BLACK WOMAN (2022) Schilderij van Sabrina Seck.
Opkomende artiest: wat betekent het?
Een opkomende artiest wordt meestal gedefinieerd als iemand die zich in de vroege stadia van zijn of haar carrière bevindt, dat wil zeggen nog bezig is met het verfijnen van zijn of haar stijl, terwijl hij enige kritische erkenning begint te krijgen, terwijl hij tegelijkertijd probeert een bekende commerciële vertegenwoordiging. Ik heb dit concept uitgedrukt op basis van de meest oppervlakkige en inleidende verklaringen van de NYFA-website (New York Foundations for the arts), die declaratief en zonder enige twijfel toegeeft hoezeer de bovenstaande definitie niet uitputtend is, aangezien de term is onderworpen aan meerdere interpretaties, die, gebaseerd op verschillende parameters, variëren als zeestromingen in constante circulatie, ruwweg volgens gegevens over de leeftijd van de kunstenaar, tentoonstellingsgeschiedenis en reputatie. Daarom heb ik, om de ingewikkelde kwestie op een nogal vereenvoudigde manier te behandelen, getracht om in een Top 10, noch uitputtend, noch geordend naar smaak, het werk van een aantal Artmajeur-kunstenaars te verzamelen, verenigd door het feit dat hun bijdrage aan de kunstwereld vormt een voorbereidende en veelbelovende fase, die zal worden geconfronteerd met een latere, gewenste en toekomstige media-aandacht. Bijgevolg kan het buitengewoon stimulerend zijn om in contact te komen met het werk van deze kunstenaars, aangezien u misschien degene bent die bijdraagt aan hun uiteindelijke en toekomstige succes, net alsof u geïnteresseerd bent in het opgraven van begraven schatten, die, omdat ze slechts relikwieën zijn, op een dag onbetaalbare overblijfselen van de beschaving worden die bewaard worden in 's werelds grootste kunstinstellingen. Waarom zou u daarom uw geluk niet juist beproeven door een "opkomend" werk te kopen? Aarzel niet langer en blader nu door mijn Top 10! Ah, ik was het vergeten, voordat je jezelf verliest in dwangmatige aankopen, is het belangrijk om te benadrukken hoe mijn ranglijst het verhaal van tien kunstenaars naar voren brengt, volgens een nauwkeurig criterium van technische, stilistische, chromatische en thematische onderverdeling, waarbinnen worden gepresenteerd: 3 schilders , gedeeld door artistieke stromingen waartoe ze behoren; 3 beeldhouwers, gekozen op basis van chromatische eigenaardigheden; 2 fotografen, die enkele van de bekendste meesterwerken van kunst opnieuw willen voorstellen; 2 digitale kunstenaars, gericht op het onderzoeken van de vrouwelijke figuur door middel van nieuwe technologieën. Ten slotte zal al dit discours noodzakelijkerwijs vergezeld gaan van een voortdurende dialoog met de werken van de grote traditie, die onze opkomende kunstenaars misschien op een dag met succes zullen navolgen! (Duimen).
THE COLOURS OF THE STREET (2020) Schilderij van Val Escoubet.
AWAKENING NA A LONG NIGHT (2022)Schilderij van Péter Duhaj.
