Kobiety sztuki

Ziesook You, Zapach Broq-pa , 2021. Fotografia cyfrowa na papierze, 61 x 61 cm.

Najbardziej znane kobiety w sztuce

Niestety, nasza historyczna przeszłość artystyczna często przyćmiewała, pomijała i ukrywała znaczenie i wagę, jakie wywiera w niej „piękniejsza płeć”. W rzeczywistości lista artystek, w porównaniu z mężczyznami, okazuje się skromna i niepełna, ponieważ zbyt często są one wykluczane z najpopularniejszych książek, muzeów, wydarzeń i nurtów artystycznych. W tym kontekście konieczne wydaje się wydobycie na światło dzienne, a tym samym na pamięć, twórczości kobiet w świecie sztuki, w celu jej ostatecznego lub dalszego uwidocznienia i rozpoznania.

Natalie Levkovska, Ogród Zaginiony Eden , 2022. Gwasz / ołówek na papierze, 52 x 72 cm.

Alexandra Battezzati , Olimpia , 2021. Akryl na płótnie, 60 x 80 cm.

Jak i dlaczego kobiety były tak często wykluczane ze świata sztuki?

W okresie renesansu ośrodkami sztuki były wówczas Włochy i Flandria, miejsca, w których stały podział ról damsko-męskich był wyraźny i wyraźny: działalność tych pierwszych należała do sektora publicznego, drugich został zdegradowany wyłącznie do sfery domowej. W tej grze o władzę znalazły się jednak bardzo odważne i utalentowane kobiety, których praca, choć stosunkowo mało znana, zasługuje na podkreślenie. Na przykład w tej epoce swoją twórczością wyróżniał się Sofonisba Anguissola, czyli pierwszy włoski malarz, który osiągnął prawdziwą międzynarodową sławę. Rzeczywiście, ona, która została wyróżniona za swoje realistyczne portrety, zdołała wyrobić sobie sławę na dworach włoskich i europejskich, gdzie zdobyła przychylność władców. Niemniej jednak, w przeciwieństwie do swoich kolegów-mężczyzn, Sofonisbie nigdy nie płacono gotówką, a jedynie prezentami lub rentami. Na uwagę zasługuje kariera artystyczna tego malarza, która przyczyniła się do pojawienia się innych artystek, wśród nich znanej Artemisia Gentileschi, pierwszej kobiety przyjętej do prestiżowej Accademia del Disegno we Florencji. Pomiędzy XVII a XVIII wiekiem warto zwrócić uwagę na badania figuratywne Rosalby Carriery, weneckiej malarki słynącej z tego, że była jedną z głównych interpretatorek techniki pastelowej, dzięki której wykonała bardzo piękne portrety w stonowanych barwach, które zyskały jej uznanie nawet od króla Francji Ludwika XV. Z kolei świat romantyczny naznaczony jest osobowością Angeliki Kauffmann, szwajcarskiej malarki, która wyrobiła sobie markę portretową i dzięki niewątpliwemu talentowi została członkiem-założycielem Królewskiej Akademii im. Arts w Londynie, gdzie wraz z Mary Moser była jedyną kobiecą obecnością dopuszczoną do XX wieku. Ponadto między XVIII a XIX wiekiem na uwagę zasługuje również twórczość Élisabeth Vigée Le Brun, ostatniej malarki de l'ancien régime oraz Adélaïde Labille-Guiard, malarki i rewolucjonisty. Następnie regres emancypacji kobiet, zapoczątkowany wcześniej przez rewolucję francuską, został ponownie potwierdzony przez moralistyczne wartości epoki rewolucji przemysłowej, okresu, w którym mężczyźni mieli prawo do „kreacji”, a kobiety do „prokreacji”. Między połową XIX a początkiem XX wieku kobiety zaczęły jednak narzucać swoją obecność w sferze artystycznej, o czym świadczą słynni impresjoniści Berthe Morisot, Mary Stevenson Cassatt i Eva Gonzalès. Rzeczywiście, to właśnie od XX wieku rozpoczęła się emancypacja kobiet w sztuce, dzięki czemu po raz pierwszy paryski Związek Malarek i Rzeźbiarek wezwał do przyjmowania kobiet do miejskich instytutów, akademii sztuk pięknych i szkół plastycznych. . Mimo to taki trening nie miał decydującego wpływu na kariery kobiet sztuki, ponieważ prawdziwa twórczość artystyczna rozwinęła się gdzie indziej: w okresach awangard, orfickiego kubizmu, precyzji i art deco artystki brały udział we wszystkich nurtach, w obrębie z których wyłoniły się wybitne osobistości, takie jak Natalia Gonczarowa, Tamara Łempicka, Sonia Terk Delaunay czy Giorgia O'Kleefe.

Rita Melo, Error III , 2021. Olej na płótnie, 50 x 50 cm.

Véronique Colin, Dziwna wiosna , 2020. Akryl na płótnie, 70 x 70 cm.

