Podwyższenie Krzyża (1610–11) autorstwa Pietera Paula Rubensa

Pieter Paul Rubens, Autoportret , 1638 - 1639. Olio su tavola, 109,5×85 cm. Wiedeń: Kunsthistorisches Museum.

Kim był Pieter Paul Rubens?

Pieter Paul Rubens był flamandzkim artystą żyjącym w latach 1577-1640. Był jednym z najbardziej wpływowych malarzy barokowych swoich czasów, a jego prace znane są z dramatycznych i dynamicznych kompozycji, żywych kolorów i umiejętnego operowania światłem i cieniem. Rubens był również znany ze swojej zdolności do przedstawiania złożonych tematów alegorycznych i mitologicznych z dużą jasnością i szczegółowością. Oprócz pracy jako malarz, Rubens był także dyplomatą i uczonym i miał głęboki wpływ na sztukę i kulturę swoich czasów.

Pieter Paul Rubens, Autoportret z żoną Isabellą Brant, 1609-1610. Olej na płótnie, 174×143 cm. Monachium: Alte Pinakothek.

Jakich jest 5 cech stylistycznych Petera Paula Rubensa?

1. Dramatyczne wykorzystanie światła i cienia: Rubens był znany ze swojej zdolności do tworzenia dramatycznych efektów świetlnych na swoich obrazach. Często używał silnych kontrastów światła i cienia, aby stworzyć wrażenie głębi i trójwymiarowości w swoich postaciach.
2. Bogata i żywa paleta kolorów: obrazy Rubensa charakteryzują się bogatymi i żywymi kolorami. Często używał odważnych kolorów podstawowych i silnych kontrastów, aby tworzyć dynamiczne i uderzające wizualnie kompozycje.
3. Płynne i energiczne pociągnięcia pędzlem: Pociągnięcia pędzlem Rubensa były często luźne i wyraziste, z szerokimi, zamaszystymi pociągnięciami, które dawały wrażenie ruchu i energii. Był znany ze swojej zdolności do uchwycenia dynamicznych cech ludzkiej postaci w ruchu.
4. Nacisk na ludzką postać: Rubens był mistrzem ludzkiej postaci, a jego obrazy często zawierają bardzo realistyczne i anatomicznie precyzyjne przedstawienia ludzkiego ciała. Był szczególnie biegły w uchwyceniu muskulatury i ruchu swoich poddanych.
5. Barokowa teatralność: obrazy Rubensa często mają charakter teatralny, z bardzo dramatycznymi i emocjonalnie naładowanymi scenami. Był znany ze swojej zdolności do tworzenia poczucia wielkości i spektaklu w swoich kompozycjach, często z udziałem postaci większych niż życie i dramatycznych gestów.

Pieter Paul Rubens, Meduza , ok. 1618. Olej na desce, 68×119 cm. Wiedeń: Kunsthistorisches.

Styl barokowy

Styl barokowy pojawił się w Europie na początku XVII wieku i trwał do połowy XVIII wieku. Charakteryzuje się ozdobną, dramatyczną i imponującą estetyką, która miała wywołać u widza silne emocje.

Niektóre kluczowe cechy stylu barokowego to:

1. Ornamentyka: Sztuka barokowa jest bardzo ozdobiona wyszukanymi, skomplikowanymi detalami, takimi jak ozdobne wzory, misterne rzeźby i ekstrawaganckie ozdoby.
2. Dramatyczne oświetlenie: Artyści baroku często stosowali światłocień lub dramatyczne kontrasty światła i cienia, aby stworzyć wrażenie głębi i dramatyzmu w swoich pracach.
3. Kompozycje dynamiczne: Artyści baroku tworzyli kompozycje pełne ruchu i energii, często zawierające wirujące, skręcone formy i przesadne pozy.
4. Emocje: sztuka barokowa miała na celu wywołanie u widza silnych emocji, często poprzez użycie intensywnej mimiki, dramatycznych gestów i żywych kolorów.
5. Wielkość: sztuka barokowa była często zamawiana przez bogatych i potężnych mecenasów i jako taka często charakteryzowała się wielkimi, monumentalnymi projektami i imponującą skalą.
6. Motywy religijne: sztuka barokowa była ściśle związana z Kościołem katolickim, a wiele najsłynniejszych dzieł barokowych przedstawia sceny lub postacie religijne.

Pieter Paul Rubens, Konsekwencje wojny , 1637-1638. Olej na płótnie, 206×345 cm. Florencja: Galeria Palatynu.

