Top 10 : peintures de musiciens

LADY GAGA (2022)Arts numériques par Sobalvarro.

Katy Perry, Beyoncé et Lady Gaga...

Mes dix premiers tableaux mettent en relation l'art et la musique dans la manière dont la première de ces deux formes d'expression s'approche de la seconde, en immortalisant et en concrétisant son impalpable son. En fait, c'est probablement la peinture qui s'est approchée la première du monde abstrait des notes, d'abord par le biais d'un réalisme visant à capturer les instruments de musique et les musiciens et, plus tard, en se détachant de la donnée réelle la plus évidente, comme l'exemple de Kandinsky et de Klee nous l'a enseigné. Le premier de ces deux maîtres a donné à ses œuvres des noms liés à la musique, concentrant son travail sur les équilibres et les tensions entre les couleurs, créant des accords de tons différents, déclarant explicitement que la peinture pouvait développer précisément les pouvoirs de la musique. Quant au second, lui aussi musicien, il s'est inspiré du son pour donner forme aux techniques développées au cours de ses recherches picturales. Cette exaltation du rôle de la peinture comme moyen de rendre l'art éphémère de la musique par excellence ne doit cependant pas nous faire perdre de vue que le son, à son tour, a également inspiré le langage du pinceau, à travers les formes les plus abstraites de son vocabulaire, ce que l'on peut constater, par exemple, dans l'activité de James McNeill Whistler, un peintre qui a intitulé nombre de ses œuvres avec des termes musicaux. L'artiste PJ Crook s'est également tourné vers la musique, en concevant une série de couvertures d'albums inoubliables qui correspondent parfaitement aux notes extravagantes et exploratoires du groupe King Crimson.

KATY PERRY (2021)Peinture d'Iryna Kastsova.

BEYONCÉ, PEINTURE ORIGINALE, BELLE CELEBRATE SINGER (2023)Peinture de Marina Fedorova.

Après avoir vu les œuvres d'Artmajeur représentant Lady Gaga, Beyonce et Katy Perry, tout comme celles interprétées par Iryna Kastsova, Marina Fedorova et Sobalvarro, je me suis rendu compte que ces trois chanteuses ont parfois quitté le monde de la musique pour entrer dans celui des arts figuratifs. En effet, l'ancienne star a collaboré avec Jeff Koons, a entrepris la "méthode Abramovic" en recréant les performances passées de l'artiste emblématique, et a été représentée par l'artiste-photographe Robert Wilson sous les traits de certains des personnages les plus célèbres de la collection du Louvre. Quant à Beyonce, elle est connue pour mélanger magistralement les références à l'histoire de l'art dans ses vidéos, ses magazines et ses pochettes d'album, dans le but de renforcer son image de déesse affirmée. Cette forme d'hybridation entre les arts découle du contexte familial dans lequel l'artiste a grandi, où elle a été encouragée par sa mère à réfléchir sur elle-même en utilisant des images positives, nobles et fortes issues de l'iconographie africaine, afro-américaine et plus généralement féminine. Finissant avec Kety, elle s'est démarquée pour avoir collaboré avec le peintre Will Cotton pour la conception de la vidéo California Gurls et avec le sculpteur Urs Fischer, un artiste suisse qui a aidé à promouvoir son disque Witness, l'incitant à créer elle-même une sculpture en pâte à modeler Perry. Enfin, après avoir révélé les références à l'art même les moins populaires du monde de la musique, je reviens à mon top 10, visant à illustrer comment les peintres les plus populaires de tous les temps ont capturé des musiciens, des partitions et des instruments de musique.

Top 10 : peintures de musiciens

Édouard Manet, Le fifre , 1866. Huile sur toile, 160×98 cm. Musée d'Orsay, Paris.

10. Le fifre (1866) d'Édouard Manet

Sur un fond neutre et vide, dans lequel le sol est presque impossible à distinguer de la partie supérieure du support, représentant peut-être le mur d'un intérieur, la figure d'un jeune joueur de cornemuse trouve sa place, qui, de par ses vêtements, semble être stationné avec la Garde Impériale, particularité qui laisse penser que ce modèle a été procuré à l'artiste par le Commandant Lejsne, même si certains critiques ont craint l'hypothèse qu'il s'agisse de Léon-Édouard Koëlla, fils présumé de Manet et de Suzanne Leenhoff. Malgré ces présupposés identificatoires bavards, ce qui compte vraiment, ce sont les méthodes de traitement dudit sujet, visant à rendre explicite l'intention du maître français de dépasser les canons de la peinture figurative, par l'élaboration d'un langage simplifié, qui, à l'époque, était perçu comme quelque peu provocateur dans sa manière de rendre les formes, donnée par la combinaison de fonds en deux dimensions. Enfin, revenant au dépeint, il est important, plus que son identité, de souligner combien il est une figure d'inspiration hispanisante claire, un pays vers lequel Manet a commencé à regarder également inspiré par les œuvres conservées au musée du Prado à Madrid, un lieu où il a particulièrement admiré le travail de Velázquez, restant particulièrement impressionné par le chef-d'œuvre intitulé Pablo de Valladolid.

