NIEZAPOMNIANY TY (2024) Obraz Chantal Proulx
W rozległym wszechświecie sztuki obecność kobiet przeszła krętą i głęboko ewolucyjną ścieżkę. Historycznie rzecz biorąc, kobiety często były wykluczane z dominujących kręgów artystycznych, spychając ich wkład do ról marginalnych lub ograniczając je do anonimowości. Dopiero w ostatnich stuleciach, dzięki nieustannej walce o emancypację i uznanie, artystki zaczęły domagać się zasłużonego miejsca w świecie sztuki.
Przejście od ciemności do afirmacji było pełną wyzwań podróżą, naznaczoną barierami społeczno-kulturowymi, które uniemożliwiały kobietom swobodne wyrażanie swojego talentu. Ograniczenia akademickie i ograniczony dostęp do mecenasów, niegdyś zarezerwowane wyłącznie dla mężczyzn, były znaczącymi przeszkodami, które spowolniły wzrost liczby kobiet w świecie sztuki. Jednak począwszy od XX wieku wkład kobiet zaczął być szerzej uznawany, częściowo dzięki pojawieniu się ruchów na rzecz praw kobiet, które promowały większą równość płci.
Dziś dzięki platformom takim jak Artmajeur jesteśmy świadkami coraz bardziej zrównoważonej i zróżnicowanej reprezentacji, w której artystki po mistrzowsku operują w każdym medium artystycznym. Malarstwo, rzeźba, fotografia, rysunek, kolaż, sztuka tekstylna i sztuka cyfrowa to tylko niektóre z dziedzin, w których kobiety odcisnęły i nadal pozostawiają niezatarty ślad.
W tych właśnie dziedzinach artyści Artmajeur reprezentują wyjątkową gamę talentów, eksplorując i przekształcając różne media, pokazując, jak sztuka może być potężnym narzędziem ekspresji i zmiany. Każda praca rzuca wyzwanie tradycyjnemu postrzeganiu i poszerza horyzonty tego, co jest możliwe, potwierdzając kluczową rolę kobiet w ciągłym definiowaniu i odnawianiu współczesnego krajobrazu artystycznego.
Jesteśmy teraz gotowi eksplorować kobiecą perspektywę za pośrednictwem różnych mediów, analizując i porównując prace malarzy, rzeźbiarzy, fotografów i innych artystów na Artmajeur. Gotowi do startu start!
Trzej malarze, którzy przepisują sztukę
Zaczynając od malarstwa, przyjrzeliśmy się unikalnemu podejściu do twórczości trzech wyjątkowych artystów, z których każdy ma odrębną wizję. Ta sama analiza zostanie rozszerzona na rzeźbę i fotografię, gdzie będziemy badać różnorodne formy ekspresji artystycznej poprzez prace innych utalentowanych twórców. W przypadku pozostałych dyscyplin – rysunku, kolażu, tekstyliów i sztuki cyfrowej – wybierzemy dla każdej z nich po jednym przedstawicielu, podkreślając ich wyjątkowy wpływ.
LUSTERKO (2023) Malarstwo Agnese Kurzemniece
KIEDY GŁOWA JEST W CHMURACH (2023) Malarstwo Agnes Kurzemniece
Malarstwo Agnese Kurzemniece , artystki mieszkającej i pracującej w Rydze (Łotwa), głęboko zgłębia temat kobiecości w zmieniającym się, „ekspresjonistycznym” i surrealistycznym środowisku, poprzez intensywnie osobistą, niemal symboliczną perspektywę. Początkowo kształciła się w Liceum Artystycznym Janis Rozentāls w Rydze, a później doskonaliła malarstwo i grafikę w Łotewskiej Akademii Sztuki, Agnese w ostatnich latach skupiła się na malarstwie akrylowym, kontynuując i rozwijając tematy zapoczątkowane w jej wczesnych pracach graficznych.
Analizując dwa obrazy Agnese Kurzemniece „Odbicie lustrzane” (2023) i „Kiedy głowa jest w chmurach” (2023), można dostrzec wyraźne powtórzenia stylistyczne i tematyczne, które niemal syntetyzują cały korpus prac artystki.
