ARTEMISA'S MENINAS(2021)Rai Escale의 그림.
미술사를 가르치는 방법으로 상위 10위...
미술사가가 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)와 같은 위대한 예술가의 작품 연구에 접근할 때, 그는 그의 전기와 회화 작품을 모두 분석하고, 후자에 대해서는 연대순으로 조사하여 접근합니다. 문제의 스승의 관점의 진행과 진화를 기록하기 위해서다. 그러나 전문가가 자신의 연구 주제에 대해 아마추어 설명에 접근해야 하는 시점에서 문제의 주제를 대중에게 매력적으로 만들기 위해 위에서 설명한 핵심 및 두드러진 요점만 공개하는 것이 좋습니다. 때로는 매우 복잡하고 구체적이며 상세한 비판적 관점과 예술가 간의 비교를 포함하는 긴 연구입니다. 이러한 관점에서 상위 10위권의 대중화 전략은 매우 효과적인 것으로 입증되었습니다. 독자는 확실히 예술가의 가장 잘 알려진 작품을 간단하고 단순화하여 발견하는 데 관심이 있기 때문입니다. 주제는 필요한 전기 및 연대순으로 말하면 문체 소개에서 면제되기 때문입니다. 그러므로 유통 중인 다른 많은 작품들과 마찬가지로 나의 상위 10개 작품은 반드시 그의 문체적 특징 등을 이끌어낼 수 있는 스페인 거장의 간략한 소개를 통해 소개될 것이며, 이는 이후 10개의 작품을 관찰함으로써 알아볼 수 있을 것입니다. 저는 디에고 벨라스케스의 비유적인 조사에 대한 진보적인 선언문을 선택했습니다.
A VELAZQUEZ(2020)Felipe Achondo의 그림.
디에고 벨라스케스: 그를 이해하기 위한 5가지 핵심 포인트
약력: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez(1599-1660)는 스페인 화가로 필립 4세 왕의 궁정을 대표하는 예술가이자 바로크 시대의 가장 대표적인 거장 중 한 명으로 평가됩니다. 주로 초상화 장르의 실천을 통해 자신을 표현합니다.
화가의 역할: Diego Velázquez의 주요 직책은 스페인 국왕 Philip IV의 명망 높은 궁정 화가였습니다. 사실, 바로크 시대에 그는 왕족을 위한 작품을 만드는 대가로 보수를 받았지만, 일상생활의 인물과 장면을 묘사하는 데에도 극도의 헌신을 유지했습니다.
문체: 벨라스케스의 초상화는 개인주의적이고 자연주의적이며 직접적인 스타일을 보여주어 스페인의 대가가 사실주의와 인상주의의 선구자로 인정받게 했으며, 역사적이거나 다소 전통적이었던 낭만주의와 기타 양식에 비해 진정성을 우선시할 수 있었습니다. 문제의 화보 장르를 다룰 시간이다. 예술가의 정확성과 회화적 진실성은 무엇보다도 그의 가장 전형적인 세부 묘사에서 볼 수 있으며, 자유롭고 느슨한 붓놀림으로 렌더링된 다양한 뉘앙스와 빛, 색상 및 형태의 그라데이션 사용으로 유명합니다. 이를 통해 그는 고정된 경계에서 초상화와 장면화를 가져올 수 있었고, 그를 스페인 황금기의 가장 중요한 거장 중 한 사람으로 평가했습니다.
기술: 주목할만한 점은 스페인 대가의 명암법 기법 연습에서 볼 수 있는 기술입니다. 이를 통해 빛과 그림자를 정밀하게 처리하여 극도로 향상되어 높은 그림 대비를 생성하고 특히 관련 지점을 강조할 목적으로 나타납니다. 복잡한 대기 관점을 불러일으킬 수도 있는 작품입니다.
