Mark Bradford è un artista americano contemporaneo rinomato per i suoi dipinti astratti su larga scala che spesso incorporano materiali di uso quotidiano come carta, poster e tessuti. Le sue opere sono note per la loro complessità, stratificazione e capacità di commentare questioni sociali, razziali e politiche. Le opere di Bradford risuonano con temi di vita urbana, resilienza e disuguaglianza, rendendolo una voce unica nell'arte contemporanea.
Biografia
Mark Bradford (nato il 20 novembre 1961) è un importante artista americano noto per il suo stile visivo unico. È nato, risiede e lavora a Los Angeles. Bradford ha studiato al California Institute of the Arts e ha ottenuto riconoscimenti per i suoi dipinti collage su larga scala, che sono stati esposti in tutto il mondo. La sua pratica creativa abbraccia vari media, tra cui video, incisione e installazione. Nel 2017 ha rappresentato gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia e nel 2021 è stato nominato una delle 100 persone più influenti dalla rivista Time.
Bradford è cresciuto a South Los Angeles. Sua madre gestiva un salone di bellezza a Leimert Park e Bradford occasionalmente la aiutava con l'attività. All'età di 11 anni, la sua famiglia si è trasferita in una zona prevalentemente bianca di Santa Monica, ma sua madre ha mantenuto il suo salone nel loro vecchio quartiere. Dopo aver completato il liceo, Bradford ha ottenuto una licenza da parrucchiere e ha lavorato nel salone di sua madre per un po' di tempo.
Iniziò gli studi superiori al Santa Monica College prima di trasferirsi al California Institute of the Arts, dove conseguì la laurea nel 1991. Bradford conseguì il Bachelor of Fine Arts nel 1995 e ottenne un Master of Fine Arts nel 1997, completando il suo percorso accademico all'età di 30 anni.
Stile, movimento e temi
Mark Bradford è riconosciuto per il suo distinto stile astratto che combina elementi di espressionismo astratto e post-minimalismo , creando dipinti su larga scala, simili a griglie, attraverso tecniche di collage a strati. Le sue opere spesso incorporano materiali trovati, come carta e corde, che rielabora attraverso metodi come la scanalatura, lo strappo, la triturazione, l'incollatura, il lavaggio a pressione e la levigatura. Il complesso processo di stratificazione di Bradford gli consente di esplorare temi della vita urbana , della disuguaglianza sociale e dell'emarginazione delle comunità afroamericane . Le sue opere spesso assomigliano a vedute aeree di città, con strade, mappe ed edifici che si sovrappongono in composizioni caotiche ma strutturate.
Bradford incorpora spesso manifesti commerciali , ovvero pubblicità per servizi quali alloggi, consulenza legale e test di paternità, che raccoglie nei quartieri urbani. Secondo il critico d'arte Sebastian Smee, questi manifesti riflettono "la consistenza dell'ambiente urbano" e sono emblematici della sua attenzione per gli spazi di transizione e le comunità emarginate.
Oltre al suo commento sociale, Bradford affronta occasionalmente temi di mascolinità e genere , attingendo alle sue esperienze personali di uomo gay. Le sue opere sfidano le narrazioni tradizionali ed esplorano l'intersezione di razza, identità e sessualità.
Opere famose
"Scorched Earth" e "Black Wall Street" (2006) di Mark Bradford sono stati creati in risposta al massacro razziale di Tulsa del 1921 , un violento attacco alla comunità nera di Tulsa, Oklahoma. Ha rivisitato questo tema storico nel 2021 con il dipinto "Tulsa Gottdamn" , che segna la commemorazione del centenario del massacro. L'impegno di Bradford con questo oscuro capitolo della storia americana evidenzia il suo interesse per la violenza razziale e i suoi effetti a lungo termine sulle comunità emarginate.
"Orbit" (2007) di Bradford è un'opera significativa che incorpora un'immagine di un pallone da basket su una fitta griglia che rappresenta le strade di Los Angeles. L'opera d'arte, creata attraverso un mix di collage e décollage, riflette la fragilità delle strutture urbane. Richiama paragoni con le iconografie degli eroi sportivi neri, simili alle opere di Jean-Michel Basquiat , ma l'approccio di Bradford è più ambiguo, e si chiede se il pallone da basket simboleggi la speranza o la falsa promessa di fuga dal centro città.
