Kobieta leżąca na kanapie (2018), obraz Jianxing Li
Sztuka bez granic: innowacje artystyczne z Azji
Sztuka Azji Wschodniej i Południowo-Wschodniej, charakteryzująca się szeroką gamą stylów i technik, które ewoluowały na przestrzeni wieków, obejmuje różnorodne interpretacje, od powrotu do starożytnych tradycji po najnowocześniejsze formy ekspresji artystycznej. Kraje takie jak Chiny, Japonia, Korea Południowa i Mongolia wnoszą swoje unikalne wpływy kulturowe i historyczne, znacząco kształtując i nadal wzbogacając światową scenę artystyczną.
W dzisiejszym krajobrazie artystycznym narody te okazują się żyznym gruntem dla innowacji i eksperymentów zarówno z mediami tradycyjnymi, jak i nowoczesnymi. Japońscy artyści, tacy jak Takashi Murakami i Yayoi Kusama, a także chińscy mistrzowie, tacy jak Ai Weiwei i jego potężny aktywizm artystyczny, to tylko niektóre z nazwisk, które osiągnęły międzynarodową sławę. Dołączają do nich fotograf z Azji Południowo-Wschodniej Dinh Q. Lê, znany ze swoich prac zgłębiających pamięć zbiorową i tożsamość, oraz artysta wizualny Arahmaiani, którego twórczość koncentruje się przede wszystkim na kwestiach społecznych.
Nadszedł czas, aby zagłębić się w prace dziesięciu malarzy i rzeźbiarzy na Artmajeur, których artystyczne eksperymenty na nowo definiują, co to znaczy być azjatyckim artystą na współczesnej scenie, oferując pionierskie podejście, którego nie znajdziesz nigdzie indziej w świecie sztuki.
SLOW DOWN V (2020) Malarstwo Bin Xu
Spokojne dialogi: eteryczny świat Xu Bin
Urodzony w 1969 roku w Guang'an w prowincji Syczuan w Chinach, Xu Bin ukierunkował swoją artystyczną egzystencję na ciągłe eksperymenty przepełnione innowacjami i wirtuozerią. Po uzyskaniu dyplomu na Wydziale Sztuk Pięknych Southwest Normal University, Xu doskonalił swoje rzemiosło przede wszystkim w malarstwie olejnym, czerpiąc inspirację z żywych palet mistrzów impresjonizmu i postimpresjonizmu, takich jak Monet i Seurat. Z biegiem czasu umiejętnie interpretował przykłady ikon modernizmu, takich jak Matisse, Picasso, Dalí i Chagall, łącząc je z wpływami chińskiej tradycji figuratywnej. To właśnie z tego splotu różnorodnych nurtów wyłonił się jego najbardziej osobliwy i dojrzały głos artystyczny.
Repertuar Xu Bin to kalejdoskop intensywnych kolorów, jakby przepuszczonych przez zasłonę snów, z częstym wykorzystaniem różowych i fioletowych odcieni tła i skóry jego postaci. Mocno wyłaniają się także zielenie i błękity, podkreślające eteryczną aurę jego twórczości. Jego postacie mają charakterystyczne cechy, niemal maski, z dużymi ustami i długimi nosami, którym często towarzyszą przesadne proporcje ciała. Każda postać, zaczerpnięta z onirycznego i niespotykanego dotąd świata, wydaje się poruszać pomiędzy tym, co ulotne, a tym, co namacalnie realne.
Prace Xu, oprócz uchwycenia elegancji postaci ukazanych w różnych kontekstach, czasami sprzyjają także refleksji nad palącymi tematami społecznymi i metamorfozami kulturowymi, stanowiąc zwierciadło teraźniejszości i okno na futurystyczne wizje życia i technologii. Każdy utwór, niezależnie od poruszanego tematu, stanowi odę do elegancji, wyrafinowania i wyjątkowości, demonstrując ciągłe zaangażowanie Xu Bin w kształtowanie sztuki, która jest zarówno refleksyjna, jak i osobista.
„Slow down V” jest przykładem charakterystycznego stylu malarza: kompozycja o żywych i marzycielskich kolorach przedstawia kobietę leżącą na klifie, zanurzoną w spokojnym i spokojnym otoczeniu. Obok niej zamyślony ptak przysiada, jakby uważnie słuchał jej słów. Kobieta i ptak wydają się prowadzić dialog, tworząc intymną i kontemplacyjną atmosferę. W tle łódź unosi się na morzu, dopełniając scenę poczuciem spokoju i bezruchu, jakby czas się zatrzymał.