구성: 벨라스케스는 자신의 작품에서 주제의 배열을 신중하게 연구했는데, 이는 관객이 걸작의 의도된 특성을 파악하도록 유도할 수 있는 전략적 도구로 생각했기 때문입니다. 그러한 의도를 표현하기 위해 화가는 보는 사람의 눈을 작품의 초점으로 유도하여 조작할 수 있는 대각선 구조, 복잡한 초점 및 분리된 평면을 활용하기도 했으며, 그곳에서 작품에 대한 더 깊은 이해가 가능했습니다. 깨달았다.
디에고 벨라스케스, 세바스티안 데 모라의 초상, c. 1644. 캔버스에 유채, 106.5cm × 81.5cm. 마드리드 프라도 미술관.
세바스티안 데 모라의 초상
디에고 벨라스케스: 상위 10대 예술 작품
10. 세바스티안 데 모라의 초상(1644)
1644년 경에 제작된 문제의 걸작은 스페인 필리프 4세의 궁정에 있던 난쟁이 광대 세바스티안 데 모라를 묘사하고 있는데, 그는 아마도 데누시아 파르기토의 위장된 의도를 암시하려는 의도로 의도한 자세로 시청자를 열심히 응시하고 있는 것으로 묘사되어 있습니다. 아마도 중세 시대부터 주권자들에 의해 웃음거리이자 기형 연예인으로 고용되었던 "작은" 광대들에 대한 법원의 처우를 비판하고 싶었을 스페인 거장에 의해. 이러한 다소 경멸적인 태도는 벨라스케스 이전의 궁정 화가들이 그러한 인물에 대해 취한 관점에서도 입증될 수 있습니다. 벨라스케스는 문제의 대상을 차갑고, 무시하고, 경직되고 때로는 경멸적인 태도로 그렸습니다. 인간화된 가축의 일종. 그러나 이러한 전통과는 반대로, 벨라스케스는 일부 사람들의 눈에는 그 형태가 불쾌하거나 표준화된 것처럼 보일 수 있음에도 불구하고 단순히 진실을 그리는 것에는 아름다움이 있다고 믿었기 때문에 드워프들을 극도의 존경심으로 불멸의 존재로 만들었습니다. . 이러한 관점에 맞춰 작가는 난쟁이들을 단순한 기형의 예능인으로 묘사하는 대신, 이들의 인간성을 부각시켰는데, 때로는 불멸의 다른 궁중 인물들보다 훨씬 우월해 보이기도 했다. 이러한 방식으로 혁신적이고 민감한 벨라스케스는 왕가를 그릴 때 사용했던 것과 동일한 인간성을 난쟁이들에게 돌렸으며, 여러 명의 "작은 남자"를 알게 된 후 어떻게 그들의 외모를 뛰어넘어 단순히 알아볼 수 있었는지 보여주었습니다. 그들의 인간 본성.
디에고 벨라스케스, 불칸 대장간의 아폴로, 1630년. 캔버스에 유채, 223cm × 290cm. 마드리드 프라도 미술관.
9. 불칸의 대장간의 아폴로(1630)
벨라스케스와 유사한 주제가 다른 사람들과 함께 불멸화되기 전에는 1511년에 태어난 이탈리아의 유명한 화가, 건축가, 미술사가인 조르조 바사리(Giorgio Vasari)가 1564년에 이해할 수 있는 메시지와 은유뿐만 아니라 풍부한 신화적 걸작인 불칸의 대장간(The Forge of Vulcan)을 그렸습니다. 메디치 궁정의 문화적인 환경 내에서뿐만 아니라 다양한 인물에서도 마찬가지입니다. 안절부절 못하는 일꾼들로 구현된 후자는 당시 매너리즘의 전형적인 뒤틀린 자세로 처형되는 피험자들인 미네르바와 불칸 신 사이의 만남의 배경을 제공합니다. 후자의 설명과 잘 구별되는 것은 스페인 거장의 후기 작품인데, 그는 같은 평면에 더 적은 수의 등장인물을 배열하여 아폴로와 불칸 사이의 만남을 불멸화시키며, 두 사람 중 전자가 후자를 방문했던 에피소드를 언급합니다. 그의 아내 비너스가 전쟁의 신인 화성의 연인이라는 사실을 그에게 알리기 위해 위조했습니다. 이러한 충격적인 고백은 분노와 경악이 교묘하게 뒤섞인 감정이 담겨 있는 불칸의 얼굴에 그려진 벨라스케스의 표정에서 바로 찾아볼 수 있다. '신의 가십'을 듣는 대장장이의 조력자들까지 포함된 이 전체 신화적 맥락은 초세속적인 에피소드를 현실로 끌어올릴 수 있는 문체적 장치를 통해 화가가 다소 참신한 방식으로 이야기하고 있다. 마치 부르주아 소설의 한 장면처럼 말이다.
