Galerie Nadine GRANIER

François Faucher peintre officiel de l'OME

« Le Monde rêvé » de Denis MIAU
15 novembre – 20 décembre 2015
La galerie Nadine Granier, 13 rue Puech Bérenguier, en plein cœur historique d’Albi classé au Patrimoine mondial de l’Unesco, accueille du 15 novembre au 20 décembre 2015 la nouvelle exposition « Le Monde rêvé » de l’artiste plasticien albigeois Denis Miau.
Pour ce nouvel accrochage, l’artiste albigeois « globe-trotter » propose au public ses œuvres récentes ayant pour inspiration la réminiscence de ses nombreux voyages en Europe, en Asie ou en Afrique : horizons divers où la nature occupe une place prépondérante, compositions colorées architecturales ou bouquets de fleurs aux influences exotiques.
Les huiles sur toile et sur papier de Denis MIAU offrent un témoignage de mélange de cultures, d'émotions ou de rencontres, et ne recherchent pas l’imitation de la réalité, mais plutôt celle de son imaginaire.

Clin d’œil
L’artiste plasticien albigeois Denis Miau, ne manquant pas de promouvoir sa région en toute occasion, a été choisi pour nous livrer dans un court-métrage tout en nuances un portrait aimant et coloré de sa ville. « Albi – Grand Site de Midi-Pyrénées – Le carrousel des couleurs » est visible sur le site internet « Grands Sites de Midi-Pyrénées ».

« Landscapes » Peinture et Dessin,

Les amateurs d’art, qu’ils soient d’Albi, de cette région ou seulement de passage, ont bien de la chance.

En accueillant l’exposition « Landscapes », peintures et dessins de Michel Fourcade, la Galerie Nadine Granier va leur permettre de découvrir un artiste de grande qualité qui, pour avoir vécu et exposé à New York, à Londres ou à Amsterdam, réside et

travaille le plus souvent près d’ici.

Les dernières peintures de Michel Fourcade mêlent d’ailleurs volontiers le clocher de

la cathédrale d’Albi à la pointe du Chrysler Building !

Mais ce choix de mixer des morceaux de ville n’a chez lui rien d’un hasard plus ou moins surréaliste : « J’aime associer et combiner certains éléments de ville pour

susciter des correspondances plastiques qui, par-delà la signification ou le symbolique, caractérisent le monde d’aujourd’hui, avec son mélange de vies, d’ethnies, de genres. Chaque ville, en soi, est déjà un formidable collage que je vois d’abord comme un amoncellement de formes d’où ressortent, en premier lieu, des cubes. Le cube étant la figure parfaite autour de laquelle tourne (souvent, chez moi, il contient des sphères) tout mon travail depuis dix ans. ».

De fait, c’est moins la sédimentation des formes qui se superposent, le palimpseste paysager ou l’accumulation urbaine qui intéressent Michel Fourcade, que le choc

visuel qui peut naître de la juxtaposition dans le même espace de quelques éléments hétérogènes, choisis pour leur capacité d’emboîtement esthétique et la fiction plastique qu’ils inventent ou révèlent.

« Un peu comme si on se promenait dans un décor new-yorkais, dit-il, et que tout à coup un pan de mur soit coupé qui laisse entrevoir une autre réalité. ».

Un « trou » dans l’épaisseur du réel qui fait notamment penser au cinéma de David Lynch, comme l’ont signalé divers critiques.

Chez Fourcade, toute forme qui apparaît semble toujours prête à se transformer en une autre.

De cette manipulation du regard naît alors un espace singulier, non dépourvu

d’humour. Un ordre esthétique émerge de ce chaos apparent et espiègle où chaque rupture ou « anomalie » qui vient interrompre ces improbables décors devient à son tour une sorte d’attracteur étrange qui charrie d’autres images hybrides.

Autant d’univers déconnectés auxquels la démarche absolument picturale de Michel Fourcade restitue un ordre à la fois lumineux et explosif par le choix du cadrage, mais surtout du noir et des couleurs.

Car, comme l’a souligné le philosophe Mehdi Belhaj Kacem dans la belle étude qu’il lui a consacré, Fourcade est un coloriste exceptionnel.

Les couleurs les plus périlleuses, orange hurleur, jaune canari, vert pixel sont ici

asservies pour vibrer dans une dominante froide, parfois brutale, mais qui jamais n’écrase les formes.

C’est par elles, autant que par l’emboîtement de plans appartenant à des villes séparées, que Fourcade produit cette beauté à première vue dérangeante pour nos repères mentaux, comme si à la perte du sens de l’espace s’ajoutait celle du temps.

