Egon Schiele, 1914. Foto door Anton Josef Trcka (Antios)

Wie was Egon Schiele?

Egon Schiele werd geboren op 12 juni 1890 in Tulln, Oostenrijk. In 1906, na het afronden van zijn opleiding in Krems en Klosterneuburg, schreef hij zich in aan de in Wenen gevestigde Akademie der Bildenden Künste. Hij studeerde hier tekenen en schilderen, maar vond de starheid van de school ontmoedigend. Hij ontmoette Gustav Klimt in 1907, die hem inspireerde en invloed had op zijn werk. In 1909 richtten Schiele en andere ontevreden studenten de Neukunstgruppe op na het verlaten van de Akademie. Schiele nam op verzoek van Klimt deel aan de Weense Kunstschau in 1909 en zag daar de kunstwerken van Edvard Munch, Jan Toorop, Vincent van Gogh en andere kunstenaars. Schiele ontmoette Arthur Roessler, een kunstcriticus en schrijver, voor het eerst op de eerste Neukunstgruppe-tentoonstelling in 1909 in de Piska Salon in Wenen. Roessler werd een vriend van Schiele en prees zijn kunst in zijn schrijven. Hij begon een hechte relatie met de verzamelaar Heinrich Benesch in 1910. Schiele kreeg nu verschillende portretopdrachten van de Weense intellectuelen en had een persoonlijke expressionistische portret- en landschapsstijl ontwikkeld.

Schiele, die isolatie wilde, verliet Wenen in 1911 en vestigde zich in een klein dorp. Hij legde zich meer en meer toe op zelfportretten, allegorieën van leven, dood en seks, en creëerde seksuele aquarellen. Hij werd vastgehouden wegens "immoraliteit" en "verleiding" in 1912; tijdens zijn 24-daagse gevangenis produceerde hij een reeks ontroerende aquarellen en tekeningen. Schiele nam deel aan een aantal groepstentoonstellingen, zoals de Neukunstgruppe-tentoonstellingen in Praag in 1910 en Boedapest in 1912, de Sonderbund-tentoonstelling in Keulen in 1912 en meerdere Secession-tentoonstellingen in München vanaf 1911. Schiele's eerste solotentoonstelling werd gepresenteerd in 1913 bij Galerie Hans Goltz in München. In 1914 hield hij een solotentoonstelling van zijn schilderijen in Parijs. Schiele trouwde het jaar daarop met Edith Harms en werd ingelijfd bij het Oostenrijkse leger. Tijdens zijn tijd in het leger bleef hij zijn werk tentoonstellen en schilderde hij regelmatig. Hij behaalde kritische erkenning en commercieel succes in 1918 met zijn solo-optreden in de Weense Secession. Hij stierf enkele maanden later in Wenen op 28-jarige leeftijd aan griep op 31 oktober 1918, drie dagen na zijn vrouw.

Egon Schiele, de meester van expliciete naaktheid

Schiele's weergave van de naakte persoon was revolutionair voor zijn tijd en blijft mensen verbazen. Zelfs de meest vooruitstrevende tijdgenoten van Schiele vonden zijn werk uitdagend. Hij verdraaide zijn onderdanen in geseksualiseerde, oerwezens op een onberouwvolle, brutale en onthullende manier. Er werd beweerd dat Schiele tijdens een vergadering vrijuit schilderde en zijn onderwerp bijna voortdurend in de gaten hield en een hechte band met haar ontwikkelde.

In 1910 begon Schiele te experimenteren met naakten, en binnen een jaar had hij een kenmerkende stijl ontwikkeld met slanke, ziekelijk gekleurde figuren die vaak een openlijke seksuele ondertoon hadden. Schiele begon ook kinderen te schilderen en te schetsen. Knielend naakt met opgeheven handen (1910), een zelfportret van Schiele, wordt beschouwd als een van de belangrijkste voorbeelden van naaktkunst die in de 20e eeuw is geproduceerd. Schiele's innovatieve en gedurfde benadering van de naakte menselijke vorm bracht zowel academici als progressieven in verwarring. Met zijn verwrongen lijnen en openlijk gebruik van figuratieve expressie tartte dit unieke stuk en stijl de rigide academische traditie en veroorzaakte het een seksuele commotie.

Egon Schiele - De sinaasappel was het enige licht, 1912. Gouache, waterverf en potlood op papier, 31,9 x 48 cm.