디에고 벨라스케스, 마르타와 마리아 집의 그리스도, 1618년. 캔버스에 유채, 63cm × 103.5cm. 내셔널 갤러리, 런던.
8. 마르다와 마리아의 집에 계신 그리스도(1620)
캔버스 지지대의 전경에 포착된 것은 마르타, 즉 절구에 마늘을 두드리려는 젊은 여성이며, 아마도 스페인 아이올리 소스를 준비하는 데 열중하고 있는 것 같습니다. 그녀 뒤에는 마비된 나이든 여성이 동행하고 있습니다. 이는 창문이나 거울을 통해 보이는 그림의 반대 부분에서 위치를 찾는 장면을 나타내는 데 적합합니다. 후자의 프레임에서, 앉아 있는 것으로 묘사된 예수는 마리아에게 뿐만 아니라 스승의 말을 방해하려는 듯한 나이든 여인에게 말하는 교훈적인 태도로 포착됩니다. 라스 메니나스(Las Meninas)에서 가장 완벽하게 표현될 방금 설명한 상호 참조의 복잡한 상호 작용은 동일한 주제를 나중에 걸작(즉, 1656년)에서 구현하려고 했던 Jan Vermeer의 단순한 피라미드 구성과 많이 다릅니다. 이 이야기는 예수께서 베다니의 마르다와 그 자매 마리아의 집을 방문하신 복음서의 에피소드를 다시 한 번 전하고 있는데, 활동적인 삶을 대표하는 전자가 집안일에 전념하고 있을 때 후자는 영적 삶의 대표자인 그는 오로지 그리스도의 말씀을 듣는 활동에만 집중하고 있었습니다.
디에고 벨라스케스, 올리바레스 백작의 승마 초상화, c. 1636. 캔버스에 유채, 313cm(123인치) × 239cm(94인치). 프라도 미술관.
7. 올리바레스 백작의 승마 초상화 (1634)
벨라스케스의 걸작은 주제에서 발견되는 특성으로 인해 완전히 승마 초상화 장르, 즉 말을 타고 있는 주제를 보여주는 것을 목표로 하는 그림이나 조각의 범주에 속하며, 이 특징은 이후 처음으로 표현되었습니다. 가장 유명한 예는 로마의 카피톨리누스 광장에 있는 마르쿠스 아우렐리우스 황제의 동상으로 밝혀졌습니다. 스페인 필리프 4세의 총리 돈 가스파르 데 구즈만 이 피멘텔(Don Gaspar de Guzmán y Pimentel)을 묘사한 말을 탄 올리바레스 백작의 초상화의 경우, 이 작품이 어떻게 말을 타고 의기양양하게 주제를 묘사하는지를 고려하는 것이 중요합니다. 그러나 당시에는 일반적으로 문제의 사람의 직위가 아닌 군주에게만 허용되었습니다. 이러한 불일치에도 불구하고, 중립 배경에 올리바레스 공작을 묘사한 1635년의 초상화에서 볼 수 있듯이 총리가 나중에 화가의 관심의 대상이 되었는지 강조하는 것이 중요합니다. 검은색 양복에 흰색 러프를 장식한 그는 다소 피곤하고 부어오른 얼굴을 보여 전년도의 승마 걸작에 비해 확실히 나이들어 보였다. 그가 재임 기간 동안 재정 및 행정 개혁을 채택하기 위해 어떻게 노력했지만 큰 성공을 거두지 못했는지는 잘 알려져 있듯이 그를 나이 먹은 것은 아마도 정치 때문이었을 것입니다.