"A Truly Rich Man is One Whose Children Run into His Arms Even When His Hands Are Empty" (2008), un'opera larga e alta quasi 9 piedi, evoca immagini di parabrezza rotti durante le rivolte, con scure ragnatele di luce che ne attraversano la superficie. Il critico Maxwell Heller ha notato che gli strati tattili dell'opera, che sono stati tagliati, levigati e laccati, rivelano la natura sensuale del processo di Bradford.
La pratica di Bradford si estende oltre la pittura, incorporando video, stampe e installazioni. La sua installazione del 2008 "Mithra" era un'enorme arca di 70 x 20 x 25 piedi realizzata in compensato di recupero, costruita per Prospect New Orleans , una mostra commemorativa dell'uragano Katrina . Nello stesso anno, ha anche creato un'installazione sul tetto della Steve Turner Contemporary Gallery di Los Angeles, di fronte al Los Angeles County Museum of Art , che è stata poi riproposta al 55° Carnegie International .
Nel 2015, Bradford ha creato "Pull Painting 1" , un disegno murale site-specific ispirato a Sol LeWitt , lungo un muro di 60 piedi al Wadsworth Atheneum . Utilizzando strati di carta vibrante, vernice e corda, Bradford ha levigato, sbucciato e tagliato via sezioni per creare una composizione altamente strutturata.
L'installazione di Bradford "Pickett's Charge" (2017) all'Hirshhorn Museum di Washington, DC, è una delle sue opere più monumentali, direttamente ispirata al Gettysburg Cyclorama . Questa opera lunga 400 piedi reinterpreta la battaglia della Guerra Civile in un contesto contemporaneo, sovrapponendo immagini storiche a temi moderni di conflitto e divisione.
Nel 2017, Bradford ha anche installato "We the People" presso l' ambasciata statunitense di Londra. Questo grande murale incorpora frammenti della Costituzione statunitense, esaminando i temi della governance e della rappresentanza, affrontando anche il modo in cui viene definito il concetto di "noi".
Infine, il suo pezzo del 2018 "WHAT HATH GOD WROUGHT" presso l' Università della California, San Diego, era una struttura alta 195 piedi che esaminava l'influenza della tecnologia sulla comunicazione. La frase stessa fa riferimento al primo messaggio telegrafico inviato da Samuel Morse, legando ulteriormente il lavoro di Bradford all'evoluzione tecnologica e sociale.
Mostre e mercato dell'arte
Nel 1998, Mark Bradford tenne una mostra personale intitolata "Distribution" presso Deep River, una galleria gestita da artisti a Los Angeles fondata da Daniel Joseph Martinez e Glenn Kaino . Ciò segnò un momento cruciale nella sua prima carriera. Nel 2001, il lavoro di Bradford ricevette notevole attenzione quando Thelma Golden incluse i suoi collage realizzati con risguardi da parrucchiere, come "Enter and Exit the New Negro" (2000) e "Dreadlocks Can't Tell Me Shit" (2000), nell'influente mostra "Freestyle" presso lo Studio Museum di Harlem . Questi collage alludevano alla precedente esperienza di Bradford nel salone da parrucchiere di sua madre a South Los Angeles.
Nel corso della sua carriera, Bradford ha esposto presso importanti istituzioni in tutto il mondo, tra cui il Wexner Center for the Arts , la Royal Academy of London e il Museum of Contemporary Art San Diego . La sua partecipazione a prestigiosi eventi come la Liverpool Biennial (2006), la São Paulo Biennial (2006) e la Whitney Biennial (2006) ha consolidato il suo status di figura di spicco nell'arte contemporanea.
Nel 2014, Bradford ha presentato "The King's Mirror" , un murale lungo 100 piedi al Rose Art Museum della Brandeis University. L'anno seguente, ha debuttato con "Tears of a Tree" al Rockbund Art Museum di Shanghai e la sua prima mostra personale a Los Angeles, "Scorched Earth" , all'Hammer Museum . La sua storica mostra del 2017 alla Biennale di Venezia, intitolata "Tomorrow Is Another Day" , è stata ampiamente elogiata e paragonata all'impatto di Jackson Pollock sull'arte americana.
