Cosa ti ha spinto a creare opere d'arte e a diventare un artista? (eventi, sensazioni, esperienze...)
La mia personale produzione artistica inizia intorno ai cinque anni. La mia prima grande influenza artistica è stata la scoperta, intorno ai quattordici anni, del cinema della nuova Hollywood. Guardare questi film è stato uno shock estetico significativo perché il loro lavoro era tematicamente complesso, formalmente innovativo, moralmente ambiguo e ricco di risonanza mitica. La nuova Hollywood ha visto nascere alcuni dei più grandi registi e grandi opere della storia del cinema dove immoralità ed estrema violenza, prima censurate dal codice Hays, si intrecciano in storie crepuscolari e disperate. L'ambiguità, la visione realistica degli individui e dei loro problemi, la volontà di esplorare le profondità dell'animo umano e l'uso di antieroi sono temi che spiccano nel mio lavoro pittorico.
Qual è il tuo background artistico, le tecniche e le materie che hai sperimentato finora?
All'inizio ero più un disegnatore che un pittore, poi ho sperimentato con la pittura acrilica, che non apprezzavo (asciugatura rapida, mancanza di sfumature, ecc.). Ho scoperto la pittura ad olio ed i suoi segreti nel 2010, mi sono subito convinto che questa tecnica sarebbe servita al mio scopo. Apprezzo molto anche il pastello secco che mi permette anche di tradurre le atmosfere fredde che mi piacciono.
Quali sono i 3 aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?
- Il desiderio di non produrre un'opera alla moda ma un'opera senza tempo.
- Propongo una diagnosi dell'essere umano contemporaneo esplorando il più possibile ciò che costituisce i suoi punti di forza e di debolezza.
- Mantengo un livello molto alto di requisiti per produrre opere masterizzate e pertinenti.
da dove viene la tua ispirazione?
La storia della pittura con i maestri del genere (Vermeer, Rembrandt, Van Eyck, Da Vinci, Botticelli, Raffaello, Caravaggio, Giorgione, Poussin, David, Munch, Manet, Hammershoi), il cinema e la poesia del Trecento.
Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?
Sviluppo il concetto di "pittura silenziosa" attraverso la pittura ad olio. La nozione di pittura "silenziosa" è un tentativo di materializzare il silenzio con un mezzo apparso nel XV secolo. L'obiettivo è mettere in atto una combinazione di scelte estetiche al fine di creare un'atmosfera stagnante, dove il tempo sembra sospeso. Tavolozza di colori ristretta, rovine contemporanee come immagine dello spazio mentale di un essere umano e oggetti inanimati come automi, bambole e figure di cera sono i componenti principali.
La combinazione di questi diversi elementi tende ad avvicinarsi al concetto di "stranezza inquietante" teorizzato da Sigmund Freud nel 1919. La pittura silenziosa è infatti una struttura messa in atto per rendere conto delle profondità dell'animo umano. Lo strano, etimologicamente ciò che è esterno, sconosciuto, può anche riferirsi a ciò che è nascosto nel profondo. Il mio lavoro è in un certo senso un'autopsia della psiche umana: il silenzio come stato sonoro, il silenzio come meditazione, il silenzio come dolore. Pittura come espressione, pittura come convinzione, pittura come passione.
Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo iter preparatorio (tecnico, ispirato ai classici dell'arte o altro)?
Penso che l'artista sia un traduttore del pensiero. Lo scrittore mette le parole sui pensieri, il pittore gli traduce questi pensieri attraverso le immagini. Cerca di trasformare in una rappresentazione visibile e palpabile l'iscrizione segreta depositata nel profondo di noi. Si tratta di tradurre l'immagine ancorata nel profondo dell'individuo per renderla il più efficace possibile. L'artista utilizza una moltitudine di strumenti a sua disposizione (organizzazione e composizione dell'immagine, scelte cromatiche, collocazione e scelta precisa dei diversi elementi che compongono la tela) per riflettere il suo pensiero. È un continuo avanti e indietro tra la psiche e la mano del pittore.
La creazione è un processo complesso e irregolare che può causare grande frustrazione nell'artista se non riesce a trascrivere le sue idee come aveva immaginato all'inizio. Sembra che la cosa più difficile sia far combaciare sostanza (idee, sentimenti, ricordi) e forma nel modo più ovvio possibile. L'ideale sarebbe realizzare un'opera il più possibile "fluida", dove le lunghe ore di lavoro non compaiono nell'immagine. C'è sempre uno scarto tra l'idea iniziale, questa cosa mentale (un'idea, un istante impresso nella nostra memoria come una memoria piuttosto amorfa e inerte, senza struttura come un fantasma) e l'oggetto concreto prodotto dopo, il che spiega perché c'è sempre una sorta di delusione, frustrazione dopo il completamento di un progetto. È una lotta con la materia, per dominarla e portarla alla piena realizzazione dell'idea che ha animato l'artista nella sua primissima ispirazione.