디에고 벨라스케스, 개와 난쟁이, Ca. 1645. 캔버스에 유채, 높이: 142cm; 폭: 107cm. 로얄 컬렉션(마드리드 신왕궁).
6. 난쟁이와 개 (1640-45)
Prado의 캔버스에 유화인 Dwarf with Dog는 화려한 옷을 입고 꼿꼿이 선 궁정 광대를 묘사하고 있으며, 그 옆에는 마스티프의 거추장스러운 존재가 있는데, 그 덩치가 주요 인물의 겸손한 키를 강조합니다. 약간의 불안감을 안고 더 큰 동물을 묶습니다. 많은 사람들이 궁정 광대 Don Antony "영국인" 또는 동료 동포인 Nicholas Hodson으로 식별한 문제의 난쟁이는 미술사가 초기 세기부터 이들 인물을 위해 남겨두었던 "컬트"로 우리를 데려갑니다. 고대 이집트에서는 왜소증이 있는 해골 외에도 다산 숭배를 구현하기 위해 신사 내에서 봉헌하는 난쟁이 조각상이 많이 발견되었습니다. 또한 드워프는 무용수, 무용가, 음악가, 왕실 수행원, 보석상, 다양한 수행원으로 당시 엘리트의 무덤에 자주 묘사되었습니다. 그러나 이러한 인물들이 인기의 정점에 도달한 것은 르네상스 이후부터 진정한 지위의 상징이 되었습니다. 왜냐하면 유럽 궁정의 영주들에게는 이러한 유형의 고문이나 귀부인을 과시하는 것이 명성의 표시였기 때문입니다. -대기 중. 이에 대한 예는 16세기에 피렌체의 코시모 1세 데 메디치(Cosimo I dè Medici) 궁정에서 현재 상징적인 난쟁이 모르간테(Morgante)가 묘사된 반복입니다. 마지막으로 스페인 거장의 시대가 다가오면서 Velázquez 자신이 만든 초상화 외에도 Richard Gibson과 Anne Shepherd의 영국 초상화가 똑같이 잘 알려져 있습니다. 또는 프랑스 엔리체타 마리아 여왕의 작은 하인인 제프리 허드슨 경의 말입니다.
디에고 벨라스케스, 계란을 튀기는 노부인, c. 1618. 캔버스에 유채, 100.5cm × 119.5cm. 스코틀랜드 국립 미술관, 에든버러.
5. 계란을 튀기는 노파(1618)
계란프라이할머니를 이해하기 위해서는 풍속화란 무엇인지 간략하게 설명하는 전제가 필요하다. 장르 장면의 실천의 일부인 후자는 일상 생활에서 가져온 사건을 포착하는 것을 목표로 하는 모든 예술 작품을 포괄하며, 이는 오랫동안 역사-종교 및 초상화 그림보다 열등하다고 간주되었던 특성입니다. 그럼에도 불구하고 장르화는 16세기 전반부터 주로 네덜란드에서 소규모 형식으로 널리 퍼졌으며, Pieter Brueghel the Elder, Adriaen 및 Isaac van Ostade, David Teniers the Younger, Aelbert Cuyp, 요하네스 베르메르와 피터 데 후흐. 문제의 걸작인 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)의 세비야 시대에 제작된 이 작품은 겸손한 인물을 묘사하고 있습니다. 여성이 요리하거나 계란을 튀기는 모습으로 의인화되었으며, 명암법의 능숙한 사용을 통해 왼쪽에서 나오는 광원에 의해 조명을 받았습니다. 강력한 발광 대비를 생성하여 두 번째 캐릭터인 지지대의 가장 왼쪽에 나타나는 소년의 특징까지 형성할 준비가 되었습니다. 앞서 언급한 주제에서 구체화되는 문제의 두 가지 삶의 단계는 모두 접시, 수저, 프라이팬, 유봉과 같은 거래 도구를 동일한 정확도로 포착할 수 있는 다소 사진적 사실주의에 의해 형성되었습니다. 매일 사용하는 주전자와 박격포.
