選ばれた10点の作品は、絵画と写真の両方で、慎重に研究された色彩の順序に従って配置されています。各作品は、色が絡み合って融合し、調和のとれた道に命を吹き込む連続した視覚的な流れを生み出すために隣り合って配置されています。この配置は、個々の作品を引き立てるだけでなく、色調が自然に進化し、鑑賞者を美的旅へと導く流動的な物語も作り出します。絵画と写真は、共通の2次元性を活かし、具象と抽象を交互に表現しながら対話します。このように、各作品は、その個性を保ちながら、2024年秋のアートの必須要素を反映する全体に完璧にフィットします。
ワールドクリーナー（2021）アリダ・イメレによる絵画
1. アリダ・イメレ監督『ワールドクリーナー』（2021年）
アリダ・イメレの絵画「世界の掃除人」は、日常の掃除に携わる女性を描いています。女性はかがみ、伝統的なほうきで地面の物を掃き集めており、家事労働との親密なつながりを感じさせます。色彩的には、この絵画は対照的で鮮やかな色調で占められています。女性の肌は青と赤の交互の色合いで表現され、ドレスは鮮やかなオレンジ色で、自然とアフリカのアイデンティティを想起させるキリンのモチーフで飾られています。
アリダ・イメレのスタイルは、写実性と色彩的抽象性を組み合わせる能力が際立っています。キャンバスにアクリル、ポスカ、インドインクを混ぜた混合技法を使用して、アーティストは描かれた女性の伝統的な役割を覆します。この作品では、主題が一見シンプルであるにもかかわらず、鮮やかな色の選択と強調されたコントラストによって人物に力強さと威厳が吹き込まれ、社会で目に見えないことが多い家事を行う女性の重要性が強調されています。色の使用によってほぼ記念碑的に表現された主題は、日常の活動を抵抗と強さの行為に高めているようです。
アリダ・イメレは、1994 年にカメルーンで生まれ、女性の人生を感動的に探求した現代画家として知られています。彼女は作品を通じて、女性にしばしば認められない帰属意識や認識に異議を唱えています。アリダは、ドゥアラ大学付属のンコンサンバ美術大学で美術の修士号を取得し、芸術教育に磨きをかけました。
フォーゲルザング (2023) ソフィア・ヒアースによる絵画
2.「フォーゲルツァング」（2023）ソフィア・ヒーレス著
ソフィア・ヘーレスの作品「Vogelzang 」は、裸の枝に止まった色とりどりの鳥の群れを描いており、均一な緑の背景に対して鮮やかなコントラストを生み出しています。中心となるテーマは自然のシンプルさで、さまざまな種類の小鳥が黄色、赤、青などの明るい色で描かれています。これらの鮮やかな色調は緑と茶色の枝と対照的で、自然を直接観察しているような静けさと活力を感じさせます。
ソフィア・ヘーレスのスタイルは、大胆ではっきりとした色使いが特徴で、彼女はそれをセクションに分け、主題の各部分に独自のトーンを割り当てています。彼女の作品では、主題に様式化されたシンプルさを与えるために、最終段階で線が追加されることがよくあります。「フォーゲルザング」では、シャープな輪郭と鮮やかな色が彼女の視覚言語の特徴であり、鮮明で「単純化された」現実の表現に視聴者を浸らせるように設計されています。
ソフィア・ヘーレスは、1981 年にオランダのツイドラーレンで生まれ、ドレンチェ・アー川渓谷の自然の美しさに囲まれて育ちました。動植物との関わりは、彼女の芸術作品に深く影響を与えています。教育に関しては、ソフィアは 2006 年にフローニンゲンのアカデミー・ミネルヴァで自主絵画の勉強を修了しました。
パラレリズムシリーズ、ホーリーディップ（2023） アク・ダグラスによる絵画
3. 「ザ・ホーリー・ディップ」（2023年）Ak Douglas
「パラレリズム」シリーズの一部である「ホーリー ディップ」は、色彩と象徴の爆発です。この絵には、さまざまな対照的な要素が表現されています。上部には、インドのホーリー祭を思わせるカラフルな点の雨が、下部のより控えめで穏やかなシーンに広がっています。背景には、木々や丘の緑の塊が薄れていくように見え、雪景色に似た白い広がりの上に、人々の姿が小さなグループに集まっています。左側には、伝統的なスタイルのカラフルな構造物と複雑な幾何学模様が、儀式的な建築物または変容のシンボルを示唆しています。
