Non è una sorpresa per nessuno: la Storia dell'Arte è segnata da un'intensa maggioranza di uomini. L'integrazione delle creatrici nel microcosmo artistico è stato il frutto di un processo lungo, tedioso e soprattutto ingiustificato: molte donne si sono avventurate, già molto presto, nel campo dell'esaltazione artistica, senza che nessun uomo le facesse invitare. Avendo solo la qualità delle loro realizzazioni da promuovere, queste donne hanno spesso dovuto insistere per ottenere il riconoscimento che legittimamente avevano diritto di pretendere.
4. Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842): intrepida realista
K 
Elisabeth Vigée Le Brun, Autoritratto con cappello di paglia , dopo il 1782 .
Nel XVIII secolo, le donne dovettero raddoppiare i loro sforzi per essere accettate nelle istituzioni accademiche e museali. Nonostante queste difficoltà quasi insormontabili, Elisabeth Vigée Le Brun sarà considerata una delle più grandi ritrattiste del suo tempo , anche davanti alla maggior parte dei suoi colleghi maschi. Tale impresa gli sarà possibile grazie ad una tecnica e uno stile impareggiabili , mescolati ad un dotto senso delle relazioni umane .
Già giovanissima, mostra un indubbio talento per il disegno . Suo padre, un artista del pastello poco conosciuto , ha sostenuto le ambizioni creative di sua figlia e ha profetizzato molto rapidamente che sarebbe diventata un'artista essenziale. Sfortunatamente, morì quando Elisabeth aveva solo 12 anni: morì di sepsi dopo aver ingerito accidentalmente una lisca di pesce ( benvenuta alle gioie della medicina nel XVIII secolo ).
In seguito a queste vicende, l'artista prodigio segue l'apprendistato di vari maestri di disegno, fino ad entrare nello studio di Gabriel Briard, al Palais du Louvre . Sebbene la legittimità delle donne nell'arte accademica non fosse ancora unanime all'epoca, Elisabetta si trovò sorprendentemente ben circondata e incontrò molte personalità maschili stimolanti e motivanti nei corridoi dell'istituzione regina della capitale. .
Graal tra tutti i Graal, desidera a tutti i costi integrare la molto conservatrice Royal Academy of Painting , che rifiuta meccanicamente le donne. Grazie ad una sorprendente combinazione di circostanze, vi fu finalmente ammessa, in particolare grazie al sostegno di potenti personalità della Corte Reale , tra cui Maria Antonietta , la regina, che fece di Elisabetta la sua ritrattista ufficiale.
Elisabeth Vigée Le Brun, La pace che porta l'abbondanza, 1780 .
Pur beneficiando di una garanzia ufficiosa della sua ammissione all'Accademia, decide comunque di svolgere un dipinto di ricezione , una sorta di esame di ammissione solitamente necessario per entrare a far parte dell'istituto. Lei lo sa: saranno solo gli sguardi maschili molto conservatori , tradizionalisti che in precedenza le avevano rifiutato l'ammissione, che avranno il compito di commentare il suo lavoro.
La logica vorrebbe quindi che optasse per una composizione standardizzata, un bel ritratto, unito alla sua tecnica impeccabile, che avrebbe così tutte le possibilità di convincere una giuria recalcitrante. Nonostante il buon senso, e con una certa giocosità, decide di dipingere una Storia ( La Paix che riporta l'Abbondanza), e si permette di includere un seno scoperto , mentre i nudi accademici erano espressamente riservati agli uomini . Un modo per lei di sconvolgere le convenzioni con grandi colpi di tecnica implacabile e relazioni di alto livello.
Durante la sua vita, ha dipinto molto, per lo più ritratti e alcuni autoritratti. Segnerà di nuovo la storia dell'arte nel 1786 , quando realizzò un autoritratto esotico con sua figlia , Julie. In quest'opera vediamo il primo vero sorriso ( a denti visibili ) dell'arte occidentale . Sfoggiando così i denti, Elisabeth Vigée Le Brun attirerà molte ire critiche, che poi la accuseranno di oltraggiosa seduzione : bastava poco per offendere i reazionari dell'epoca.
Elisabeth Vigée Le Brun, Autoritratto con la figlia Julie , 1786 .
Nonostante i suoi successi e le sue polemiche, un periodo leggermente conflittuale minerà lo splendore della sua carriera: è la Rivoluzione in Francia , ed Elisabeth, le sue abitudini borghesi e i suoi associati non sono molto ben viste dagli insorti. Deve quindi andare in esilio : prima in Italia, poi in Austria e infine in Russia. Durante ogni suo viaggio, stringe legami con le famiglie imperiali borghesi, la sua reputazione e il suo talento fungono da passaporto europeo.
