Edward Hopper, Światło słoneczne z drugiego piętra. 1960. Whitney Museum of American Art, Nowy Jork.
Historia sztuki amerykańskiej w 6 punktach
Zanim przedstawię Państwu dziesięciu najsłynniejszych malarzy w historii sztuki amerykańskiej, wraz z krótkimi wglądami w ich życie i odniesieniami do ich osobliwości stylistycznych, chciałbym zapoznać Państwa z kontekstem, do którego przynależą: Ameryką i jej tradycją artystyczną. Aby zmierzyć się z tym obszernym i trudnym tematem, zdecydowałem się użyć „nożyczek i kleju”, wycinając i wklejając tu i ówdzie odpowiedni materiał, podkreślając tylko kluczowe momenty. Z tego zamysłu wynika temat podsumowany w 6 punktach, o których jednak należy pamiętać:
- Tradycja : Należy wziąć pod uwagę, w jaki sposób tradycja artystyczna USA wywodzi się ze sztuki praktykowanej przez rdzenne kultury.
- Europejczycy : Dopiero po przybyciu Europejczyków rozwinęła się sztuka wyraźnie zachodnia, którą znamy dzisiaj, początkowo przybierając kształt w gatunkach portretu i pejzażu.
- XIX wiek : To w XIX wieku wyłonił się spójny amerykański ruch artystyczny, a mianowicie pojawienie się szkoły Hudson River School.
- XX wiek : W XX wieku amerykańska twórczość miała na celu nie tylko naśladowanie Europy, ale także zaprezentowanie amerykańskich ośrodków miejskich i regionów wiejskich.
- Po II wojnie światowej : abstrakcyjny ekspresjonizm okresu powojennego spowodował, że uwaga sztuki skierowała się bezpośrednio na kontekst amerykański. Od tego momentu artystyczne wpływy Stanów Zjednoczonych nadal rozprzestrzeniały się na całym świecie, szczególnie dzięki światowemu sukcesowi minimalizmu i pop-artu.
- Dzisiaj : Współczesna globalizacja utrudnia zrozumienie trendów w sztuce związanych konkretnie i wyłącznie z konkretnym kontekstem, do tego stopnia, że łatwiej jest zidentyfikować na całym świecie indywidualne osobowości, których twórczość autentycznie wpłynęła na świat malarstwa w coraz bardziej połączonym świecie.
Najlepsze 10
„Teraz jesteśmy już gotowi na miejsce w pierwszej dziesiątce, więc do dzieła!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Olej na płótnie, 121,9×94 cm. Muzeum Sztuk Pięknych, National Portrait Gallery, Boston.
1.Gilbert S tuart (1755-1828)
Biografia : Gilbert Stuart był amerykańskim malarzem, najbardziej znanym z tworzenia oficjalnych portretów pierwszych pięciu prezydentów USA, a także wielu innych wybitnych osobistości życia publicznego tamtych czasów.
Styl : Specjalizując się w portrecie w Londynie, gdzie był uczniem Benjamina Westa, Stuart rozwinął wyidealizowany styl neoklasyczny. Skrupulatnie uchwycił charakter i status swoich bohaterów, uważnie badając ich postawę, ubiór, kolory i otoczenie.
Arcydzieło : Niekwestionowanym arcydziełem Stuarta jest niewątpliwie „George Washington (Portret Ateneum)” (1796). Praca przedstawiająca męża stanu Waszyngtona na brązowym tle celowo pozostała niedokończona, gdyż artysta nie chciał oddać jej w ręce mecenasów, którymi była żona bohatera. Stuart chciał stworzyć kopie, aby wykorzystać sławę portretowanego modela. Jednak ta celowa niekompletność rozsławiła dzieło, ponieważ wydaje się, że zostało starannie zaprojektowane, aby podkreślić twarz prezydenta, postrzeganego jako wzór moralny emanujący władzą i autorytetem.
Mary Cassat, Dziewczynka w niebieskim fotelu, 1878. Olej na płótnie, Musée d'Orsay.
2.Mary Cassatt (1844-1926)
Biografia : Mary Cassatt była amerykańską malarką, która spędziła znaczny okres we Francji, studiując u Degasa i wystawiając u impresjonistów.
Styl : Unikalny styl Cassatta łączył typowe impresjonistyczne malowanie pędzlem z użyciem jasnych kolorów, często wzbogaconych ciągłym wpływem tradycyjnej sztuki japońskiej. Za pomocą tego pędzla często przedstawiała kobiety „uwięzione” w warunkach domowych, prawdopodobnie nawiązując do wymiaru, w którym ona, jako kobieta, często była zamknięta.