アク・ダグラスは、アクリル、コラージュ、金箔、銀箔、ビーズ、リサイクル生地などの型破りな素材を組み合わせた複合メディア技法を頻繁に使用しています。「The Holi Dip 」では、鮮やかなアクリルの色とコラージュ、幾何学的なモチーフと抽象的な線の使用により、彼の非常に象徴的で物語的なスタイルが際立っています。テクスチャから素材まで、すべての詳細に、歴史的、社会的、政治的なテーマに対する深い考察が表れています。その結果、色と形が階層的で深遠な物語を伝えるために使用されている、意味の豊かな作品が生まれました。
1979 年にインドで生まれた Ak Douglas は、20 年以上の経験を持つ現代アーティストです。スウェーデン、韓国、イタリア、フランス、アラブ首長国連邦など、さまざまな国で国際展示会、ワークショップ、シンポジウムに参加してきました。当初は彫刻家やインスタレーション アーティストとして実験していましたが、後に絵画や複合メディア技法を取り入れ、象徴的で意味のある素材を通じてアイデンティティ、精神性、文化といったテーマを探求するようになりました。
エリッサ #2 (2024) 写真撮影: バーバラ・ヴァンデンドリシェ
4.「Elissa #2」(2024) バーバラ・ヴァンデンドリッシュ著
バーバラ・ヴァンデンドリーシェの作品「エリッサ #2」は、視覚的にも感情的にも強いインパクトのある写真です。被写体は、顔と体を覆う透明なベールに包まれた若い女性です。支配的な色調は暗く、背景は黒で、親密で瞑想的な雰囲気を強調しています。優美なベールと花柄のドレスの豊かなディテールのコントラストが繊細さと内省的な深さの間の緊張を生み出し、柔らかな照明と穏やかな影の使用が神秘性と脆弱さの感覚を醸し出しています。最後に、ドレスの赤は、感情を完全には表に出さない人物の物理的な存在を強調することを意図しています。
バーバラ・ヴァンデンドリーシェの写真スタイルは、入念に構築された設定とドラマチックな美学を通じて深い感情を呼び起こす能力によって特徴づけられています。20 年以上にわたり劇場監督および舞台美術家として活躍してきた彼女の写真作品は、視覚的な構成と親密な雰囲気の創出に強い関心を示しています。「エリッサ #2」では、ベールなどの要素を使用して同時に隠したり明らかにしたりすることで、身体的および心理的な脆弱性の概念を探求しています。この作品は直線的な物語をたどらず、視聴者が示唆された感情に浸るように誘い、主観的な解釈の余地を十分に残しています。
1974 年にベルギーで生まれたバーバラ・ヴァンデンドリーシェは、演劇の世界でキャリアをスタートし、20 年以上にわたり監督や舞台美術家として活躍しました。この間、彼女は写真に強い関心を抱き、それが徐々に彼女の職業人生の中心となっていきました。今日、ヴァンデンドリーシェは、人間のもろさを探求することに特に重点を置く、定評のあるアーティストです。
フットボール (2019) サンテティエンヌ・イェンジ作の絵画
5.「Footballeur」（2019）サンテティエンヌ・イェンジ著
サン＝テティエンヌ・イェンジの作品「Footballeur 」は、ボールを蹴るダイナミックな瞬間を捉えたサッカー選手を描いています。この人物は、無数の「ピクセル」と抽象的なストロークで構成されており、同時に溶解して再構成されているように見え、動きとシーンの儚さを示唆しています。色彩的には、キャンバスは茶色、黄土色、白の暖色系で占められており、黒のアクセントがメインの人物の輪郭を描いています。背景には、一連の QR コードと幾何学模様が見られ、現代性とテクノロジーの感覚が加わり、人間的要素とデジタル要素のコントラストを生み出しています。
サン＝テティエンヌ・イェンジは、抽象と具象を組み合わせた独自のスタイルで知られています。人物を断片化する技法を使用して、このアーティストは、消えゆくことと出現することの効果を巧みに操る作品を制作しています。「消去」または変容の過程にある人物を描くという彼の選択は、現代社会における個人のアイデンティティ、はかない存在、つかの間の存在に対する反映を強調しています。