Het naakte menselijke lichaam is intiem en privé en wordt doorgaans alleen door een klein aantal mensen gezien. Schiele beeldt constant zijn naakte lichaamsbouw af op canvas voor publieke blootstelling, ondanks het feit dat het vaak gereserveerd is voor privémomenten. Daarmee ondermijnt hij tegelijkertijd geaccepteerde normen en noties van fatsoen en trekt hij het publiek mee in zijn intieme, persoonlijke wereld. Hij toont zijn ware zelf, letterlijk alles blootleggend. Schiele lijkt zich bezig te houden met de hoogste vorm van zelfexpressie na te hebben gevochten voor de vrijheid om zijn kunst te maken en sociale normen te trotseren.

Omdat het cultureel wordt verwacht dat we het menselijk lichaam bedekken, beschermen en uit het zicht van het publiek houden, zijn afbeeldingen van naaktheid blootstelling, zwakte en kwetsbaarheid gaan vertegenwoordigen. Schiele verwerpt deze aanname door in zijn zelfportretten een rebelse, open positie in te nemen; in plaats daarvan komt hij tevreden over met de blootstelling en wil hij graag gezien worden voor toekomstige generaties als zijn echte zelf. Schiele's naaktheid ontdoet hem van de conventionele barrières voor ego en zelfexpressie, maar zijn imago komt nog steeds over als ongelooflijk expressief, krachtig en uitdagend. Voor Schiele is naakt zijn sociaal ongepast, rebels en controversieel - maar toch vertegenwoordigt het de waarheid, de meest authentieke versie van zichzelf, vrij van enige schijn en kunstgrepen. In een samenleving waar Schiele vaak een outcast was, kiest hij ervoor om zichzelf af te schilderen als naakt, misvormd en onbeschaamd.

Egon Schiele - Portret van Edith Schiele met gestreepte jurk, zittend, 1915. Potlood en gouache op papier, 40,2 x 50,8 cm. Leopoldmuseum, Wenen

Schiele's stijl en prestaties

Schiele was een ongelooflijk productieve kunstenaar en maakte in de loop van zijn korte carrière bijna drieduizend tekeningen. Zijn belangrijkste artistieke medium was tekenen, dat hij waardeerde vanwege de spontaniteit van expressie en die hij gebruikte om enkele van de beste tekeningen van de 20e eeuw te maken. Zelfs in zijn schilderij, waar hij een sterke nadruk legde op contouren, grafische tekens en lineariteit, waren er sporen van een kenmerkende, op tekeningen geïnspireerde esthetiek.

Met hun ongekende niveau van emotionele en seksuele directheid en het gebruik van figuratieve vervorming in plaats van conventionele schoonheidsidealen, droegen Schiele's portretten en zelfportretten bij aan de heropleving van beide genres. Schiele's portretten, die gewoonlijk hemzelf of mensen die dicht bij hem staan, laten zien, tonen hun onderwerpen vaak naakt, geplaatst in verontrustende hoeken, vaak van bovenaf gezien, en verstoken van enige secundaire kenmerken die typerend zijn voor het portretgenre. Schiele voegde af en toe conventionele thema's toe, waardoor de zeer intieme foto's een meer algemene, metaforische boodschap kregen over de status van de mensheid.

Egon Schiele - Portret van Arthur Rössler, 1910. Olieverf op doek, 99,6 x 99,8 cm. Leopoldmuseum, Wenen.

Schiele's ontwikkeling werd vooral beïnvloed door de schilder Gustav Klimt, die zowel zijn vriend als mentor was. Hoewel Schiele de nadruk van Klimt op erotische afbeeldingen van de vrouwelijke vorm overnam (en Klimts onverzadigbare seksuele lust deelde), ontwikkelde de emotioneel intense, vaak verontrustende expressionistische stijl die Schiele uiteindelijk ontwikkelde, met zijn onderzoek naar de innerlijke levens en emotionele toestanden van zijn sitters, in sommige opzichten rechtstreeks. verzette zich tegen de art nouveau-geïnspireerde stijl van zijn mentor.

Schiele's kunst heeft kritiek gekregen omdat ze grotesk, erotisch, pornografisch of beangstigend is, met een focus op seks, dood en ontdekking, van critici als Jane Kallir. Volgens Kallir en onderzoeker Gerald Izenberg wordt Schiele gezien als iemand met een flexibele seksualiteit en gender. Volgens Kallir worstelde Schiele met zijn eigen seksuele neigingen en genderconventies in een tijd waarin gendernormen veranderden, de vroege vrouwenbeweging terrein won en homoseksualiteit strafbaar werd gesteld. In de eenentwintigste eeuw interpreteerden verschillende recensenten zijn werk als vreemd.