Ale o czym mogła rozmawiać kobieta i ptak? Być może miłość, biorąc pod uwagę intymność i spokój, które przenikają tę scenę? Nie możemy tego wiedzieć na pewno, ale delikatna atmosfera i ich delikatnie przemyślane zachowanie skłaniają nas do myślenia, że rzeczywiście może to dotyczyć miłości.
Aoi Song, koło. Malarstwo Ma Guo Donga
Dualizm wyobraźni: porównanie Bin Xu i Ma Guo Donga
Porównanie „Slow down V” Bin Xu z „Aoi Song, the Wheel” Ma Guo Donga uwydatnia dwa wyjątkowe i odrębne światy artystyczne, w których obaj malarze kształtują postacie zaczerpnięte z ich wyobraźni. Podczas gdy Bin Xu przenosi nas do onirycznego i równoległego wszechświata, Ma Guo Dong wydaje się opowiadać epizody przypominające opowieści lub „winiety z komiksów”. Co więcej, chociaż Ma Guo Dong, podobnie jak Bin Xu, używa żywych kolorów, stosuje bardziej narracyjne, konkretne, dynamiczne, żywe i pełne przygód podejście, którego celem jest nadanie kształtu poprzez stworzenie estetyki łączącej symbolikę kulturową ze współczesnym językiem wizualnym.
Niemniej jednak obu artystom udaje się nadać swoim twórczościom głębokie znaczenia do tego stopnia, że porównanie Bin Xu i Ma Guo Donga ujawnia dwa różne, ale uzupełniające się podejścia do twórczości artystycznej, gdzie wyobraźnia jest wspólnym wątkiem doświadczeń wizualnych i refleksji nad rzeczywistością.
Na koniec, jeśli chodzi o Ma Guo Donga, współczesnego chińskiego malarza znanego ze swoich wyjątkowych i żywych dzieł, ukończył on Wydział Projektowania Artystycznego w Taishan Medical College w Taian City (Chiny). Poprzez swój charakterystyczny styl i chińskie odniesienia kulturowe zgłębia tematy życia, światła i nadziei, nadając swoim dziełom głębokie znaczenia i witalność. Jego twórczość, charakteryzująca się także fuzją i integracją elementów symbolicznych, była wystawiana przy różnych okazjach i gromadzona przez galerie i artystów o międzynarodowej sławie.
Żaba (2016) Rzeźba autorstwa Dongbeoma
ODA DO GALANTY (2022) Rzeźba autorstwa Zhao Yongchanga
Tematy zwierzęce we współczesnej rzeźbie: porównanie Dongbeoma Lee i Zhao Yongchanga
Tradycja rzeźbiarska Azji Wschodniej i Południowo-Wschodniej ma głębokie korzenie i rozwijała się na przestrzeni wieków, utrzymując silny związek z symboliką i duchowością. Dziś to dziedzictwo nadal wpływa na współczesnych artystów, którzy łączą tradycyjne techniki z nowymi formami ekspresji. Emblematycznymi przykładami takiej sztuki są dzieła Dongbeoma Lee i Zhao Yongchanga: „Żaba” i „Oda do waleczności”. Obie rzeźby przedstawiają zwierzęta w sposób odzwierciedlający odmienne wizje i wpływy kulturowe artystów.
Począwszy od „Żaby” Dongbeoma Lee, w pracy wykorzystano figurę geometryczną w kolorach przypominających Mondriana, zaprojektowaną tak, aby „uwięziła” i podtrzymała w niej zwierzę, przekształcając je w rzeźbę z podstawą. Żaba ułożona jest z głową niżej niż tułów, jakby została „złapana” w trakcie nurkowania w stawie. Taka aranżacja tworzy silną więź z kamienną podporą, sugerując dynamiczną interakcję formy z elementem naturalno-zwierzęcym, skłaniając jednocześnie do refleksji nad równowagą pomiędzy sztucznością i naturalnością.
Z drugiej strony rzeźba Zhao Yongchanga „Oda do waleczności” eksploruje inny rodzaj „powiązania”: ciało chłopca i konia-smoka. W tej pracy duże zwierzę podporządkowuje się postaci ludzkiej, nawiązując do mitologicznych opowieści, w których często siła i odwaga bestii ustępują racjonalności i sprawiedliwości człowieka. Scena ta oddaje zatem dynamiczny i pełen mocy moment, odzwierciedlając odwieczne motywy bohaterstwa i przygody.
