Marta Zawadzka, Na scenie , 2022. Akryl / tusz / olej / spray na płótnie, 140 x 195 cm.
Krawaty: Andy Warhol i świat muzyki.
„Andy Warhol wygląda jak krzyk.
Zawieś go na mojej ścianie."
Poprzez słynny refren piosenki Davida Bowie zatytułowany Andy Warhol, przedstawiamy niekwestionowanego mistrza pop-artu w mniej popularnej wersji, jaką jest menedżer muzyczny i producent, a także twórca jednych z najbardziej kultowych okładek płyt cały czas. Warhol zbliżył się do projektowania grafiki muzycznej pod koniec lat 50., w okresie rozkwitu przemysłu muzycznego, w którym artysta był zatrudniany jako niezależny przez Columbia i RCA Records w celu projektowania okładek albumów i treści promocyjnych. Tę rolę mistrz zachował jeszcze później, kiedy poprzez swoją Fabrykę, czyli swoje słynne studio i miejsce spotkań artystów, poświęcił się uruchamianiu zespołów muzycznych i tworzeniu wielu okładek płyt, dzięki czemu udało mu się osiągnąć coś prawie niemożliwego. wyczyn: nadać muzyce obraz. Ta szczególna intencja zaowocowała powstaniem 53 okładek albumów muzycznych, na których od rocka, jazzu, muzyki klasycznej i popu znalazły się słynne obrazy zaprojektowane dla Rolling Stones, Johna Lennona, Diany Ross, Paula Anki, The Velvet Underground, John Cale, Aretha Franklin i wielu innych. Chociaż wiele z tych prac okazuje się powszechnie znanych, szeroko zakrojone badania w dziedzinie grafiki i muzyki prowadzone przez mistrza muzyki pop zostały docenione dopiero od czasu publikacji książki Andy Warhol: The Record Covers, 1949-1987, która , autorstwa Paula Maréchala w 2009 roku, chronologicznie zrekonstruowała tego typu twórczość artysty w przemyśle muzycznym. Dzięki temu tomowi można „zapoznać się” z albumami Warhola, które w większości przypadków można podzielić na dwa główne nurty: te, które przedstawiają przedmioty, które nie mają nic wspólnego z narracją albumu, takie jak banana z The Velvet Underground & Nico i tych, które przedstawiają muzyków na pierwszym planie, jak John Lennon z Menlove Avenue.
Vincent Sabatier (VerSus), Roboclusion pink floyd , 2022. Rzeźba, żywica / marker / odlew / grawer na innym podłożu, 25 x 20 x 5 cm / 0,80 kg.
Paul Stowe, Kurt Cobain , 2022. Rysunek, grafit na papierze, 37 x 54 cm.
A więc cholerny rock 'n roll: Andy Warhol, Velvet Underground i Rolling Stones!
Nawet jeśli nigdy nie słuchałeś The Velvet Underground & Nico, jednego z najwspanialszych rockowych, undergroundowych, eksperymentalnych i alternatywnych albumów wszech czasów, prawdopodobnie znasz jego okładkę, na której na białym tle widnieje wizerunek banan, sprytnie poprzedzony kursywą, mający na celu wyraźne nawiązanie do nazwiska jego twórcy: niekwestionowanego mistrza pop-artu Andy'ego Warhola. Takie „fuzja” muzyki i grafiki było efektem spotkania w 1966 roku, podczas którego Andy po obejrzeniu występu wspomnianego zespołu zaproponował Lou Reedowi, Johnowi Cale'owi, Sterlingowi Morrisonowi i Maureen Tucker, by został ich managerem i dyrektor artystyczny, gdyż dostrzegał w ich twórczości duże pokrewieństwo z jego figuratywnym punktem widzenia. Po objęciu tego stanowiska Warhol dołączył do grupy wokalistkę Nico i stworzył prowokacyjny wizerunek wspomnianego debiutanckiego albumu, który we wczesnych wersjach pozwalał nabywcy obrać owoc, aby uwidocznić kolejnego banana, co aluzyjnie cielisty, sugerował o wiele więcej. Pomimo szumu, jaki wywołał ten obraz, The Velvet Underground & Nico nie odnieśli wówczas dużego sukcesu, do tego stopnia, że klapa albumu doprowadziła do napięć wśród członków zespołu, a stopniowo nawet do końca ich współpracy. z artystą pop. Ta burzliwa historia nie oderwała Warhola od jego zainteresowania i związku ze światem muzycznym do tego stopnia, że prawie dziesięć lat później stworzył kolejną prowokacyjną i bardzo ikoniczną grafikę albumu: grafikę Sticky fingers zespołu Rolling Stones. W rzeczywistości to właśnie 21 kwietnia 1969 r. Mick Jagger zwrócił się do mistrza Popu, by listownie poprosić go o zaprojektowanie okładki jego nowej płyty, dając mu pełną swobodę wypowiedzi, choć zasugerował, by artysta unikał skomplikowanych projektów. aby nie powodować opóźnień w produkcji. Andy Warhol całkowicie zignorował radę frontmana, wymyślając zbliżenie krocza pary dżinsów, których prawdziwy i skomplikowany zamek do dołu, niestety, był w stanie uszkodzić ułożone płyty w procesie produkcji i transportu. W rzeczywistości jednak najgorsze problemy wiązały się z samą tematyką okładki, która, mając na celu uchwycenie wyraźnego wybrzuszenia okolicy genitaliów, wywołała ogromne zamieszanie, do tego stopnia, że została ocenzurowana w bardziej tradycyjnych krajach, takich jak Hiszpania i Rosja. Podsumowując, dobrze jest zakończyć historię ujawniając tożsamość właściciela tych kultowych dżinsów, który choć przez wielu identyfikowany jako sam Mick Jagger, wydaje się być Jeo Dallesandro, aktorem i gwiazdą Factory. Na koniec warto podkreślić, że nie tylko Andy Warhol, ale także wielu innych artystów stworzyło kultowe okładki albumów i logo zespołów, obrazy, które często ożywają dzięki oryginalnym współczesnym remakem, czego przykładem są prace niektórych artystów Armajeur, takich jak: jak na przykład Jürgen Haffa, Giuseppe Valia i Ananou.
