Riferimenti artistici nei fumetti

Dopo aver scoperto i riferimenti artistici nei Programmi TV e gli omaggi artistici al cinema , continuiamo la nostra panoramica sugli stretti legami tra Arte e Cultura Pop : questa volta, riscopriamo i nostri classici attraverso fumetti e strisce disegnate: ci bagniamo il dito e volta pagina, andiamo!

1. Arte e fumetti

Questo articolo è contemplativo. Ma prima di tutto, non possiamo farvi scoprire questi riferimenti senza alcuni concetti di fondo. Ecco perché, in questa dichiarazione introduttiva, cercheremo (come meglio possiamo) di analizzare le sfumature e le differenze tra ciò che consideriamo "grande" arte e fumetti.

A prima vista, le ultime distinzioni tra le cosiddette "Belle Arti" e la 9° Arte (fumetti) vanno ricercate nell'accessibilità di questi due media. Uno è considerato un bene di lusso , raro e spesso costoso, mentre l'altro è generalmente più abbordabile, prodotto in grandi quantità. Le somiglianze sono da ricercare nel processo creativo dell'autore (un disegnatore e un pittore lavorano generalmente nelle stesse condizioni) , nonché nell'originalità e collezionismo dell'opera finale.

Il confine tra questi due campi artistici rimane duro, anche se si riduce nel tempo, grazie all'avvento della Pop Art negli anni '60 C'è anche un apprezzamento del lavoro di artisti iconici da parte di istituzioni d'arte che sono galleristi, musei e case d'asta . Motivati dall'avidità, rispondono a una richiesta sempre più forte da parte degli appassionati di fumetti , che ora hanno i mezzi per acquisire le frustranti tentazioni della loro infanzia.

E nel 2021, ci si può legittimamente chiedere quale sia la differenza tra un fumetto di Topolino in un libro o una rivista e un fumetto di Topolino dipinto su tela?

A prima vista , a parte qualche modifica di colori e disposizione, nulla distingue realmente queste due opere. Tuttavia, il disegno a sinistra è disponibile per la vendita per $ 50 su Amazon, mentre il lavoro di Roy Lichtenstein , a destra, è stimato a diversi milioni e le sue rare riproduzioni si vendono per poche migliaia di biglietti.

Anche se le opere illustrate esistono da diversi secoli, il fumetto, così come viene inteso oggi in Occidente, nasce all'inizio del XX secolo . A quel tempo era ovviamente molto lontana dal mondo dell'arte . I suoi disegnatori, i suoi sponsor ( giornali e periodici ) e il suo pubblico vedevano questo mezzo come destinato alla massa , perché facilmente riproducibile grazie alle innovazioni della stampa. Per molto tempo, i fumettisti si sono visti più come giornalisti, editorialisti o satirici, che usavano il loro talento di matita per servire un'idea , un tocco di umorismo o un'informazione da elaborare. Negli Stati Uniti il trionfo del fumetto iniziò molto presto, soprattutto con la comparsa del primo supereroe, Superman , nel 1938.

Andy Warhol, Dieci Marilyn , 1963-1967.

Lì, era comune (anche meccanico) per i designer gettare i loro pannelli e schizzi originali direttamente nei cassonetti di Manhattan, subito dopo la stampa. Un curioso esempio dell'interesse che questi designer mostravano nei loro disegni: lungi dal sottovalutare il loro stile, spesso non avevano idea del valore che il loro lavoro poteva rappresentare, e non si consideravano proprio artisti. , ma piuttosto come produttori di disegni e idee (catena), destinati al grande pubblico.

Il dopoguerra e l'inizio degli anni '60 videro l'emergere della tendenza Pop Art. Andy Warhol e Roy Lichtenstein si appropriarono delle scatole dei fumetti per creare opere monumentali e raffinate che avrebbero rapidamente ottenuto un grande successo. Specchio polposo e popolare della nostra coscienza culturale, questi artisti riciclano i codici dei fumetti per distillare una colorata satira della società. Circondati da collezionisti, galleristi e galleristi, le loro opere si esauriscono velocemente e a prezzi molto alti, consentendo (nonostante loro stessi) una rivalutazione dell'opera primaria, quella prodotta dai designer che loro stessi hanno copiato (o "sotto i riflettori" ) per creare i loro quadri Pop Art.

Se non sono pochi i fan della prima ora, pochi sono quelli che ricordano Jerry Siegel e Joe Shuster , i teenager a cui dobbiamo Superman . Tuttavia, conosciamo tutti l'eccentrico e provocatorio artista Andy Warhol , che ha assunto il personaggio di Superman nella sua serie " Myths " . È oggetto di retrospettive in molti musei e la sua pratica artistica è documentata da una sovrabbondanza di scritti più o meno critici. Una severa differenza di trattamento tra questi innovatori discreti e dimenticati, creatori di un impero tanto immaginario quanto lucrativo, di fronte a pasticheurs maliziosi, trionfanti e (un po') megalomani.

