스모킹 반 고흐 (2019) 마틸드 오스카의 사진.
역 소개
"정말 나인데 미쳤어." - 반 고흐
반대에 대한 나의 서론은 빈센트 반 고흐의 여러 자화상에 대한 설명과 그들의 역사적-예술적, 기술적, 감정적, 문체적 소속 맥락에 대한 분석을 일시적으로만 생략하는 것을 목표로 한다는 점에서 후자의 의미를 취합니다. John Peter Russell, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin을 포함하여 당시의 다른 거장들이 본 네덜란드 예술가의 모습을 제시하기 위한 예비 내러티브를 생성하기 위해. 사실, 빈센트의 자화상과 병치되는 보완적 비전으로 보이는 것은 바로 후자의 작품입니다. 실제 자료에 단호하게 자신을 부여한 그는 항상 자신의 가장 진정한 특징을 표현하는 데 충실했으며 심지어 인생에서 가장 충격적인 순간에 자신을 묘사할 용기가 있음을 보여주기까지 했습니다. 생각해보세요. 오늘날 누가 인스타그램에 자신의 최고의 모습을 과시하지 않고 완전한 정신적 쇠약의 순간에 있는 자신의 사진을 올릴까요? Vincent와 같은 무모한 삶을 사는 사람은 소수에 불과합니다! 다시 우리에게 돌아와서, 이 미술사적 설명을 여는 인용문은 반 고흐가 고갱을 묘사한 1888년의 작품을 보았을 때 외쳤던 말을 정확하게 취합니다. , 예를 들어 반쯤 감은 눈, 변형된 머리, 낮은 이마, 얼굴 및 찌그러진 코와 같은 놀라운 세부 사항이 나타납니다. 긴장하고 피곤하지만 사랑하는 해바라기에 헌신적으로 집중하는 남자의 모습을 우리에게 전한 것은 바로 후자입니다. 마지막으로, 빈센트 반 고흐의 해바라기 그림(1888)과 병행하여 내가 선택한 10점의 빈센트 자화상은 고갱이 "시작한" 이 비유적인 내러티브의 연속을 제공하며, 이는 더 깊은 성찰과 예술적 탐구를 통해 확실히 심화될 것입니다.
상위 10 개
"자신을 아는 것도 어렵지만 자신을 그리는 것도 쉽지 않다는 말이 있습니다." - 반 고흐가 동생 테오에게 보낸 편지, 1889년 9월
반 고흐, 자화상(폴 가갱에게 헌정) , 1888. 캔버스에 유채, 61.5 x 50.3cm. 케임브리지: 포그 미술관.
10. 자화상(폴 가갱에게 헌정)(1888)
서론에서 명시한 내용을 계속 진행하기 위해 Vincent의 1889년 인용문을 인용하고 싶었습니다. " 장르에 대한 실험, 미술사에서 가장 상징적인 우정 이야기 중 하나인 반 고흐와 고갱 사이의 이야기의 결과입니다. 사실 내 순위 10위에 오른 자화상은 두 작가의 논쟁이 있기 이전에 빈센트의 제안으로 탄생한 것이다. 두 개의 자화상을 만들고 나중에 같은 작업을 수행합니다. 작품을 먼저 완성한 고갱은 빅토르 위고의 소설 '레미제라블'의 주인공으로 분장한 자신의 모습과 함께 자화상과 함께 걸작이 도착하는 것을 보고 친구를 위한 애정어린 헌신을 다짐했다. 그의 자화상에 다음 문구를 추가하십시오. 내 친구 Paul Gauguin에게. 마지막으로, 작품의 스타일과 관련하여 1888년 그림은 확실히 동양 세계에서 영감을 받았으며, 그림자를 나타내지 않고 인형의 흙빛 색상을 이끌어내는 옅은 녹색 배경의 선택에서 특히 눈에 띄는 영향입니다.
Van Gogh, 밀짚모자를 쓴 자화상(앞면: The Potato Peeler) , 1887. 캔버스에 유채, 40.6 x 31.8 cm. 뉴욕: MET.
