Pop-art en merken - merken en pop-art

CHANEL'DOG (2023) Sculptuur van The Kri$$$.

Hoe zijn we van Coca-Cola naar Chanel gekomen?

"Popart is industriële schilderkunst. Ik denk dat de betekenis van mijn werk is dat het industrieel is, dat is wat de hele wereld binnenkort zal worden. Europa zal snel hetzelfde zijn, het zal niet langer Amerikaans zijn, het zal universeel zijn. "

Het bovenstaande citaat van Roy Lichtenstein voorspelde absoluut de komst van de huidige geglobaliseerde samenleving, een fenomeen waardoor het kapitalisme zich heeft verspreid door barrières tussen staten te elimineren om een wereldwijd economisch en cultureel model op te leggen, waarin meerdere luxemerken een van de belangrijkste onderwerpen van de hedendaagse pop zijn geworden. kunst. Maar wat is het begin van deze trend en hoe heeft deze zich in de loop der jaren ontwikkeld? Allereerst is het goed om kort "de ideologie" van de bovengenoemde kunstbeweging te verduidelijken om later de evolutie ervan te demonstreren, bedoeld om in eerste instantie voornamelijk supermarktmerken zichtbaar te maken en later duidelijk meer elitemerken . Uitgaande van de basisconcepten van pop-art, onderscheidde het zich door het gebruik van zeer herkenbare beelden, die, ontleend aan de media en populaire cultuur, samen met neo-dada en andere bewegingen de definitie van kunst hebben uitgedaagd, de laatste concept tot een dimensie van viering en verheffing van het alledaagse. Precies in deze zin, dat wil zeggen het nastreven van de bedoeling om de grenzen tussen 'hoge' en 'lage' cultuur te vervagen, moeten de beelden worden opgevat die de onbetwiste meester van de beweging, Andy Warhol, in de jaren zestig creëerde, die gericht was op bij een nieuwe interpretatie van het merk Coca-Cola, met de al even bekende Campbell's Soup Cans de bedoeling nastreefde om de producten die deel uitmaakten van het leven van de kunstenaar naar buiten te brengen. Aangezien deze democratische goederen toegankelijk waren voor de massa, zouden ze in de late jaren tachtig worden afgewisseld met meer elitaire litho's, die net als die van Chanel (1985) deel uitmaakten van de Ads-portfolio, niet alleen gericht op het benadrukken van het Franse merk, maar ook op ook enkele van de machtigste Amerikaanse bedrijven, zoals bijvoorbeeld Mobilgas, Paramount Pictures, Disney en Apple Macintosh, vergezeld van de buitenlandse merken Volkswagen en Blackglama. Terugkerend naar Chanel, werd de lithografie geboren om, geïnspireerd door een advertentie uit de jaren 60, een parfum te vieren, dat op zijn zachtst gezegd iconisch was en een favoriet van Marilyn Monroe, en werd gepresenteerd in een eenvoudige en transparante fles, waarbij vorm in een minimalistisch design, wat ongetwijfeld aan de basis lag van het tijdloze succes. Op dit punt wordt het voor onze ogen duidelijk hoe in het laatste geval de viering van alledaagse voorwerpen, goed geïllustreerd door de eerder genoemde Coca-Cola, wordt vervangen door de "afgoderij" van luxegoederen, voorgesteld als een loutere toespeling, verheerlijking en praalvertoon van een staat van welzijn waarnaar de massa begerig streeft. Het is precies aan dit onophoudelijke verlangen naar bezit dat we het huidige succes van luxemerken in de hedendaagse pop-art te danken hebben, een beweging die de woordvoerder wordt van de climax waarin het moderne uiterlijk vertoon stroomt, aangewakkerd door de verspreiding van gemonteerde en geconstrueerde sociale media-afbeeldingen.

CHANEL (2022) Schilderij van Rinalds Vanadzins.

CHANEL'S LOVERS (2021) Schilderij van Stan.

Chanel vandaag

Precies de bovengenoemde dwangmatige behoefte om je gemak te delen, evenals het verlangen om de smaak van bezetenheid te kristalliseren, wordt vandaag goed geïllustreerd door Chanel (2021), een met de hand afgewerkte canvasprint van The Miaz Brothers, een kunstenaarsduo uit Lombardije dat bekend staat om tijdens hun lange onderzoeksreis, inclusief fotografie, video en schilderkunst, volwassen geworden, een nieuwe techniek die de benadering van portretten heeft vernieuwd, aangezien zijn onderwerpen, voornamelijk gemaakt met airbrush en acryl, vage contouren vertonen die gericht zijn op het genereren van raadselachtige en suggestieve beelden. Precies in die zin tart Chanel (2021) ook de perceptie van de kijker en schuwt het volledige definitie, hoewel het silhouet van het iconische parfum nu onmogelijk niet meer te onderscheiden is, wat de totale verspreiding, bevestiging en herkenbaarheid van de iconografie van luxe aantoont. In de bovengenoemde reproductiemodus van het parfum, dat, zeker naar het voorbeeld van Warhol, zijn iconische fles wilde weergeven, werd "analoog" gerealiseerd Chanel (2022), een schilderij van Artmajeur-kunstenaar Rinalds Vanadzins, dat, uitgevoerd met een mengsel van acryl en spuitverf aangebracht op canvas, resulteerde in een gestructureerd, dynamisch en levendig oppervlak waarin de vloeiende penseelstreken van acryl contrasteren met de ruwe textuur van spuitverf, technieken die zijn ontworpen om de veelzijdige vaardigheden van de kunstenaar uit te leggen om zichzelf uit te drukken en verschillende materialen te beheersen om visueel opvallende popwerken genereren. In dezelfde geest als Vanadzins drukte een andere Artmajeur-kunstenaar zich uit, namelijk Stan, wiens "pop-surrealisme" tot uiting komt in de kus die leven en vorm krijgt in de parfumvloeistof, een detail dat me onmiddellijk deed denken aan Salvator Dali, een meester die zijn eigen specifieke interpretatie gaf van de bekende fles, door er zijn eigen "onvolledige" zelfportret op af te beelden, in die zin dat het alleen bedoeld was om vorm te geven aan de ogen, wenkbrauwen en snor van de Catalaanse kunstenaar. Terugkerend naar Stan, valt de hedendaagse Franse schilder op door zijn unieke stijl, gericht op het combineren van pop- en straatkunst, trends die opnieuw worden geïnterpreteerd met een uitgesproken voorliefde voor het universum van de jaren 1950 en 1970, tijdperken vereeuwigd in hun iconen.