Schilders: hyperrealisme, surrealisme en expressionisme
1.Het hyperrealisme van Péter Duhaj
Péter Duhaj, een Hongaarse hyperrealistische schilder, citeert het model van hedendaagse kunstenaars uit zijn land, zoals Zsolt Bodoni, László Nyári, István Sándorfy en Tibor Csernus, in zijn rijke figuratieve werk. Door middel van deze voorbeelden ontwikkelde hij zijn zeer persoonlijke standpunt, strevend naar het bereiken van de meest getrouwe weergave van het werkelijke gegeven, waarin een extreme nauwkeurigheid naar voren komt bij de behandeling van het chromatische gegeven, vormen, beweging en emoties, vaak gepersonifieerd door vrouwelijke personages, die vanuit hun perfecte lichaam een mystieke erotische lading uitstralen. Zo'n verslag blijkt ook perfect te zijn om Awakening after a long night te beschrijven, een schilderij goed vertegenwoordigd, in zijn figuratieve en populariserende bedoelingen, door de eigen woorden van de kunstenaar: "Het idee voor dit schilderij kwam spontaan voort uit een moment beleefd na een feest met vrienden. Het schilderij toont een ietwat dromerige jonge vrouw die 's ochtends wakker wordt na een wilde nacht. Haar pose, gezichtsuitdrukking en blootliggende borsten provoceren en stimuleren de kijker om zich verschillende variaties voor te stellen van wat de vrouw tijdens de nacht heeft ervaren, wat ze denkt nu, hoe ze zich voelt. De sfeer van het schilderij trekt de kijker het verhaal in en wordt er een acteur in." Als we op dit punt een meesterwerk uit het verleden willen vinden dat op dezelfde manier anticipeerde, zij het op een meer kuise en traditionele manier, op de bovenstaande scène, kunnen we Rest 2 nemen, een beroemd werk van de bekende Koreaanse meester Chang Hong Ahn , als voorbeeld.
EGG BOY IN RED HAT (2023) Schilderij van Ta Byrne.
2. Het surrealisme van Ta Byrne
Het surrealisme van Dali, meester bij uitstek van de beweging, neemt nieuwe vormen en ongekende boodschappen aan, door de informele artistieke flair van Ta Byrne, een Thaise schilder die, naar de diepe en introspectieve wereld van het onbewuste van de bovengenoemde Spaanse kunstenaar , heeft met een grotere standvastigheid een duidelijk humoristischer standpunt opgeleverd, gematerialiseerd door het creëren van een dimensie parallel aan de onze, waarin menselijke figuren worden "vervormd" door de aanwezigheid van elementen uit het dagelijks leven, die simpelweg op hun gezichten. Byrne schrijft zijn figuratieve manier van onderzoek toe aan een 'automatisme' van freudiaanse implantatie, volgens hetwelk: 'Hoe langer men naar een object kijkt, hoe abstracter het wordt en, ironisch genoeg, hoe reëler'. Op dit punt zou ik willen testen wat er is gezegd, om te experimenteren of ik, door een paar minuten naar mijn moeder te kijken, als ik het gerommel van de honger hoor, haar gezicht echt kan zien veranderen in een heerlijk gebakken ei , dezelfde delicatesse bedoeld om de gelijkenis van de hoofdpersoon van Egg Boy met rode hoed te bedekken. Ten slotte is het ei zelf, vaak te zien in de surrealistische portretten van Byrne, nu in alle opzichten een ster in de kunstwereld, afgebeeld door Jheronimus Bosch, Jean-Baptiste Greuze, Salvador Dalí, Claes Oldenburg, Sarah Lucas, enz.
EERLIJK (2023) Schilderij van Young Park.
3. Het expressionisme van Young Park
Als we het innovatieve werk van Park echt willen associëren met een gestandaardiseerde artistieke trend, wordt haar specifieke 'expressionisme' gegeven door het emotionele gebruik waarmee ze de kleuren op het canvas rangschikt, de ondersteuning waarin de gezichten van haar personages tot leven komen, gerealiseerd door het gebruik van chromatiek, die, hoewel soms niet erg naturalistisch, zeker intimistisch, introspectief en met een grote psychologische impact is. In feite maakt de kunstenaar, die in 1977 in Zuid-Korea werd geboren, zonder aarzelen duidelijk dat zij, in elk van haar geportretteerde figuren, materieel, immaterieel, mannelijk, vrouwelijk, enz., een podium realiseert dat gericht is op het nastreven van de kennis van haar wezen, tot het punt dat ze haar gedachten kan aanraken, die bevestigen dat er in het leven eigenlijk geen goed antwoord is. Juist, zijn werken vangen slechts de enige waarheid, namelijk die van het huidige moment, het resultaat van diep inzicht, dat in opstand komt tegen de oplegging vanuit het bestaan van het universele denken. Over de hoofdpersoon van Honestly gesproken, hij werd bijna onwillekeurig gevangengenomen, in een duidelijk moment van persoonlijke reflectie, waarin zijn duizenden ideeën de vorm lijken aan te nemen van de zachte chromatische tinten op zijn gezicht, die verwijzen naar een gerelateerd meesterwerk van kunst geschiedenis, waarin de pigmentatie van de hoofdrolspeler een enigszins vergelijkbaar, zij het ingrijpender proces onderging, namelijk Sonia Delaunay-Terks Finlandaise (Finse vrouw) (1907-1908).