Arcydzieło : Jednym z najsłynniejszych dzieł artysty jest niewątpliwie „Mała dziewczynka w niebieskim fotelu” (1878), przedstawiająca młodą dziewczynę w towarzystwie małego psa, być może Yorkshire Terriera, naśladującą ją wypoczywającą na ustawionym we wnętrzu fotelu, prawdopodobnie przypominający salon. Ta scena oddaje beztroską naturę i relaks młodości, jakby miała przywołać u widza wspomnienia utraconego dzieciństwa. Niemniej jednak wyeksponowanie mebli na obrazie może również sugerować, że bohater czasami czuje się przytłoczony światem dorosłych.
John Singer Sargent, Portret Madame X, 1884. Olej na płótnie, 2,35 m x 1,1 m. Metropolitan Museum of Art na Manhattanie.
3.John Singer Sargent (1856-1925)
Biografia : John Singer Sargent, amerykański artysta na emigracji, uważany jest za jednego z najważniejszych portrecistów XIX wieku. Podczas swoich podróży po całym świecie zajmował się także malarstwem dokumentalnym, uwieczniając kultowe miejsca, takie jak Wenecja.
Styl : John Singer Sargent znany jest ze swoich charakterystycznych impresjonistycznych pociągnięć pędzla, które ożywały w konwencjonalnych kompozycjach. Jego prace uwieczniały zarówno cechy charakteru portretowanych osób, jak i pejzaże malowane w plenerze. Było to efektem umiejętnej reinterpretacji nauk takich mistrzów jak Anthony Van Dyck i Diego Velázquez, wzbogaconej o niuanse impresjonistyczne.
Arcydzieło : Nie sposób nie wspomnieć o „Portrecie Madame X” (1884)! Być może najsłynniejsze dzieło mistrza, przedstawia Virginie Amélie Avegno Gautreau, kobietę z wyższych sfer, która sama nie zamówiła obrazu. W rzeczywistości artysta wybrał ją jako modelkę, aby uchwycić bardzo popularną postać w paryskim społeczeństwie. Plotki pojawiły się w związku z pewnymi cechami fizycznymi i charakterem bohaterki, której uwodzicielskie zdolności w połączeniu z uderzającym urokiem zostały pięknie ukazane na obrazie, ukazując jej alabastrową skórę i odważny dekolt. Dzieło to ze względu na te wyjątkowe cechy zalicza się do gatunku nowoczesnego portretu, ponieważ skutecznie przekazuje rzeczywistą postawę fotografowanej osoby.
Edward Hopper, Nocne jastrzębie, 1942. Olej na płótnie, 84 cm x 1,52 m. Szkoła Instytutu Sztuki w Chicago.
4. Edward Hopper (1882-1967)
Biografia : Wikipedia słusznie podaje, że Edward Hopper był „jednym z najbardziej znanych artystów w Ameryce, którego wpływ na sztukę i kulturę popularną był znaczący”. Wyróżnił się jako postać amerykańskiego realizmu, tworząc autentyczny portret współczesnego społeczeństwa amerykańskiego, przenikniętego głębokim poczuciem samotności.
Styl : Termin „realizm amerykański” obejmuje wszystkich artystów, którzy preferowali przedstawianie codziennych czynności zwykłych ludzi, oferując wierny wgląd w prawdziwe życie od połowy XIX do początku XX wieku. Jednak wielkość Hoppera wykraczała poza to; zagłębił się i odsłonił ciemniejszą stronę ludzkich doświadczeń, odsłaniając psychologię swoich poddanych. W rezultacie portretowani przez niego ludzie, dotknięci złym samopoczuciem epoki, często wydawali się odizolowani i odłączeni od otoczenia, które często charakteryzowało się obecnością powtarzających się, odkrywczych świateł.
Arcydzieło : Powyższy opis służy jako interpretacja jednego z najbardziej znanych dzieł mistrza, „Nighthawks” (1942), którego akcja rozgrywa się w nowojorskiej restauracji późną nocą, kiedy ulice są puste, a kilka postaci zebrało się razem znużeni i niemal niemi, poddają się swoim myślom, zdając sobie sprawę ze swojej wiecznej samotności.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Olej, 73,7 cm x 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Biografia : Georgia Totto O'Keeffe była amerykańską malarką, której twórczość, w dużej mierze niezależna od ruchów artystycznych, kładła szczególny nacisk na przedstawianie form naturalnych. Często portretowała kwiaty i pejzaże, niektóre z nich osobiście odwiedzała.
Styl : Nazywana „matką amerykańskiego modernizmu” O'Keeffe skierowała swoje artystyczne poszukiwania w stronę przekazywania emocji, które często materializowały się w abstrakcji świata przyrody, przede wszystkim w formie bardzo szczegółowych zbliżeń różnych gatunków kwiatów.