Passerà la sua vita a fare ciò che le aggrada: dipingere, godere degli eccessi della mondanità e rompere le polverose convenzioni stabilite dal tempo e dall'ego maschile. Questa è una traiettoria di vita particolarmente stimolante, non è vero?
3. Niki de Saint Phalle (1930-2002): Il rifiuto del modello tradizionale
Niki de Saint Phalle nel suo studio, 1961.
È l'artista più contemporaneo in questa classifica. È conosciuta principalmente per le sue monumentali Nanas : sculture femminili rivestite, voluttuose e danzanti. Tuttavia, ridurre il suo contributo artistico a queste sole sculture sarebbe un errore. Ha infatti lasciato dietro di sé un universo proteiforme e sovversivo , composto da opere femministe, performance painting e film psicanalitici.
È nata nel 1930 a Neuilly-sur-Seine , durante la Grande Depressione. I suoi genitori, che hanno sofferto molto per il crollo della borsa del 1929, navigano tra la Francia e gli Stati Uniti. Fino all'età di 4 anni ha vissuto con i nonni nella campagna francese, poi è partita per raggiungere i suoi genitori a New York.
Quando aveva solo 11 anni, fu violentata da suo padre. Profondamente traumatizzata da questo evento, non lo ammette fino al 1994, all'età di 64 anni, in un libro autobiografico intitolato "Il mio segreto ". Spiegherà poi che questo incidente incestuoso ha forgiato la sua volontà di diventare artista , considerando l'arte come una sorta di terapia ricostruttiva: “La pittura ha calmato il caos che agitava la mia anima e ha fornito una struttura organica alla mia vita […]. ".
Niki de Saint Phalle, Nana nera in piedi , 1995.
Nel 1953, a seguito di una profonda depressione seguita da una ripresa artistica , decide di dedicarsi completamente alla pittura per esorcizzare i suoi demoni .
3 anni dopo, incontra Jean Tinguely , artista visivo specializzato in automi e sculture in movimento, che diventerà a sua volta suo amico , suo amante , suo marito , suo mentore , suo collega e sua musa ispiratrice . Attraverso di lei incontra e integra i Nuovi Realisti , movimento artistico fondato negli anni '60, composto da artisti ancora oggi molto famosi, come Yves Klein e Arman .
All'epoca, il successo non c'era ancora . Fu nel 1961, quando produsse la sua prima serie di Shoots , che iniziò ad essere riconosciuta a livello internazionale , grazie agli scandali legati a questo nuovo modo di creare, molto contemporaneo , per alcuni addirittura troppo contemporaneo. Questa serie è composta da “ rappresentazioni-pittura ” : prima prepara grandi pannelli scolpiti in gesso decorati con oggetti di ogni genere ( bambole, crocifissi, busti antichi, maschere di carnevale, piccoli mobili, ecc.), poi aggiunge bombolette spray e palloncini pieni di vernice . Infine, quando questa installazione è completa, spara un fucile contro i pannelli, facendo esplodere i palloncini di vernice e le bombolette spray, che distribuiscono così arbitrariamente il colore su tutta la superficie inizialmente immacolata .
Più che una semplice tecnica originale, mette in scena i suoi scatti utilizzando diversi espedienti, in particolare coinvolgendo i suoi famosi amici (tra cui Jasper Johns , Robert Rauschenberg o Jean Tinguely ), e realizzando le sue sessioni di ripresa davanti alle telecamere , che renderanno popolare queste esibizioni suscitando polemiche .
Per Niki, questa non è una semplice esperienza artistica , è ancora e sempre un modo per lei di esorcizzare i suoi demoni. Afferma poi di sparare " sulla società e le sue ingiustizie ", arrivando addirittura ad invocare i responsabili del suo violento risentimento prima di premere il grilletto: " Papà, tutti gli uomini, i piccoli, i grandi, mio fratello, il la società, la chiesa, il convento, la scuola, la mia famiglia, mia madre, me stesso (…). " .
Usando la sua arte come catalizzatore dei suoi sentimenti profondi, riesce poi a trascendere se stessa. Si impegnò in politica e divenne ben presto un'icona dell'indipendenza femminile, dell'abolizione dei dettami della bellezza e della sottomissione al modello patriarcale . Morì nel 2002 all'età di 71 anni, dopo aver compiuto l'impresa di essere rimasta onesta, fedele ai suoi ideali, ispirando un'intera generazione di donne nella lotta per la propria emancipazione.
Riassumerà la sua lotta come segue: “ Abbiamo Black Power, quindi perché non Nana Power? Il comunismo e il capitalismo hanno fallito. Penso che sia giunto il momento per una nuova società matriarcale. "
2. Frida Kahlo (1907-1954): Inclassificabile e impassibile
Frida Kahlo, Le due Frida , 1939.