W „Mirroring” wyraźna jest postać młodej kobiety obserwującej swoje odbicie w lustrze. Scenę tę przenika pogodny spokój, oddany poprzez zastosowanie „miękkiej” i harmonijnej palety barw, która delikatnie otacza postać subtelnym światłem, sugerując intymność i refleksję. Dodatkowo kompozycja zachęca do kontemplacji, podkreślając zamyślony i poważny wyraz podmiotu, całkowicie pogrążonego w autorefleksji. Obraz przywołuje także elegancję i spokój, wrażenia wynikające z kontrolowanego użycia stonowanych tonów, które ożywają w starannie przemyślanym kontekście.
Podobnie „When Your Head Is in the Clouds” prezentuje surrealistyczną atmosferę, gdzie twarz kobiety umieszczona wśród poruszających się zielonych chmur przenosi widza w oniryczny świat. Postać z wydłużoną szyją i pogodnym wyglądem również tworzy aurę tajemniczości i uroku, wyróżniając się na zielono-różowym tle, które ma dodać głębi scenie. Cała wizja wywołuje zachwyt i zdumienie w kontekście wyimaginowanego, eterycznego krajobrazu.
Ostatecznie okazuje się, że obie prace ukazują umiejętność Kurzemniec eksplorowania wątków związanych z kobiecą tożsamością i postrzeganiem siebie w różnych kontekstach, zachowując spójność stylistyczną łączącą realizm z elementami surrealistycznymi. Tak naprawdę, podczas gdy „Mirroring” bada wewnętrzną refleksję w spokojnym i intymnym otoczeniu, „When Your Head Is in the Clouds” uzewnętrznia te same doznania w środowisku zewnętrznym. To zróżnicowanie scenerii pozwala na refleksję nad różnorodnością przestrzenną, pokazując, w jaki sposób sztuka może służyć jako pomost pomiędzy realnym i surrealistycznym, widzialnym i niewidzialnym.
TROPICAL SUNSET (2024) Malarstwo Natalii Sydorowej
NICI (2024)Malarstwo Naoko Paluszak
Dotarliśmy już do porównania dwóch abstrakcyjnych obrazów: „Tropikalny zachód słońca” (2024) Natalii Sydorovej i „Wątki” (2024) Naoko Paluszak .
Jeśli chodzi o Natalię Sydorową , współczesna ukraińska malarka oddała na płótnie żywy obraz tropikalnego zachodu słońca, wykorzystując eksplozję odcieni pomarańczy, różu i błękitu. Ten obraz olejny odzwierciedla inspirację zaczerpniętą z twórczości Gerharda Richtera, gdzie bogate faktury i jasne kolory łączą się, przywołując ciepłe światło słońca. Podobnie na podejście Sydorovej duży wpływ mają artyści tacy jak Mark Rothko i Cy Twombly, znani z mistrzostwa w manipulowaniu odważnymi kolorami, co widać w „Tropical Sunset”. Dodatkowo, oprócz zabawnego akcentu koloru, obraz ten ma emanować dobrym nastrojem i inspiracją, energetycznie przekształcając otoczenie, w którym jest umieszczony.
Jeśli chodzi o abstrakcyjne eksploracje Naoko Paluszak , wielokrotnie nagradzanej japońskiej artystki mieszkającej w Stanach Zjednoczonych, jej prace ujęte są w „Threads”, akrylowym dziele, które w nowatorski sposób bada specyfikę ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Przybiera to formę kolorowych linii, misternie splecionych, ale wyraźnie ukształtowanych, tworząc obraz, który uderza nas swoją zdolnością do wywoływania intensywnych emocji i wspomnień, często splątanych i uwięzionych w naszej podświadomości. A jeśli już mowa o wykształceniu, doświadczenie Paluszak jako projektantki graficznej wyraźnie wzbogaciło jej twórczość o swoisty, czasem wręcz namacalny, emocjonalny dynamizm.
Tym samym obu artystów, pracując w osobistych i odrębnych stylach, łączy upodobanie do odważnego posługiwania się kolorem i tendencja do abstrakcji, zapraszając widzów do głęboko osobistej interpretacji dzieł. Podczas gdy Sydorova skupia się na abstrakcji inspirowanej zjawiskami naturalnymi, Paluszak bada napięcie pomiędzy abstrakcją a figuratywnością, tworząc formy rzucające wyzwanie tradycyjnej percepcji wizualnej.