Barokowy dynamizm

Barokowy dynamizm odnosi się do charakterystycznej energii i ruchu, które można znaleźć w sztuce i architekturze okresu baroku, który trwał od końca XVI wieku do połowy XVIII wieku. Okres ten znany jest ze swojego ozdobnego i dramatycznego stylu, charakteryzującego się wyszukanymi detalami, dramatycznym oświetleniem i poczuciem teatralności. Sztuka barokowa często charakteryzuje się dynamicznymi, pokręconymi formami i przesadnymi gestami, oddającymi poczucie ruchu i akcji. Ten dynamizm miał wywołać u widza silne emocje i stworzyć poczucie wielkości i dramatyzmu. Architektura barokowa charakteryzowała się również dynamicznymi formami i dramatycznym oświetleniem, z ozdobną dekoracją i zamaszystymi krzywiznami. Ogólnie rzecz biorąc, okres baroku charakteryzował się poczuciem energii i ruchu, wyrażającym się zarówno w sztuce, jak i architekturze.

Pieter Paul Rubens, Ogród miłości , 1630-1631.

Barok i religia

Religia odegrała znaczącą rolę w rozwoju stylu barokowego, zwłaszcza w katolickich krajach Europy. Okres baroku charakteryzował się silnym naciskiem na katolicką kontrreformację, która starała się umocnić wpływy katolickie w odpowiedzi na reformację protestancką. Kościół katolicki wykorzystał styl barokowy, aby przekazać swoją moc i autorytet, tworząc wyszukane, ozdobne przestrzenie, które miały budzić podziw i pobożność u wiernych.

Sztuka barokowa często przedstawiała motywy i historie religijne, z dramatycznymi, emocjonalnymi scenami, które miały zainspirować oddanie i pobożność. Prace te często charakteryzowały się teatralnością, przesadnymi gestami i dynamicznymi kompozycjami mającymi na celu przyciągnięcie uwagi widza i wywołanie silnej reakcji emocjonalnej.

Architektura barokowa była podobnie nastawiona na religię, z okazałymi kościołami i pałacami zaprojektowanymi tak, by wyrażać bogactwo i potęgę Kościoła i jego władców. Struktury te często miały wyszukaną dekorację, z ozdobnymi ołtarzami, freskami i rzeźbami wypełniającymi przestrzenie. Wykorzystanie światła i cienia było również ważnym aspektem architektury barokowej, z dramatycznymi efektami świetlnymi zaprojektowanymi w celu stworzenia poczucia podziwu i tajemniczości.

Ogólnie rzecz biorąc, religia była siłą napędową rozwoju stylu barokowego, a Kościół katolicki wykorzystywał sztukę i architekturę, aby przekazać swoją moc i wzbudzić pobożność wśród wiernych.

Pieter Paul Rubens, Gwałt na Leucypidach , 1615-1618. Olej na płótnie, 224×211 cm. Monachium: Alte Pinakothek.

Wpływ Rubensa i sztuki włoskiej

Sztuka włoska wywarła znaczący wpływ na styl Petera Paula Rubensa. Rubens, flamandzki malarz barokowy, był pod silnym wpływem włoskiej sztuki renesansowej, zwłaszcza dzieł Michała Anioła, Tycjana i Caravaggia.

Rubens udał się do Włoch w 1600 roku, gdzie studiował dzieła tych mistrzów. Szczególnie pociągało go dramatyczne wykorzystanie światła i cienia na obrazach Caravaggia, które włączył do swoich własnych prac. Rubens podziwiał także zmysłowość i bogactwo kolorów Tycjana, które naśladował we własnym użyciu koloru.

Ponadto Rubens był pod wpływem klasycznej tradycji sztuki włoskiej, zwłaszcza dzieł starożytnych artystów rzymskich i greckich. Do swoich obrazów włączył klasyczne elementy, takie jak użycie bohaterskich postaci, dynamiczne kompozycje i klasyczne motywy.

Pieter Paul Rubens, Wyrok Parysa , 1636. 144,8 cm × 193,7 cm. Londyn: Galeria Narodowa.

Tematy obrazkowe

• Mitologia: Rubensa szczególnie pociągała mitologia klasyczna i często przedstawiał sceny z legend greckich i rzymskich. Obrazy te zazwyczaj przedstawiają postacie większe niż życie zaangażowane w dramatyczną i dynamiczną akcję.
• Religia: Rubens był pobożnym katolikiem i przez całą swoją karierę stworzył wiele obrazów religijnych. Jego dzieła religijne często zawierają bardzo emocjonalne i dramatyczne sceny, z naciskiem na cierpienie i ofiarę Chrystusa i jego naśladowców.
• Historia: Rubens interesował się również wydarzeniami historycznymi i często malował sceny z historii starożytnej i współczesnej. Prace te często przedstawiają dramatyczne sceny batalistyczne lub wydarzenia polityczne i charakteryzują się dbałością o szczegóły i dokładnością historyczną.
• Portrety: Rubens był utalentowanym malarzem portretowym i stworzył wiele portretów bogatych i wpływowych osób swoich czasów. Jego portrety charakteryzują się szczegółowymi i realistycznymi przedstawieniami opiekuna, a także zdolnością do oddania osobowości i charakteru opiekuna.
• Krajobrazy: choć nie tak powszechne, jak niektóre inne jego tematy, Rubens stworzył wiele pejzaży w całej swojej karierze. Prace te często przedstawiają rozległe widoki i bujne, szczegółowe liście i charakteryzują się dbałością o szczegóły i poczuciem naturalizmu.