OMNIA VINCIT AMOR (RED) (2022) Beeld van Andrea Giorgi.
Sculpturen en kleuren: rood, zwart en oker
4.Andrea Giorgi is rood
De kleur rood is gekozen, binnen het artistieke onderzoek van Andrea Giorgi, een Italiaanse beeldhouwer geboren in 1974, met herhaling, maar spaarzaam, omdat deze tint gekoppeld is aan een specifieke boodschap waarmee sommige werken zijn bedacht, in plaats van aan een tonale kleur. trend gedicteerd door de meest oppervlakkige seizoenstrends. Om deze verklaringen duidelijk te maken, zijn de woorden die de kunstenaar uitsprak met betrekking tot de sculptuur Omina vincit amor, gericht op het gebruik van de bovengenoemde kleur omdat de laatste het meest geschikt is om het concept van liefde uit te drukken, een eeuwig gevoel in dit geval tastbaar gemaakt door de hoofdrolspeler van de sculptuur , die van plan is een kleine figuur te observeren die slim in zijn gigantische hart is geplaatst, namelijk: zijn geliefde vrouw. Zo'n romantische boodschap wordt verder versterkt, zowel door de tatoeage op de arm van de hoofdrolspeler, bedoeld om de titel van het beeld zelf opnieuw voor te stellen, als door het eeuwenoude uiterlijk van het werk, bedoeld alsof het juist is verteerd door de intensiteit van liefde. . Over kunstverhalen gesproken, aan de andere kant associeerde de bekende hedendaagse beeldhouwer Chen Wen Ling rood ook met een diepe beweging van de ziel, namelijk die van het lachen, gericht op het animeren van Red Memory - Smile, een sculptuur van ongeveer 5 meter hoog, onlangs overgenomen door de Chinese multinational Alibaba Group op het hoofdkantoor in Hangzhou.
BABYFOOT 85 (2021) Sculptuur van Idan Zareski.
5. De zwartheid van Idan Zareski.
Zwarte stemming: deze twee woorden vatten gedeeltelijk de "donkere" sculptuur samen van Zarescki, een Israëlische kunstenaar geboren in 1968, die een ietwat volwassen en venijnig nors kind wilde vereeuwigen door de tinten van de bovengenoemde kleur, om geïnterpreteerd te worden als de duidelijkste weergave van die snode en boze stemmingen die ons naar de donkerste en meest rancuneuze kronkels van onze geest leiden. Als we nadenken over wat de woede van een kind zou kunnen oproepen, zou het werk deze tonale 'strengheid' net zo goed kunnen laten varen, want hoewel hun driftbuien vervelend zijn, leiden ze over het algemeen niet tot snode maatregelen. Over de kunstenaar van Artmajeur gesproken, Zareski, die in verschillende landen woont en werkt, heeft in zichzelf een rijke culturele achtergrond opgebouwd, waarvan het werk grotendeels zijn vele ervaringen weerspiegelt. Ondanks een dergelijke rijkdom, waarin het niet moeilijk zou zijn om te verdwalen en off-topic te gaan, behoudt de kunstenaar zijn duidelijke figuratieve identiteit, die terugkeert door de afbeelding van grote voeten, bedoeld om de oorsprong en onze verbondenheid als moeder te weerspiegelen. aarde. Tot slot, om deze korte verhandeling over de bovengenoemde kleur af te sluiten, zou ik de hulp inroepen van Fernando Botero, wiens bekende Black Hand, een sculptuur uit de stad Madrid, zou kunnen worden uitgerekt in de richting van die van de norse Babyfoot 85, om hem uit te nodigen om op te staan, te glimlachen en terug te gaan om te spelen.
云中君(ODE AAN GALLANTRY) (2022) Sculptuur van 永昌 赵 (Zhao Yongchang).