Dwa głosy w świecie rzeźby
Po zgłębieniu malarstwa zagłębiamy się teraz w świat rzeźby, podkreślając wkład kobiet poprzez prace dwóch utalentowanych rzeźbiarek – Ielizavety Portnovej i Joanny Zakrzewskiej-Cholewy.
PLAISIR (2023) Rzeźba autorstwa Ielizavety Portnovy
AINSI VA LA VIE (2023) Rzeźba autorstwa Ielizavety Portnovy
Skoro mowa o Ielizavecie Portnovej , zagłębiamy się w świat ukraińskiej rzeźbiarki, dla której innowacje i eksperymenty stały się filarami jej sztuki. Mieszkająca we Francji Portnova na nowo zdefiniowała granice sztuki ceramicznej, łącząc tradycyjne techniki z odważnymi i kreatywnymi poszukiwaniami. Jej umiejętności kształtowania gliny rękami łączą się z użyciem tlenków, past i szkliw, aby dodać głębi i wizualnej złożoności jej twórczościom, które często zawierają materiały organiczne i nieorganiczne w grze dwuznaczności, która kwestionuje percepcję publiczności.
Prace Portnovy są również głęboko zakorzenione w inspiracjach przyrodniczych i archeologicznych, tworząc charakterystyczny wszechświat, który odzwierciedla tekstury nawiązujące do warstwowych skał lub erodowanych skamieniałości, manifestując wrodzoną kruchość i nieprzewidywalność pokrewną kaprysom natury.
Koncentrując się teraz na rzeźbach „Plaisir” (2023) i „Ainsi Va La Vie” (2023), zauważamy fascynującą ewolucję tematyczną, która odzwierciedla nie tylko sztukę Portnovy, ale także jej życie osobiste. Obie rzeźby zostały pierwotnie wymodelowane na Ukrainie w 2020 roku i przetransportowane do Francji po rozpoczęciu wojny, symbolizując podróż, zarówno fizyczną, jak i emocjonalną. „Plaisir” pokryty jest naklejkami zawierającymi wersety André Bretona i nuty Vivaldiego, co stanowi hołd dla szczęśliwych wspomnień Portnovy we Włoszech i afirmację życia poprzez twórczość artystyczną. Podobnie „Ainsi Va La Vie” przedstawia ciało bez twarzy, naznaczone zmianami i trudnościami, również ukazane w wersetach.
Dodatkowo, obserwując obie rzeźby, możemy sobie wyobrazić, że jedna jest kontynuacją drugiej, jakby postać „Plaisira”, początkowo wyprostowana i skomponowana, w kolejnym ruchu opada i skręca się, by stać się „Ainsi Va La Vie”. To wizualne przejście między dziełami sugeruje przepływ narracji i formy, która podkreśla przemijalność i ciągłą transformację, kluczowe elementy artystycznych poszukiwań Portnovy.
Wreszcie, powyższa analiza ukazuje nie tylko mistrzostwo techniczne Portnovy, ale także jej zaangażowanie w zgłębianie tematów pamięci, straty i nadziei, nawiązując głęboki dialog między artystką, jej dziełem i publicznością. Rzeczywiście sztuka Portnovy zachęca widzów do refleksji nad osobistymi i zbiorowymi wyzwaniami, oferując przestrzeń uznania i katharsis.
AKROBACI CYRKÓW, NR. V/VIII, WYSOKI 49CM (2024)Rzeźba autorstwa Joanny Zakrzewskiej-Cholewy
NOWA GRA, NIE. EA I/II (2022) Rzeźba autorstwa Joanny Zakrzewskiej-Cholewy
Skoro mowa o Joannie Zakrzewskiej-Cholewie , spotykamy polską rzeźbiarkę urodzoną w 1976 roku, absolwentkę krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Wykorzystuje przede wszystkim brąz, pracując metodą odlewania na wosk tracony, tworząc rzeźby wyróżniające się czystością i ciężarem materialnym metalu.
Zagłębiając się w jej twórczość, rzeźby „Circus Acrobats, No. V/VIII” (2024) i „New Game, No. EA I/II” (2022) stanowią doskonałe przykłady jej artystycznego podejścia, eksplorując tematykę ruchu i równowaga, uzyskana poprzez badanie ludzkiej postaci. Jeśli chodzi o „Akrobatów cyrkowych”, praca przedstawia postacie w akcie akrobatycznym, w którym sztywność pozy i harmonia form są utrwalone w brązie. Co więcej, rzeźba ta ukazuje umiejętną manipulację metalem, tworząc wrażenie dynamiki i lekkości pomimo z natury ciężkiego materiału.