Car les rythmes, en apparence contradictoires entre, disons, New York, Londres et Albi, s’accordent soudain dans notre œil d’abord agressé puis apaisé, comme si ces espaces et ce temps n’étaient conciliables que du seul point de vue de la peinture.

Artiste complet, Michel Fourcade s’est d’abord fait connaître par des toiles

hyperréalistes avant de s’exprimer par l’abstraction, mais aussi par le dessin,

la photographie, la vidéo et les installations.

Une œuvre exigeante qui, si j’étais collectionneur à Albi (un hiatus dans le Tarn, disait Nabokov), me ferait me précipiter vers cet artiste dont la valeur ne cesse de grimper et qui est au seuil d’une reconnaissance par le plus large public.

Jean-Paul Chavent, Écrivain mai 2015

Avant tout autre propos, il faut « nommer » la première vision que l’on a de la peinture de Milagros Ferrer, des ambiances cotonneuses et douces, vision due pour partie à la dilution pas si courante des contours du sujet dans le « décor ».

Milagros Ferrer est Espagnole, mais elle ne s’abandonne pas et c’est tant mieux à l’abus du soleil écrasant toute subtilité… Sous le « soleil exactement »…
La lumière intense du soleil brûle même les négatifs photographiques.
Dans ses peintures, si les personnages qui mendient semblent écrasés, c’est plus par le poids des soucis, des difficultés, que par la chaleur.
D’ailleurs, dans les scènes où jouent des enfants, il y a une légèreté à nulle autre pareille, Milagros Ferrer saisit parfaitement ce moment où l’enfance est proche de la pureté et de la souplesse qui contraste justement avec les couleurs et les formes dures écrasées de lumière et la poussière de la terre ocre, (par exemple d’Antoni Tàpies, même si je reconnais là et bien entendu un grand peintre).

Même si Milagros Ferrer nous donne ainsi à voir des intérieurs, des bars tellement « typiques » ou des courses après des pigeons, comme l'on peut les voir sur les Ramblas de Barcelone (même ailleurs, j’en conviens), des musiciens de rues et des rues très justement Espagnoles, elle a une manière d’approcher le sujet très européenne, elle ne cède pas à la facilité de « faire typique ». D’aucuns le font…

Elle peint avec sa spécificité géographique certes (Les rues, cafés, places…), mais surtout sa spécificité d’artiste qui voit au-delà de l’appartenance à une communauté d’artistes d’un pays ou d’un autre.
J’insiste sur ce fait, car jusqu’aux années soixante l’adhésion à une communauté géographique était souvent évidente.

De nos jours, l’Art s’est internationalisé et c’est très bien, car rien n’est plus navrant que le « nationalisme » esthétique.
Même si les préoccupations esthétiques, politiques, sociologiques ne sont pas les mêmes d’un pays à l’autre : Julian Schnabel, l’Américain, a démarré là où Joseph Beuys, l’Allemand s’est arrêté.
Donc, nous avons là une internationalisation de la culture (je n’écris pas Normalisation…) et c’est la culture qui elle seule peut rassembler les hommes.
Autre exemple, si les « Young British Artists », est une appellation affirmant l’appartenance à une culture qui est une réalité ce me semble quand même « promotionnel », car qui a-t-il de commun entre David Hockney et Damien Hirst par exemple ?
Sinon, justement d’appréhender le monde tel qu’il est « actuellement » et d’où que ces artistes soient.
C’est le signe des vrais artistes d’internationaliser leur travail, Picasso ne faisait pas une peinture Espagnole, ni Matisse une peinture Française.

