Diego Velázquez: top 10 kunstwerken

ARTEMISA'S MENINAS (2021)Schilderij door Rai Escale.

De top tien als manier om kunstgeschiedenis te onderwijzen...

Wanneer een kunsthistoricus de studie van het werk van een groot kunstenaar, zoals, in dit specifieke geval, Diego Velázquez, benadert, analyseert hij of zij zowel zijn of haar biografie als zijn picturale productie, waarbij hij of zij deze laatste benadert door deze in chronologische volgorde te onderzoeken. om de voortgang en evolutie van het standpunt van de meester in kwestie vast te leggen. Op het punt echter dat de deskundige het amateuristische verhaal van zijn onderwerp van studie moet benaderen, om het onderwerp in kwestie aantrekkelijk te maken voor de massa, is het raadzaam alleen de belangrijkste en meest opvallende punten van de hierboven uiteengezette punten bekend te maken. langdurig onderzoek, soms inclusief kritische standpunten en vergelijkingen tussen kunstenaars die behoorlijk complex, specifiek en gedetailleerd zijn. In dit licht blijkt de populariseringsstrategie van de top 10 uiterst effectief te zijn, aangezien de lezer zeker geïnteresseerd is in de loutere en vereenvoudigde ontdekking van de bekendste werken van de kunstenaar, hoewel men door het lezen van deze laatste niet kan verwachten uitgebreide expertise te verwerven over het onderwerp, aangezien ze zijn vrijgesteld van de noodzakelijke biografische en, chronologisch gezien, stilistische inleiding. Daarom zal mijn top 10, evenals vele andere die in omloop zijn, noodzakelijkerwijs worden ingeleid door een korte presentatie van de Spaanse meester, die in staat is zijn stilistische eigenaardigheden naar voren te brengen, enz., die vervolgens herkenbaar zullen zijn door de observatie van de tien werken Ik heb gekozen als progressieve manifesten van het figuurlijke onderzoek van Diego Velázquez.

Een VELAZQUEZ (2020) Schilderij van Felipe Achondo.

Diego Velázquez: 5 belangrijke punten om hem te begrijpen

Biografisch: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660) was een Spaanse schilder, beschouwd als de leidende kunstenaar aan het hof van koning Filips IV, evenals een van de meest representatieve meesters van de barok, waarbinnen hij zich onderscheidde zichzelf vooral door zijn beoefening van het portretgenre.

Rol van de schilder: De belangrijkste functie van Diego Velázquez was die van prestigieuze hofschilder van de Spaanse koning Filips IV; in feite werd hij tijdens de barokperiode betaald om werken voor royalty's te maken, hoewel hij zich ook extreem bleef inzetten voor het portretteren van mensen en scènes uit het dagelijks leven.

Stilistisch: De portretten van Velázquez vertonen een individualistische, naturalistische en directe stijl, die ertoe heeft geleid dat de Spaanse meester wordt erkend als een voorloper van het realisme en het impressionisme, die in staat is authenticiteit te bevoorrechten boven de romantiek en andere modi, die, historisch of enigszins traditioneel, in het verleden gebruikelijk waren. het moment om het picturale genre in kwestie aan te pakken. De nauwkeurigheid en schilderkunstige waarheid van de kunstenaar zijn onder meer te zien in de afbeeldingen van zijn meest typische details, die bekend staan om hun veelvoudige nuances, weergegeven door vrije en losse penseelstreken, evenals het gebruik van gradiënten van licht, kleur en vorm. waardoor hij portret- en scèneschilderkunst uit zijn vaste grenzen kon halen, waardoor hij werd gekroond tot een van de belangrijkste meesters van de Spaanse Gouden Eeuw.

Technisch: opmerkelijk is de vaardigheid die wordt aangetroffen in de praktijk van de clair-obscur-techniek door de Spaanse meester, waarmee wordt aangegeven dat de nauwkeurige behandeling van licht en schaduwen, die, extreem verbeterd, aanleiding geven tot hoge picturale contrasten, met als doel bijzonder relevante punten in het licht te benadrukken. het werk, dat ook aanleiding kan geven tot een complex atmosferisch perspectief.