Avete indovinato: è impossibile stilare una classifica degli artisti più audaci senza citare l'illustre Frida Kahlo . Qui, non torneremo indietro sulla sua tragica traiettoria di vita, ma se l'argomento ti interessa, ti consigliamo di leggere il nostro Articolo sugli Artisti Maledetti .
Dopo aver attraversato una dolorosa malattia , un violento incidente , una grave depressione ed essere sopravvissuta a una relazione tanto tossica quanto stimolante con l'artista Diego Rivera, la vita di Frida Kahlo non è stata un lungo fiume calmo . Tuttavia, l'artista messicano è riuscito a superare questo accumulo di sfortuna per diventare l' icona della libertà e dell'emancipazione femminile che conosciamo oggi.
Per illustrare il suo temperamento acuto e svincolato dalle convenzioni sociali e artistiche , abbiamo voluto qui tornare al suo rapporto privilegiato con i surrealisti francesi ed europei in genere. Questo periodo della sua vita è uno dei meno conosciuti, ma è comunque molto interessante.
Nel corso degli anni Trenta, i surrealisti e in particolare il fondatore del movimento, André Breton , si interessarono all'opera di Frida, che falsamente consideravano una partigiana del movimento. Nel 1938 André Breton si recò in Messico per condurre una serie di conferenze sulla pittura europea. Lui e sua moglie sono accolti dalla coppia Kahlo-Rivera. Molto rapidamente Frida ha raffreddato l'ardore entusiasta di Breton , non riconoscendosi nella corrente surrealista come le viene presentata: “ Mi hanno preso per un surrealista. Non è giusto. Non ho mai dipinto sogni. Ciò che rappresentavo era la mia realtà. " .
Questa differenza di concezione artistica sarà la prima pietra di un edificio dell'odio progressivamente costruito dall'artista messicano nei confronti dell'egocentrismo dei surrealisti europei.
Nel 1939 Frida andò a Parigi per una mostra sull'arte messicana. Rimase con André Breton e incontrò molti artisti influenti come Picasso o Kandinsky .
Questo viaggio non le si addice affatto: trova la capitale grigia, senz'anima e molto sporca . Soprattutto, impara gradualmente a odiare i suoi contemporanei surrealisti , e ritiene che la mostra, per la quale ha attraversato l'Atlantico, sia " invasa da questo branco di capricciosi figli di puttana che sono i surrealisti ". Le socialite parigine ovviamente non sono la sua tazza di tè.
In corrispondenza con uno dei suoi amanti, arrivò persino a dire queste parole: " Preferirei sedermi per terra nel mercato di Toluca a vendere tortillas piuttosto che avere qualcosa da vedere." con quegli stronzi artistici di Parigi ... Non ho mai visto né Diego né te perdere tempo in queste stupide chiacchiere e discussioni intellettuali . Ecco perché siete veri uomini e non artisti di merda - Accidenti! valeva la pena venire qui solo per capire perché l'Europa sta marcendo, perché tutti questi incompetenti sono la causa di tutti gli Hitler e Mussolini . ".
Un temperamento acido per una donna che ovviamente non aveva niente a che fare con la superficialità e le convenzioni intellettuali molto europee. Un carattere forte che vale la pena sottolineare.
1. Artemisia Gentileschi (1593-1652): La vendetta nel pennello
Artemisia Gentileschi, Autoritratto nell'allegoria della pittura, 1638-1639.
Se c'è un artista in questa classifica che ha particolarmente sofferto di un entourage fatto di tante mascolinità tossiche , è Artemisia Gentileschi .
La storia è iniziata bene per questa giovane donna italiana. Aspirando a diventare artista fin dalla tenera età, fu incoraggiata dal padre , Orazio Gentileschi, anch'egli pittore e compagno di bevute del famosissimo e non meno controverso Caravaggio . Nonostante un clima accademico molto conservatore e ansioso per la creazione artistica femminile, Orazio si adoperò per far sì che la figlia, che già dimostrava grandi capacità compositive , potesse esercitare e accedere a istituzioni fino ad allora riservate agli uomini.