Il est juste que Vermeer faisait une peinture Flamande, mais d’abord, j’ai parlé des années soixante.
Et, autrefois, les artistes étaient pour beaucoup les employés des Rois, des puissants et du Clergé, il leur fallait donc répondre à une demande comme de nos jours la photographie de mode ou la publicité.
Mais certains se sont levés pour dire non, ainsi, Rembrandt a choqué avec sa représentation de « l’enlèvement de Ganymède » en le peignant comme un enfant braillard, au contraire de tous les autres peintres qui le montraient conforme aux standards du moment, en éphèbe.
Vélasquez ou Goya, sûrement en souffrance, peine et difficultés, se sont affranchis des règles imposées par leurs commanditaires.
Pour revenir à Milagros Ferrer, vous l’aurez compris, je soutiens qu’elle fait une peinture « internationale ».
Et que sa démarche iconographique et sa manière sont beaucoup plus proches par exemple de Yan Pei Ming que de Diego Rivera. La lumière dans les peintures de Milagros Ferrer est très « Vermeerienne », ses couleurs pareillement dans beaucoup de ses tableaux, encore l’internationalisation…
L’apport et donc l’influence de la photo (comme Média), qui permet d’appréhender le flou du contour et du lointain par l’illusionnisme de la profondeur de champ, donne à Milagros Ferrer, comme à nous tous, les contemporains, à « voir » ce qui se trouve au-delà de la vue « normale », l’œil dans son fonctionnement « normal » ne voit pas les seconds plans flous, il faut pour cela que ce soit très lointain.
Nous distinguons les images relativement nettes sur tous les plans pour la plupart du temps et Milagros Ferrer nous montre que non, le monde n’est pas fait que de netteté, qu'il s'agisse d'un excès d’oubli des individus ou du flou exprimant la pureté, des enfants jouent, des oiseaux s’envolent.
Dans le Cinéma on pourra trouver comme corollaire (Un exemple, il y en a bien d’autres), « Le Grand Meaulnes » de Jean-Gabriel Albicoco, il y a une proximité du « flou » dans les paysages, les couleurs, les flottements des tissus vaporeux, on trouve les mêmes mouvements de « caméra », la volupté des gestes des acteurs, entre le film et la peinture de Milagros Ferrer.
Mais le rapprochement est fortuit, car il est fort peu probable que Milagros Ferrer ait vu le film et son geste est suffisamment maîtrisé et exclusif pour que l’on excepte toute « inspiration ».
Les blancs de Milagros Ferrer participent à cette impression de volupté, car il est manifeste que sa peinture est volupté, même dans des sujets « graves ».
Mais elle est aussi une réflexion sur la lenteur, donc, des enfants jouent, les minutes se suivent lentement en attendant un plat au restaurant, moment propice à la rêverie ; dans une autre peinture, l’on réfléchit à la stratégie à adopter lors d’une partie de cartes. Dans un marché on attend le client, ailleurs l’on dessine sur une toile devant le motif.
La pureté, la lenteur, sont des valeurs ou concepts pas si éloignés, en effet Milagros Ferrer nous donne à y réfléchir.
Qu’est ce qui est le plus important, la rapidité et la cupidité ou la lenteur et la pureté, propre à la réflexion, donc à l’observation de sa conscience individuelle et de son rapport au monde, aux autres, la limpidité, l’authenticité qui sont des états de ce qui n’est pas altéré par des principes corrompus.
Ainsi, la pureté soit-elle.
Michel Fourcade Artiste

Avant tout autre propos, il faut « nommer » la première vision que l’on a de la peinture de Milagros Ferrer, des ambiances cotonneuses et douces, vision due pour partie à la dilution pas si courante des contours du sujet dans le « décor ».

Milagros Ferrer est Espagnole, mais elle ne s’abandonne pas et c’est tant mieux à l’abus du soleil écrasant toute subtilité… Sous le « soleil exactement »… La lumière intense du soleil brûle même les négatifs photographiques. Dans ses peintures, si les personnages qui mendient semblent écrasés, c’est plus par le poids des soucis, des difficultés, que par la chaleur.

D’ailleurs, dans les scènes où jouent des enfants, il y a une légèreté à nulle autre pareille, Milagros Ferrer saisit parfaitement ce moment où l’enfance est proche de la pureté et de la souplesse qui contraste justement avec les couleurs et les formes dures écrasées de lumière et la poussière de la terre ocre, (par exemple d’Antoni Tàpies, même si je reconnais là et bien entendu un grand peintre).

Même si Milagros Ferrer nous donne ainsi à voir des intérieurs, des bars tellement « typiques » ou des courses après des pigeons, comme l'on peut les voir sur les Ramblas de Barcelone (même ailleurs, j’en conviens), des musiciens de rues et des rues très justement Espagnoles, elle a une manière d’approcher le sujet très européenne, elle ne cède pas à la facilité de « faire typique ». D’aucuns le font… 

Elle peint avec sa spécificité géographique certes (Les rues, cafés, places…), mais surtout sa spécificité d’artiste qui voit au-delà de l’appartenance à une communauté d’artistes d’un pays ou d’un autre.

J’insiste sur ce fait, car jusqu’aux années soixante l’adhésion à une communauté géographique était souvent évidente.