6. Geel van Yong Chang Zhao.
Als de westerse leek die ik ben, durf ik, enigszins godslasterlijk, Zhao's Ode aan Gallantry naast elkaar te plaatsen met het bekende beeld van Bastien die schrijlings op Falkor vliegt, voorgesteld door de populaire film uit 1984 getiteld The Neverending Story. Integendeel, de westerse kunstenaar Zhao blijkt totaal buiten de realiteit te staan die door de film van Wolfgang Petersen wordt voorgesteld, zozeer zelfs dat zijn wijzere en minder materialistische westerse cultuur de echte interpretatie van het werk onthult, die in de volgende woorden kan worden samengevat van de beeldhouwer zelf: "De jongen en het drakenpaard voelen elkaar aan en zijn samengesmolten. De jongen heeft de onsterfelijke kracht en goddelijke aard van het drakenpaard, en het drakenpaard heeft de wijsheid en moed van de jongen. Ze stapten op de wolken en reisde de wereld rond, waardoor deze wereld rechtvaardiger en lichter werd." Hieruit volgt dat, zij het op geheel verschillende manieren en ondanks Zhao's grotere bewustzijn en introspectieve diepgang, de vrienden in de sculptuur en film, die samen duizend wisselvalligheden het hoofd bieden, ook symbool worden voor de kracht van twee geesten, die het algemeen welzijn nastreven , eensgezind handelen om de hoogste waarden van de mensheid te bereiken. Ten slotte, wat betreft kleur: het geel van Zhao's sculptuur deed me denken aan een tint die Medardo Rosso vaak gebruikte om zijn vele hoofden tot leven te brengen, waaronder The Concierge, een werk uit gele was uit 1883.
DE ODALISQUE MET DE WITTE KONT (2020)Fotografie door Mathilde Oscar.
Fotografie & remakes
7. Mathilde Oscar en The Great Odalisque
Mathilde Oscar, een Franse kunstenares geboren in 1980, raakte eerst geïnteresseerd in schilderen, daarna in kunstgeschiedenis en grafisch ontwerp, en ontdekte pas later haar grootste passie voor fotografie, een techniek waarmee ze haar figuratieve ideeën, sterk geïnspireerd door het werk van de grote meesters van de romantische en neoklassieke schilderkunst. Dergelijke onderwerpen uit het verleden worden verenigd met het verhaal van moderne en technologische tijden, aangezien de kunstenaar de codes van de klassieke schilderkunst combineert met fotografie en digitale manipulatie, waardoor een verhaal ontstaat waarvan de sensualiteit, ondeugendheid en ironie buitengewoon worden versterkt door een heldere benadering, gericht op bij het herscheppen van de sfeer van de beroemdste meesterwerken. In de interpretatie van de laatste komt echter een sterk anachronistische en non-conformistische ader naar voren, die, geplaatst in een onbekende ruimte-tijd, extreem eigentijdse vrouwelijke karakters genereert, als trots sensueel, knipogend, opschepperig en charismatisch. Een voorbeeld van wat zojuist is vermeld, is de foto The Odalisque with the White Butt, waarvan de oneerbiedige titel ons al doet uitkijken naar de ontheiliging van Jean-Auguste-Dominique Ingres' meesterwerk The Great Odalisque (1814), waarin de de sensuele pose van het model ging gepaard met een kalme en verlegen glimlach, terwijl de fotograaf in de versie van Oscar ons iets meer over de billen laat zien, vergezeld van zo'n blik met een opschepperige, knipogende en uiterst zelfverzekerde gezichtsuitdrukking die lijkt te zeggen: ik zal je laten zien mijn kont, wat dan?
ONTBIJT OP HET GRAS #2. NA ÉDOUARD MANET (2017) Fotografie door Marta Lesniakowska.
8.Marta Lesniakowska en Ontbijt op het gras.