Compositorisch: Velazquez bestudeerde zorgvuldig de rangschikking van onderwerpen in zijn werken, omdat hij ze opvatte als een strategisch instrument dat in staat was de kijker de eigenaardigheden te laten begrijpen waarvoor de meesterwerken bedoeld waren. Om dergelijke bedoelingen weer te geven maakte de schilder ook gebruik van diagonale structuren, complexe brandpunten en afzonderlijke vlakken, die in staat waren het oog van de kijker te manipuleren door het naar de brandpunten van het werk te leiden, waar het diepere begrip van het werk werd bereikt. realiseerde.

Diego Velázquez, Portret van Sebastián de Morra, ca. 1644. Olieverf op doek, 106,5 cm x 81,5 cm. Museo del Prado, Madrid.

Portret van Sebastián de Morra

Diego Velázquez: top 10 kunstwerken

10. Portret van Sebastián de Morra (1644)

Het meesterwerk in kwestie, gedateerd rond 1644, toont Sebastián de Morra, een dwergnar aan het hof van Filips IV van Spanje, die is afgebeeld terwijl hij aandachtig naar de toeschouwer staart, terwijl hij een houding aanneemt, waarschijnlijk bedoeld om een verkapte bedoeling van denucia parseguito te suggereren. door de Spaanse meester, die misschien kritiek had willen hebben op de manier waarop het hof 'kleine' narren behandelde, die sinds de middeleeuwen door de vorsten werden ingehuurd als lachertjes en misvormde entertainers. Deze nogal minachtende houding zou ook blijken uit het standpunt dat hofschilders vóór Velázquez innamen ten aanzien van dergelijke karakters, die de onderwerpen in kwestie schilderden met de kilheid, veronachtzaming, starheid en soms minachting die voorbehouden zouden zijn aan een soort gehumaniseerde gedomesticeerde dieren. In tegenstelling tot deze traditie vereeuwigde Velázquez de dwergen echter met extreem respect, omdat hij geloofde dat er schoonheid zat in het simpelweg schilderen van de waarheid, ondanks het feit dat het in de ogen van sommigen onsmakelijk of überhaupt gestandaardiseerd in zijn vormen zou kunnen overkomen. . In overeenstemming met dit standpunt benadrukte de kunstenaar, in plaats van de dwergen af te schilderen als louter misvormde entertainers, de menselijkheid van deze onderwerpen, die soms veel superieur leken te zijn aan die van andere vereeuwigde hoffiguren. Op deze manier schreef de innovatieve en gevoelige Velázquez aan de dwergen dezelfde menselijkheid toe waarmee hij de koninklijke familie schilderde, waarmee hij aantoonde hoe hij, nadat hij verschillende ‘kleine mannen’ had leren kennen, waarschijnlijk in staat was om verder te gaan dan hun uiterlijk en eenvoudigweg te herkennen hun menselijke natuur.

Diego Velázquez, Apollo in de smederij van Vulcanus, 1630. Olieverf op doek, 223 cm x 290 cm. Museo del Prado, Madrid.