9. 밀짚모자를 쓴 자화상(1887)
1888년의 자화상이 우리에게 우정에 대해 이야기한다면, 1887년의 이 자화상은 진정한 문체 반영을 나타냅니다. 뒷면에는 또 다른 걸작, 즉 1885년경에 제작된 The Potato Peeler의 유화가 있습니다. Nuenen(네덜란드)의 는 우울하고 사회적인 회화의 분명한 예로서, 일상적인 행동을 수행하는 동안 묘사된 주로 비천한 인물을 불멸화하는 것을 목표로 하며, 표현주의적 의미에서 관상과 환경을 변형시키는 사실주의를 통해 서술됩니다. 너무 가난해서 새 캔버스를 살 수 없었던 반 고흐는 정확히 2년 후 파리에 두 번째 체류하는 동안 The Potato Peeler의 뒷면에 그렸습니다. 밝아진 팔레트는 작품에 움직임과 깊이를 부여할 수 있는 다양한 방향과 크기의 선명하게 보이는 브러시 스트로크를 동반합니다. 마지막으로 걸작에 대해 간략하게 설명하면 Vincent는 그림 중앙에서 정면으로 약간 왼쪽으로 나타나고 보는 사람을 향하지 않는 그의 시선은 얼굴과 같은 방향을 가리 킵니다. 초상과 보는 사람 사이의 시선이 교차하지 않음에도 불구하고 반 고흐의 얼굴은 즉시 알아볼 수 있으며 길고 날카로운 코와 밝은 무지개 빛깔의 눈으로 틀림없이 표시됩니다.
반 고흐, 수염 없는 자화상 , 1889. 캔버스에 유채, 65 x 54 cm.
8. 수염 없는 자화상(1889)
많은 사람들이 빈센트의 상징적인 붉은 수염이 없는 모습을 알지 못한 채 빈센트의 작품을 묵상했습니다. 따라서 이 기회를 빌어 거장의 수염 없는 자화상 설명을 통해 반 고흐가 어떻게 , 우리 지인의 다른 많은 남자들과 함께, 털털이 많은 얼굴을 면도 한 후에는 확실히 더 젊어 보이고 때로는 거의 성인 소년처럼 보입니다. 이 인상학적 계시에 이어 많은 사람들에게 충격을 줄 것이라고 생각하고 걸작에 대한 설명을 계속합니다. 그의 어머니. 아마도 작가는 고갱과의 관계의 고통스러운 "폭발" 이후에 그것을 두드러지게 함으로써 후자와의 유대감의 중요성을 깨달았을 것이다. 주인의 정신적 불안으로 무너지기 시작한 삶의 목격자. 마지막으로 궁금한 점을 알려드립니다. 턱수염 없는 자화상은 역사상 가장 비싼 그림 중 하나입니다. 1998년에 뉴욕에서 7,150만 달러에 판매되었습니다.
반 고흐, 화가로서의 자화상 , 1887-1888. 캔버스에 유채, 65.1×50cm. 암스테르담: 반 고흐 미술관.
7. 화가로서의 자화상(1888)
최고의 네덜란드 회화 전통을 언급하지 않고 반 고흐의 작품을 감상하는 방법은 무엇입니까? 사실 앞서 언급한 동일한 명성의 또 다른 대가가 화가로서의 역할을 수행하기 223년 전에 나는 1665년에 팔레트와 붓으로 자화상을 그린 작가 렘브란트에 대해 이야기합니다. , 종종 Kabbalistic 기호 또는 양식화 된 지구본으로 해석되는 일부 원의 존재를 감지할 수 있는 설정인 그의 스튜디오에서 작업 중인 60대의 그를 묘사한 그림입니다. 마찬가지로 1888년의 걸작에서 빈센트는 팔레트, 붓, 이젤을 갖춘 화가로 등장하며, 명암이 명확하게 구별되는 밝고 보색의 사용에 능숙하게 주의를 기울였기 때문에 현대 예술가임을 증명합니다. 빨간색, 녹색, 노란색, 파란색 및 주황색의 음영이 걸작의 동일한 구성에 부분적으로 나타납니다. 마지막으로 Velázquez의 Las Meninas, Manet의 Palette를 든 자화상, Courbet의 The Painter 's Studio, Jan Vermeer의 The Art of Painting을 포함하여 화가들의 다른 유명한 자화상을 스튜디오에서 기억합니다.
반 고흐, 회색 펠트 모자를 쓴 자화상 , 1887년. 면에 유채, 44.5cm x 37.2cm. 암스테르담: 반 고흐 미술관.
