Technika malowania „Fondo oro”
Złoto było bohaterem wielu arcydzieł w historii sztuki, powstałych techniką malarską „Fondo oro”, która rozpowszechniła się początkowo we wczesnochrześcijańskich mozaikach, a później wykorzystywana była do produkcji obrazów na drewnie, miniatur i mozaik okresu bizantyjskiego. Technika ta, doskonale opisana w traktacie Cennino Cenniniego z około 1400 roku, zatytułowanym „Libro dell'arte”, opiera się na produkcji małych i cienkich płatków złota, które wyspecjalizowani rzemieślnicy średniowiecza realizowali poprzez wbijanie monet , w celu uzyskania bardzo cienkich blach. Następnie powierzchnię dzieła, która była gotowa na przyjęcie złotego płatka, została przygotowana poprzez nałożenie warstwy „bolo”, czerwonawej gliny rozpuszczonej w wodzie i białku jaja. Następnie do mocowania złota do podłoża obrazu użyto zapraw na bazie wody, takich jak białko jaja, miód, guma i soki warzywne. Należy zauważyć, że podczas realizacji tej techniki złoty płatek nakładano w prostokąty, które następnie przenoszone na pędzel, były nakładane na powierzchnię poprzez nacisk włosia. Na koniec złoto zostało zmiażdżone i wypolerowane na podporze za pomocą polerki, specjalnej szczotki wykonanej z kamienia agatowego spłaszczonego na końcu.
Procesja Teodory , VI wiek. Mozaika, Rawenna: bazylika San Vitale.
Rawenna i sztuka bizantyjska
Arcydziełem wyróżniającym się złotym tłem jest wspaniała bizantyjska mozaika zatytułowana Procesja Teodory , zachowana w bazylice San Vitale w Rawennie we Włoszech, datowana na około 520-547. Praca przedstawia cesarzową Teodorę, która umieszczona w centrum mozaiki jest otoczona po prawej stronie przez dwie postacie męskie, a po lewej przez siedem nakładających się postaci kobiecych. W tej grupie osób tylko Teodora i najbliższe jej postacie są zorientowane frontalnie do płaszczyzny mozaiki, podczas gdy pozostali bohaterowie są nieco od niej odsunięci. Jeśli chodzi o ubiór, kobiety z procesji noszą bardzo bogate stroje, a mężczyźni, najprawdopodobniej dwóch dostojników, noszą tunikę z chlamysem tablionowym na wierzchu. Z drugiej strony cesarzowa, przedstawiona w białej tunice obszytej złotem, pokrytej fioletowym chlamys, nosi efektowne klejnoty i bardzo kunsztowne nakrycie głowy. Ze względu na sposób przedstawienia bohaterów ich ciała są głównie asymetryczne i uwiecznione w sztywno frontalnych i stylizowanych pozach. Dodatkowo brak światłocienia i mocne linie konturowe ożywiają pozbawione plastyczności dwuwymiarowe figury. Ponadto w odniesieniu do sposobu przedstawienia postaci należy zauważyć, że postać Teodory jest większa od pozostałych, kierując się prawami perspektywy hierarchicznej, co wiąże się z rodzajem przedstawienia symbolicznego, w którym rodowód znaki są podświetlone. Wreszcie, jeśli chodzi o tło dzieła, ten drugi, złocisty i dwuwymiarowy, otacza bohaterów sceny, wspartych na zielonym „dywanie”. Ponadto w otoczeniu znajduje się również niewielka fontanna, nisza przykryta niewielką absydą w kształcie muszli oraz u góry po prawej stronie pasiasty materiał. Wracając do złotego koloru tła, nawiązuje to do duchowości, podczas gdy purpura chlamys Teodory reprezentuje władzę nadaną cesarzom. W rzeczywistości tę mozaikę, która najprawdopodobniej nie przedstawia prawdziwego wydarzenia, należy uznać za dzieło propagandy politycznej.
Duccio di Buoninsegna, Wysokość Katedry Sieny , 1308-11. Tempera na panelu, 214 x 412 cm Siena: Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.
Cimabue, Majestat Trójcy Świętej , 1290-1300. Tempera na panelu, 384 x 223 cm. Florencja: Galeria Uffizi.
Giotto, Spotkanie przy Złotej Bramie , 1303-1305. Fresk, 200×185 cm. Padwa: Kaplica Scrovegnich.
Gustav Klimt, Judith , 1901. Olej na płótnie, 84 × 42 cm. Wiedeń: Österreichische Galerie Belvedere.
Złote tło z okresu średniowiecza na...
Włoskie arcydzieła od średniowiecza do wczesnego renesansu wyróżniało zastosowanie techniki „Fondo oro”, co wiązało się z precyzyjną wartością symboliczną, mającą na celu nawiązanie do niedostępnej i świętej sfery niebieskiej. Przykładem tego, co zostało powiedziane, są dzieła dwóch malarzy toskańskich, takich jak Majestat katedry w Sienie Duccio di Buoninsegna i Majestat Świętej Trójcy z Cimabue. Później, dzięki artystycznym poszukiwaniom Giotta, złote tło i bizantyjskie schematy zostały częściowo porzucone, a malarstwo powróciło, by przedstawiać świat, a przede wszystkim niebo. W rzeczywistości, począwszy od XIV wieku, stopniowo zaczęły dominować tła architektoniczne i krajobrazowe, stopniowo zmniejszając odsetek dekorowanego złotem panelu. W okresie renesansu świadomość znaczenia realistycznych teł została definitywnie potwierdzona, tak bardzo, że technika Złotego Tła zaczęła być mniej popularna. Mimo to technika ta nigdy nie zniknęła całkowicie, pozostając w użyciu nawet w XVI wieku i osadzając się bardziej na obszarach wpływów religii prawosławnej, gdzie szerzył się kult ikon. W czasach nowożytnych złote tło było wykorzystywane przez wielu artystów, wśród których najbardziej znanym jest niewątpliwie Gustav Klimt.