Natomiast „Nowa gra” bada równowagę w innym kontekście, gdzie to nie interakcja między postaciami ludzkimi dominuje na scenie, ale raczej związek człowieka z elementem geometrycznym, jakim jest pierścień. Praca ta wyraża dialog pomiędzy ciałem a obiektem, badając, w jaki sposób struktury zewnętrzne mogą wpływać na równowagę fizyczną i ją utrzymywać. Pierścień nie tylko wspiera, ale integruje się z dynamiką sylwetki, sugerując symbiozę człowieka z otaczającym go środowiskiem, odzwierciedlając grę form, która rzuca wyzwanie grawitacji i oddaje moment estetycznego napięcia i równowagi.
Obie rzeźby kładą więc nacisk nie tylko na ruch fizyczny, ale także emocjonalny i konceptualny, zachęcając widza do refleksji nad naturą wsparcia i równowagi w relacjach międzyludzkich oraz między człowiekiem a jego siedliskiem. W ten sposób Zakrzewska-Cholewa wizualnie artykułuje znaczenie zaufania i równowagi, zarówno w kontekście interpersonalnym, jak i indywidualnym, wzmacniając ideę interakcji jako podstawowego elementu harmonii i rozwoju osobistego.
Wizje dwóch fotografów
Teraz zagłębiamy się w dziedzinę fotografii, podkreślając wpływ kobiet poprzez prace dwóch różnych fotografek: Valery Samarine i Mariski Karto.
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999)Fotografia: Valera Samarine
SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE FN03F (1996)Zdjęcie: Valera Samarine
Valera Samarine to utalentowana fotografka, która przekształca przedmioty codziennego użytku w autentyczne rewelacje wizualne. Samarine, doświadczony nauczyciel i inżynier, posiada rozległą wiedzę na temat fotografii czarno-białej i podstaw kompozycji. Jej prace cieszą się międzynarodowym uznaniem i znajdują się w licznych kolekcjach prywatnych i publicznych oraz w prestiżowych galeriach.
Charakterystyczny aspekt jej twórczości przejawia się w serii „Fourchettes” tworzonej w latach 1994–1999. Seria ta eksploruje wspólny przedmiot, jakim jest widelec, z dbałością o formę i światło, przypominając prace André Kertésza i jego słynną fotografię „Widelec „(1928). Kertész, podobnie ceniony za umiejętność wynoszenia prostych szczegółów do rangi poezji medytacyjnej, wywarł wpływ na wielu fotografów, przyciągając ich do odkrywania piękna ukrytego w codzienności poprzez ostrożne wykorzystanie mocnych świateł i dramatycznych cieni.
Obie zaprezentowane prace, będące częścią serii „Fourchettes”, ukazują talent Samarine w uchwyceniu dwoistości i napięcia pomiędzy prostotą a dopracowaniem. Pierwszy obraz przedstawia widelec rzutowany na pasiaste tło, mający na celu stworzenie gry świateł i cieni, podkreślając formy geometryczne i liniowe. Z kolei druga fotografia wykorzystuje cienie do przekształcenia widelca w przedmiot o podwójnej tożsamości, podkreślając jego transformacyjny potencjał poprzez fotograficzną abstrakcję.
DZIEŃ PRANIA (2021)Fotografia: Mariska Karto
DIVA ATTACK (2017) Fot. Mariska Karto
Mariska Karto , urodzona w Surinamie i wychowana w Holandii, w swoich pracach łączy bogate dziedzictwo kulturowe, które rozciąga się od Ameryki Południowej po Indonezję, od Afryki po Holandię. Jej sztuka odzwierciedla tę różnorodność poprzez wyjątkową fuzję stylów i tematów, wykazując silną skłonność do sztuki figuratywnej, przedstawianej w ludzkich postaciach, zintegrowanej z kolorami, elementami przyrody i środowiskiem. Mariska nie ogranicza się do eksplorowania tej estetyki na zewnątrz, ale zagłębia się w narrację, nawiązując także do wewnętrznej tajemnicy skrywanej przez przedstawionych bohaterów.
