Viktor Sheleg, Wybór , 2021. Olej na płótnie, 98 x 88 cm.
«Już nie żyjemy, żyjemy. Nie mamy już wolności, nie wiemy już, jak decydować, człowiek jest pozbawiony duszy, natura jest pozbawiona człowieka […]. Nigdy nie było epoki bardziej spustoszonej rozpaczą, przerażeniem i śmiercią. Nigdy na świecie nie panowała bardziej grobowa cisza. Nigdy człowiek nie był mniejszy. Nigdy nie był bardziej niespokojny. Nigdy radość nie była bardziej nieobecna, a wolność bardziej martwa. A oto wycie rozpaczy: człowiek woła o swoją duszę, pojedynczy krzyk udręki wznosi się z naszych czasów. Także sztuka krzyczy w ciemności, woła o ratunek, odwołuje się do ducha: to ekspresjonizm”.
Słowa znanego austriackiego krytyka sztuki Hermanna Bahra (1863-1934), przytoczone w jego eseju zatytułowanym Ekspresjonizm z 1916 roku, doskonale oddają istotę nurtu artystycznego, który rozwijał się głównie w północnej Europie na początku XX wieku, skupiając w sobie kilku rdzeni, silnie manifestowała potrzebę odsłaniania, głównie poprzez kompozycje figuratywne, wewnętrznego świata artystów, a nie koncentrowania się na samym przedstawieniu rzeczywistej bazy danych. W rzeczywistości terminem ekspresjonizm oddalamy się od bardziej ogólnego znaczenia słowa ekspresja, ponieważ każdy artysta jest w stanie ujawnić się poprzez swoją sztukę, ale tylko ekspresjonista pozwala widzowi „przeżyć” jego najskrytsze emocje, prowokując w mu konkretne i gwałtowne reakcje psychologiczne. W tym kontekście warto zauważyć, że takie dwudziestowieczne innowacje figuratywne mają znacznie bardziej odległe korzenie, które można umiejscowić już pod koniec XIX wieku, a które, jak się okazuje, można już częściowo odnaleźć w wirujących pociągnięciach pędzla Van Gogha, esencji Gauguina, Dramat i krytyka społeczna Muncha oraz antynaturalistyczny język Muncha i deformacja sztuki prymitywnej. Zamiast tego, umieszczając powyższy nurt w obrębie historii sztuki, możemy odwołać się do myśli historyka sztuki Giulio Carlo Argana, który pod koniec XX wieku przeciwstawił ekspresjonizm wcześniejszemu impresjonizmowi: „dosłownie ekspresja jest przeciwieństwem wrażenia. Impresja jest ruchem z zewnątrz do wewnątrz: jest rzeczywistością (przedmiotem) odciskającą się na świadomości (podmiocie). Ekspresja jest ruchem odwrotnym, od wewnątrz do zewnątrz: to podmiot odciska się na przedmiocie”.
Cécile Duchêne Malissin, Niemowlę , 2022. Akryl / kolaż na płótnie lnianym, 120 x 100 cm.
Louise Howard, Małe bestie , 2022. Olej na desce, 140 x 122 cm.
Niemiecki ekspresjonizm
„Ale czy to nadal impresjonizm?” nadeszła odpowiedź z sali: „Nie, to ekspresjonizm!”
W 1911 roku na posiedzeniu Berlińskiej Secesji te prorocze słowa wypowiedział członek jury, uprzedzając miano ruchu artystycznego XX wieku, nadane później przez krytyka i historyka sztuki Wilhelma Worringera. Ekspresjonizm niemiecki był reakcją artystów na klimat panujący w Niemczech początku XX wieku, naznaczony ekspansywną polityką, która mając na celu narodziny jednolitego państwa, była ożywiana silnym nacjonalistycznym, reakcyjnym i represyjnym myśleniem, osobliwościami idealnymi do zaszczepienia w artyści jawnie buntują się przeciwko oficjalnej sztuce i wszelkim formom konformizmu. Pierwsza grupa niemieckiego ekspresjonizmu powstała w Dreźnie w 1905 roku z poszukiwań artystycznych podjętych przez czterech studentów architektury, którzy byli uczniami Hermanna Obrista, a mianowicie Ernsta Ludwiga Kirchnera, Fritza Bleyla, Ericha Heckela i Karla Schmidta-Rottluffa. Nawiązując do fragmentu Tako rzecze Zaratustra Nietzschego grupa taka przyjęła nazwę Die Brücke, co dosłownie znaczy „artyści mostu”, gdyż ożywiała ich chęć nawiązania związku z przyszłością sztuki, mająca na celu represje wobec tych, którzy starają się zabić twórczego ducha sztywnym i starzejącym się moralizmem. Jeśli chodzi o cechy stylistyczne Die Brücke, to dobrze ilustruje je twórczość Kirchnera, najbardziej przekonanego i zapalonego promotora ruchu, który był autorem agresywnych obrazów, nacechowanych ostrymi konturami, głęboką czernią, mocnymi kontrastami kolorystycznymi i dysharmonijnymi, gryzącymi postaciami , mający na celu potępienie fałszu i hipokryzji społeczeństwa burżuazyjnego. Druga grupa niemieckiego ekspresjonizmu, narodzona w Monachium w 1911 roku i nazywana Der Blaue Reiter, czyli Błękitny Jeździec, kładła większy nacisk na chromatykę obrazu, do tego stopnia, że kolory nabrały silnego znaczenia symbolicznego, co doprowadziło ruch stopniowo do abstrakcja.