De nos jours, l’Art s’est internationalisé et c’est très bien, car rien n’est plus navrant que le « nationalisme » esthétique.Même si les préoccupations esthétiques, politiques, sociologiques ne sont pas les mêmes d’un pays à l’autre : Julian Schnabel, l’Américain, a démarré là où Joseph Beuys, l’Allemand s’est arrêté. Donc, nous avons là une internationalisation de la culture (je n’écris pas Normalisation…) et c’est la culture qui elle seule peut rassembler les hommes. Autre exemple, si les « Young British Artists », est une appellation affirmant l’appartenance à une culture qui est une réalité ce me semble quand même « promotionnel », car qui a-t-il de commun entre David Hockney et Damien Hirst par exemple ?

Sinon, justement d’appréhender le monde tel qu’il est « actuellement » et d’où que ces artistes soient. C’est le signe des vrais artistes d’internationaliser leur travail, Picasso ne faisait pas une peinture Espagnole, ni Matisse une peinture Française.

Il est juste que Vermeer faisait une peinture Flamande, mais d’abord, j’ai parlé des années soixante. Et, autrefois, les artistes étaient pour beaucoup les employés des Rois, des puissants et du Clergé, il leur fallait donc répondre à une demande comme de nos jours la photographie de mode ou la publicité.

Mais certains se sont levés pour dire non, ainsi, Rembrandt a choqué avec sa représentation de « l’enlèvement de Ganymède » en le peignant comme un enfant braillard, au contraire de tous les autres peintres qui le montraient conforme aux standards du moment, en éphèbe.

Vélasquez ou Goya, sûrement en souffrance, peine et difficultés, se sont affranchis des règles imposées par leurs commanditaires.

Pour revenir à Milagros Ferrer, vous l’aurez compris, je soutiens qu’elle fait une peinture « internationale ». Et que sa démarche iconographique et sa manière sont beaucoup plus proches par exemple de Yan Pei Ming que de Diego Rivera. La lumière dans les peintures de Milagros Ferrer est très « Vermeerienne », ses couleurs pareillement dans beaucoup de ses tableaux, encore l’internationalisation…

L’apport et donc l’influence de la photo (comme Média), qui permet d’appréhender le flou du contour et du lointain par l’illusionnisme de la profondeur de champ, donne à Milagros Ferrer, comme à nous tous, les contemporains, à « voir » ce qui se trouve au-delà de la vue « normale », l’œil dans son fonctionnement « normal » ne voit pas les seconds plans flous, il faut pour cela que ce soit très lointain.Nous distinguons les images relativement nettes sur tous les plans pour la plupart du temps et Milagros Ferrer nous montre que non, le monde n’est pas fait que de netteté, qu'il s'agisse d'un excès d’oubli des individus ou du flou exprimant la pureté, des enfants jouent, des oiseaux s’envolent.

Dans le Cinéma on pourra trouver comme corollaire (Un exemple, il y en a bien d’autres), « Le Grand Meaulnes » de Jean-Gabriel Albicoco, il y a une proximité du « flou » dans les paysages, les couleurs, les flottements des tissus vaporeux, on trouve les mêmes mouvements de « caméra », la volupté des gestes des acteurs, entre le film et la peinture de Milagros Ferrer.

Mais le rapprochement est fortuit, car il est fort peu probable que Milagros Ferrer ait vu le film et son geste est suffisamment maîtrisé et exclusif pour que l’on excepte toute « inspiration ». Les blancs de Milagros Ferrer participent à cette impression de volupté, car il est manifeste que sa peinture est volupté, même dans des sujets « graves ».

Mais elle est aussi une réflexion sur la lenteur, donc, des enfants jouent, les minutes se suivent lentement en attendant un plat au restaurant, moment propice à la rêverie ; dans une autre peinture, l’on réfléchit à la stratégie à adopter lors d’une partie de cartes. Dans un marché on attend le client, ailleurs l’on dessine sur une toile devant le motif.

La pureté, la lenteur, sont des valeurs ou concepts pas si éloignés, en effet Milagros Ferrer nous donne à y réfléchir.

Qu’est ce qui est le plus important, la rapidité et la cupidité ou la lenteur et la pureté, propre à la réflexion, donc à l’observation de sa conscience individuelle et de son rapport au monde, aux autres, la limpidité, l’authenticité qui sont des états de ce qui n’est pas altéré par des principes corrompus.

Ainsi, la pureté soit-elle.

Michel Fourcade Artiste

Tout d’abord, avec cette exposition de Bernard Alaux, nous allons visiter une partie de l’histoire de l’Art, non pas que Bernard copie, loin de là et loin de ça.

Sa peinture est pénétrée par des images par nous connues, mais de telle manière que l’on ne peut pas se tromper, c’est Bernard Alaux !

Il met en avant une manière de peindre qu’ont emprunté parfois les cubistes, ses aplats et dégradés sont en cousinage avec ces peintres, mais encore une fois, il donne sa forme qui n’appartient qu’à lui.