Negli ultimi anni, Bradford ha continuato a spingersi oltre i confini. La sua mostra del 2018, "Cerberus" , presso Hauser & Wirth London , presentava dipinti di grandi dimensioni e un'opera video ispirata alla mitologia greca. Inoltre, l'impegno continuo di Bradford con le questioni sociali si riflette nella sua mostra del 2019 "Mark Bradford: Los Angeles" presso il Long Museum di Shanghai , incentrata sulle rivolte di Watts del 1965.
Nel 2020, durante la pandemia di COVID-19, Bradford si è adattato alla nuova realtà con una mostra online intitolata "Quarantine Paintings" , che presentava nuove opere create durante il lockdown. La sua influenza continua a crescere, come dimostra la sua mostra personale del 2021 "Masses & Movements" presso Hauser & Wirth Menorca . Il suo lavoro ha ottenuto numerosi riconoscimenti, tra cui una MacArthur Fellowship e l'ammissione all'American Academy of Arts and Letters .
L'impatto di Bradford sul mondo dell'arte è ulteriormente riconosciuto dalla sua inclusione nell'elenco delle 100 persone più influenti della rivista Time nel 2021 e dalla sua continua influenza a Los Angeles, evidenziata da un articolo sul Los Angeles Times nel 2024.
Nel 2015, il collage multimediale "Constitution IV" (2013) di Mark Bradford ha raggiunto il prezzo record di 5,8 milioni di dollari da Phillips , segnando il massimo storico all'asta per l'artista. Questa vendita è avvenuta solo pochi mesi dopo che un altro pezzo, "Smear" (2015), è stato venduto da Sotheby's New York per 4,4 milioni di dollari, superando significativamente la stima pre-vendita di 700.000 dollari.
Nel marzo 2018, l'opera monumentale di Bradford "Helter Skelter I" ha raggiunto un traguardo ancora più impressionante, vendendo all'asta per 12 milioni di dollari . Questa vendita non solo ha stabilito un record personale per Bradford, ma ha anche segnato il prezzo d'asta più alto mai raggiunto da un artista afroamericano vivente, secondo i dati di Phillips e i risultati delle aste precedenti.
Influenza su altri artisti
L'approccio di Bradford potrebbe aver influenzato numerosi artisti più giovani, in particolare nel suo uso di materiali trovati e nella sua capacità di commentare questioni sociali e politiche attraverso l'astrazione. Artisti come Njideka Akunyili Crosby ed El Anatsui potrebbero aver tracciato parallelismi con i metodi di manipolazione dei materiali e l'attenzione tematica di Bradford, sebbene il loro lavoro rimanga distinto.
Fatti poco noti
Poche persone sanno che la carriera iniziale di Bradford nel salone da parrucchiere della madre ha influenzato il suo processo artistico. Spesso incorpora materiali legati al mondo dell'acconciatura, come i "rimandi" usati per le permanenti, che sono presenti in modo prominente in molte delle sue opere. Inoltre, Bradford è profondamente coinvolto in cause sociali: ha co-fondato Art + Practice , un'organizzazione non-profit che supporta i giovani affidatari di Los Angeles.
Bradford è stato protagonista di un episodio di 60 Minutes , in cui è stato intervistato da Anderson Cooper . Questo episodio è andato in onda originariamente il 12 maggio 2019. In riconoscimento della qualità di questo servizio, CBS News ha vinto un News & Documentary Emmy Award a settembre 2020, in particolare nella categoria Outstanding Arts, Culture, and Entertainment Report .
L'approccio innovativo di Mark Bradford all'arte astratta, unito alla sua capacità di intrecciare narrazioni sociali, politiche e razziali nel suo lavoro, lo rende uno degli artisti più influenti del nostro tempo. Le sue composizioni su larga scala e stratificate sfidano i confini tradizionali e forniscono un potente commento sulla vita urbana contemporanea.
Selena Mattei