Edgar Degas, L'Orchestre de l'Opéra , 1868. Huile sur toile, 56,5×46 cm. Musée d'Orsay, Paris.

9. L'Orchestre de l'Opéra (1868) d'Edgar Degas

La coupe perspective du chef-d'œuvre en question, visant à « décapiter » la partie supérieure du corps des danseurs, dépeinte pour nous faire comprendre où nous en sommes, tout en focalisant l'attention sur le sujet de l'orchestre, semble avoir été empruntée à l'art photographique du nouveau-né, technique que Degas a utilisée comme source d'inspiration pour nombre de ses toiles, expérimentant également une relation familiale et improvisée. Revenant au chef-d'œuvre en question, l'orchestre de l'Opéra met principalement en scène quelques musiciens du célèbre théâtre parisien, plaçant au centre le portrait d'un hautbois, qui est entouré d'autres instrumentistes, que l'on observe, de manière presque inquiétante, par un personnage solitaire en arrière-plan, représenté à l'intérieur d'une scène latérale. Il est important de souligner à quel point l'approche du sujet décrite ci-dessus était quelque peu inédite et non conventionnelle pour l'époque, car dans les peintures contemporaines, le sujet étudié était généralement celui de la scène, alors qu'il existe en fait peu de représentations de l'orchestre, ce qui peut se retrouvent dans l'œuvre de Doré et Daumier. De plus, on ne sait pas si le choix de ce sujet a été favorisé par le fait que lesdits musiciens étaient en réalité des connaissances de Degas, à tel point que parmi eux se trouvent le compositeur Emmanuel Chabrier et le hautboïste Désiré Dihau, qui habitaient juste à côté du l'atelier du peintre, une fois de retour d'Italie.

8. L'homme au violon de Georges Braque 

Une vision quelque peu confuse des formes, à l'intérieur de laquelle seuls les clairs-obscurs apparaissent clairement, visant à faire naître, comme le titre l'indique nécessairement, la figure d'un homme au violon, sujet rendu à travers l'optique cubiste la plus typique de Braque, capable de rendre le effigies par la combinaison de formes décomposées, qui, dans ce cas, prennent l'apparence d'un instrument de musique à cordes, dont la présence se devine dans la partie inférieure et éclairée du support. L'intention de ce point de vue particulier sur la réalité est certainement de dépasser la conception géométrique plus traditionnelle de l'image, en favorisant une description des formes qui va au-delà de la simple observation, stimulant l'utilisateur à imaginer des choses jamais perçues auparavant. Cette conception de l'art accepte une composante d'abstraction, dont l'intérêt principal se réalise dans la décomposition figurative, visant à devenir une déclaration précise d'un idéal esthétique, dans lequel l'homme et le violon sont très difficiles à identifier et, certainement, à travers quelques détails capables de guider le déchiffrement des formes.

7. La leçon de piano (1916) par Herni Matisse

Contrairement à la plupart des chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, conçus pour révéler la relation entre l'homme et la musique, à travers la représentation plus populaire du mouvement sinueux en succession des mains du dépeint, qui dirigent leurs "caresses" sur un instrument musical précis , le chef-d'œuvre de Matisse cache, derrière une partition, cette vision récurrente de la rencontre tactile. Je parle de La leçon de piano, un tableau de 1916 du maître français, dans lequel l'événement indiqué par le titre lui-même a été capturé, qui, se déroulant dans le salon de la maison du peintre à Issy-les-Moulineaux, capture le plus jeune fils de l'artiste, c'est-à-dire Pierre, alors qu'il s'attache à pratiquer ledit instrument, entouré de la sculpture réalisée par son père, intitulée Figure Décorative (1908) et placée en bas à gauche du support, et du tableau du même auteur, représentant une femme sur un tabouret. Tout est raconté à travers des styles naturalistes progressivement abandonnés, car dépourvus de détails et enrichis de larges champs de couleur "abstraite", dans le but de rappeler ce moment précis, où la lumière se révèle soudain dans un intérieur en train de prendre forme. dans le triangle vert situé près des portes-fenêtres, ainsi que dans la même figure géométrique qui apparaît sur le visage du jeune protagoniste de l'œuvre.