Il y a une volupté dans ses gestes et ses recouvrements qui nous laisse entrevoir la couche première posée sur la toile.

C’est cette couche qui construit «  l’image  » et comme un trait en appelle un autre, il bâtit sur la surface une «  réalité  », l’évidence, la véracité de ce que nous sommes et que parfois nous avons tendance à oublier. 

Il nomme ce que nous sommes, différents des autres, mais en même temps si proches.

Quand, par exemple, il se rapproche de Soutine, l’on peut se voir comme le portrait de Dorian Gray effrayants parfois que nous sommes et donc plein de la vie qui nous transforme  ; en même temps, en illusionniste, Bernard laisse entrevoir la façon dont par moments nous pouvons être «  clownesques  ».

Alors certes, il nous parle d’histoires et des personnes chez lui ou du monde, mais surtout il pose un acte éminemment politique. 

Nous sommes face à des situations tragiques dont on ne peut pas dire que l’on ne les voit pas puisque nous avons tous accès à la communication, journaux, télévision, internet.

Bernard Alaux nous dit que des autres, on s’en moque. 

Ce qui à court terme prouve donc le peu d’empathie, de compassion et de considération que nous avons de nos semblables et à long terme que l’on n’est finalement pas très intelligent, car si c’est le profit immédiat qui nous obsède, les autres, non possédants, peuvent se relever.

Et s’ils se relèvent, ils nous feront payer cette indifférence et cet égoïsme.

Mais puisque nous sommes quand même devant des peintures, quittons la «  politique  » et ses effets souvent néfastes.

Je parlais de Soutine que Bernard Alaux convoque dans certains de ses personnages, il y a une souffrance dans plusieurs de ces visages.

Continuons sur la peinture, la manière de peindre de Bernard comme je l’écris plus haut est très voluptueuse, les dégradés passent d’une couleur «  douce  » à une autre de façon très sensible, c’est-à-dire qu’il n’y a pas de ruptures dans les coups de pinceaux, la fluidité est une constante du geste de Bernard Alaux.

Malgré le sujet, la thématique grave, Bernard reste dans le plaisir, la sensualité de la peinture et il a envie de nous faire partager cette félicité picturale.

L’on n’est pas obligé d’appréhender des événements graves avec une «  palette  » austère et ascétique.

Par contre, Bernard Alaux ne nous ménage pas, ses visages, sont tous porteurs d’une colère et de tourments qui ne peuvent nous laisser indifférents.

Mais, c’est là que sa peinture est juste, elle nous somme de réfléchir et de nous poser la question du pourquoi nous sommes là, du pourquoi nous en sommes là.

Derrière des dégradés et couleurs qui donnent au regardeur une satisfaction esthétique, Bernard Alaux en illusionniste qu’il est, nous piège en nous procurant des émotions et délices visuels. 

Il profite de notre ravissement pour faire passer au travers de ses personnages la colère et l’exaspération face à ces lendemains qui ne chanteront peut-être pas.

Au travers de ses couleurs que l’on pourrait déguster tels des bonbons, il nous emmène avec ses volutes en Orient, au Japon, finalement un peu partout, nous voyons aussi des vêtements dont les plissements auraient pu être ceux de la Renaissance.

En regardant les peintures de Bernard Alaux, il m’est un rapprochement que d’aucuns vont trouver osé, voire naïf, mais ses roses, ses verts, ses mauves, violets, rouges, rouilles, sont près des couleurs acidulées de Tim Burton.

Même si les personnages de Bernard Alaux, sont en colère et ceux de Tim Burton souvent étonnés, désorientés ou décontenancés, j’y vois une même manière d’appréhender le monde. 

Les colères des uns, hébétudes des autres désignent le mal-être face à une société violente qui les rejettent.

Il leur reste, aux uns et aux autres la détermination de rompre l’engrenage malfaisant.

Et après tout Tim Burton n’est pas le moindre des compliments que l’on pourrait faire à Bernard. 

Parfois, est-ce un corps ou un violoncelle  qui traversent ces peintures  ? Des serpentins, une guitare, un accordéon.

Justement en parlant d’accordéon, accordons-nous sur une réalité, la peinture de Bernard Alaux, poétisation de la vie quotidienne et fut-elle grave ou dramatique, nous indique malgré tout qu’il ne faut pas perdre espoir. 

Il nous enseigne que, si j’ose «  tant qu’il y a de la vie, il y a de l’espoir  ».

Michel Fourcade, Artiste Plasticien