Następnie staje się jasne, że w obu pracach wybór przedstawienia zwierząt z głowami położonymi niżej niż tułów miał na celu nie tylko stworzenie wizualnego połączenia z elementem przynależności do środowiska, ale także pobudzenie do głębszej refleksji, mającej na celu skłonienie nas do zakwestionowania rzeczywistą rolę istot żywych w kontekście, w którym działają. Kończy się to refleksjami, które mają skłonić nas do dualistycznego myślenia o opozycji tego, co naturalne i sztuczne, siły i mądrości oraz wolności i kontroli.
BEZWARUNKOWA POTRZEBA HARMONII (2013) Malarstwo Nomina
Córka chińskiej szlachty (2023) Obraz Huixi Yu
YU003 (2023)Malowanie autorstwa Hanga
Portrety kobiet: porównanie Mongolii i Chin
Aby porównać trzech azjatyckich artystów z Mongolii i Chin, zdecydowałam się przyjrzeć ich zbiorowi prac o tematyce kobiecej, kontrastując ich odmienne podejście do tematu. To porównanie rzuca światło na charakterystyczne techniki i wizje kulturowe Nomin, Huixi Yu i Hang, oferując bogaty i pełen niuansów przegląd reprezentacji kobiet w sztuce współczesnej.
Poczynając od mongolskiej artystki Nomin Bold, która w osobistej interpretacji surrealizmu przedstawia podwójny portret kobiety („Bezwarunkowa potrzeba harmonii”, 2013), zapewne w zamierzeniu nawiązującym do dualizmu dobra i zła. Dwie postacie, jedna czerwona z rogami, druga niebieska z aureolą, są bogate w szczegóły i ozdobione fantazyjnymi postaciami, nadając im lekki, przyjazny i beztroski charakter. Co ważne, to właśnie wyprostowana pozycja i symetria obojga przedstawionych osób emanują poczuciem równowagi i harmonii, pomimo podkreślonego kontrastu między ich przeciwstawnymi naturami.
Chiński artysta Huixi Yu przedstawia ekspresjonistyczną wizję zatytułowaną „Córka chińskiej szlachty”, która odtwarza cechy kobiety z przeszłej tradycji jego kraju. Osiąga się to poprzez połączenie farb akrylowych, markerów akrylowych i malarstwa olejnego, mediów artystycznych, które również przybierają specyficzne formy liniowe, szczególnie rozmieszczone wokół szyi i twarzy modelki, wywołując obecność podobnych „włókien tkaniny”. Wreszcie stojąca postać, ukazana z wdziękiem i powściągliwością, pozostawia „minimalistyczny” charakter scenerii otwarty na interpretację obserwatora.
Praca Hanga „Yu003”, również chińskiej artystki, przyjmuje podejście „ekspresjonistyczne”, w którym postać kobieca jest podzielona na pola kolorów, co ma stworzyć efekt mozaiki. Ten rodzaj przedstawienia, po części nawiązujący do kubizmu, służy odzwierciedleniu wewnętrznego świata podmiotu, nadaniu mu kształtów i kolorów zdolnych wywołać ukryte emocje i myśli. W przeciwieństwie do pozostałych dwóch prac, kobieta jest przedstawiona w pozycji leżącej, w ściśle określonym pomieszczeniu. Ten kontrast w postawie i kontekście podkreśla moment większej intymności i bezbronności, który wyraźnie ma na celu przedstawienie bardziej osobistego i introspektywnego spojrzenia na kobiecą sylwetkę.
Ja, ja (2022) Malarstwo Jianxing Li
Chiński realizm i sztuka Jianxing Li
Praca Jianxing Li „Ja, ja” to urzekający obraz dwóch chłopców ubranych w sportowe ubrania siedzących na krzesłach w szkolnej scenerii. Obraz uwiecznia chwilę spokojnej introspekcji, którą dodatkowo pogłębia mistrzowskie wykorzystanie realistycznego koloru i pieczołowicie szczegółowa kompozycja. Poważne i zamyślone twarze chłopców emanują głębią myśli, która zachęca widza do refleksji. Symetryczny układ ich postaw w połączeniu z uporządkowanym otoczeniem sugeruje poczucie harmonii i spokoju. Jianxing Li wykorzystuje delikatne odcienie i rozproszone światło, aby stworzyć spokojną i kontemplacyjną atmosferę, jakby czas się zatrzymał, aby pozwolić młodym ludziom zanurzyć się w myślach.