9. Apollo in de smederij van Vulcanus (1630)

Voordat Velázquez een verwant onderwerp werd vereeuwigd door onder meer Giorgio Vasari, een gevierde Italiaanse schilder, architect en kunsthistoricus geboren in 1511, die in 1564 De Smidse van Vulcanus schilderde, een mythologisch meesterwerk dat niet alleen rijk is aan begrijpelijke boodschappen en metaforen binnen het beschaafde milieu van het Medici-hof, maar ook in een veelheid aan karakters. Deze laatste, belichaamd door arbeiders die willen friemelen, vormen het decor voor de ontmoeting tussen Minerva en de god Vulcanus, proefpersonen die worden geëxecuteerd in verwrongen poses die typerend zijn voor het maniërisme van die tijd. Goed onderscheiden van laatstgenoemde beschrijving is het latere werk van de Spaanse meester, die, met minder karakters gerangschikt op hetzelfde vlak, de ontmoeting tussen Apollo en Vulcanus vereeuwigt, verwijzend naar de episode waarin eerstgenoemde van de twee laatstgenoemde bezocht in zijn smeden om hem te onthullen dat zijn vrouw Venus de minnaar was van Mars, de god van de oorlog. Zo'n schokkende bekentenis is juist terug te vinden in de uitdrukking die Velázquez op Vulcans gezicht schilderde, die is gebundeld in een gevoel waarin verontwaardiging en verbazing vakkundig zijn vermengd. Deze hele mythologische context, waarin ook de helpers van de smid zijn opgenomen die de ‘goddelijke roddels’ horen, wordt door de schilder op een enigszins nieuwe manier verteld, aangezien deze wordt weergegeven door middel van stilistische middelen die in staat zijn een ultraaardse episode tot werkelijkheid te verlagen. net alsof het het toneel van een burgerlijke roman is.

Diego Velázquez, Christus in het huis van Martha en Maria, 1618. Olieverf op doek, 63 cm x 103,5 cm. Nationale Galerie, Londen.

8. Christus in het huis van Martha en Maria (1620)

Op de voorgrond op de canvassteun is Martha vastgelegd, dat wil zeggen de jonge vrouw die knoflook in de vijzel wil stampen, waarschijnlijk verdiept in de bereiding van een waarschijnlijk Spaanse aiolisaus, die wordt vergezeld door een oudere vrouw die achter haar verlamd is, een plek uit wat zich leent om een scène aan te duiden die zich in het tegenovergestelde deel van het schilderij bevindt, zichtbaar vanuit een raam of een spiegel. In de laatste lijst is Jezus, zittend afgebeeld, gevangen in een didactische houding die hij aanspreekt tot Maria, maar ook tot een oudere vrouw die de Meester lijkt te willen onderbreken. Het complexe samenspel van kruisverwijzingen dat zojuist is beschreven, dat zijn meest volledige uitdrukking zal vinden in Las Meninas, verschilt goed van de eenvoudiger piramidevormige constructie van hetzelfde onderwerp door Jan Vermeer, bedoeld om tot leven te komen in een later meesterwerk, dat wil zeggen uit 1656, waarin opnieuw het verhaal wordt verteld van die evangelie-episode van Jezus' bezoek aan het huis van Marta van Bethanië en haar zuster Maria, dat plaatsvond terwijl eerstgenoemde, die het actieve leven vertegenwoordigde, zich bezighield met huishoudelijke taken, terwijl laatstgenoemde , een exponent van het spirituele leven, concentreerde zich uitsluitend op de activiteit van het luisteren naar Christus.

Diego Velázquez, Ruiterportret van de graaf-hertog van Olivares, ca. 1636. Olieverf op doek, 313 cm (123 inch) x 239 cm (94 inch). Museo del Prado.

