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The woman and the bull (2023) 绘画 由 Olesea Albu
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- 认证评级艺术家 专家研究一个艺术家的工作和职业生涯，然后建立一个独立的，可靠的平均价格值。平均价格价值座落在一个价格范围内的某一时期的艺术家。专家们也可能被要求建立一个更精确的估计为特定的工作。
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“艺术”在纸上打印
这是使用非常高质量的颜料墨水在美术纸上打印并以很高的清晰度打印的过程。它的保存水平非常出色（超过100年），其质量，深度和细微差别超过了在Argentic纸上的经典照片打印。
光面漆
纤维纸除了具有非凡的厚度外，还由不含酸的α-纤维素基底组成，并覆盖有硫酸钡和在印刷过程中具有微孔层吸收作用的颜料。这款纸色为纯白色，不泛黄，特别设计用于抵抗老化。它具有出色的分辨率，呈现深沉的色彩，因此已被世界各大博物馆所采用。
Art Print“美术”-在325 g纤维原纸上的光泽处理。
我们的高端印刷品和复制品
ArtMajeur仅使用从知名造纸商中精选的具有中性pH，耐性和高质量的天然纸！
无论是在色彩控制还是在图形链方面，我们的主打印机一直都在关注。我们对质量的高要求是ArtMajeur裱框艺术品的主要资产。
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艺术图片银行-
原创艺术品 (One Of A Kind)
绘画,
油
在帆布上
- 外形尺寸 高度 37.4in, 宽度 17.7in
- 艺术品状况 艺术品完好无损
- 是否含画框 此作品未装裱
- 分类 画作 低于US$5,000 象征主义 神话
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Between Heart and Mind
Every time I touch the palette, I return to myself — to the one who might have vanished had I not once opened my heart to art. My work is a journey of falls, ascents, and healing, where paint becomes alchemy, transforming personal experience into universal emotion.
My name is Olesea. I am an artist from Moldova, working at the intersection of figurative painting and abstraction. The landscapes of the southeast, where I grew up, are not my subject but an impulse: their contrasts of light, textures, and sharp lines form the foundation of my visual language, bridging the rigor of academic tradition with rebellion against literalism.
After graduating in scenography from the Academy of Music, Theatre, and Fine Arts (Chisinau), I learned to craft narratives — now they live in my paintings, turning canvases into spaces for dialogue between the viewer and the idea. My shift from realism to abstraction was not a break but a liberation. By dismantling form, I sought to express what lies beyond the visible: the tension between human fragility and resilience, inner conflicts, and strength.
Thick impasto techniques, glazes, bold palette knife strokes, and delicate brushwork — these layers capture life’s contradictions. Blurred backgrounds dissolve to illuminate what matters: the interplay of light and shadow, the gesture of an archetypal figure, the choreography of symbols in an ephemeral void. By stripping away the superfluous, I leave room for the viewer’s question: what remains when form disappears?
Each of my works is a stage where texture becomes metaphor. Inspired by the harmony of antiquity, Warhol’s pop art, Marina Abramović raw vulnerability, and the quiet dramaturgy of theatrical space, I hybridize symbols to provoke a confrontation with the self.
My works are held in private collections across Europe, the UK, and the US, and have been exhibited in galleries that value the dialogue between tradition and avant-garde. But what matters most to me is to create a space where the viewer, like my past self, permits oscillation — between heart and mind, control and surrender, the earthly and the boundless.
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