La realizzazione di un quadro o di una scultura richiede grande concentrazione oltre che costante coinvolgimento, non è un divertimento o qualcosa da prendere alla leggera, anzi, bisogna vendere cara la pelle per avere successo. alla produzione di plastica. Nella mia pittura cerco di non essere mai troppo didascalico perché mi sembra che il dialogo tra creatore e destinatario dell'opera sia ricco soprattutto di ciò che non si dice, di ciò che non si sa. Lo spettatore è spinto verso una propria riflessione se non è sottoposto a conclusioni preconfezionate da parte dell'artista. Inoltre l'ispirazione non arriva per magia ma per lavoro, quindi il soggetto di un quadro deve maturare in me come la gestazione di un bambino fino al parto.
L'opera è il risultato di un lungo processo di riflessioni, analisi e scoperte, è un'impresa complessa e un percorso disseminato di insidie. Ogni dipinto rappresenta un esame di passaggio per il mio diritto a creare, affrontare una tela bianca è una sfida che deve essere vinta ad ogni nuova creazione. Afflitto da dubbi e di fronte a una moltitudine di domande: ho fatto la scelta giusta? La composizione è adatta al mio soggetto? Tecnicamente passerò questa parte del viso? Sarò in grado di rendere correttamente questa luce? Il processo di creazione artistica è in un certo senso un parto doloroso.
Utilizzi una particolare tecnica di lavorazione? se si, me lo puoi spiegare?
Nel mio lavoro faccio in modo che il tocco pittorico non sia percepito, resti arretrato rispetto al soggetto. L'ideale è far dimenticare la presenza del pittore in modo che lo spettatore veda solo gli oggetti. Al contrario, Rembrandt, ad esempio, cerca di rendere visibile la linea del suo pennello e di creare effetti di impasto. Come per Vermeer, i miei quadri sono sempre collocati in interni dove presto particolare attenzione alla luce e alle ombre perché questi sono due fattori che mi permetteranno di tradurre questo tormentato spazio mentale, si tratta di trovare il giusto equilibrio tra ombra e luce, tutto dunque risiede nell'illuminazione o nella sua assenza.
La scultura delle ombre con la luce è una tappa fondamentale del mio lavoro, è questa che permetterà di tradurre visivamente le contraddizioni dell'uomo. Questo modo di modellare l'oscurità e la luce nei miei dipinti mira a dare all'occhio un rapporto di opposizione, di conflitto visivo tra luce e buio. Non è lì per tradurre il silenzio ma per simboleggiare la dualità ei paradossi dell'essere umano. Da un lato figure modellate nell'ombra legate al lato oscuro dell'esistenza umana e dall'altro dipinti di edifici abbandonati. Nei miei dipinti di edifici abbandonati c'è un contrasto visibile tra l'oscurità dell'interno e la luminosità dell'esterno per mostrare l'opposizione dei due mondi.
Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?
Penso che il fatto di trasporre i volti delle modelle sui manichini possa costituire un aspetto innovativo nel mio lavoro. Ciò ha l'effetto di assottigliare il confine tra il vivente e il non vivente, il vero e il falso, creando confusione nello spettatore. C'è il desiderio di mettere in scena la dualità, l'uomo e il suo doppio, un'imitazione di se stesso. Ora è una versione disincarnata che gli compete. Queste creature fittizie rappresentano una proiezione mentale del suo inconscio. Con la scelta di una tavolozza di colori specifica, questa scelta mi permette di tradurre l'ambiguità perché in effetti se lo spirito umano è inquietante misterioso affascinante, la mia pittura deve essere il suo riflesso: inquietante, misterioso e affascinante.
Hai un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? se sì, perché?
La tradizionale tela di lino, per queste qualità di durata. Dipingo come i maestri olandesi dell'età dell'oro come Vermeer, Rembrandt, Van Dyck o Frans van Mieris. Ricopro la tela di lino con diversi strati di gesso poi carteggio progressivamente con una carta vetrata molto fine per rifinire il lavoro in modo da ottenere la superficie più fine possibile. La composizione e il disegno sono stati tracciati dapprima utilizzando una matita di grafite secca.