Arcydzieło : Jednym z najbardziej ikonicznych dzieł artystki jest „Czerwona kanna” (1924), obraz wyraźnie ukazujący jej wyjątkowość stylistyczną, choć w tym przypadku nakierowaną na często pojawiający się w jej twórczości kwiat: lilię kannową. Chociaż O'Keeffe uzasadniała swoje zainteresowanie tym, że chciała pokazać, jak widzi te rośliny, wielu krytyków zinterpretowało je jako wyraźną aluzję do intymnego przedstawienia kobiecej sylwetki, czego sama artystka później oświadczyła.
Grant Wood, gotyk amerykański, 1930. Olej na płycie pilśniowej, 78 cm × 65,3 cm. Instytut Sztuki w Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891–1942)
Biografia : Grant DeVolson Wood był amerykańskim malarzem znanym ze swoich związków z regionalizmem, znanym przede wszystkim ze swoich obrazów przedstawiających obszary wiejskie amerykańskiego Środkowego Zachodu. Szczególnie zasłynął dzięki stworzeniu dzieła „American Gothic” (1930).
Styl : Zgodnie z nurtem regionalizmu Wood poświęcił swoją karierę artystyczną realistycznemu przedstawieniu wspomnianych tematów wiejskich, przedstawiając je jako świadków ciężkiej pracy na roli. Osiągnięto to poprzez „cytowanie” dwóch odrębnych stylów: przejrzystości sztuki północnego renesansu i organicznych, zakrzywionych linii projektu Art Deco. Inne cechy twórczości Wooda to skomplikowane kompozycje formalne i często osobliwe perspektywy, mające na celu urzekać widza. Jednak za tym wszystkim kryła się specyficzna intencja krytyczna, gotowa ujawnić bolączki ery Wielkiego Kryzysu.
Arcydzieło : Wróćmy do wspomnianego już „amerykańskiego gotyku”, dzieła uznawanego za jeden z kwintesencji symboli amerykańskiego malarstwa XX wieku. Wpisuje się w gatunek scen rodzajowych, przywołując w tym przypadku przykład renesansu flamandzkiego Jana Van Eycka. Jednak Wood zapożycza od tego ostatniego, aby przedstawić – być może ironicznie – parę purytanów, symbolizujących prowincjonalną, nieznaną, odizolowaną i zacofaną Amerykę, daleką od bardziej popularnych i eksportowanych obrazów „amerykańskiego snu”.
Jackson Pollock, Rytm jesieni: Numer 30, 1950. Emalia na płótnie, 266,7 × 525,8 cm. MET, Nowy Jork.
7.Jackson Pollock (1912–1956)
Biografia : Amerykański malarz Paul Jackson Pollock był podstawową postacią ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, pozostawiając niezatarty ślad dzięki charakterystycznemu zastosowaniu techniki malowania kapiącego.
Styl : To właśnie wspomniana technika drippingu, którą artysta zaczął stosować pod koniec lat czterdziestych XX wieku, rozsławiła dzieło Pollocka. Dzięki tej technice Pollock pozwolił farbie kapać bezpośrednio z tuby lub puszki z farbą na płótno umieszczone na ziemi. Podążając tą metodą, wyłonił się jeden z najbardziej radykalnych stylów abstrakcyjnych w historii sztuki, rewolucyjnie oddzielający linię od koloru, redefiniując rysunek, malarstwo i przestrzeń obrazową. Aby ukazać związek techniki z instynktem, warto zauważyć, że kapanie Pollocka wynikało z naturalnego impulsu fizycznego aktu malarskiego, dzięki czemu ukończone dzieło sztuki oddało emocjonalną siłę gestu.
Arcydzieło: „Rytm jesieni: liczba 30” (1950)! Praca ta powstała poprzez obecność liniowej struktury czarnej farby, na którą nałożono dodatkowe paski farby w różnych kolorach, tworząc linie grube, cienkie, jasne, ciemne, proste, zakrzywione i nie tylko. Jak sugeruje tytuł, przywołuje atmosferę jesieni, szczególnie poprzez ziemiste odcienie.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Akryl, farba olejna, Magna, 1,7 m x 4 m. Tate Modern.
8. Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biografia : Roy Fox Lichtenstein był amerykańskim artystą i wybitną postacią ruchu pop-artu, który wywarł głęboki wpływ na jego style i tematykę, obok takich artystów jak Andy Warhol, Jasper Johns i James Rosenquist.