디에고 벨라스케스, 파란 드레스를 입은 마르가리타 테레사 공주, 1659년. 캔버스에 유채, 127cm × 107cm. 비엔나 미술사 박물관.
4. 파란 드레스를 입은 마르가리타 테레사 공주 (1659)
합스부르크의 마리아 테레사(1638-1683)는 스페인의 필립 4세 왕과 프랑스의 엘리자베스(오스트리아의 마리아 테레지아로도 알려져 있음)의 딸로 벨라스케스의 작품에서 매우 반복되는 주제입니다. 1659년 걸작의 경우 문제의 그녀는 순수한 색상의 짧은 스트로크로 능숙하게 렌더링된 매우 우아한 파란색 드레스를 입고 그녀를 묘사하고 싶었습니다. 현재 비엔나 미술사 박물관에서 볼 수 있습니다. 그러나 이 작품 이전에는 어린 시절의 마리아 테레지아의 모습이 1653년 『복숭아색 드레스를 입은 마가리타 테레사 공주』, 이후 『오스트리아의 인판타 도냐 마가리타의 초상화』(1665경)와 『인판타』에서 불멸의 모습으로 남아 있습니다. 스페인의 마리아 테레사(1652), 우리를 궁금하게 만드는 사실: 이 캐릭터의 인기는 무엇 때문일까요? 사실, 스페인 거장은 이 주제에 여러 차례 초점을 맞춰야 했는데, 소녀의 삼촌인 합스부르크의 레오폴트 1세에게 소녀의 점진적인 성숙을 보여줄 수 있도록 그의 초상화가 비엔나로 보내졌기 때문입니다. 약혼자.
디에고 벨라스케스, Venere Rokeby, 1648년. 캔버스에 유채, 122,5×175cm. 내셔널 갤러리, 런던
3. 비너스 로케비(1648)
문제의 걸작은 예술가가 만든 총 4점의 누드 중 우리에게 전해진 유일한 누드라는 점에서 미술사의 진정한 보석을 나타냅니다. 이를 통해 우리는 또한 스페인 사람이 남긴 문체적 빚을 증명할 수 있습니다. 주로 Tintoretto, Titian 및 Rubens가 만든 유사한 주제의 작품의 예에서 발생했습니다. 어쨌든, 가장 그럴듯한 모델은 우르비노의 비너스(티치아노)의 모델인 것 같습니다. 디에고의 여신이 취한 편안한 자세를 고려하면, 디에고의 모델은 뒤에서 모델을 포착했다는 점에서 이탈리아 거장과 다릅니다. 큐피드가 들고 있는 거울에 비친 자신의 모습을 관찰하려고 한다. 전통적으로 일반적으로 밝은 머리카락으로 묘사되었던 주인공의 정체성을 즉시 알아볼 수 있게 만드는 것은 바로 이 후자의 모습입니다. 마지막으로, 건전한 가십을 조금 해보면, 작가가 마지막으로 그린 작품 중 하나인 이 작품은 젊은 로마 화가 플라미니아 트리운피(Flaminia Triunfi)의 모습을 모델로 삼은 것으로 보입니다. 안티오니오 다 실바(Antionio Da Silva)라는 아들은 이탈리아에 머물다가 왕의 요청에 따라 스페인으로 돌아가야 했을 때 그를 버렸습니다.