Yuliia Chaika, "Czas jogi" , 2022. Akryl/pastel na papierze, 29 x 29 cm.
Młody Park, nasza miłość. Nawet jeśli tego nie mówimy. #1 , 2022. Akryl na płótnie, 91 x 72,5 cm.
Ekspresjonizm francuski i nie tylko...
Słowo ekspresjonizm zostało po raz pierwszy użyte w monografii Paula Fechtera poświęconej „Die Brucke” i „Der Blau Reiter”. Później tym określeniem określano również Fauwów (1905-1910), dosłownie „zwierzęta” lub „dzikusy”, grupę francuskich malarzy, którzy mając za przywódcę i założyciela Henriego Matisse'a, wyróżniali się m.in. intensywne użycie koloru, dosłownie przekształcone w narzędzie komunikowania stanu emocjonalnego artysty. Na koniec warto podkreślić, że narracja o ekspresjonizmie nie kończy się wyłącznie na wspomnianych nurtach, ponieważ w latach 70. , Anselm Kiefer i Julian Schnabel. Wreszcie sukces ekspresjonizmu okazuje się namacalny także w sztuce współczesnej, czego dowodem są prace niektórych artystów Artmajeur, takich jak Erick Seror i Taco Eisma.
Erick Seror, Dark Black , 2022. Olej na płótnie, 81 x 65 cm.
Erick Seror: Ciemna czerń
Groteskowe, skruszone twarze, zapewne naładowane silnym poczuciem niepokoju, które wyróżniają dwoje głównych bohaterów Dark Black, czyli kobietę i żołnierza, zdają się powtarzać niemal w nieskończoność i w znacznie bardziej dramatyczny sposób w cierpiących portretach ułożone jednorodnie na podłodze, żałobne detale, które przypominają niepokojące miny bohaterów uwiecznionych przez Martwą naturę z maskami III Emila Nolde i Intrygę Jamesa Ensora. Oprócz tego połowicznego powinowactwa ze wspomnianymi wielkimi mistrzami ekspresjonizmu, artystka Artmajeura reaktywuje także temat mężczyzny w mundurze, kultowego bohatera obrazu Kirchnera Autoportret jako żołnierz , w którym znany niemiecki artysta z wojny ze względu na kruchą równowagę psychiczną, symbolicznie uwiecznił się z odciętą prawą ręką, dając początek jasnemu uświadomieniu sobie własnej gorzkiej porażki.
Picrate, święte przyjaźnie , 2022. Akryl na płótnie lnianym, 80 x 80 cm.
Picrate: Święte przyjaźnie
Twórczość Picrate pokazuje nam, w jaki sposób promowana przez ekspresjonizm introspekcja prowadzi także do produkcji prac nastawionych na uruchomienie komunikatów pozytywnych, czyli zdolnych do przełożenia na malarstwo tego spokoju, który wyróżnia zdrowsze i bardziej zrównoważone życie wewnętrzne. Dobrze ilustruje to, co zostało powiedziane, spokojne spojrzenie bohatera płótna, umieszczone w odprężonej twarzy, zdolne wzbudzić nawet ciekawość małego ptaka, zwierzęcia, które w razie niebezpieczeństwa z pewnością by uciekło. Zdecydowanym przeciwieństwem tego „hymnu do ciszy” jest inne intensywne zbliżenie męskiej postaci, reprezentowane przez słynny obraz Arnolda Schönberga zatytułowany „Czerwone spojrzenie” . W tym ostatnim arcydziele, prawdopodobnie autoportrecie artysty, przedstawiona jest hieratyczna i surowa męska twarz, która sprowadzona do zasadniczego kształtu trójkąta i wykonana podstawowymi pociągnięciami pędzla wyróżnia się dużymi czerwonymi oczami, zdolnymi przekazać dla widza niesamowity i ognisty blask naładowany udręką.
Taco Eisma, Jej słowa , 2022. Olej na płótnie, 60 x 50 cm.
Taco Eisma: Jej słowa
Wnętrze z postaciami stworzonymi przez Taco Eisma wyróżnia się przede wszystkim żywą i intensywną chromatyką, mającą na celu zwrócenie uwagi widza, aby wciągnąć go w szczególną i kontrowersyjną historię miłosną: gwiazda rocka relaksuje się w pokoju swojej dziewczyny, podczas gdy ona rozmawia z nim z ekranu ustawionego na ścianie. Ale czy on naprawdę słucha? Właśnie tę hamletyczną wątpliwość podsuwa nam sam artysta, którego twórczość cechuje przede wszystkim siła koloru, dążąca do materializacji w najbardziej absurdalnych atmosferach. Mówiąc o historii sztuki, innym wnętrzem, które wyróżnia się chromatyką, jest The Pink Studio autorstwa mistrza fauny, Henriego Matisse'a, środowisko, w którym różowy zajmuje prawie całą przestrzeń, tworząc z pracowni artysty coś w rodzaju złotego więzienia. Rzeczywiście, sam Matisse napisał do Marcelle Marquet w październiku 1941 roku: „Jestem za bardzo skupiony na tym, co robię. Nie mogę się z tego wydostać, dla mnie nie ma nic innego».
Olimpia Gaia Martinelli