Andy Warhol, La serie dei miti , 1981.

Nonostante le ingiustizie del passato, il divario finanziario tra fumetti e arte si sta riducendo drasticamente. Al giorno d'oggi è sempre meno raro vedere fumetti originali messi all'asta in prestigiose case d'asta. Alcuni di essi raggiungono addirittura quantità stratosferiche , soprattutto quando si tratta di licenze prestigiose come Superman dall'altra parte dell'Atlantico o Tintin in Europa. A titolo illustrativo, nel 2021, un disegno di Hergé per la copertina dell'album di Tintin, The Blue Lotus ha battuto il record mondiale di aste di fumetti, aggiudicato per 3,175 milioni di euro tasse incluse (Artcurial). Ci sono anche sempre più designer che indossano il doppio cappello di designer e artisti.

Per alcuni refrattari, la distinzione tra arte contemporanea e fumetto si ritrova nella nozione di astrazione : laddove l'arte separa la forma e il contenuto (il significato) dell'opera, il fumetto mette la forma, il disegno, al servizio del sfondo: illustra un'idea . Sebbene questa analisi sia già indebolita da secoli di arte figurativa, può anche essere spazzata via da alcuni grandi cambiamenti nel mondo del fumetto . Dalla seconda metà del XX secolo, i fumetti sono stati spinti verso percorsi meno narrativi e più sperimentali. Troviamo, ad esempio, sempre più graphic novel in cui i disegni sono al centro della storia e sostituiscono le parole. I fumetti, come ogni forma d'arte, sono in continua evoluzione e sconvolgono i più piccoli confini che sono loro legati.

Ora è tempo di contemplazione! Per facilitare la tua lettura, abbiamo deciso di strutturare questo elenco (non esaustivo) separando i riferimenti ad opere antiche (dipinti religiosi, rinascimentali) e gli omaggi ad opere relativamente più recenti (dal 1800 ai giorni nostri). Queste due distinzioni sembrano necessarie perché non servono allo stesso scopo: i riferimenti antichi evidenziano una postura o un'idea , mentre i riferimenti moderni propongono uno stile di vita , una cultura , o un semplice omaggio estetico .

2. Vecchi riferimenti: allegoria al servizio dell'intrigo

Questa prima raccolta di riferimenti ci permetterà di intravedere come i designer si appropriano dei codici di capolavori emblematici per diffondere rapidamente un'idea , attingendo ai nostri riferimenti culturali inconsci. Perché se c'è una coscienza collettiva, c'è anche un inconscio collettivo . È popolato di figure , immagini e iconografie che tutti discerniamo, a volte senza conoscerne il nome.

• La Pietà

Michelangelo, La Pietà , 1499. Basilica di San Pietro in Vaticano, Roma.

Tema principale dell'iconografia religiosa , la cui figura più iconica è sicuramente questa scultura di Michelangelo , la Pietà   (o Vergine della Pietà) rappresenta la Vergine Maria in lutto per la morte del figlio Gesù, con il cadavere disteso sulle ginocchia .

L'estetica e le posture drammatiche di questo tema religioso permettono di indurre rapidamente un'idea nel cervello del lettore : quella del lutto . Quest'ultimo può quindi, consapevolmente o meno, identificare la trama di un fumetto individuando queste antiche posture sulla copertina dell'album. Un buon consiglio per i disegnatori che vogliono evidenziare la morte di un personaggio importante : sono più di trenta i fumetti che presentano questi tratti caratteristici della Pietà .

• L'Ultima Cena e l'Uomo Vitruviano

Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena , 1495-1498. Chiesa di Santa Maria delle Grazie, Milano.

Ecco un altro lavoro iconico e sovrabbondanza nella letteratura grafica. La cosa pratica dell'affresco di Da Vinci è che lo sanno assolutamente tutti .

Legion of Super-Heroes #2 , Giffen e Levitz - DC Comics

Alice nel paese delle meraviglie , Gill e Gregory (copertina di Jason Embury)

Trolls de Troy - Volumi da 13 a 16, Mourier e Arleston (copertina di Jean-Louis Mourier)

Oltre a sembrare particolarmente piacevole da riadattare, la scenografia di quest'opera permette al progettista di enfatizzare diversi punti : in primo luogo, può evidenziare il raduno di diversi eroi (logica) , ma può anche presentare gli eroi secondo il loro ordine di importanza , ponendo i protagonisti principali al centro del tavolo, per poi disperdere i personaggi sullo sfondo più indietro, alle estremità. Può anche accennare a un potenziale tradimento , utilizzando la figura di Giuda .