Wanneer een hedendaagse kunstenaar een 'klassiek' meesterwerk benadert, stelt hij of zij het niet altijd opnieuw voor door de details te verbeteren en te veranderen, aangezien er momenten zijn waarop deze grote voorbeelden uit het verleden worden bewonderd en gereproduceerd alsof ze van veraf worden waargenomen. het genereren van een nieuw gezichtspunt over het onderwerp, dat, gezien de afstand, de heilige uitstraling van het verhaal intact lijkt te laten, een nieuw hoofdstuk te openen zonder het te 'beschadigen'. Dit dacht ik toen ik Breakfast on the Grass #2 zag, een werk oorspronkelijk van Édouard Manet, gereproduceerd in de versie van Lasniakowska, een kunstenaar, fotograaf en kunstcriticus, wiens artistiek onderzoek erop gericht is bekende beelden in om ze over te brengen en te verinnerlijken binnen de context van de 21ste eeuw. Aan de andere kant, met betrekking tot de variaties die Breakfast on the Grass onderging vanuit het gezichtspunt van Artmajeur van de kunstenaar, staat het buiten kijf hoe de donkere, vervaagde tint van de foto provocerend de originele pure impressionistische kleur verwierp om het idee van voorbijgaan weer te geven. tijd en onvolmaakt geheugen, waarvan het fotografisch medium de onbetwiste woordvoerder en het enige spoor is. De verre kadrering ten slotte is geïnspireerd op de Romantiek en verenigt zo het werk van Manet met het standpunt van Caspar David Friedrich, in wiens werk natuurlijke vlakken terugkeren die tot doel hebben het beeld te dramatiseren.
ANA ISABEL (2023) Digitale Kunst door Carla Sá Fernandes.
Digitale kunst en vrouwelijke onderwerpen
9. De digitale vrouwen van Carla Sá Fernandes
Het staat buiten kijf dat kleur een integraal onderdeel is van het werk van Carla Sá Fernandes, in die zin dat het bij elke gelegenheid, of bijna elke gelegenheid, in de eerste plaats en zonder twijfel aanwezig is, of het nu gaat om schilderen of digitaal schilderen, of in figuratieve werken, dat van overwegend lineaire en druipende abstractie. Zoals de biografie van de kunstenaar onthult, gebruikt Fernandes, een Portugese kunstenaar geboren in 1971, het medium schilderkunst om haar ervaringen en emoties duidelijk te maken, juist door het gebruik van spontane en levendige kleurencombinaties. Over het digitale schilderij Ana Isabel daarentegen kunnen we dit werk beschouwen als een grote innovatie van de moderniteit, aangezien de grote meesters uit het verleden vrouwen niet zo levendig konden weergeven, sterker nog, we kunnen denken aan een andere vrouw met rood haar duidelijk soberder afgebeeld door Degas, zoals dat van Portret van een jonge vrouw uit 1867.
WHAT WE ARE... (2022) Digitale Kunst door Masa Zodros.
10. Digitale vrouwen van Masa Zodros.
Masa Zodros is een kunstenares die gespecialiseerd is in fotografische manipulatie, een techniek waarbij ze in de eerste plaats ruimte geeft aan portretten van gekleurde mensen, onderwerpen die zijn vastgelegd in tijdperken uit het verleden of surrealistische, mythologische en culturele situaties, uitgevoerd door het gebruik van software, te beginnen met het aanpassen van modellen die in haar studio zijn waargenomen. Het doel van dit werk wordt ons expliciet gemaakt door de kunstenaar, die versies wil creëren van de zwarte man en vrouw die vrijgesteld zijn van onze geschiedenis, die integendeel rijk is aan dramatische gebeurtenissen van overheersing, uitbuiting en vervreemding . Afgezien van deze trieste feiten stelt Zodros zich een werkelijkheid buiten de tijd voor, dat wil zeggen, een meer rechtvaardige dimensie waarin zijn volk zich had kunnen ontwikkelen, een meer rechtvaardige culturele expansie had kunnen bereiken, plaatsvindend in structuren en instellingen die meer op hen leken. Deze laatste artistieke intentie ligt ook ten grondslag aan What We Are, een werk waarin het masker van de hoofdrolspeler me terugbrengt naar het onderwerp van Les Fétiches (1938), een meesterwerk van Lois Mailou Jones, een zwarte kunstenaar die streed voor de erkenning van de geschiedenis, cultuur en rechten van zwarte mensen.
Heb je je favoriete opkomende artiest al gekozen?
Olimpia Gaia Martinelli