Emilio Scanavino è stato un importante artista italiano rinomato per il suo approccio unico all'espressionismo astratto. Il suo lavoro è caratterizzato da un'intensa esplorazione della forma e dello spazio, spesso utilizzando linee audaci e contrasti drammatici per trasmettere temi emotivi e filosofici profondi. L'espressione artistica di Scanavino è dinamica e stimolante, rendendolo una figura significativa nel panorama artistico contemporaneo.
Dal prodigio genovese al maestro dell'avanguardia
Nato il 28 febbraio 1922, nella città costiera di Genova, in Italia, Emilio Scanavino mostrò una precoce passione per la creatività. Il suo talento nascente lo portò all'Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova, dove affinò le sue capacità sia nella pittura che nella scultura. Questa formazione fondamentale ha posto le basi per il suo futuro come creatore di spicco.
Nel 1938 si iscrive al Liceo Artistico Nicolò Barabino, dove conosce Mario Calonghi, insegnante che influirà molto sulla sua formazione artistica. Nel 1942 Scanavino fece la sua prima mostra al Salone Romano di Genova e si iscrisse alla Facoltà di Architettura dell'Università di Milano. Nel 1946 sposò Giorgina Graglia, segnando l'inizio di un nuovo capitolo della sua vita.
Dopo i tumulti della Seconda Guerra Mondiale, si trasferisce a Milano, un vivace centro per la creatività d'avanguardia. In questa città dinamica, è stato profondamente coinvolto nella vivace comunità creativa, permettendo al suo stile e alle sue tecniche di evolversi e maturare. Il suo soggiorno a Milano si è rivelato fondamentale, offrendo numerose opportunità di collaborare con altre menti innovative e di esporre le sue creazioni.
Nel 1947 si trasferisce a Parigi, dove incontra poeti e creatori come Edouard Jaguer, Wols e Camille Bryen. Questa esperienza si è rivelata fonte di ispirazione, influenzando soprattutto il suo interesse per il cubismo. Traduce questo interesse in una personale interpretazione, esposta alla Galleria Isola di Genova nel 1948.
Nel 1950 Scanavino e Rocco Borrella si uniscono a "I sette del Numero", collettivo incentrato sulla Galleria Numero di Firenze. Nello stesso anno è stato invitato alla 27a edizione della Biennale di Venezia e ha tenuto una mostra congiunta con la scultrice Sarah Jackson alla Galleria Apollinaire di Londra. Durante la sua permanenza a Londra, incontrò figure di spicco come Phillip Martin, Eduardo Paolozzi, Graham Sutherland e Francis Bacon. Aprì anche il suo primo studio a Milano, in una soffitta in Foro Bonaparte, con il primo sostegno del critico Guido Ballo e dei mercanti Guido Le Noci e Arturo Schwartz.
Nel 1952 Scanavino lavorò presso la Manifattura Ceramica Marzotti ad Albissola Marina, dove strinse amicizia con molti artisti, tra cui Lucio Fontana, Asger Jorn, Corneille, Roberto Matta, Wifredo Lam, Giuseppe Capogrossi, Enrico Baj, Sergio Dangelo, Roberto Crippa, Gianni Dova, Agenore Fabbri, Aligi Sassu. La sua rete e le sue collaborazioni si espansero notevolmente durante questo periodo.
Nel 1962 Scanavino acquistò una vecchia casa a Calice Ligure, trasformandola successivamente in uno studio. L'anno successivo vinse il Premio La Spezia ma rimase profondamente colpito dalla morte improvvisa di Carlo Cardazzo, figura fondamentale nella sua vita. Sebbene il fratello di Cardazzo, Renato, continuasse a gestire la Galleria del Naviglio, la perdita ebbe un impatto significativo su Scanavino.
Dopo aver partecipato per la quarta volta alla Biennale di Venezia, dove vinse il Premio Pininfarina, si trasferì definitivamente a Calice Ligure nel 1968. Nel 1970 vinse il Gran Premio alla X Biennale di Mentone e conobbe Franco Castelli, allora direttore di L' uomo e l'Arte, che diventò uno dei suoi più stretti amici e sostenitori.
Nel 1971 Scanavino subì un importante intervento chirurgico e il periodo di convalescenza segnò l'inizio di una nuova fase creativa nella sua pittura. Viaggiò in Belgio, Francia e Germania e nel 1974 la Kunsthalle di Darmstadt organizzò un'ampia mostra retrospettiva che successivamente si recò a Palazzo Grassi di Venezia e Palazzo Reale di Milano.
Nel 1982, la sua salute iniziò a peggiorare. La sua ultima mostra è stata all'edizione del 1986 della Quadriennale di Roma. Emilio Scanavino muore a Milano il 28 novembre 1986.
Nel corso della sua illustre carriera, i pezzi di Scanavino sono stati esposti in numerose mostre in tutta Italia e in tutto il mondo. I suoi contributi alla cultura visiva moderna sono stati ampiamente riconosciuti, affermandolo come una figura significativa e influente nei circoli creativi contemporanei. Le sue mostre non solo hanno evidenziato il suo approccio unico all'espressionismo astratto, ma hanno anche consolidato la sua reputazione di artista di punta del suo tempo.