6. 펠트 모자를 쓴 자화상(1887)펠트 모자를 쓴 자화상(1887)은 35개 이상의 작품이 알려져 있는 이러한 유형의 작품의 총 수를 시작으로 작가가 이 매우 활용한 장르에 대한 몇 가지 호기심을 드러내며 소개합니다! 대조적으로 빈센트의 사진은 단 한 장뿐인데, 열아홉 살의 진정한 터프 가이, 더 잘 표현하자면 무뚝뚝한 표정을 하고 있는 그를 묘사하고 있습니다. 또 하나 중요한 정보는 작가가 무일푼으로 모델을 찾기 위해 고군분투하던 작가가 어떻게든 사람을 그리는 연습을 하고 싶었기 때문에 철저하게 조사한 장르인 자화상에 손을 댄 이유에 관한 것입니다. 그러나 1887년 명작의 경우 거장의 파리지앵 시대에 제작된 것으로, 작가가 자신만의 방식으로 명확하게 적용한 점묘법에 대한 작가의 관심과 보색의 사용, 파란색, 주황색, 빨간색 및 녹색의 브러시 스트로크. 정확히 점묘법과는 달리 Vincent는 캔버스의 각 영역에 대해 뚜렷한 유형의 표시를 사용하여 묘사된 물체 또는 질감과 관련된 선 체계를 생성할 수 있습니다.
반 고흐, 붕대를 감은 귀와 파이프를 가진 자화상 , 1889년. 캔버스에 유채, 51 × 45cm. 취리히: Kunsthaus Zürich.
5. 귀와 파이프에 붕대를 감은 자화상(1889)
이 자화상은 공동의 가정을 시작하는 것을 포기하고 친목을 도모하는 데 극도의 상처를 입은 빈센트 반 고흐의 일상, 정신, 신체에 큰 실망, 말 그대로 꿈의 끝이 가져온 영향을 나타냅니다. 아를의 유명한 노란 집에서 친구이자 화가인 폴 고갱과 함께 예술과 존재에 대한 이야기. 사실, 처음에 두 사람은 후자의 장소에서 가까스로 함께 살았지만, 곧 성격의 차이로 인해 두 사람이 헤어지게 되었고 격렬한 싸움이 절정에 이르렀고, 이로 인해 Vincent는 정확히 1888년 12월 23일에 왼쪽 귀에 삽입한 후 간질, 알코올 중독 및 정신분열증 진단을 받고 입원해야 합니다. 이 절단 사건이 발생한 지 정확히 한 달 후 반 고흐는 앞서 언급한 자화상을 탄생시켰습니다. 이 자화상은 붕대를 감은 오른쪽 귀에서 볼 수 있듯이 왼쪽 대신 예술가가 거울에 비친 반사 물체입니다. 그는 아마도 지금은 체념한 듯한 표정으로 삼분의 일 시점에 사로잡혔는데, 이는 보색이 주로 퍼진 지지대에 배치된 파이프의 연기로 구성된 보다 역동적인 원, 파도 및 기호와 잘 어울립니다.
4. 자화상 1889
1889년의 걸작에 빈센트가 다시 한 번 화가로서의 역할을 해주기를 바라는 가운데, 우리는 그 해 동안의 예술가의 삶에 대해 우리에게 이야기하는 임무를 부여합니다. 테오 형제: "저는 정신병이 아닙니다. 일하고 싶은 기분이 들고 피곤하지 않습니다." 사실 귀 에피소드 이후, 반 고흐는 1889년 1월 7일에 개봉될 Arles의 Hotel-Dieu에 입장했고, 그 기간 동안 그가 사랑하는 노란 집으로 돌아와 Joseph Roulin과 그의 영원한 지원을 즐겼습니다. -현재 형제 테오, 스승이 주변 현실을 명쾌하고 아이러니하게 평가할 수 있는 평온의 순간을 경험할 수 있게 해주는 존재, 슬프게도 심각한 질병 재발, 또 다른 입원 및 후속 청원에 책임이 있음 그가 영원히 인턴되기를 원했던 Arles의 시민들. 이러한 외부의 압력에도 불구하고 다시 입원하기를 원한 것은 Vincent였습니다. 이번에는 Saint-Remy-de-Provence에서 정신 병원으로 사용되었던 오래된 수녀원 인 Saint-Paul-de-Mausole의 Maison de Santé에 Vincent가 입원했습니다. "이 동물원에서 광인의 삶의 현실을 관찰하면서 나는 막연한 공포, 사물에 대한 두려움을 잃고 조금씩 광기를 다른 질병과 같은 질병으로 간주하게 될 수 있습니다."
반 고흐, 자화상 , 1887. 판지에 유채, 42 × 33.7. 시카고: 시카고 아트 인스티튜트.