Styl : Roy Lichtenstein jest znany przede wszystkim ze swojego dojrzałego stylu, który rozwijał od lat 60. XX wieku, mocno inspirowanego światem komiksów i realizowanego poprzez połączenie reprodukcji mechanicznej i elementów rysowanych ręcznie. W tym kontekście rzuca się w oczy jego najbardziej charakterystyczna cecha stylistyczna: użycie kultowych kropek Ben-Day’a, ukazujące gotowość pop-artu do filtrowania wszystkich aspektów epoki, od reklamy po kino, a zwłaszcza komiks.
Arcydzieło : „Whaam!” (1963), obraz przedstawiający panel komiksowy, na którym amerykański myśliwiec zestrzeliwuje rakietą samolot wroga. Zgodnie z unikalnym językiem komiksu, oprawę graficzną wzbogaca panel wyraźnie prezentujący słowa zwycięskiego pilota, a odgłos eksplozji oddany jest onomatopeją „WHAAM!” Jednak to, co tu opisano, nie jest wyłącznie wytworem wyobraźni Lichtensteina, ponieważ arcydzieło z 1963 roku stanowi artystyczną adaptację panelu z 1962 roku narysowanego przez twórcę komiksów Irva Novicka, który ukazał się w numerze 89 „All-American Men of War. "
Andy Warhol, Puszki z zupą Campbell's, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
9. Andy Warhol (1928–1987)
Biografia : Andy Warhol jest największym mistrzem popu, ponieważ wyrażał style i ideały tego ruchu nie tylko poprzez malarstwo i sitodruk, ale także poprzez fotografię, rzeźbę, film i muzykę (tworzył kultowe okładki płyt).
Styl : prace Warhola, badające przede wszystkim relacje między ekspresją artystyczną, reklamą i kulturą gwiazd, poruszają te tematy poprzez użycie żywych kolorów i kompulsywnie powtarzanych tematów. Jego celem było przekształcenie symboli epoki w ponadczasowe ikony, podobne do wiecznych bóstw wybranych przez społeczeństwo konsumpcyjne.
Arcydzieło : „Puszki z zupą Campbella” (1962), instalacja składająca się z 32 obrazów przedstawiających puszki zupy o tej samej nazwie Campbell. Artysta wymyślił to, aby udokumentować przemysłową seryjność produktów supermarketów do tego stopnia, że układ tych przedmiotów został specjalnie zaprojektowany tak, aby odwzorowywać ich ekspozycję na półkach. Wspomniana seryjność obecna jest nie tylko w tematyce arcydzieła, ale także w jego wykonaniu, gdyż „Puszki z zupą Campbella” powstały przy użyciu półzmechanizowanej techniki sitodruku, podkreślając koncepcję powtarzalności dzieła sztuki.
Basquiat, Bez tytułu, 1982. Akryl, farba w sprayu i olejarka na płótnie, 183,2 cm × 173 cm.
10.Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biografia : Jean-Michel Basquiat był amerykańskim artystą, który zaczynał jako artysta graffiti, a później stał się jedną z wybitnych postaci neoekspresjonizmu, ruchu, dzięki któremu przeniósł język graffiti z metra do galerii sztuki. Dlaczego Basquiat jest często kojarzony z Andym Warholem? Warto podkreślić, że to właśnie spotkanie z tym ostatnim otworzyło przed młodszym artystą drzwi do renomowanych nowojorskich galerii!
Styl : Sztuka Basquiata reprezentuje spotkanie dwóch odrębnych światów: świata pędzla, a więc malarstwa w bardziej tradycyjnym sensie, oraz świata puszki z aerozolem, rzecznika charakterystycznego języka graffiti, przejawiającego się głównie w stylizowanych rysunkach i pismach. To połączenie generuje wyrazisty styl, czasem po części abstrakcyjny, bogaty w odniesienia do kultury epoki artysty, a także wyraźne potępienia rasizmu i nierówności społecznych. Bogaci i biedni, czerń i biel, ale także ciągłe poszukiwania, które doprowadziły artystę do zderzenia swojego świata wewnętrznego z zewnętrznym, co doprowadziło do jego powinowactwa z ekspresjonizmem, dużego zainteresowania postacią ludzką i bolączkami jej istnienia.
Arcydzieło : Powyższe aspekty odnaleźć można w obrazie „Bez tytułu (malowanie czaszki Basquiata)” (1982), obrazie przedstawiającym czaszkę, tematycznie podobnym do dzieła Basquiata powstałego zaledwie rok wcześniej, mam tu na myśli „Bez tytułu (czaszka )” (1981). Obydwa, dając nam wyobrażenie o tym, co kryje się pod naszą skórą, wydają się być w stanie przekazać wewnętrzne i zewnętrzne aspekty życia, pozwalając im współistnieć na płótnie.
Olimpia Gaia Martinelli