Stile svelato e capolavori celebrati
Lo stile artistico del maestro italiano Emilio Scanavino è profondamente radicato nell'espressionismo astratto, un movimento noto per enfatizzare la creazione spontanea, automatica o subconscia. Le sue opere spesso presentano linee intricate e intrecciate che trasmettono un senso di movimento e complessità. Queste forme astratte possono essere interpretate come simboli di tumulto interiore, angoscia esistenziale o indagine metafisica. L'uso del bianco e nero da parte dell'artista, insieme a toni smorzati, amplifica l'impatto drammatico delle sue composizioni.
"Come fuoco nella cenere" è una delle opere più importanti di Scanavino, presentata alla 30ª Biennale di Venezia nel 1960. Questo dipinto segna un punto di svolta nella carriera dell'artista, dove inizia a sviluppare un linguaggio più personale e maturo. L'opera è caratterizzata da una forte componente gestuale e da un uso evocativo del colore, che riflette la tensione e l'energia tipiche delle sue composizioni. L'intricato gioco di luci e ombre in questa opera dimostra l'abilità di Scanavino nel creare profondità e contrasto, attirando lo spettatore in uno stato contemplativo.
"Il cordone ombelicale" è un'altra opera significativa di Scanavino, creata nel 1967. Questo lavoro si distingue per l'uso di forme astratte e intricate che esprimono una forte emotività e complessità concettuale. La scultura utilizza materiali semplici, ma è caratterizzata da segni e incisioni che richiamano il suo stile pittorico, creando un legame tra le sue diverse forme d'arte. L'opera simboleggia il legame indissolubile e la connessione profonda, temi ricorrenti nel lavoro di Scanavino.
Nel complesso, i contributi di Scanavino all'espressionismo astratto non solo dimostrano una grande maestria tecnica, ma offrono anche una finestra sugli aspetti più profondi e spesso tumultuosi della psiche umana. La sua capacità di trasformare forme astratte in potenti simboli dell'esperienza interiore continua a risuonare con il pubblico e cementa il suo posto come figura chiave nell'arte moderna.
TRAME (1978) Incisione di Emilio Scanavino
Analisi di alcuni capolavori
Analisi e descrizione di "TRAME" (1978)
"TRAME" (1978) è una litografia su carta del famoso creativo italiano Emilio Scanavino. Questo pezzo esemplifica il suo stile distintivo, profondamente radicato nell'espressionismo astratto. La stampa fa parte di una serie di estampas e grabados, che mettono in mostra la sua tecnica magistrale e il suo approccio unico all'arte astratta.
La composizione di "TRAME" è sorprendente e stimolante. Presenta un gioco dinamico di linee e forme, rese principalmente in nero su sfondo bianco. L'elemento centrale è un insieme complesso, quasi caotico, di linee e forme angolari, situato nella sezione in basso a destra del foglio. Questo cluster sembra essere un intricato groviglio di linee, suggerendo un senso di movimento e tensione.
La scelta della litografia consente un elevato livello di dettaglio e sottili gradazioni di tono. Le linee nette e nitide contrastano nettamente con le aree più morbide e sfumate, creando una trama visiva avvincente. L'uso del bianco e nero esalta l'effetto drammatico, sottolineando la crudezza e l'intensità delle forme.
"TRAME" è un esempio per eccellenza dello stile espressionista astratto di Scanavino. Il pezzo riflette il suo interesse per il subconscio e il potere emotivo delle forme astratte. La disposizione apparentemente casuale di linee e forme invita gli spettatori a interpretare l'opera a modo loro, suscitando risposte emotive e intellettuali personali.
Le linee sottili e sparse che si estendono attraverso la parte superiore dell'opera contribuiscono a creare un senso di frammentazione e dispersione, in contrasto con la densità e la coesione del gruppo centrale. Questa giustapposizione crea una tensione dinamica all'interno della composizione, caratteristica delle sue creazioni.
Il titolo "TRAME", che in inglese significa "trame" o "trame", suggerisce un focus tematico sulla complessità e l'interconnessione. Le linee aggrovigliate possono essere viste come rappresentazioni metaforiche di reti o relazioni intricate, forse alludendo alla complessità dell’esperienza umana o alla natura intrecciata della realtà.
Il suo lavoro esplora spesso temi di angoscia esistenziale e indagine metafisica. In “TRAME”, la massa centrale densa, quasi opprimente di linee potrebbe essere interpretata come una rappresentazione visiva del tumulto interiore o della lotta esistenziale, mentre lo spazio circostante potrebbe simboleggiare il contesto vasto e indefinito dell’esistenza umana.
1980 (1980) Incisione di Emilio Scanavino
Analisi e descrizione di "1980" (1980)
"1980" (1980) è una serigrafia su carta del famoso creatore italiano Emilio Scanavino. Questo pezzo esemplifica il suo approccio distintivo all'arte astratta, mostrando la maestria della linea, della forma e del colore in una composizione sorprendente e stimolante.