Amedeo Modigliani, Le violoncelliste , 1909. Huile sur toile, 73,5×59,5 cm. Collection privée.

6. Le violoncelliste (1909) d'Amedeo Modigliani

Avant d'analyser Le Violoncelliste, il est bon de clarifier quelques points clés de l'enquête figurative, concernant le genre du portrait, menée par le maître italien en question, un typique peintre maudit, drogué et alcoolique, qui comprenait le sujet humain comme un possibilité concrète de tisser des échanges relationnels, visant à donner la parole à un talent introspectif prêt à saisir les aspects les plus intimes du dépeint, les révélant dans une sorte de miroir intérieur. Pour cette raison, dans la plupart des cas, l'artiste saisit ses sujets de front, mettant en valeur leurs traits et leurs yeux souvent aveugles. Cependant, dans le cas du violoncelliste, la perspective insaisissable avec laquelle le visage du protagoniste a été capturé nous prive d'une soigneuse extériorisation de son moi intérieur, qui est plutôt capturé dans la relation intime qu'il entretient avec son instrument. De plus, Le Violoncelliste est aussi l'un des rares chefs-d'œuvre d'Amedeo dans lequel le sujet est tiré d'autre chose, comme extrêmement concentré dans l'exécution d'une action, plutôt que d'être un modèle statique attendant d'être mis en scène.

Marc Chagall, Le Violoniste , 1913. Peinture,   188 × 158cm. Musée Stedelijk à Amsterdam, Pays-Bas.

5. Le Violoniste (1913) de Marc Chagall

Le "portrait musical" de March Chagall va au-delà de la simple représentation d'un personnage pris alors qu'il est en train de jouer, car il représente aussi une claire évocation de l'héritage culturel de la patrie du peintre, dont on se souvient avec nostalgie, tant par l'apparition du joueur susmentionné, que du village rustique dans lequel il s'efforce de s'entraîner. A ce qui a été dit s'ajoutent également les croyances religieuses de Chagall, qui, se référant à la figure des hassidim Habad, reconnaissent dans la musique et la danse un moyen d'atteindre la communion avec Dieu, à tel point que le violoniste était considéré comme un élément nécessaire présence pour l'intérieur des cérémonies et des fêtes. Bien que le tableau en question reflète la proximité de son créateur avec son pays natal, il a été achevé en 1913, c'est-à-dire lorsque le peintre était en France, lieu où il a également assimilé une partie des styles cubistes, pour donner vie à la représentation précitée, qui, situé précisément à Vitebsk, résume en un seul personnage cette bataille existant au sein de chaque individu moyen, visant à contraster le passage des différentes phases vitales.

4. Musique I (1895) Gustav Klimt

Avec Klimt, nous apprenons à connaître un type de représentation de la musique qui, jusqu'à présent dans la classification, a été quelque peu négligée, à savoir la représentation allégorique, rendue à travers la représentation de deux sujets principaux : une femme tenant une lyre et son homologue , rendu sous la forme d'un sphinx peint à droite du support, visant à représenter cette créature mythologique égyptienne qui, mi-femme et mi-lion, est capable d'unir en elle la polarité des mondes animal et spirituel, ainsi que ceux de l'instinct et de la raison. Quant à la joueuse de lyre, en revanche, elle, sujet de deux autres œuvres de l'artiste, comme un panneau publié dans Ver Sacrum en 1901 et une scène de la Frise de Beethoven, a été créée comme synthèse des théories de Schopenhauer, Nietzsche et Richard Wagner, visant à identifier la musique comme l'art supérieur, car elle est capable, indépendamment des mots et des images, de transmettre des connaissances à l'homme. Toute cette histoire complexe est transmise au spectateur à travers des traits stylistiques précis, qui se combinent pour mêler figuration et ornement, ainsi que bidimensionnalité et relief, devenant une manifestation claire du style juvénile de l'artiste, inextricablement marqué par l'Art nouveau.

Jan Vermeer, La leçon de musique , 1662. Huile sur toile, 74,6 cm × 64,1 cm. Queen's Gallery, Londres.