7. Ruiterportret van de graaf-hertog van Olivares (1634)

Het meesterwerk van Velázquez valt, vanwege de kenmerken die in het onderwerp voorkomen, volledig binnen het genre van het ruiterportret, dat wil zeggen in die categorie van schilderijen of sculpturen, gericht op het tonen van onderwerpen die op een paard rijden, een bijzonderheid die voor het eerst zijn uitdrukking heeft gevonden sinds oudheid, zozeer zelfs dat het bekendste voorbeeld het standbeeld van keizer Marcus Aurelius op het Capitolijnse Plein in Rome blijkt te zijn. In het geval van het Portret van de graaf-hertog van Olivares te paard, met een afbeelding van Don Gaspar de Guzmán y Pimentel, premier van Filips IV van Spanje, is het belangrijk om te overwegen hoe het werk, wederom, het onderwerp triomfantelijk te paard uitbeeldt, een stellen dat dit destijds echter doorgaans voorbehouden was aan vorsten, en niet aan het ambt van de persoon in kwestie. Ondanks deze inconsistenties is het belangrijk om te benadrukken hoe de premier zelfs later het voorwerp van de aandacht van de schilder was, zoals te zien is op een portret uit 1635, dat tegen een neutrale achtergrond de hertog van Olivares afbeeldt. terwijl hij gekleed was in een zwart pak met een witte kraag, met een nogal vermoeid en gezwollen gezicht, blijkbaar ouder in vergelijking met het paardensportmeesterwerk van het jaar ervoor. Het was waarschijnlijk de politiek die hem ouder maakte, want het is algemeen bekend hoe hij tijdens zijn ambtsperiode werkte aan het doorvoeren van fiscale en administratieve hervormingen, maar zonder veel succes...

Diego Velázquez, Dwerg met hond, Ca. 1645. Olieverf op doek, Hoogte: 142 cm; Breedte: 107 cm. Koninklijke Collectie (Nieuw Koninklijk Paleis, Madrid).

6. Dwerg met hond (1640-45)

Dwerg met Hond, een olieverf op doek uit het Prado, toont een hofnar, die, rijkelijk gekleed en rechtopstaand, wordt geflankeerd door de logge aanwezigheid van een mastiff, wiens omvang de bescheiden lengte van de hoofdfiguur onderstreept, die hoogstwaarschijnlijk: lijnt het grotere dier met enige bezorgdheid aan. De dwerg in kwestie, door velen geïdentificeerd als de hofnar Don Antony ‘de Engelsman’, of met landgenoot Nicholas Hodson, neemt ons mee in de ‘cultus’ die de kunstgeschiedenis sinds de vroegste eeuwen voor deze figuren heeft gereserveerd, zozeer zelfs dat in het oude Egypte zijn naast skeletten met dwerggroei veel votiefbeeldjes van dwergen gevonden, die binnen heiligdommen bedoeld waren om de vruchtbaarheidscultus te belichamen. Bovendien werden dwergen vaak afgebeeld in de graven van de elite van die tijd, als dansers en dansers, muzikanten, koninklijke bedienden, juweliers, bedienden van verschillende soorten. Het was echter vanaf de Renaissance dat deze karakters het hoogtepunt van hun populariteit bereikten en een waar statussymbool werden, aangezien het voor de heren van de Europese hoven een teken van prestige was om met dit soort adviseurs of hofdame te pronken. -aan het wachten. Een voorbeeld hiervan is de herhaling waarmee in de 16e eeuw binnen het Florentijnse hof van Cosimo I dè Medici de inmiddels iconische dwerg Morgante werd afgebeeld. Ten slotte, in het tijdperk van de Spaanse meester, zijn, naast de portretten gemaakt door Velázquez zelf, even bekend de Engelse portretten van Richard Gibson en Anne Shepherd; of die van Sir Jeffrey Hudson, de kleine dienaar van koningin Enrichetta Maria van Frankrijk.

Diego Velázquez, Oude vrouw die eieren bakt, ca. 1618. Olieverf op doek, 100,5 cm x 119,5 cm. Nationale Galerie van Schotland, Edinburgh.