La serigrafia "1980" è caratterizzata da un audace gioco di forme geometriche e linee intricate. A dominare la composizione è una grande forma triangolare resa in un rosso vibrante, che crea un forte punto focale. All'interno di questo triangolo rosso, una fitta rete di linee bianche e nere forma una struttura astratta, quasi caotica, che sembra pulsare di energia.
L'uso della serigrafia consente linee precise e pulite e colori vivaci e solidi. La scelta di questo mezzo evidenzia un interesse per le possibilità tecniche della stampa, consentendo un elevato livello di dettaglio e contrasto. Il triangolo rosso è solido e opaco e fornisce uno sfondo netto alle forme lineari in bianco e nero più intricate che lo sovrappongono.
Lo stile di Scanavino in "1980" si allinea con le sue radici espressioniste astratte, enfatizzando l'impatto emotivo della forma e del colore. Le linee caotiche all'interno del triangolo possono essere interpretate come simboli di conflitto interiore o angoscia esistenziale, un tema ricorrente nella sua arte. Il netto contrasto tra lo sfondo rosso e le linee bianche e nere contribuisce all'effetto drammatico, creando un senso di tensione e dinamismo.
La precisione geometrica del pezzo contrasta con la qualità organica, quasi frenetica delle linee, mostrando un equilibrio tra ordine e caos nelle composizioni. Questa interazione tra geometria strutturata e astrazione a forma libera è un segno distintivo di questo stile artistico.
"1980" invita gli spettatori a contemplare il rapporto tra struttura e disordine, un tema comune nelle creazioni di Scanavino. Il triangolo rosso potrebbe simboleggiare la stabilità o un punto di riferimento fisso, mentre le linee aggrovigliate al suo interno suggeriscono complessità e imprevedibilità. Questa giustapposizione incoraggia la riflessione sulla natura dell'esistenza e sull'interazione tra i diversi aspetti della realtà.
Dominare le mostre globali e il mercato dell’arte ad alto rischio
Emilio Scanavino, figura di spicco dell'arte moderna italiana, ha esposto le sue opere in prestigiose gallerie e musei di tutto il mondo. La sua partecipazione a eventi come la Biennale di Venezia - in particolare nel 1950, 1954, 1958 e 1966 - ha giocato un ruolo fondamentale nell'affermare la sua reputazione sulla scena artistica internazionale. Le sue opere, che comprendono sia dipinti che sculture, sono molto apprezzate nel mercato dell'arte e molte di esse hanno raggiunto prezzi significativi alle aste. Il fascino duraturo delle sue opere risiede nella profondità emotiva e nell'uso innovativo della forma e dello spazio, che continuano ad affascinare i collezionisti e gli appassionati d'arte.
Come Emilio ispira gli artisti moderni
Molti artisti contemporanei hanno tratto ispirazione dall'approccio di Emilio Scanavino all'espressionismo astratto. L'enfasi di Scanavino sul subconscio e sull'impatto emotivo della forma ha influenzato una serie di creatori, in particolare nell'ambito dell'arte astratta ed espressiva. Alberto Burri e Lucio Fontana sono noti per il loro contributo innovativo all'arte moderna, ma le loro influenze principali provengono da altre fonti e le loro carriere sono precedenti al lavoro principale di Scanavino.
Alberto Burri è famoso per l'uso di materiali non convenzionali e per le sue “Composizioni”, che integrano elementi come iuta e catrame. Lucio Fontana è noto per il movimento dello Spazialismo, caratterizzato da tagli e perforazioni sulla tela. Sebbene il lavoro di Scanavino abbia contribuito al discorso più ampio dell'espressionismo astratto, l'attribuzione di un'influenza diretta su Burri e Fontana potrebbe non essere del tutto accurata, date le loro carriere precedenti e le loro fonti di ispirazione primarie.
In sintesi, l'impatto di Scanavino è più chiaramente visibile nelle opere di artisti che si cimentano direttamente con forme astratte ed espressive, riflettendo il suo approccio innovativo all'esplorazione emotiva e del subconscio nell'arte.
Fatti poco conosciuti
Pochi sanno che Emilio Scanavino fu anche un affermato ceramista. Ha sperimentato ampiamente con la ceramica, creando pezzi unici che riflettevano il suo stile astratto. Inoltre, Scanavino aveva un profondo interesse per la filosofia e spesso incorporava temi filosofici nella sua arte, esplorando i concetti di esistenza, coscienza e condizione umana.
L'eredità di Emilio Scanavino nel mondo dell'espressionismo astratto è caratterizzata dal suo uso innovativo di forma, spazio e linea per trasmettere idee emotive e filosofiche complesse. Le sue opere più famose continuano ad essere celebrate per il loro profondo impatto sullo spettatore. L'influenza di Scanavino si estende oltre le sue stesse creazioni, ispirando una nuova generazione di artisti a esplorare le profondità dell'esperienza umana attraverso l'arte astratta. I suoi contributi all'arte moderna rimangono significativi, assicurandogli un posto come figura fondamentale nella storia dell'arte contemporanea.
Selena Mattei