디에고 벨라스케스, Innocent X의 초상, c. 1650. 캔버스에 유채, 141cm × 119cm. 갤러리아 도리아 팜필리, 로마.
2. 교황 이노센트 10세의 초상화(1650)
Innocent X의 초상화는 Diego Velásquez가 Titian의 기법과 유사한 기술을 빌려 그린 것입니다. 스페인 사람은 종종 빨간색 모제타의 경우와 같이 매우 강렬하고 음영이 부족한 빠르고 굵은 붓놀림으로 주제를 구성했습니다. 어쨌든 이것은 인물에 대한 완벽한 심리적 연구의 표현으로 Velázquez를 당시 초상화의 가장 위대한 해석가 중 한 명으로 봉헌 한 그림의 가장 관련성이 높은 측면은 아닙니다. 사실, 오른쪽을 향하고 있지만 시선은 보는 사람을 향하고 있는 교황의 얼굴은 결단력 있고 강렬한 표정으로 눈을 표현하고 있으며, 눈꺼풀의 주름이 드러납니다. 설명된 내용을 더욱 풍부하게 하는 것은 팔걸이에 우아하게 놓여 있는 자세와 오른손과 함께 매우 편안하고 절제된 자세를 암시하는 칠해진 꽉 다문 입술입니다. 조반니 바티스타 팜필리(Giovanni Battista Pamphili, 1574-1655)는 다소 까다롭고 내성적인 성격을 지닌 사람으로 여겨졌는데, 나중에 프란시스 베이컨(Francis Bacon)의 유명한 Screaming Pope 시리즈에서도 불멸의 인물이 되었기 때문에 그림의 묘사는 실제로 실제 묘사와 일치합니다. 벨라스케스의 모델에서 착상된 후자는 개인의 내면으로의 은유적 여정을 재연하기 위해 문제의 주제가 변형되고 왜곡된 것으로 보는 사람에게 드러나는 일련의 초상화를 탄생시켰습니다. 동시에 존재의 지옥으로.
디에고 벨라스케스, 라스 메니나스, 1656년경. 캔버스에 유채, 318×276cm. 마드리드 프라도 미술관.
1. 라스 메니나스(1656)
디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)의 능숙한 붓으로 포착된 라스 메니나스(Las Meninas)의 여러 주제는 마드리드 레알 알카사르(Madrid Real Alcázar), 즉 스페인 수도에 위치한 필립 4세(Philip IV)의 거주지 중 한 곳에 모아져 나타납니다. , 그의 걸작의 주인공은 왕의 새 아내 인 인판 타 마르가리타 테레사의 딸입니다. 후자는 궁정의 그녀의 숙녀들과 후자의 다른 구성원들에게 둘러싸여 나타나기 때문에 그림에는 필립 4세의 궁정에서 안정된 존재로 인해 다음 중 하나를 만드는 화가의 자화상도 포함되어 있습니다. 예술 역사상 가장 잊을 수 없는 환상: 관객의 관심은 사실 처음에는 마거리트의 모습에 사로잡혀 있다가 나중에 스페인 대가의 존재를 알아차린 직후에 화가가 다루고 있는 주제와 동일시하게 됩니다. 그의 캔버스에 그려져 있다. 반면에 좀 더 주의 깊은 눈은 필립 4세와 마리안이 확실한 주인공이 되는 거울의 세부 묘사에서 멀어질 수도 있고, 반면에 수많은 관객들은 거울의 움직임의 본질에 대해 궁금해 할 기회를 갖게 될 것입니다. 계단에서 불멸의 인물인 Cimabellan José Nieto는 그 의도를 결코 알 수 없습니다: 영원히 묘사된 장소에 도착하거나 떠나려는 의도.
Olimpia Gaia Martinelli