サンテティエンヌ・イェアンジは、1988 年にコートジボワールのカティオラで生まれ、ココディ芸術大学とアビジャン国立高等美術学校で絵画と写真を学び、2012 年に優秀な成績で卒業しました。
Réveil (2023) カンニバル・マラバルによる絵画
6.「Réveil」（2023）カニバル・マラバル著
カニバル・マラバールの作品「Réveil」は、目を閉じてリラックスした穏やかなポーズをとり、両腕を上げて内省に浸っている若い女性を描いています。被写体は、明るいオレンジ色の背景に、淡い色の花と紫色の枝をあしらった様式化された花のモチーフに囲まれています。女性像は鮮やかな色彩で表現されており、肌は紫、オレンジ、黄色の色合いが混ざり合って描かれ、暖かさと静けさを強調しています。被写体と花の背景のコントラストが調和し、夢のような効果を生み出しています。
クロエのペンネームであるカニバル・マラバーは、大胆で鮮やかな色使いで知られています。彼女の作品は、女性の美しさや感情を探求することが多く、それぞれのニュアンスを強調して瞬間の激しさを表現しています。このアーティストは、キャンバスにアクリルを塗り、樹脂で仕上げるなど、さまざまな技法を組み合わせて、鮮やかで生き生きとした作品を生み出しています。
フランスのオヨナックス生まれのカニバル・マラバールは、幼い頃から創作の道を歩み始めました。リヨン近郊のブロンで応用美術を学び、後にシャンベリーのENAAIでイラストレーションとグラフィックデザインを専攻しました。2010年にリヨンに移り、そこで独自のスタイルを発展させ、絵画にますます重点を置き始めました。作品を通じて、カニバル・マラバールは女性の美の多様性を探求し、ファッション、ソーシャルメディア、自然、さらには食べ物など、さまざまなものからインスピレーションを得ています。
カラーズ #9 (2021) アストリッド・シュテッペルによる絵画
7. 「Colors #9」（2021）アストリッド・ストッペル
アストリッド・ストッペルの「 Colors #9 」は、鮮やかで対照的な色の組み合わせで構成された同心円をグループにまとめた抽象画です。この作品は、緑、黄色、紫、青、灰色の色調をダイナミックに並置して、動きと活力の感覚を生み出しています。ニュートラルな背景に置かれた円は、空間に浮かんでいるように見えます。それぞれが独自の内部エネルギーを持っており、注目を集め、見る人にさまざまな色の層を探索するよう促します。さらに、形状の幾何学は整然とした構造を示唆していますが、色調の活気が堅苦しさを打ち破り、自由と喜びの感覚を伝えています。
アストリッド・ストッペルは、円、線、色面などのシンプルな形状の使用を特徴とするミニマリスト的かつ幾何学的なアプローチで知られています。彼女のスタイルは、見る人に視覚的な一時停止、つまり、ゆっくりと考えを巡らせる瞬間を作り出すことを目指しています。Colors #9のように、明るい色と純粋な形状を使用することで、ストッペルはダイナミックなエネルギーを維持しながら、シンプルさの本質を抽出しようとしています。彼女の作品は、見る人を色調と形状の純粋さに誘い、現代生活の慌ただしさを一時的に忘れさせます。
1974 年にドイツのヴァイルハイムで生まれたアストリッド・シュテッペルは、幾何学的でミニマリスト的なスタイルで知られる国際的に有名なアーティストです。彼女の作品は、時間、形、色の関係を探求し、鑑賞者がゆっくりとメディアや社会的圧力の影響から離れられる空間を創り出そうとしています。
スパゲッティ・モンスター（2022）ジェニファー・マテスによる絵画
8. 「スパゲッティ・モンスター」（2022年）ジェニファー・マテス監督
ジェニファー・マテスの「スパゲッティ・モンスター」は、鮮やかな色彩と流動的な形状を大胆に使い、すぐに注目を集めます。作品の中心人物は、動きと混沌を想起させる抽象的でねじれた筆致で描かれたスパゲッティでできたモンスターを表現しているようです。色彩的には、この絵は暖色と寒色の組み合わせを利用しており、「パスタ」の黄色が背景の暗色または中間色と対照的です。この絵は皮肉とシュールレアリズムの感覚を伝え、見る者に主題の表面レベルの向こうにあるものについて考えさせます。