L'uomo vitruviano dal canto suo permette una rappresentazione anatomica del personaggio, particolarmente interessante per i supereroi che beneficiano di particolari attitudini, come qui Spiderman e la sua versione oscura , Venom .

• La nascita di Venere

Più raro è l'uso di questa potente opera di Sandro Botticelli , ma abbastanza ricorrente da essere sottolineato. Infatti, viene utilizzato principalmente per evidenziare una storia basata su un personaggio femminile . Questa non è una sorpresa per nessuno, i fumetti hanno sofferto a lungo di vizi sessisti e pochi personaggi femminili possono essere trovati così sviluppati come le loro controparti del pomo d'Adamo.

Anche le Belle Arti hanno sofferto molto di questa misoginia sistemica : se l'argomento vi interessa, vi segnaliamo i nostri ultimi articoli ( 4 Artisti di talento eclissati dalla Celebrità del Marito , 4 Donne Straordinarie che hanno stravolto la Storia dell'Arte) ) che cerca di riportare un po' di parità nel dibattito.

3. Omaggi moderni: simboli di una società e di una cultura

In questa seconda compilation , faremo una breve panoramica di opere emblematiche: dipinti rappresentativi della cultura e della società americana (" A merican way of life "), ma anche opere rappresentative della cultura francofona e alcuni omaggi estetici puri .

• Lo "stile di vita americano"

La cultura americana pullula di miti fondatori che ne simboleggiano l' unità ei valori . Anche nella pittura abbondano i simboli, con veridicità più o meno storica. Dall'età d'oro della cultura dei fumetti nei primi anni '40, molti artisti si sono appropriati di questi dipinti per servire il loro scopo. Compilando le opere più riadattate, scopriamo il nucleo comune , i capolavori emblematici della storia americana :

- Edward Hopper, Falchi notturni , 1942.

Edward Hopper, I falchi della notte , 1942.

Guy Gardner: Warrior #29 - "È la mia festa e combatterò se voglio" , Beau et Jimenez - DC Comics

Sebbene Edward Hopper abbia rifiutato l'etichetta di pittore dello stile di vita americano , è chiaro che le sue opere trasmettono un'atmosfera caratteristica della città e dell'America solitaria della metà del ^XX secolo. Una manna per gli artisti che possono riadattare i codici del suo iconico capolavoro: Nighthawks .

- Grant Wood, Gotico americano , 1930.

Forse ancora più iconico dell'opera di Hopper: American Gothic del pittore Grant Wood presenta l'America rurale degli anni '30 . Un simbolo che è diventato un cliché nel nostro tempo, quindi i diversivi hanno ancorato quest'opera ai miti fondatori dell'America. Non c'è da stupirsi quindi che i fumettisti se ne approprino a beneficio della loro storia.

- Jean Leon Gerome Ferris, Il primo giorno del Ringraziamento , 1912.

Difficile essere più cliché di quest'opera di Jean Leon Gerome Ferris , che raffigura il primo “ ringraziamento ” , mescolando un branco di coloni altruisti con una tribù di indiani docili e avidi, determinati a condividere insieme il tacchino. Una rappresentazione (molto) idealizzata della narrativa americana, e storicamente (molto) imprecisa.

- Emanuel Leutze, Washington che attraversa il Delaware , 1851.

- James Abbott McNeill Whistler, Arrangiamento in grigio e nero n. 1, 1871.

James Abbott McNeill Whistler, Arrangiamento in grigio e nero n. 1, 1871.

- Andrew Wyeth, Il mondo di Christina , 1948.

• La coppia emblematica della cultura francofona  

Anche in Francia si assiste a gustosi rifacimenti di simboli culturali di unità nazionale .
La nostra piccola pepita francofona, Asterix , ci ha offerto una delicata reinterpretazione del nostro mito rivoluzionario : Libertà che guida il popolo , così come il nostro mito drammatico , installato accanto al Museo del Louvre: La zattera della Medusa . Una riabilitazione ideale per illustrare le difficoltà dei peggiori pirati della storia della pirateria.

• Per piacere

Per finire, raccogliamo qui alcuni riferimenti non classificabili : A volte, i tributi mettono semplicemente in evidenza il talento o l'influenza di un artista, e riguardano più l'esercizio dello stile che il reale interesse della sceneggiatura.

Questo è il caso di "The Avengers Art Appreciation" progetto accompagnato l'uscita nelle sale dei Vendicatori di grande successo nel 2012: decine di illustratori si sono divertiti a immaginare le coperture di fumetti ispirati ad artisti leggendari e cono iconico I della storia dell'arte.