5. Oude vrouw die eieren frituurt (1618)

Om Old Woman Frying Eggs te begrijpen, is het noodzakelijk om een uitgangspunt te stellen, waarin kort wordt uitgelegd wat er wordt bedoeld met genreschilderkunst. Dit laatste, onderdeel van de praktijk van genretaferelen, omvat al die kunstwerken die gericht zijn op het vastleggen van gebeurtenissen uit het dagelijks leven, een bijzonderheid waardoor het lange tijd als inferieur werd beschouwd aan de historisch-religieuze schilderkunst en de portretschilderkunst. Niettemin raakte de genreschilderkunst wijdverspreid, vooral in Nederland en op klein formaat, vanaf de eerste helft van de 16e eeuw, met onder meer Pieter Brueghel de Oude, Adriaen en Isaac van Ostade, David Teniers de Jonge, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer en Pieter De Hooch. Terugkerend naar Diego Velázquez, toont het meesterwerk in kwestie, gemaakt tijdens de Sevilliaanse periode van de kunstenaar, bescheiden karakters, gepersonifieerd door een vrouw die een ei kookt of braadt, verlicht, door een vakkundig gebruik van clair-obscur, door een lichtbron die van links komt, in staat van het genereren van sterke lichtgevende contrasten, klaar om zelfs vorm te geven aan de kenmerken van het tweede personage: een jongen die uiterst links op de steun verschijnt. De beide levensfasen in kwestie, die vorm krijgen in de bovengenoemde onderwerpen, zijn gesmeed door een enigszins fotografisch realisme, dat in staat is om met gelijke nauwkeurigheid de gereedschappen van het vak vast te leggen, zoals borden, bestek, pannen, stampers, kannen en vijzels voor dagelijks gebruik.

Diego Velázquez, Infanta Margarita Teresa in een blauwe jurk, 1659. Olieverf op doek, 127 cm x 107 cm. Kunsthistorisches Museum, Wenen.

4. Infanta Margarita Teresa in een blauwe jurk (1659)

Maria Theresa van Habsburg (1638-1683), dochter van koning Filips IV van Spanje en Elizabeth van Frankrijk, ook bekend als Maria Theresa van Oostenrijk, is een zeer terugkerend onderwerp in het werk van Velázquez, die in het geval van het meesterwerk uit 1659 in kwestie wilde haar portretteren terwijl ze een zeer elegante blauwe jurk droeg, vakkundig weergegeven door korte lijnen van pure kleur, die nu te zien is in het Kunsthistorisches Museum in Wenen. Voorafgaand aan dit werk werden de kenmerken van Maria Theresa als kind echter in 1653 vereeuwigd in Infanta Margarita Teresa in een perzikjurk en later in Portret van de Infanta doña Margarita van Oostenrijk (ca. 1665), evenals in The infanta Maria Theresa van Spanje (1652), een feit dat ons doet afvragen: waar is de populariteit van dit personage aan te danken? In feite moest de Spaanse meester zich meermaals op dit onderwerp concentreren, aangezien zijn portretten naar Wenen werden gestuurd om de geleidelijke rijping van het meisje te kunnen tonen aan Leopold I van Habsburg, de oom van het meisje voor wie ze was geweest. verloofd.

Diego Velázquez, Venere Rokeby, 1648 ca. Olieverf op doek, 122,5×175 cm. Nationale Galerie, Londen

3. Venus Rokeby (1648)

Het meesterwerk in kwestie vertegenwoordigt een authentiek juweel van de kunstgeschiedenis, in die zin dat het het enige naakt is van de in totaal vier door de kunstenaar gemaakte naakten dat tot ons is gekomen, waardoor we ook kunnen getuigen van de stilistische schulden die de Spanjaard heeft voortgekomen uit het voorbeeld van werken met een soortgelijk onderwerp, voornamelijk gemaakt door Tintoretto, Titiaan en Rubens. In ieder geval lijkt het meest plausibele model dat van de Venus van Urbino (Titiaan), gezien de ontspannen houding die de godin van Diego aanneemt, die echter verschilt van de Italiaanse meester doordat ze zijn model van achteren heeft vastgelegd, terwijl zij is van plan haar beeld weerspiegeld te zien in een spiegel die door Cupido wordt vastgehouden. Juist deze laatste figuur maakt de identiteit van de hoofdpersoon, die traditioneel doorgaans met licht haar wordt afgebeeld, nu dik donker haar heeft, onmiddellijk herkenbaar. Tot slot lijkt het werk, een van de laatste die de kunstenaar heeft geschilderd, met een beetje gezonde roddels, als model te hebben gestaan voor de kenmerken van de jonge Romeinse schilder Flaminia Triunfi, met wie de schilder waarschijnlijk een affaire had en misschien zelfs een relatie had. zoon genaamd Antionio Da Silva, die hij in de steek liet toen hij na zijn verblijf in Italië op verzoek van de koning naar Spanje moest terugkeren.