ジェニファー・マテスのスタイルは、ドキュメンタリー、フィクション、パフォーマンスの融合を特徴としており、それは「スパゲッティ・モンスター」にも反映されています。彼女の技法は、一般的に階層化された視覚構造に基づいており、絵画のオーバーレイ、断片化、コラージュの使用を組み合わせて複雑でダイナミックな構成を生み出します。マテスはユーモアと社会批評を巧みに融合させ、遊び心がありながら深い思索に満ちた作品を生み出しています。さらに、彼女のイメージは複雑な物語を伝えることが多く、複数の解釈の余地を残し、鑑賞者に個人的なテーマと集団的なテーマの両方を探求するよう促します。
ジェニファー・マテスは、1982年にドイツで生まれ、オーストリアのウィーンで暮らし、活動しています。彼女の芸術的旅は、シュトゥットガルトでの映画とビデオの勉強から始まり、ウィーン美術アカデミーでハルン・ファロッキとコンスタンツェ・ルームの指導の下で視覚芸術と映画を学びました。彼女の作品は、絵画、ビデオアート、パフォーマンスなど、複数の分野にまたがっており、皮肉と分析のアプローチで社会問題に取り組む能力が際立っています。
ディストーション #2 (2024) 撮影：Xidong Luo
9. 「Distortion #2」（2024） 羅希東監督
Xidong Luo の「Distortion #2」は、歪曲要素を通して知覚を操る加工されていない写真です。この画像には、水ガラスの歪み効果によってほとんど認識できないほどに変化した人間の顔が写っています。この視覚的な遊びは、私たちが世界や周囲の人々をどのように観察しているかを観察者に思い起こさせると同時に、被写体はフィルタリングされ知覚された現実の不確実性と流動性を象徴しています。
Xidong Luo は、鏡、水、花などの自然の要素を使用して、儚い美しさや女性と自然のつながりなどの深遠な概念を探求する独自の視覚言語を開発しました。道教の哲学に影響を受けた Luo は、人生の不確実性とはかない性質について考察します。たとえば、「Distortion #2」では、ガラスが歪曲レンズとして機能し、強力なメタファーを提供します。水が顔を変えるのと同じように、私たちの世界に対する認識も、私たちが適用する精神的なフィルターによって影響を受け、歪められます。
1972年に中国南部で生まれたシドン・ルオは独学で写真を学んだ写真家で、新型コロナウイルスによるロックダウン中に自身の体を作品の表現手段として使い始め、写真に個人的で親密な側面を加えました。彼女の作品は、はかない美しさ、人生のはかなさ、現実の歪んだ認識など、普遍的なテーマを扱っています。
母性（2024）ヴェラ・テプリャコワによる絵画
「母性」（2024年）ヴェラ・テプリャコワ
「母性」はキャンバスに描かれた油絵で、母と子の絆を強烈に表現していますが、複雑な感情的ニュアンスがあります。女性は子供を守るように抱きしめ、子供にとって安全で心地よい環境を作り出しています。しかし、女性の顔には動揺と不安の表情が表れており、内面の葛藤を示唆しています。ベージュ、ピンク、アイボリーの柔らかい色調が抱擁の温かさを強調し、母親の顔の影は彼女の感情的な緊張を反映しています。したがって、この作品は、母親のしぐさの優しさと、世話の責任に伴うことが多い不確実性の間を行き来しています。
ヴェラ・テプリャコワのスタイルは、光、表情、絵画の質感を利用して対照的な感情を捉える能力によって際立っています。「母性」では、母親の役割の保護と強さを称賛するだけでなく、それに伴う不安や疑念も強調しています。時には「触覚的」で「質感」のある彼女の筆遣いは、絵画に具体的な次元を与え、物語を「実感できる」体験に変えています。
ヴェラ・テプリャコヴァは、2003年にサンクトペテルブルクで生まれ、現在はジョージアに住む若手アーティストです。彼女の作品は社会問題を取り上げており、特に女性の権利と社会正義に焦点を当てています。視覚芸術の分野で多才なヴェラは、油彩、アクリル、パステルなどの技法を習得する一方、手作りのラグの制作にも専念しています。
Olimpia Gaia Martinelli