3. 자화상(1887)
정확히 세 번째 자리에 있는 연단에는 빈센트가 1886년에서 1888년 사이에 있었던 파리 체류에 대해 알려주는 자화상이 있습니다. 우리의 관심의 대상인 것은 적당한 크기, 반복되는 캔버스가 아닌 판자에 있는 지지대, 같은 장르의 여러 주제에서 발견되는 두껍게 칠한 붓놀림으로 인해 우리의 시선에서 두드러집니다. 그리고 아닙니다. 여전히 기법의 주제에 관해서는 점묘법에 대한 언급이 실제로 어떻게 반대 방향을 취하는지 분명해 보입니다. Seurat의 방법이 객관적이고 냉정한 과학에 기반을 둔다면 Van Gogh의 방법은 예술가의 내면 세계에 스며들었습니다. 녹색, 파란색, 빨간색 및 주황색 입자의 능숙한 병치에서 잘 알려진 감정적 조각상이 돋보이는 시간을 초월한 배경에 생명을 불어넣기 위한 색상입니다. 마지막으로 걸작이 던지는 나른하고 심오한 시선은 우리로 하여금 그의 형제 테오에게 다시 한 번 밝힌 작가 자신의 말을 생각하게 합니다. , 가난한 장사꾼의 영혼이든 인간의 영혼이 나에게는 더 흥미롭다."
반 고흐, 귀에 붕대를 감은 자화상 , 1889. 캔버스에 유채, 60 × 49cm. 런던: Courtauld 갤러리.
2. 귀에 붕대를 감은 자화상(1889)
우리는 이미 잘 알려진 반 고흐의 왼쪽 귀에 대해 철저하게 논의했기 때문에 1889년 걸작의 발표를 한 가지 세부 사항에 머물면서 진행하겠습니다. 보다 일반적인 설명에서 시작하여 두드러진 지점에 도달하기 위해 귀에 붕대를 감은 자화상에서 Vincent는 오른쪽을 향한 자신을 묘사하고 무거운 짙은 색 코트와 털 모자를 쓰고 고정 된 시선은 환각처럼 보입니다. , 더 좋게 말하면, 그는 자신의 깊은 내면 영역에서 길을 잃은 것처럼 보일 것입니다. 그러나 지금 우리가 관심을 두는 것은 배경으로 묘사된 벽에 걸려 있는 것처럼 보이는 일본 판화인데, 이는 네덜란드의 대가가 후지산의 모습과 실루엣을 이동시켜 재현한 사토 토라키요의 작품으로 확인되었습니다. 오른쪽으로. 바로 이 마지막 동양의 걸작으로 반 고흐가 일본 예술에 대해 품었던 열정을 드러내고 예술가가 자신의 개인 판화 컬렉션을 만들 수 있게 되었으며, 이를 수집할 수 있었습니다. 적당한 가격에 시장에 시간. 네덜란드인이 구입한 다양한 작품 중에서 우타가와 히로시게(1797-1858)의 유명한 빗속의 신오하시 다리가 단연 눈에 띕니다. 그 시대의 유행을 반영한 이 도시는 동양 판화의 대규모 레퍼토리를 제공했으며, 특히 빈센트가 프랑스-독일 상인 지그프리트 빙(Siegfried Bing, 1838-1905)의 갤러리에서 감탄하기를 좋아했습니다. rue de Provence에서 쇼핑하십시오.
반 고흐, 자화상 , 1889년. 캔버스에 유채, 65cm × 54cm, 파리: 오르세 미술관.
1. 자화상(1889)
첫 번째로 우리는 1889년의 인기 있는 자화상을 발견하는데, 이 작품을 통해 나는 좀 더 일반적인 비평에서 나 자신을 분리시킵니다. 잠재 정신병 상태에 대한 노골적인 경고로 그림의 배경에 존재합니다. 그러나 예술가의 명백한 정신적 복잡성이 단순히 이미 자유롭고 타고난 그의 창조력에 추가하는 측면이라면 어떨까요? 어떤 의미에서 Vincent를 그의 장애에서 잠시 분리하고 그를 단순히 건강한 창의력의 운반자로 인식하는 것이 가능합니까? 확실히, 종종 정신 질환이 예술적 재능의 발달을 촉진했지만, 우리는 이것에 대해서만 이야기함으로써 재능을 무색하게 하고 싶습니까? 더욱이, 이 추론에 따르면 모든 "미치광이"는 틀림없는 예술의 천재여야 합니다! 내 복잡한 질문에 답할 수는 없지만 작품이 제시하는 "장식"은 전적으로 망상 때문이 아니라 오히려 연약한 마음과 비범 한 상상력의 조합의 힘 때문일 것입니다. 빈센트가 초상화라는 장르를 재창조할 수 있었던 특징은 인간 영혼의 가장 깊숙한 곳, 때로는 충동적이고 비합리적인 움직임을 부끄럽지 않게 보여줌으로써 인물화의 장르를 재창조할 수 있었던 것입니다.
Olimpia Gaia Martinelli