Niektóre kobiety w sztuce współczesnej

Wzmocnienie pozycji kobiet na zawsze zmieniło świat sztuki; w rzeczywistości jest obecnie wiele kobiet, które mają wpływ na jej trendy, style, techniki i rynek, takie jak: Amy Sherald, amerykańska malarka, która pracuje głównie jako portrecistka, uwieczniając Afroamerykanów w codziennych kontekstach; Andrea Bowers, wszechstronna amerykańska artystka, która pracuje w różnych mediach, w tym wideo, rysunku i instalacji; oraz Avery Singer, amerykańska artystka znana z tworzenia cyfrowych obrazów wspomaganych przy użyciu oprogramowania do modelowania 3D i sterowanego komputerowo aerografu. Pomimo tak dużej liczby artystek, z pewnością najbardziej wpływowa naszych czasów jest Marina Abramović, czyli, jak sama siebie nazywa, „babcia sztuki performance”, której często ekstremalne performansy na zawsze zmieniły koncepcje sztuki, reprezentacji i performansu. .

Młody Park, Siedząc na niebieskim krześle , 2022. Akryl na płótnie lnianym, 145,5 x 97 cm.

3 artystki na Artmajeur

Liczba artystek prezentowanych na Artmajeur jest co najmniej wykładnicza i z wielką siłą demonstruje aktywizm „piękniejszej płci” zarówno w sztuce współczesnej, jak i wspomnianej galerii. Wśród tych wszystkich bohaterek można wyróżnić twórczość malarek: Carla Sá Fernandes, Isabelle Lebret i Val Escoubet.

Carla Sá Fernandes, Kreacja emocjonalna #342 , 2022. Akryl na płótnie, 100 x 200 cm.

Carla Sá Fernandes: Emocjonalna kreacja #342

Carla Sá Fernandes to portugalska malarka urodzona w 1971 roku, której kreatywność materializuje się w produkcji dużych abstrakcyjnych płócien, charakteryzujących się rozległą, intensywną, witalną i radosną gamą chromatyczną ułożoną w pionowe linie. Ten rodzaj poszukiwań artystycznych ma na celu wyrażenie, poprzez autentyczne, natychmiastowe i spontaniczne pociągnięcia pędzlem, najbardziej intymnych przeżyć i emocji artysty. To, co zostało powiedziane, dobrze ilustruje praca Kreacja emocjonalna #342 , w której na dużym płótnie układają się precyzyjne i różnorodne linie kolorystyczne w pionie, co może kojarzyć się z jasną i radosną abstrakcyjną tęczą. Rzeczywiście, podobnie jak z doznaniami związanymi z widokiem wspomnianego wcześniej zjawiska optyczno-atmosferycznego, praca przekazuje nam energię, pozytywność, dynamizm, nadzieję, pogodę ducha, a przede wszystkim ogromną radość życia.

Isabelle Lebret, Medytacja, 2017. Olej na płótnie, 60 x 60 cm.

Isabelle Lebret: Medytacja

Isabelle Lebret to francuska malarka urodzona w 1964 roku, której twórczość artystyczna koncentruje się przede wszystkim na badaniu ludzkiego ciała, które jest renderowane, uchwycone i eksplorowane za pomocą realistycznej techniki olejnej, realizowanej poprzez kolejne gęste i zróżnicowane warstwy koloru. Rzeczywiście, postacie uwiecznione przez Lebreta charakteryzują się wnikliwym badaniem ich anatomicznych falistości, które w tym szczególnym kontekście są całkowicie zabarwione na niebiesko. Dzięki tej ostatniej kojącej barwie widz obserwujący bohaterów płócien może osiągnąć stan kontemplacyjnego relaksu bliski medytacji. Typowym wyrazem tego modus operandi jest praca Medytacja , w której oprócz koloru niebieskiego i wijących się form ludzkiego ciała, atmosferę skrajnego spokoju nadaje sama poza kukły, która skuliła się na sobie. wydaje się poszukiwać prawdy wywodzącej się z intensywnej introspekcji.

Val Escoubet, Powrót do korzeni , 2021. Akryl na płótnie, 90 x 130 cm.

Val Escoubet: Powrót do korzeni

Val Escoubet, francuska artystka urodzona w 1965 roku, jest współczesną malarką o wyjątkowym stylu, ponieważ jej prace łączą w bezprecedensowy i bardzo osobisty sposób czarno-biały realizm postaci z tłem i motywami z wyraźnym „popowym” " smak. W rzeczywistości jego produkcja artystyczna, mająca na celu uwiecznienie beztroskich postaci uchwyconych w chwilach codziennego życia, jest czysto estetyczna, lekka i komercyjna, czyli nierozerwalnie związana ze słodką powierzchownością naszego społeczeństwa. Mówiąc o procesie twórczym, Escoubet ma w zwyczaju rozpoczynać swoje prace od inspiracji czarno-białymi fotografiami, które następnie przenosi za pomocą farby na płótno. Następnie wykorzystuje kolor tła, a czasem nawet niektórych szczegółów postaci, tworząc bogatą głębię wielu niuansów. Przykładem tego jest obraz Back to the root s, w którym „punk” w londyńskim stylu zostaje uwieczniony podczas zapalania papierosa z butelki. Zbuntowana bohaterka pracy pokazuje całą swoją pewność siebie, ubrana w T-shirt z anarchistycznym symbolem, który okazuje się być jedynym detalem jej postaci, który nabrał koloru. W rzeczywistości najintensywniejsze niuanse skupiają się w tle, gdzie grafitti i murale wybijają się z mocą, doskonale współgrając z duchem transgresji głównego tematu.