ELSIR N°5 (2022)Schilderij van Simona Zecca.

Voor een minder klassieke kijk op het merk

Als de fles Chanel nr. 5 is geworden, volgens de hierboven aangehaalde voorbeelden, de meest bekende en populaire vorm om te zinspelen op de iconische karakter van het Franse merk, een analyse van het werk van andere hedendaagse kunstenaars laat ons zien hoe het verhaal van kunst verder is gegaan dan de bovengenoemde "classicisme", waarbij bijvoorbeeld een paar karakters op een grasveld worden afgebeeld op het moment dat, terwijl een van hen geniet van een Starbucks-drankje, de ander zich recht boven zijn hoofd bevindt, het beeld van het logo van de multi -named brand, gericht op het transformeren van het kunstwerk, getiteld Chanel en onderdeel van de serie Product Placement (2010), tot een soort mainstream reclameposter. Ik heb het over het werk gemaakt door Alex Gross, een beeldend kunstenaar geboren in 1968, die gespecialiseerd is in olieverfschilderijen op canvas met als thema's globalisering, commercie, schoonheid, donkere chaos en het verstrijken van de tijd, zich uitdrukt door middel van een surrealistische poptaal gericht op het analyseren van de culturele sfeer van het consumentistische Amerika, waarin grote merken zoals bijvoorbeeld Dior en Fendi worden gedemoniseerd om consumptie in verband te brengen met liefde en moraal, het kritische denken van kijkers stimulerend, die worden aangemoedigd een gevoel van scepticisme ten opzichte van bepaalde sociale normen. Op een "soortgelijke" manier plaatst Artmajeur-kunstenaar Simona Zecca's canvas Elisir No. 5 de Chanel-inscriptie in een context die wordt gedomineerd door de menselijke figuur, waardoor de kijker bijna onvoorbereid wordt betrapt, die, verloren in contemplatie van het hoofdonderwerp, ook merkt dat hij de goden van de massacultuur.

GUCCI DREAMS (2021)Schilderij van Helen She.

GUCCI IN BLOOM (2022) Collages van Géraldine G.

Pop-art en merken - merken en pop-art

Tot nu toe hebben we gezien hoe kunst, die eer betoonde aan de meest luxueuze mode, de vorm heeft aangenomen van stilzwijgende reclame, zonder na te gaan hoe de omgekeerde relatie ook mogelijk is, die erop gericht is plaats te vinden wanneer een merk zijn advertenties omzet in echte werken van kunst, waarbij het werk van hedendaagse kunstenaars betrokken is, net als in het geval van de surrealistische beelden en iconografieën van weleer, bedoeld om tot leven te komen in de Art Walls die de Spaanse kunstenaar Ignasi Monreal voor Gucci in Milaan, New York en Hong Kong heeft gecreëerd. Een verdere vorm van de relatie tussen kunst en mode wordt gerealiseerd wanneer de meest klassieke beelden uit het figuratieve repertoire in de werken worden gebruikt, die een nieuwe bestemming krijgen in een nieuwe popcontext, een concept dat goed is weergegeven door Artmajeur-kunstenaar Helen She's David Fendi, een schilderij gericht op het transformeren van Michelangelo's meesterwerk in een populaire mode-getuigenis, gevangen in een pose die vergelijkbaar is met die van de meest bekende persoonlijkheden uit de entertainmentwereld, die over het algemeen op grote schaal worden uitgebuit door merken. Nog steeds over Helen She, ze heeft ook Gucci Dreams gemaakt, een vrouwelijk naakt, dat, geliefd bij de meer traditionele iconografie van Titiaans Venus van Urbino, Manet's Olympia, Giorgione's Slapend naakt, enz., wordt geposeerd op de manier van een stripverhaal, expliciet verwijzend naar een ander Italiaans merk: Gucci. Ten slotte verandert de relatie tussen kunst en mode opnieuw in Géraldine G.'s collage en acryl getiteld Gucci in bloom, een werk waarin het waarschijnlijk de artiest van Artmajeur is die het decoratieve motief, dat op de verpakking van Gucci's Flora verschijnt, vernieuwend herinterpreteert. parfum, hoewel in het artistiek onderzoek van Géraldine de juxtapositie van reclame en natuurlijke onderwerpen zeer terugkerend lijkt, gericht op het koppelen van de symbolen van het leven bij uitstek aan die van een even eindeloze creativiteit van voornamelijk consumentistische aard.