Diego Velázquez, Portret van Innocentius X, ca. 1650. Olieverf op doek, 141 cm x 119 cm. Galleria Doria Pamphilj, Rome.

2. Het portret van paus Innocentius X (1650)

Het Portret van Innocentius X is geschilderd door Diego Velásquez, waarbij hij een techniek leende die leek op die van Titiaan, in die zin dat de Spanjaard zijn onderwerp construeerde uit snelle, dikke penseelstreken, vaak, zoals in het geval van de rode mozzetta, ook sterk geladen en slecht beschaduwd. In ieder geval is dit niet het meest relevante aspect van het schilderij, dat, een manifestatie van een perfecte psychologische studie van het personage, Velázquez tot een van de grootste vertolkers van de portretkunst van zijn tijd maakte. Het gezicht van de paus, naar rechts georiënteerd maar met zijn blik naar de toeschouwer gericht, presenteert ogen met een beslissende en intense uitdrukking, die in hun openbaring gepaard gaat met de rimpeling van zijn wenkbrauwen. Verrijkend voor wat beschreven wordt zijn de geschilderde strakke lippen, die samen met de houding en de rechterhand, elegant achtergelaten op de armleuning, staan voor groot gemak en zelfbeheersing. De picturale beschrijving komt eigenlijk overeen met de echte, aangezien Giovanni Battista Pamphili (1574-1655) werd beschouwd als een man met een nogal moeilijk en gereserveerd karakter, die later ook door Francis Bacon werd vereeuwigd in zijn bekende serie Screaming Pope. Dit laatste, opgevat naar het model van Velásquez, gaf aanleiding tot een groep portretten waarin het onderwerp in kwestie als vervormd en vervormd aan de kijker wordt onthuld, om een metaforische reis naar de innerlijkheid van het individu te representeren en, op de tegelijkertijd, in de hel van het bestaan.

Diego Velázquez, Las Meninas, circa 1656. Olieverf op doek, 318×276 cm. Museo del Prado, Madrid.

1. Las Meninas (1656)

De vele onderwerpen die aanwezig zijn in Las Meninas, vastgelegd door het bekwame penseel van Diego Velázquez, lijken samengebracht in een van de kamers van het Madrid Real Alcázar, dat wil zeggen de residentie van Filips IV, gelegen in de Spaanse hoofdstad, waar de kunstenaar zijn werk vereeuwigde. , als hoofdpersoon van zijn meesterwerk, de dochter van de nieuwe vrouw van de koning: de Infanta Margarita Teresa. Laatstgenoemde lijkt omringd door haar dames van het hof, evenals door andere leden van laatstgenoemde, zo erg zelfs dat het schilderij zelfs een zelfportret toont van de schilder, wiens stabiele aanwezigheid aan het hof van Filips IV bijdraagt aan het creëren van een van de de meest onvergetelijke illusies uit de kunstgeschiedenis: de aandacht van de kijker wordt in eerste instantie getrokken door de figuur van Marguerite en identificeert zich vervolgens, in een later stadium, net nadat hij de aanwezigheid van de Spaanse meester heeft opgemerkt, met het onderwerp waarmee de schilder bezig is uitbeelden op zijn doek. Een meer oplettend oog zou daarentegen vervreemd kunnen raken door de details van de spiegel, waarin Filips IV en Marianne de onbetwiste hoofdrolspelers worden, terwijl een groot aantal kijkers de gelegenheid zou hebben zich te verwonderen over de aard van de beweging van de spiegel. personage vereeuwigd op de trap, de Cimabellan José Nieto, wiens bedoeling we nooit zullen kennen: de afgebeelde plek voor altijd aankomen of verlaten.