Quindi il disegno viene colorato con un "succo" composto da terra d'ombra bruciata diluita con trementina. Questo strato è di fondamentale importanza. Utilizzando il "succo" precedente, il disegno prepara l'occhio al soggetto mentre prepara la "presa" degli strati successivi, nutre la tela. Questo permette anche di dipingere grasso su magro, il che significa che si deve dipingere con vernice sempre più grassa e ricca di olio, e quindi sempre meno diluita. Questo principio essenziale evita tutte le crepe degli strati successivi.
Poi arriva la cosiddetta fase “mezza pasta”, che consiste nel dipingere il quadro a colori lavorando su texture e dissolvenze. Finito questo, utilizzo un passaggio per me fondamentale: le velature. Per far risaltare la luce e avvolgere le figure in ombre profonde, verranno utilizzate diverse mani di vernice traslucida. I miei smalti sono applicati con un mezzo grasso secondo la tradizione dei pittori del "modo fine".
Dove produci i tuoi lavori? A casa, in un laboratorio condiviso o nel tuo laboratorio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?
Dipingo a casa, in una stanza trasformata in studio. Lavoro principalmente nel tardo pomeriggio e fino a tarda notte.
Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?
Ho iniziato ad esporre i miei lavori nel 2009 in piccole mostre provinciali. Successivamente, le mostre sono state collegate in tutta la Francia (Juvignac, Montpellier, Mantes la Jolie, Parigi, Lione, Monaco) e poi all'estero (Roma, Londra, New York).
Il mio lavoro è stato anche premiato in concorsi artistici internazionali (• Premio per la pittura - Salon des Arts Graveson 2017 • Premio preferito della giuria - 35° Salon des Artistes Régionals de Juvignac 2019 • Grand Prix Arbustes - Salon International d'Art de Mantes-La-Jolie 2020 • Finalista del Concorso Internazionale d'Arte MALAMEGI LAB 16 – Roma, Ottobre 2020 • Finalista della 35a edizione del Concorso Internazionale d'Arte "The Chelsea International Fine Art Competition" organizzato dalla Agora Gallery, New York 2021 • Finalista del Concorso Internazionale d'Arte "Artists to Follow in 2021" USA 2021• Finalista al concorso artistico internazionale "Boynes Emerging Artist Award" Australia2021 • Finalista al concorso artistico internazionale "Art Gemini Prize" per esporre a Londra presso l'"Exhibitionist Hotel" Settembre 2021 • Amici di Premio Salon d'Automne sezione "Arbusti" - Salon d'Automne - Parigi ottobre 2021 • Medaglia Vermeil - Accademia delle Arti Scienze e Lettere - Parigi ottobre 2022)
Sta iniziando a crescere il sostegno dei collezionisti, che mi permetterà di realizzare progetti più ambiziosi in seguito.
Come immagini l'evoluzione del tuo lavoro e della tua carriera di artista in futuro?
Per quanto riguarda il mio lavoro continuerò a sviluppare questo concetto di pittura silenziosa. Per quanto riguarda la mia carriera, spero di trovare mecenati e gallerie che possano difendere la mia pittura.
Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?
È un dipinto ad olio intitolato “Il deserto blu” che è in linea con il mio stile, ovvero una ricerca sulla psiche di una persona che cerca di capire chi è. Ho provato qualcosa di nuovo in questo dipinto, mi è sembrato che ciò che rende gli esseri umani assolutamente unici siano le loro impronte digitali. In questo dipinto, la donna che ha posato ha lasciato anche le sue impronte reali sul dipinto, come una testimonianza, una prova della sua unicità.
Ci racconti la tua esperienza espositiva più importante?
Ho avuto il piacere di esporre presso il prestigioso club Salmagundi di New York, mecca dell'arte figurativa negli Stati Uniti. Questa mostra mi ha permesso di misurare il mio lavoro con altri artisti riconosciuti a livello internazionale, il che mi ha incoraggiato a continuare su questa strada.
Se potessi realizzare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale sceglieresti? E perché ?
"I coniugi Arfnolfini" di Jan Van Eyck (1434) perché è un'opera che conserva ancora oggi un profondo mistero e molteplici interpretazioni. È un vero e proprio tour de force della pars di Van Eyck, sia nella sostanza che nella forma.
Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli suggeriresti di trascorrere la serata?
Penso che sceglierò Vermeer, discuteremo della sua visione del mondo e dell'arte davanti a un buon pasto.
Olimpia Gaia Martinelli