Egon Schiele - Mijn woonkamer (De kunstenaarskamer in), 1911. Olieverf op hout, 40 x 31,5 cm. Kunsthistorisches Museum, Wenen, Oostenrijk

De nalatenschap

Ondanks dat hij een kort leven had, creëerde Egon Schiele ongelooflijk veel werken op canvas en papier. Hij speelde een sleutelrol bij het vormgeven van de kenmerken van het expressionisme uit het begin van de 20e eeuw, namelijk het gebruik van golvende lijnen, een vaak somber kleurenschema en vaak donkere symboliek. Schiele maakte een groot aantal zelfportretten, waarmee hij blijk gaf van een obsessie met het zelf op gelijke voet met Picasso-achtige niveaus. Dit in tegenstelling tot zijn mentor Klimt, met wie Schiele's naam het vaakst in verband wordt gebracht. Zowel expressionistische tijdgenoten zoals Oskar Kokoschka als neo-expressionistische opvolgers zo divers als Francis Bacon, Julian Schnabel en Jean-Michel Basquiat werden aanzienlijk beïnvloed door Schiele's stijl.

Egon Schiele - Der Maler Max Oppenheimer, 1910. Zwart krijt, Oost-Indische inkt en waterverf op papier, 45,1 x 29,8 cm. Albertina Museum, Wenen, Oostenrijk

Schiele's leven en werk waren het onderwerp van Herbert Vesely's biografische film Excess and Punishment uit 1980, Joanna Scott's roman Arrogance uit 1990, evenals essays, waaronder een over portretten waarin modefotograaf Richard Avedon het werk van Schiele besprak. In zijn roman The Notebooks of Don Rigoberto uit 1997 verleidt Mario Vargas Llosa en profiteert hij ethisch van de hoofdpersoon door Schiele's kunstwerken als doorgeefluik te gebruiken. Schiele's zelfportretten dienden als inspiratie voor Rich Pellegrino's schilderij in Wes Anderson's The Grand Budapest Hotel, David Bowie's album Lodger's albumhoes uit 1979, en An Honest Deceit van Guy Mankowski, gepubliceerd in 2017.

Egon Schiele - Portret van de schilder Anton Peschka, 1909. Olieverf en metallic verf op canvas, 110,2 x 100 cm.


De beroemdste schilderijen van Egon Schiele:

• Portret van Gerti Schiele, 1909; Museum voor Moderne Kunst, New York; Aankoop en gedeeltelijke schenking van de familie Lauder, 1982, en privécollectie
• Portret van Wally, 1912; Leopoldmuseum, Wenen
• Zelfportret met Chinese lantaarnplant , 1912; Leopoldmuseum, Wenen
• Kluizenaars, 1912; Leopoldmuseum, Wenen
• Huizen met Wasserij (Seeburg), 1914
• Dood en het meisje, 1914-1915; Österreichische Galerie Belvedere, Wenen
• Portret van Edith Schiele, de vrouw van de kunstenaar, 1915; Kunstmuseum Den Haag, Nederland
• De omhelzing, 1917; Belvedere Paleis en Museum, Wenen
• Vier Bomen, 1917; Belvedere in Wenen, Oostenrijk
• Stad tussen groen (The Old City III), 1917; Neue Galerie New York. Ter nagedachtenis aan Otto en Marguerite Manley, geschonken als legaat van de nalatenschap van Marguerite Manley
• Liggende vrouw, 1917; Leopoldmuseum, Wenen
• Knielend meisje rustend op beide ellebogen, 1917; Leopoldmuseum, Wenen

Kunst collecties

Het Leopold Museum, dat meer dan 200 van hen huisvest, is de thuisbasis van wat misschien wel Schiele's belangrijkste en meest uitgebreide oeuvre is. Een daarvan, Houses With Colourful Laundry (Suburb II), werd in 2011 door het museum verkocht voor $ 40,1 miljoen bij Sotheby's. De Oostenrijkse Galerie Belvedere, de Albertina Graphic Collection en het Egon Schiele-Museum, die allemaal in Wenen zijn gevestigd, zijn andere opmerkelijke collecties van Schiele's kunstwerken. Schiele's werken, met name Dämmernde Stadt, werden verzameld door Viktor Fogarassy. Andere musea met werken van Schiele zijn het Metropolitan Museum of Art, het Museum of Modern Art en de National Gallery of Art.

Egon Schiele - Leopold Museum, 2008, fotografie door: Alan Islas