Jej fotografie „Laundry Day” (2021) i „Diva Attack” (2017) doskonale oddają styl fotografki, ożywiając mocne i zmysłowe przedstawienie kobiecości. „Dzień prania” przekształca zwyczajną scenę domową w humorystyczny wyraz kobiecej siły, gdzie przedmioty codziennego użytku symbolizują kobiecą odporność i niezależność. Podobnie „Diva Attack” z lekkością i nieco kiczowatym posmakiem nawiązuje do podobnych sytuacji i tematów.
Obie prace, wizualnie przedstawiając postacie kobiece w pozycjach, które mogą wydawać się bezbronne lub uległe, obalają te wyobrażenia za pomocą inteligentnego użycia ironii i symboliki, odsłaniając prawdziwą wewnętrzną siłę i odporność kobiet. W rzeczywistości, łącząc zabawę i potężną ekspresję, Karto nie tylko oddaje zewnętrzny wygląd swoich modelek, ale także penetruje ich głębszą istotę, przekształcając każde zdjęcie w potężną afirmację kobiecej siły i piękna. Staje się oczywiste, że jej prace mówią o kobiecości nie jako o słabości, ale jako o potężnym źródle siły, nawet jeśli wydaje się ona pogrzebana lub ukryta pod warstwami codziennych kontekstów.
TOMATE NOIRE (2023Rysunek: Sylvie Talon
Profil rysowniczki
Sylvie Talon jest francuską artystką samoukiem specjalizującą się w rysunkach ołówkiem i tuszem indyjskim. Urodzona w 1962 roku w Bayonne, Sylvie założyła swoją pracownię w małej wiosce liczącej 200 mieszkańców na granicy Landes i Gers we Francji, gdzie znajduje spokój niezbędny do oddania się malarstwu i rysowaniu, które są jej wieloletnią pasją.
Jej prace, charakteryzujące się nienagannym kunsztem technicznym i delikatną kolorystyką, eksplorują życie kobiece w jego dualnościach, nawiązując do marzeń, aspiracji i osiągnięć. Zmysłowe postacie Sylvie, często ukazywane w lewitacji, wprowadzają widza w oniryczną atmosferę, tworząc świat delikatności i wizualnej intymności.
Jedna z jej najnowszych prac „Tomate Noire” (2023) jest znakomitym przykładem jej talentu w uchwyceniu niepowtarzalnego piękna natury. Ten rysunek, wykonany ołówkiem na papierze, przedstawia pięknego czarnego pomidora zebranego w jej ogrodzie. Wbrew tytułowi kolor tego owocu to głęboka czerwień, oddana z precyzją, która podkreśla jego niezwykłą i oryginalną formę, ożywiając jego zmysłowość.
Ta szczególna cecha owocu przywołuje na myśl twórczość Edwarda Westona, a zwłaszcza jego „Pepper No. 30”, w którym przedmiot codziennego użytku zostaje wyniesiony do rangi ikony piękna i czystej formy poprzez sztukę fotograficzną. Podobnie Sylvie Talon przekształciła prosty pomidor w dzieło sztuki, celebrując wyjątkowość naturalnych form.
EMANACJA 6 (2024) Kolaże autorstwa Annemarieke Van Peppen
Artystyczna wizja kolażu
Annemarieke van Peppen to artystka urodzona w 1971 roku w Rotterdamie, kształciła się w Akademii Sztuki i Przemysłu (AKI) w Enschede, gdzie specjalizowała się w modzie. Po studiach podróżowała do Indonezji, Australii i Malezji, szukając inspiracji i rozwijając osobisty styl artystyczny. Jej prace obejmują kolaże, instalacje, efektowne projekty artystyczne, fotografię, rzeźby i ubrania, przy ciągłym poszukiwaniu ludzkiej istoty, nawet w jej złożoności.
Cykl „Emanacje”, którego częścią jest powyższy kolaż, stanowi refleksję nad terminem „emanacja”, oznaczającym coś, co wyłania się ze źródła, manifestując się w nowych formach, aby zgłębić istotę ludzkiego doświadczenia poprzez tworzenie nowych tożsamości. Mają one symbolizować ciągłe dążenie do samopoznania i rozwoju. Takie podejście działa dla artystki jak lustro, zachęcając do introspekcji i refleksji, a także opowiadając o jej osobistym procesie odkrywania na nowo i akceptacji w odniesieniu do ciągłego przepływu zmian i ewolucji.
