Kumi Sugai nel 1962, tramite Wikipedia
Kumi Sugai
Kumi Sugai (1919-1996) è stato un pittore e incisore giapponese rinomato per la sua dinamica evoluzione dall'astrazione lirica all'astrazione hard-edge, che riflette il suo profondo impegno sia con l'arte d'avanguardia che con quella contemporanea. Il suo lavoro, caratterizzato dalla sua trasformazione e innovazione, ha lasciato un'eredità duratura nel mondo dell'arte.
Nato nel 1919 in Giappone, Sugai intraprese la sua carriera artistica sulla scia della seconda guerra mondiale. Per mantenersi, inizialmente illustrò libri di testo per le scuole elementari. La sua educazione artistica formale iniziò con la pittura in stile giapponese (nihonga) sotto Teii Nakamura, un membro del Nihon Bijutsuin. I primi lavori di Sugai furono influenzati da Yoshihara Jirō, una figura di spicco del gruppo Gutai. L'enfasi di Yoshihara sulla materialità della pittura e delle forme astratte, insieme a un interesse condiviso per le forme infantili e astratte, ebbero un profondo impatto su Sugai. Questa influenza è evidente nel lavoro di Sugai di questo periodo, che spesso presentava un motivo ricorrente di uccelli e rifletteva l'estetica di Paul Klee, Joan Miró e Max Ernst. I primi successi di Sugai includono la vittoria di un premio alla 4a Ashiya City Exhibition, dove Yoshihara ha lavorato come giudice.
I suoi primi dipinti possiedono una vivacità immediata ed elegantemente elegiaca, evocando narrazioni primordiali di vita, morte, amore, perdita, vittoria, tragedia e trascendenza. Queste opere fungono da portali verso il mondo della creazione nell'occhio della mente di questo mago-scriba- pittore. Sugai, uno dei grandi espressionisti astratti del Giappone del dopoguerra, precedette gli artisti della scuola Gutai nel loro percorso verso Parigi e fu sia un iconoclasta che un'ispirazione per i suoi contemporanei. Appartenne alla prima generazione di artisti giapponesi del XX secolo a diventare conobbe le tecniche pittoriche occidentali, esplorando allo stesso tempo la tipografia e la calligrafia giapponese, che divennero elementi significativi delle sue opere successive.
Kumi Sugai - The Endless Quest (1962). Stampa, incisione, su BFK de Rives. 33 x 50 cm
Parigi e l'avanguardia
Nel 1952, spinto dal suo interesse per la pittura d'avanguardia, Sugai si trasferì a Parigi. Stabilitosi a Montparnasse, studiò all'Académie de la Grande Chaumière sotto Edouard Goerg. Le sue prime opere a Parigi mantennero uno stile figurativo e riecheggiarono l'Art Informel, con paesaggi urbani vuoti con linee geometriche graffiate in una spessa pittura a olio. Sugai continuò anche a semplificare le forme animali nei suoi dipinti.
La vita a Parigi fu inizialmente solitaria per Sugai, poiché parlava poco francese. Tuttavia, divenne parte di una comunità di artisti giapponesi, tra cui Toshimitsu Imai, Hisao Domoto e lo scultore nippo-americano Shinkichi Tajiri, che era associato al gruppo CoBrA. Tajiri ebbe un ruolo chiave nella prima carriera parigina di Sugai, invitandolo a esporre nel salone Octobre di Charles Estienne nel 1953. Il mercante d'arte John Craven offrì a Sugai un contratto e la sua prima mostra personale a Parigi, affermando ulteriormente la sua presenza sulla scena artistica. Sugai's il suo lavoro ottenne anche il riconoscimento del critico Michel Ragon, tanto da essere incluso in due mostre della Nouvelle École de Paris.
Dal suo debutto a Parigi, Sugai ha ottenuto numerosi premi e ha consolidato la sua posizione come uno dei più importanti pittori astratti del Giappone, raggiungendo l'apice della sua popolarità a metà degli anni '60. Oggi, tuttavia, è più comunemente associato alle sue litografie del periodo successivo e alle opere geometriche. dipinti in colori primari brillanti, che sono più abbondanti delle sublimi opere del suo periodo parigino. Sono i rari e preziosi oli astratti dipinti da Sugai negli anni '50 e '60 che rimangono i più amati dai musei e dai collezionisti, raramente presenti sul mercato libero a causa alla loro scarsità.
Evoluzione dello stile
Verso la metà degli anni '50, il lavoro di Sugai iniziò a spostarsi da forme figurative a forme più astratte. Verso la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 lo videro produrre grandi tele dai colori vivaci dominate da forme geometriche squadrate e calligrafiche. I titoli di queste opere, come oni, samurai, e raishin, evocano il folklore giapponese. Nonostante la loro semplicità compositiva, questi dipinti hanno mantenuto una qualità densa e strutturata.