Skąd jednak bierze się to ostrożne podejście do wiarygodności podmiotu obrazowego? Aby to zrozumieć, musimy przyjrzeć się bogatemu dziedzictwu chińskiego realizmu, tradycji głęboko zakorzenionej w historii artystycznej kraju. Styl ten często charakteryzuje się szczegółowym i precyzyjnym przedstawieniem życia codziennego i ludzkich doświadczeń, co zyskało znaczną popularność i konkretny rozwój w XX wieku. Rzeczywiście, pod wpływem europejskich mistrzów, chińscy artyści stopniowo rozwinęli unikalny język wizualny, który łączy tradycyjne elementy z nowoczesnymi technikami, tworząc dzieła wiernie odzwierciedlające współczesną kulturę i społeczeństwo.
Podkreślając kilka znanych przykładów: malarz Liu Xiaodong tworzy obrazy, które ukazują chwile z życia codziennego, często eksplorując tematy zmian społecznych i kulturowych; Chen Yifei słynie z realistycznych portretów i krajobrazów, charakteryzujących się dużą dbałością o szczegóły i mistrzowskim wykorzystaniem światła; oraz Wang Yidong, który koncentruje się na tematyce wiejskiej i tradycyjnej, wykorzystuje szczegółowy realizm, aby zgłębić piękno prostego życia. W ten sposób ci artyści, w tym wspomniany już Jianxing Li, przyczyniają się do utrzymania żywego i dynamicznego chińskiego realizmu.
W środku życia4(2023)Malarstwo Lu Shou Hui
ASSYMETRIA NATURY (2022)Malarstwo Shurena
Chińska i mongolska sztuka abstrakcyjna
Sztuka abstrakcyjna w Chinach i Mongolii podążała odrębnymi ścieżkami, odzwierciedlając różne tradycje kulturowe i historyczne każdego kraju. W Chinach ruch ten zaczął się poważnie rozwijać w XX wieku, czerpiąc z europejskich awangard, choć jego korzeni należy doszukiwać się w technikach malarskich tuszem panujących dynastii Tang (618-907) i Song (960-1279). Jednakże w Mongolii abstrakcja jest zjawiskiem nowszym, choć tradycja artystyczna tego kraju, pod wpływem nomadyzmu i buddyzmu, zawsze faworyzowała symboliczne i stylizowane przedstawienie rzeczywistości. Dopiero w latach 90., wraz z upadkiem reżimu komunistycznego i otwarciem Mongolii na świat, mongolscy artyści zaczęli eksperymentować z nowymi formami wyrazu, w tym z abstrakcją.
Jeśli chodzi o malarzy Artmajeur, „W środku życia” Lu Shou Hui, należący do serii „Średniowiecze”, jest abstrakcyjnym i symbolicznym przedstawieniem wyzwań wieku średniego. Artystka tak naprawdę wyjaśnia, w jaki sposób proces powstawania obrazu przypominał manipulację kawałkiem gliny. Na tej powierzchni dłonie pozostawiają głębokie i trwałe ślady, które mają symbolizować niewidzialne siły kształtujące upływ czasu na skórze człowieka. Podobnie blizny i deformacje gliny reprezentują również niepokoje, bezradność i ból, które charakteryzują drugą fazę życia.
Pod względem technicznym Lu Shou Hui posługuje się tradycyjnymi chińskimi narzędziami malarskimi, takimi jak pędzel i tusz, które łączy z elementami zachodniego ekspresjonizmu abstrakcyjnego, takimi jak tęczowe linie kompozycji. Nie sposób jednak przeoczyć obecności igieł, które przebijają formy, metaforyzując po raz kolejny niepokój, rozpacz i ból, które często nękają ludzi w średnim wieku.
Z kolei „Asymmetry of Nature” Shurena przedstawia stylizowany akt w symetrycznym zestawieniu z naturą, gdzie kobiece ciało ludzkie wydaje się w jakiś sposób „inne”, a ściślej mówiąc, abstrakcyjne. Shuren, współczesna malarka mongolska, znana jest ze swojej pasji do portretowania kobiet, uchwycenia piękna i głębi ich dusz. Jej wczesne prace często przedstawiały pulchne postacie kobiece, przepojone poczuciem siły pomimo smutnych i odległych oczu.
Jednak ostatnio styl Shuren ewoluował w kierunku bardziej kolorowego i radosnego spojrzenia na życie, w którym kobiety niosą przesłanie o odporności i efemerycznym pięknie, sugerując, że chociaż mogą doświadczać chwil intensywnego zamieszania, spokój zawsze powróci.
Jest oczywiste, że obie prace podejmują głębokie tematy za pomocą abstrakcji, a jednocześnie poruszają zupełnie różne punkty widzenia i problemy. Podejścia te, choć różne, uzupełniają się, ponieważ odzwierciedlają różne aspekty ludzkiego doświadczenia na ziemi.
Olimpia Gaia Martinelli