Giovanni Andrea Negrotti, Jim Morrison , 2019. Akryl na płótnie, 80 x 90 cm.
Secam, Dziecko Voodo, 2018. Akryl / marker na płótnie. 80x80 cm.
Jürgen Haffa (twórca), The Rolling Stones , 2022. Sztuka cyfrowa, fotomontaż na aluminium, 150 x 112 cm.
Jürgen Haffa: Rolling Stones
Jürgen Haffa, zawodowy artysta i fotograf, który od 30 lat działa w dziedzinie reklamy i wideografii, często łączy wykorzystanie techniki fotograficznej z techniką Photoshopa w celu zbadania czysto „rock and rollowych” tematów, takich jak m.in. na przykład czaszki, flagi amerykańskie, orły i whisky. Powracanie tego tematu jest jednak również bardzo widoczne w eksperymentach ze sztuką cyfrową i fotomontażem Haffy, której cechy stylistyczne dobrze ilustrują takie dzieła, jak Rolling Stones, których tematem jest kultowy język brytyjskiego zespołu. To słynne logo, niezwykle współczesne z punktu widzenia artysty Artmajeur, ma swoje najwcześniejsze początki w 1970 roku, kiedy to przedstawiciel Rolling Stones skontaktował się z Royal College of Art w Londynie w celu skontaktowania się ze studentem. powierzono stworzenie plakatu z europejskiej trasy koncertowej zespołu. Wybranym został John Pasche, z którym na późniejszym etapie zespół skontaktował się również w celu wykonania innego dzieła, takiego jak stworzenie wymownego, ale jednocześnie prostego i skutecznego symbolu. Efektem tej ostatniej prośby było słynne logo w języku, dzieło, które zapłaciło zaledwie pięćdziesiąt funtów i po raz pierwszy pojawiło się publicznie w 1971 roku, a mianowicie przy okazji wydania albumu Sticky Finger, gdzie pojawia się na tylnej okładce.
Giuseppe Valia, The Beatles (Abbey Road), 2021. Akryl na płótnie, 150 x 150 cm.
Giuseppe Valia: The Beatles (Abbey Road)
Bogate śledztwo figuratywne Giuseppe Valii skupia się między innymi na osobistej interpretacji wizerunków znanych osób, miejsc kultowych i niezwykle znanych arcydzieł, które są oddane poprzez specyficzny obrazowo-popowy słownik artysty. To, co zostało powiedziane, widać w akrylowym The Beatles, w którym nabiera kształtu oryginalny i bezprecedensowy remake jednej z najpopularniejszych okładek świata muzycznego, czyli Abbey Road brytyjskiej grupy The Beatles, której tematem jest zdjęcie zrobione przez Iaina MacMillana. To zdjęcie pochodzi z 8 sierpnia 1969 roku, kiedy to prawie przed słynnym studiem nagraniowym zespołu przy Abbey Road fotograf wcielił się w postać Johna Lennona, Paula McCartneya, George'a Harrisona i Ringo Starra, którzy synchronicznie przechodzą przez przejście dla pieszych. To właśnie ten słynny obraz miał za zadanie uświadomić miejsce, w którym zespół spędził większość swojej rewolucyjnej kariery nagraniowej, zmieniając go w ponadczasową atrakcję turystyczną, do której fani udają się do dziś, choćby tylko po to, by naśladować cechy na okładka, która pozbawiona nazwy zespołu i tytułu LP wstrząsnęła ówczesnym muzycznym światem, nawiązując do tego, że największy zespół tamtych czasów nie wymagał zbyt wiele wyjaśnień.
Ananou, Bruce Springsteen, 2021. Długopis na papierze, 30 x 30 cm.
Ananou: Bruce Springsteen
Długopis Ananou zabarwia świat popu na niebiesko, „wymiar” oddany przez papierowe medium artysty, zawsze gotowy do uchwycenia przedmiotów użytkowych, pokazania osobowości biznesowych i kultowych albumów muzycznych, takich jak na przykład słynny Born in the USA, przedstawiony w rysunek zatytułowany Bruce Springsteen. W rzeczywistości to właśnie Born in the USA jest siódmym albumem amerykańskiego rockera Bruce'a Springsteena, który został wydany przez Columbia Records 4 czerwca 1984 roku, zawiera na okładce popularne ujęcie Annie Leibovitz, przedstawiające piosenkarkę i autorkę tekstów z odwrócił się plecami na tle gwiazd i pasków. Taki kontekst nawiązuje do intencji Springsteena, by zaprezentować się jako zwykły Amerykanin poprzez bardzo popularne poglądy na jego muzykę. Z drugiej strony, co do tego, że Bruce pokazał swój tyłek na okładce, a nie twarz, sam rockman ironicznie ujawnił, że ze wszystkich ujęć wybrał to, w którym pojawiła się jego najbardziej fotogeniczna część.
Olimpia Gaia Martinelli