Nel 1955, Sugai iniziò a sperimentare con la stampa, producendo la sua prima litografia. Questo nuovo medium, raro in Giappone ma popolare in Francia, segnò una significativa espansione della sua pratica artistica. Le sue litografie del 1957 illustrarono il libro di poesie di Jean-Clarence Lambert La Quête sans fin. Sugai si avventurò anche nella scultura alla fine degli anni '50, creando opere come Objet, un pennello montato su un piedistallo, avvolto nella vernice e astratto. Nel 1960, gli fu conferito il premio del National Museum of Modern Art di Tokyo alla Biennale Internazionale dell'Incisione.
Riconosciuto come parte dei movimenti 'Nouvelle École de Paris' e 'Nouveau Réalisme', iniziò ad allontanarsi dall''astrazione lirica' nel 1962. Passando da motivi organici calligrafici principalmente monocromatici a immagini geometriche, la sua arte astratta è ora caratterizzata come "dura -bordo."
Gli ultimi anni e i cambiamenti trasformativi
Il 1962 fu un anno cruciale per Sugai, che segnò una significativa trasformazione nel suo stile. Si allontanò dalla materialità informale per abbracciare un'astrazione geometrica e dura, utilizzando superfici opache e vernice acrilica. Il suo fascino per le automobili e la vita urbana, in particolare dopo aver acquisito una Porsche nel 1960, influenzò profondamente la sua nuova estetica. Il lavoro di Sugai durante questo periodo presentava forme geometriche chiaramente delineate e formati monumentali. Creò circa cinquanta opere tra il 1964 e il 1968, ciascuna delle quali includeva la parola "Auto" nel titolo, riflettendo la sua passione per velocità e segnaletica stradale.
Nel 1969, Sugai tornò in Giappone per la prima volta in 18 anni per creare un murale lungo 16 metri e alto 3,6 metri intitolato Festival of Tokyo per il National Museum of Modern Art di Tokyo. Questo murale fu l'opera più grande della sua carriera e segnò le sue prime mostre personali in Giappone. La sua carriera successiva coinvolse la produzione di opere in serie e si concentrò sulle litografie dagli anni '70 in poi. Sugai tornò spesso in Giappone, dove si tennero retrospettive del suo lavoro.
Mostre e collezioni
Il lavoro di Sugai ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Grand Prix alla Grenchen International Triennial of Color Printing del 1961, il Grand Prix alla Krakow International Print Biennial del 1965 e il Prix d'Honneur alla International Print Biennial del 1972 in Norvegia. Nel 1996, poco dopo prima della sua morte, avvenuta il 14 maggio a Kobe, è stato insignito del premio Shiju-Hosho dall'imperatore del Giappone per il suo alto merito culturale. La sua arte è presente in prestigiose collezioni in tutto il mondo e la sua carriera, caratterizzata da una continua evoluzione ed esplorazione, sottolinea il suo impatto significativo sia sull'arte giapponese che su quella internazionale.
Le sue opere sono state esposte in importanti mostre in tutto il mondo, tra cui "Japon Des Avant Gardes 1910-1970" al Centre Pompidou (1986), "Contemporary Art/Postwar" al Museum of Modern Art di Kamakura (1979) e "Development of Arte giapponese del dopoguerra: astratta e non figurativa” al National Museum of Modern Art di Tokyo (1973). Tra le mostre personali più note ricordiamo “Kumi Sugai” all’Hyogo Prefectural Museum of Art e al Museum of Contemporary Art di Tokyo (2000), e retrospettive al Museo Seibu di Tokyo (1983) e al Museo d'arte Ohara di Okayama (1984). Sugai ricevette anche retrospettive di metà carriera alla Kunstnernes Hus di Oslo (1967) e allo Städtisches Museum di Leverkusen (1960), e tenne mostre personali alla Kootz Gallery di New York (1959-1964), alla Galerie Creuzevault di Parigi (1958). e 1963), e Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (1954). Le sue commissioni pubbliche includono un murale per il National Museum of Modern Art, Tokyo (1968-69), e un murale per il centro sportivo di Hannover per le Olimpiadi del 1972 Le sue opere sono presenti nelle principali collezioni istituzionali di tutto il mondo, tra cui quelle del Solomon R. Guggenheim Museum, del Metropolitan Museum of Art, del San Francisco Museum of Modern Art e del Museum of Fine Arts di Boston, tra gli altri.
Selena Mattei