Jeśli chodzi o „Emanacje 6”, kolaż przedstawia portret w skali szarości złożony z wielu małych kawałków włókien tekstylnych przyklejonych do drewnianej powierzchni. Poszczególne części pracy są skrupulatnie układane tak, aby stworzyć spójny i szczegółowy obraz twarzy danej osoby, ze szczególnym uwzględnieniem gradacji tonów i faktur, aby uzyskać realistyczne odwzorowanie. Dodatkowo nakładająca się tkanina tworzy niepowtarzalną i teksturowaną powierzchnię, która zwiększa wizualną głębię i złożoność portretu. Wreszcie widać, że praca łączy w sobie elementy tradycyjnego portretu ze współczesnymi technikami kolażu, ukazując umiejętność artysty w zakresie manipulowania materiałem w celu wywołania emocji i znaczeń.
WAZON KOMPOZYCJA VI'24 (2024) Sztuka tekstylna autorstwa Mileny Paladino.
Innowacje tekstylne autorstwa kobiet
Milena Paladino , urodzona w Polsce w 1985 roku, ukończyła historię sztuki na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu, po czym przeprowadziła się do Włoch, aby rozwijać swoją pasję do sztuki. Poszukiwania idealnego środka wyrazu doprowadziły ją do specjalizacji w pracach tekstylnych, wykorzystując technikę dziurkowania.
Jej twórczość charakteryzują proste i delikatne kompozycje, eksplorujące formę i proporcje poprzez martwą naturę. Kierując się poszukiwaniem esencji i czystości formalnej, Milena dąży do wyraźnej harmonii i proporcji, czego efektem są dzieła minimalistyczne i zmysłowe. Pracując z naturalnymi tkaninami, takimi jak wełna czy alpaka, Milena nadaje swoim pracom silny efekt wizualny i walory dotykowe, pozwalając widzom zaspokoić wiele zmysłów.
Podobnie „Vase Composition VI'24” (2024) jest przykładem sztuki Paladino, tworząc kombinację figur i materiałów, w których układ tekstyliów w innowacyjny sposób eksploruje fakturę i kolor. W tym kontekście technika igły dziurkowanej w połączeniu z naturalnymi materiałami tworzy powierzchnię po raz kolejny bogatą w wariacje wizualne i dotykowe.
DEEP SOUL 138 (2023)Sztuka cyfrowa autorstwa Laurence'a Verneya
Cyfrowa przyszłość jest kobietą
Laurence Verney to francuski artysta urodzony w 1962 roku, którego artystyczny wszechświat wyraża się dziś poprzez sztukę cyfrową. Verney uwielbia ożywiać iluzje, dlatego materiał, faktura, głębia, ruch i kontrast w jej pracach generują siłę ekspresji, która nadaje znaczenie jej obrazom i pobudza wyobraźnię. W tym sensie rolę odgrywa także tajemnicza jakość światła, które potrafi wywołać głębokie emocje oraz nadać blasku i wibracji badanym tematom.
Mówiąc o iluzji, Laurence Verney inspiruje się sztuką optyczną Victora Vasarely’ego, a także abstrakcją Pierre’a Soulagesa, czarno-białą fotografią Edwarda Westona oraz ulotnymi obrazami wielkich miast tworzonymi przez Ernesta Pignona-Ernesta i JR. Ci mistrzowie wpływają na jej badania twórcze, które inspirują się także spontanicznością sztuki ulicznej.
Cyfrowa grafika „Deep Soul 138” (2023) to połączenie zmanipulowanej fotografii cyfrowej, obrazów generowanych przez sztuczną inteligencję i fotomontaży 2D na aluminium. Powstała z myślą o zgłębianiu istoty ludzkiego doświadczenia poprzez zastosowanie misternych faktur i gry światła, mając na celu stworzenie niemal namacalnego dzieła. Jeśli chodzi o przedstawioną twarz, wyłania się ona z eterycznej zasłony, przekazując poczucie głębi i introspekcji, podczas gdy cyfrowa manipulacja i użycie materiałów takich jak aluminium tworzą współczesny obraz zdolny połączyć tradycję i innowację.
Olimpia Gaia Martinelli
