniku Kahlo: „Mam nadzieję, że koniec jest radosny i mam nadzieję, że nigdy nie wrócę”.

Mathilde Oscar, Frida , 2015. Fotografia cyfrowa na papierze, 120 x 80 cm.

Sergey Mayboga, Frida Khalo , 2021. Fotografia, kilka dostępnych formatów.

Portrety Fridy Kahlo wykonane przez artystów Artmajeur

„Ponieważ moimi podmiotami zawsze były moje uczucia, stany psychiczne i głębokie reakcje, które wywoływało we mnie życie, często obiektywizowałem to wszystko w obrazach siebie, które były najszczerszą rzeczą, jaką mogłem zrobić, aby wyrazić to, czułem się wewnątrz i na zewnątrz mnie."

Słowa Fridy podkreślają bogactwo i różnorodność jej autoportretów, mających na celu mocną syntezę całego chaosu jej niespokojnej egzystencji, poprzez temat, który okazuje się być prawdopodobnie najpopularniejszym i cenionym przez meksykańskiego malarza. ankieta artystyczna. Niezliczone twarze Fridy, również uchwycone na kultowych fotografiach tamtych czasów, kontynuują i cieszą się wielkim sukcesem we współczesnej sztuce, czego dowodzą prace artystów Artmajeur, a w szczególności prace Pop Art World, Veroniki Primas i Hassana Rachida .

Pop Art World, Frida in blue , 2017. Akryl na płótnie, 120 x 120 cm.

Pop Art World: Frida w kolorze niebieskim

Pop Art World to zróżnicowana kolekcja dzieł sztuki, które, stworzone przez ekwadorskiego artystę Tobara, charakteryzują się zarówno jasną kolorystyką, jak i wykorzystaniem obrazów niezwykle nawiązujących do kultury popularnej, tj. inspirowanych światem komiksu, kina czy reklama. W rzeczywistości Frida ubrana na niebiesko nadała nową chromatyczną interpretację kultowej fotografii meksykańskiego malarza, wykonanej przez jej powiernika i kochanka Nickolasa Muraya. Kahlo i fotograf poznali się w 1931 roku w Meksyku, kiedy do ojczyzny malarza towarzyszył mu meksykański artysta Miguel Covarrubias, który będąc uczniem Diego nie mógł się uchronić przed przedstawieniem Muraya parze Riverów. Po pierwszym spotkaniu Fridy i Nickolasa Kahlo napisała do fotografa romantyczną notatkę, rozpoczynając romans, który trwał około dziesięciu lat, przeradzając się później w solidną przyjaźń, która manifestowała się aż do odejścia malarza. Zdjęcia Fridy wykonane przez mistrza w latach 1937-1946 przedstawiają wyjątkową perspektywę Kahlo, która uchwycona z punktu widzenia jej najbliższej przyjaciółki, ukochanej osoby i powiernika, świadczy również o umiejętnościach portrecistki i mistrza Muraya. fotografii kolorowej.

Veronika Primas, Frida , 2021. Olej / akryl / tusz / marker / farba w sprayu na płótnie, 76,2 x 61 cm.

Veronika Primas: Frida

Niemiecka artystka Veronika Primas stworzyła obraz Frida, mając za temat Kahlo, ponieważ była pod ogromnym wrażeniem twórczości i osobowości meksykańskiego malarza, któremu chciała oddać hołd poprzez stworzenie portretu w stylu wspomnianego mistrza . W szczególności praca zdaje się przywoływać, choć w niezwykle oryginalny i nowatorski sposób, tematy uwiecznione przez Autoportret z małpą i papugą , arcydzieło Fridy z 1942 roku, w którym artystka uwieczniła się w towarzystwie zwierząt i elementów natury , aby wyrazić jej ścisły związek z wieloma formami życia na ziemi. W tym kontekście małpa, często symbol pożądania w tradycji figuratywnej, jest w innowacyjny sposób przedstawiana jako słodki i opiekuńczy zwierzak, podczas gdy papuga prawdopodobnie nawiązuje do niezdolności Kahlo do posiadania dzieci, ponieważ w meksykańskiej kulturze kobiety bez potomstwa były czasami określane jak papugi.

Hassan Rachid, Frida Kahlo , 2020. Akryl / mozaika na płótnie, 62 x 59 cm.

Hassan Rachid: Frida Kahlo

W malarstwie Hassana Rachida wyraźnie nawiązuje się do tematu figuratywnego, szeroko badanego przez Fridę Kahlo, a mianowicie do autoportretów z małpami, których przykładem są takie arcydzieła, jak Autoportret z małpą z 1938 roku, imiennik z 1940 roku czy Autoportret z małpami z 1943. Warto podkreślić, że w pracach meksykańskiego mistrza zwierzęta odgrywają zasadniczą rolę, gdyż mają na celu wyrażanie stanów umysłu artysty. Ponadto czuła postawa, w jakiej Frida maluje tego prymasa, przyłapanego na akcie uścisku ramion, często kojarzona jest z alegorią, która postrzega małpę jako symbol artystycznej i intelektualnej sprawności człowieka. Ta ostatnia interpretacja wydaje się jednak najmniej odpowiednia dla symbolicznego odczytania prac Kahlo, która nada swojej sztuce bardziej introspekcyjny wymiar, mający na celu uwiecznienie jej osobistego spojrzenia na rzeczywistość. Wreszcie, wnikliwie analizując cechy somatyczne Fridy Rachida, możemy rozpoznać cechy Salmy Hayek, bohaterki filmu Julie Taymor z 2002 roku, mającego na celu opowiedzenie szerokiej publiczności o życiu meksykańskiej malarki.