3. La leçon de musique (1662) de Jan Vermeer

Avant d'analyser le chef-d'œuvre daté de 1662, il est bon d'expliquer comment la musique est un thème assez récurrent dans l'œuvre de Vermeer, un peintre qui a interprété ce sujet, l'un des plus emblématiques de la peinture hollandaise de l'âge d'or, au sein de bien douze œuvres d'art parmi les trente-six actuellement connus de sa main. Ce choix figuratif pourrait être lié au fait que les œuvres à thème musical rencontraient un succès modéré auprès des clients de l'artiste, qui, étant des membres de la haute société, avaient certainement une formation musicale. Le type de peintures en question était connu et recherché aussi parce qu'elles contenaient souvent des références espiègles, mais aussi captivantes, à des intrigues romantiques, destinées à accroître l'intérêt porté à de telles représentations. Ce qui vient d'être observé trouverait également confirmation dans la Leçon de musique (1662), chef-d'œuvre où le miroir nous révèle comment, en réalité, la jeune fille est plus intéressée à observer le monsieur à ses côtés, plutôt que le piano. Pour renforcer ces suppositions, il y aurait aussi la devise latine qui apparaît sur le virginal : "la musique est la compagne de la joie et le baume pour la douleur", visant à faire allusion à la fois aux pouvoirs apaisants de la musique et aux vicissitudes sentimentales.

 Pablo Picasso, Le Vieux guitariste , 1903. Huile sur panneau, 122,9 cm × 82,6 cm. Institut d'art de Chicago.

2. Le vieux guitariste (1903) de Pablo Picasso

Il est impossible de parler du Vieux Guitariste aveugle sans faire référence à la période bleue à laquelle appartient le chef-d'œuvre lui-même, qui peut être reliée à une période de trois ans, qui de 1901 à 1904, s'efforce d'exprimer, à travers l'art, une profonde douleur qui a cultivé l'artiste, marqué de manière indélébile par la mort de son ami Carlos Casagemas, un peintre qui s'est suicidé pour son amour non partagé pour le modèle et danseur français Germaine Pichot, protagoniste de nombreuses toiles de Picasso. À l'événement néfaste indiqué ci-dessus s'ajoutent les difficultés économiques de Pablo, qui trouve dans la couleur bleue un moyen d'expier sa tristesse, principalement capturée dans la représentation de sujets marginalisés, agités et dramatiques. Le vieux guitariste aveugle s'inscrit bien dans ce qui vient d'être décrit, présentant lui-même une expression indubitable de drame et de souffrance, à laquelle s'oppose sa guitare : un instrument de musique qui représente la vie et le salut, car l'art, en soi, est toujours compris comme un moyen de surmonter l'adversité et de voir à nouveau la beauté du monde visible.

Caravage, Les musiciens , 1597. Huile sur toile, 87,9×115,9 cm. Metropolitan Museum of Art, New York.

1. Les Musiciens (1597) de Caravage

L'huile sur toile du maître italien concrétise sur le support pictural la vision d'une allégorie païenne, destinée à prendre forme dans les traits de trois jeunes musiciens vêtus de vêtements à l'ancienne, qui trouvent leur place dans un environnement étroit. Ce qui a été décrit semble difficile à interpréter dans une clé érotique, même si cela serait possible, car la présence de la figure de l'amour ailé, qui s'applique à détacher une grappe de raisin, semblerait indiquer une rencontre intime, visant à couler dans une passion amoureuse, typique de l'ambiguïté des premières œuvres du Caravage. L'érotisme en question prend vie à partir de corps de jeunes idéalisés, aux visages plutôt délicats et raffinés, dans lesquels seul le personnage jouant du croissant, placé au centre, semblerait être attribuable au genre du portrait et précisément à l'autoportrait, à tel point qu'il pourrait représenter le jeune Caravage lui-même, étant donné l'affinité que ce dernier a avec d'autres peintures contemporaines, dans lesquelles le peintre avait saisi ses propres traits. En ce qui concerne les vêtements, cependant, il n'est pas absolument étrange que le maestro se réfère à l'antiquité, puisqu'à l'époque les jeunes musiciens s'habillaient à la manière classique, c'est-à-dire comme Eros, Bacchus ou les chanteurs angéliques, tout comme cela pouvait arriver lors des spectacles. Aimé du plus grand mécène du peintre : le Cardinal del Monte. Enfin, dans la grande tradition historique et artistique italienne, il convient de souligner comment les peintres du calibre de Giorgione et Titien avaient généralement l'habitude de disposer des sujets musicaux dans des environnements extérieurs, pastoraux et allégoriques, tandis que Caravage a déplacé le thème vers un intérieur, réunissant des portraits capturés de manière innovante de la nature et des représentations allégoriques.