Pieter Paul Rubens, Podwyższenie Krzyża , 1610-11. Olej na drewnie, 462 cm × 341 cm. Antwerpia: Katedra Najświętszej Marii Panny.

Podwyższenie Krzyża (1610–11)

„Podniesienie Krzyża” to słynny obraz namalowany przez Petera Paula Rubensa w latach 1610-1611. Obraz przedstawia moment uniesienia Jezusa Chrystusa na krzyż i jest jednym z najsłynniejszych przykładów sztuki barokowej.

Obraz jest ogromny, mierzy około 462 cm × 341 cm i jest uważany za arcydzieło sztuki barokowej ze względu na dynamiczną kompozycję i wykorzystanie dramatycznego oświetlenia. Centralna postać Chrystusa ukazana jest w potężnej, dynamicznej pozie, z wykrzywionym w bólu ciałem i wyrazem agonii na twarzy.

Pozostałe postacie na obrazie, w tym żołnierze i złodzieje po obu stronach Chrystusa, również ukazane są w dramatycznych, dynamicznych pozach, z napiętymi mięśniami i wykrzywionymi w emocjach twarzami. Ogólny efekt to intensywny dramat i siła emocjonalna, ponieważ Rubens uchwycił moment ofiary Chrystusa z żywym realizmem.

„Podniesienie krzyża” jest doskonałym przykładem mistrzostwa Rubensa w stylu barokowym, który charakteryzuje się wielkością, dynamizmem i intensywnością emocjonalną. Obraz pozostaje ukochanym arcydziełem sztuki barokowej i świadectwem umiejętności Rubensa jako malarza.

Warsztat

To dzieło sztuki nie zostało w całości wykonane przez Petera Paula Rubensa, jak ma to miejsce w przypadku wielu dzieł Rubensa. Rubens był bardzo zajęty w latach, zanim przeniósł się do Antwerpii. Miał wiele zadań, które nie ograniczały się tylko do malowania. Rubens był odpowiedzialny za warsztat z hierarchią uczniów, asystentów i współpracowników, którzy wspólnie pracowali nad wykonaniem obrazu. Rubens wykonałby wszystkie szkice i plany prac powstających w jego warsztacie. Rubens zaczął tworzyć Podniesienie Krzyża, używając oleju i pędzla na małym talerzu. Ten szkic olejny, zwany także „modello”, został użyty jako przykładowy obraz, aby pokazać patronowi, jak wyglądałaby ogólna historia i obrazy. Mecenas zwracał szczególną uwagę na szczegóły ikonograficzne. Pomocnicy wykorzystali również modello jako przewodnik, aby rozpocząć pierwsze kroki w pełnowymiarowym malowaniu. „Elevation of the Cross” Rubensa nie wprowadzono żadnych dużych zmian w wyglądzie, ale zmieniono kilka drobnych rzeczy, na przykład miejsce, w którym znajduje się krzyż. Rubens zmienił postać na prawym skrzydle z uciekającego Niobida w modello na syna Niobe leżącego na ziemi w tryptyku antwerpskim. Drastycznie zmniejszając tę figurę, mógł pokazać ówczesnym znawcom sztuki, że jest mistrzem w swoim fachu. Gdy pomocnicy ustawili ogólny układ, Rubens zwrócił uwagę na ludzi na obrazie. Na tym etapie Rubens rysował kredą, podczas gdy żywe modele stały przed nim w pozach zaplanowanych w modello. Ten zestaw oddzielnych rysunków wraz z modello posłużył do wykończenia dużego obrazu. Gdy asystenci skończyli swoje role, Rubens zadbał o to, aby poprawić każde zdjęcie.

Mniejsza wersja „Podniesienia Krzyża”.

Mniejsza wersja

Tytuł mniejszego obrazu olejnego na papierze tryptyku to także „Podniesienie Krzyża”. Początkowo miał wymiary 60 x 126,5 cm, później został wykonany 70 x 131,5 cm. To mniejsze zdjęcie jest przykładem zmienionej wersji powyższego tryptyku. Ten obraz został również wykonany przez Rubensa. Ukończył go około 1638 roku i dał Hansowi Witdoeckowi do wykorzystania jako model. Mniejszy obraz różni się od oryginału tym, że w całej kompozycji został dodany akcent kolorystyczny. Największą różnicą między obrazem z 1611 r. a tym z 1638 r. jest to, że obraz z 1638 r. nie ma ram. Pozbycie się przerw poprawiło płynność sceny. Dodano osoby, których nie było w pierwszej wersji, a także wprowadzono pewne zmiany w scenerii. Ze względu na rozmiar niektórzy uważają, że obraz powstał jako osobny element Podwyższenia Krzyża i został podarowany Cornelisowi van der Geestowi. Obraz jest teraz częścią stałej kolekcji w Art Gallery of Ontario. Został kupiony od George'a Holforda w 1928 roku.