Nonostante il buon senso, reclutò un dubbioso ma noto paesaggista dell'epoca, Agostino Tassi , per condividere le sue conoscenze tecniche con sua figlia. È tuttavia sospettato di furto , incesto e persino omicidio . Questo personaggio, tanto carismatico quanto tossico, narcisista pervertito del Rinascimento , consumerà gradualmente il giovane prodigio promettendole un matrimonio ( a quel tempo solo una donna sposata poteva affermarsi come artista ), poi da lei. . Questa mascherata terminò nel 1612, quando il padre di Artemisia decise di portare il caso in tribunale. Il suo carnefice è condannato , ma la reputazione del giovane pittore è per sempre offuscata dalle accuse di quest'ultimo: per diversi secoli, si parlerà di una donna lussuriosa dai " morali corrotti ". Come sintetizza abilmente Simone de Beauvoir : “Nessuno è più arrogante nei confronti delle donne, più aggressivo e sprezzante, di un uomo preoccupato per la propria virilità. "
Liberata da questa personalità dannosa, Artemisia coglie l'occasione per esternare il suo odio attraverso i pennelli . Nel 1615, produsse due allegorie di Giuditta che decapita Oloferne . Questa scena biblica era già stata oggetto di diverse rappresentazioni scandalose, tra cui quella del suo maestro spirituale, Caravaggio . Qui, a parte una realizzazione tecnica impeccabile e una padronanza del chiaroscuro mozzafiato , troviamo un messaggio segreto , un'amarezza illustrata: sotto i lineamenti del volto senza testa di Oloferne, riconosciamo il suo ex carnefice , Agostino Tassi. . La luminosa Artemisia decide quindi di vendicarsi dell'uomo che le ha procurato tanti mali, segnando così per sempre nella storia dell'Arte la ripugnante facies di questo ignobile criminale . Al di là di questo risentimento manifestato, l'opera denota e fa rabbrividire: raffigura una donna seducente, pericolosa e armata . All'epoca la chiesa era ancora molto severa: portare un'arma era un privilegio riservato a uomini, nobili, eroici cavalieri. Qui è esposta una donna determinata , velenosa e potente , che aveva il dono di spaventare uomini , curatori di ogni genere, ed in particolare pittori e contemporanei di Artemisia. Verrà presto paragonata a Giuditta : sia la pittrice che l'eroina biblica vengono poi emarginate , perché hanno frantumato lo stereotipo femminile in una società eminentemente patriarcale .
Artemisia Gentileschi, Giuditta decapita Oloferne , 1612-1614.
Dopo il processo, l'artista ferita trova un vero marito, che le consente di continuare a fare ciò che ama: dipingere . Questo matrimonio non è davvero felice, ma salva l'onore di suo padre. Rimane incinta e alleva la figlia da sola per alcuni anni, il marito è in esilio, ricercato dalla polizia.
Il suo stile caravaggesco, all'epoca ancora innovativo, gli assicurava entrate e successi modesti, ma sufficienti per vivere decentemente. Divenne poi la prima donna ad entrare a far parte dell'Accademia di Disegno di Firenze . Il resto della sua vita è abbastanza scarsamente documentato, criticamente carente di fonti scritte, ma sembra che conduca una vita molto più pacifica di quando ha iniziato. Sarà dimenticato per quasi 300 anni, fino alla sua riscoperta nel XX secolo . Ora è giustamente affermata come pioniera del femminismo e il suo intero lavoro è riconosciuto in tutto il mondo.
Ovviamente questa classificazione è lungi dall'essere esaustiva . Avremmo potuto parlare anche dell'impressionista Mary Cassatt , che ha dedicato tutta la sua vita alla sua arte, senza mai lasciarsi sedurre da un solo uomo per mantenere la sua indipendenza in ogni circostanza , considerandola essenziale per mantenere la qualità del suo processo creativo. . Avremmo potuto evocare anche Catharina van Hemessen , che nel 1548 realizzò, non senza difficoltà, il primo autoritratto femminile della Storia dell'Arte . O anche l'artista contemporanea Louise Bourgeois , che ha esorcizzato i costumi leggeri di suo padre che ha influenzato la sua infanzia attraverso sculture monumentali tanto scure quanto mozzafiato. In ogni caso, tutte queste donne straordinariamente motivate ci ricordano che la fiducia in se stesse è re nella terra delle convenzioni sociali e delle fatalità tradizionaliste .
Oggi, fortunatamente, questi ostacoli allo sviluppo artistico delle donne stanno scomparendo sempre più rapidamente , nonostante una persistente sottorappresentazione all'interno delle istituzioni museali . Nella creazione contemporanea, per esempio, ci sono quasi tanti uomini quante sono le donne.
Ad Artmajeur, siamo orgogliosi di rappresentare il lavoro del 55% delle donne , tra 180.000 artisti presenti sul sito. A tal proposito, vi consigliamo di scoprire la nostra Collection mettendo in evidenza i Talented Creators della nostra piattaforma .
Non esiste una predestinazione abbastanza forte da non essere annientata : sii te stesso, fai ciò che vuoi, e non ascoltare mai chi dubita delle tue capacità quando il tuo intuito ti conduce per sentieri lontani dal conformismo del tuo tempo. Le linee sono fatte per essere spostate, i confini per essere attraversati.
Bastien Alleaume
Content Manager - Galleria d'arte online Artmajeur
Bastien Alleaume (Crapsule Project)