Alena Masterkova, Ikona Matki Bożej Czułej, 2007. Mozaika na desce, 82 x 62 cm.
Alena Masterkova: Ikona Matki Bożej Czułości
Kolor złoty, używany jako tła lub detale, charakteryzuje również wiele dzieł stworzonych przez artystów Artmajeur, którzy czasami inspirowali się wielkimi arcydziełami historii sztuki, podczas gdy w innych przypadkach innowacyjnie wykorzystywali tę cenną i świetlistą tonację . Mozaika, wyróżniająca się zastosowaniem złotych emalii, prawdopodobnie inspirowana madonnami z dzieckiem prawosławnych ikon, wykonała rosyjska artystka Alena Masterkova. W związku z tym warto podkreślić, jak ikony, które stały się popularne w Rosji około 988 roku, rozprzestrzeniły się pod wpływem sztuki bizantyjskiej, stając się prawdziwą szkołą gatunku. Ikonografia tego okresu wiernie naśladowała zasady i gatunki przyjęte przez sztukę bizantyjską, natomiast od XVII wieku pod wpływem malarstwa i ryciny katolickiej i protestanckiej Europy zaczęła wyróżniać się mniej dwuwymiarowym i statycznym przedstawieniem, ale bardziej naturalistyczny i trójwymiarowy. Twórczość Masterkovej wyraźnie nawiązuje do tradycji bizantyjskiej, ponieważ charakteryzuje ją hieratyczne i dwuwymiarowe figury, z których w klasycznym ujęciu emanuje intensywna duchowa energia.
Danco, Alegoria do Gustava Klimta I , 2020. Olej na płótnie lnianym, 70 x 50 cm.
Danco: Alegoria do Gustava Klimta I
Dzieło Danco, artysty Artmajeur, jest kolejnym hołdem złożonym historii sztuki, ponieważ przedstawia nowoczesną i bardzo oryginalną reinterpretację Judith Gustave'a Klimta. W rzeczywistości, podobnie jak w dziele austriackiego mistrza, twarz dziewczyny namalowaną przez Danco obramowuje gęsta głowa obszernych czarnych włosów, które jednak w tym przypadku zostały ozdobione złotymi wzorami. Co więcej, o ile w tle Klimta triumfuje złoto i czerń, które razem składają się na niektóre drzewa owocowe, o tyle w twórczości artysty z Artmajeur odnajdujemy abstrakcyjną dekorację, w której dominuje wykonany za pomocą liści brąz i czerwień. W obrębie tych dwóch obrazów inne cenne detale można znaleźć w naszyjniku i sukience, które w pracach Danco nie pozwalają dostrzec żadnej nagości. Ponadto w obrazie artysty Artmajeur brakuje również głowy Holofernesa, dzięki czemu obraz przestaje opowiadać popularną historię Judyty, która jako symbol kobiecej siły i ducha poświęcenia została przedstawiona w wielu arcydziełach. W efekcie prace Danco stają się jedynie celebracją nowoczesnego kobiecego piękna skąpanego w refleksach brązu. Ostatecznie, mimo wszystkich tych różnic, bohaterka staje się w obu obrazach symbolem zmysłowej kobiecej postaci, zdecydowanie patrzącej przed nią, w stronę widza, z wyrazem niemal przekory.
Kamil Zaitz, Gold mind , 2021. Stal nierdzewna, Metale i drut, 40 x 17 x 17 cm.
Kamil Zaitz: Złoty umysł
Czaszka, przedmiot grafiki wykonanej przez artystę Artmajeura, Zaitza, często była przedstawiana w najsłynniejszych arcydziełach historii sztuki jako symbol vanitas. Łacińskie wyrażenie vanitas vanitatum , wywodzące się od vanus i oznaczające przemijający, wskazuje w malarstwie typ martwej natury charakteryzujący się obecnością przedmiotów, które są symbolicznymi wskaźnikami niepewności istnienia, nieubłagania upływu czasu i efemeryczności dobra światowe. Ta ikonografia o moralizatorskim zamyśle wykształciła się w średniowieczu, kiedy Kościół wydał surowe ostrzeżenie, przypominając, jak bogactwo zgromadzone na ziemi, pozbawione wartości, doprowadziło do potępienia. W związku z tym, aby przekonać grzeszników do odkupienia, duchowni nalegali na obrazowe przedstawienie dóbr luksusowych wraz z przedmiotami nawiązującymi do śmierci. Praca Zaitza reprezentuje najprawdopodobniej tę figuratywną tradycję w bardzo osobisty i nowatorski sposób, urzeczywistniając czaszkę, która jest symbolem vanitas par excellence, ze stali w kolorze złota, tonalności nierozerwalnie związanej z wieczną i nieosiągalną świętą sferą niebiańską. W konsekwencji rzeźba artysty z Artmajeur wydaje się być prawdziwym oksymoronem, w którym łączy się życie wieczne i śmierć.
Olimpia Gaia Martinelli
