Pouvons-nous parler de la Renaissance ?

Le sujet me submerge, la grandeur des peintres de la Renaissance me terrifie au point de me sentir dépassé. Le sujet est trop élevé, presque divin, ainsi qu'ample et digne de note dans les moindres détails. Néanmoins, je vais essayer de sélectionner uniquement dix artistes de la période historique qui nous intéresse, une période extrêmement riche en peintres méritants, mais aussi en sculpteurs et architectes importants, que je pourrais réserver pour une autre occasion. Donc, en réponse à la question du titre et après toutes ces préambules, je pense qu'il est possible de parler de la Renaissance, malgré le fort sentiment d'une mélancolie particulière qui me pousse à poser cette question : qu'est-il arrivé à toute cette ancienne grandeur de l'humanité ? En mettant de côté les discussions tristes, je me prépare d'abord à présenter le concept de la Renaissance, puis quelques chefs-d'œuvre de l'époque que vous connaissez probablement déjà...

La Renaissance en bref

Cette partie introductive est conçue uniquement pour présenter les artistes qui seront les protagonistes du top 10, car la Renaissance et son histoire méritent certainement un texte plus long pour expliquer soigneusement toutes ses particularités. Lorsqu'on parle de la Renaissance, il suffit de penser à une période florissante, une période de renaissance, qui a eu lieu après les siècles les plus sombres. En fait, la période en question, qui a commencé à Florence au XIVe siècle et s'est terminée vers le milieu du XVIe siècle, a marqué le réveil des arts, ainsi que des sciences, des mathématiques, des intérêts technologiques, de la philosophie, de la politique, et bien plus encore. Au cœur de ces attitudes valorisant l'intellect et la capacité humaine se trouvait l'Humanisme, une pensée philosophique visant à placer l'homme et son œuvre au centre de l'univers, un contexte auparavant obscurci par la présence dominante de l'Église catholique, imprégnée d'un sentiment de péché et de l'idée accablante de l'irréversibilité du destin humain. L'Humanisme s'accompagnait d'un retour à l'Antiquité classique, c'est-à-dire la tendance à rechercher et à réinterpréter les idéaux grecs et romains, toujours prêts à émuler la beauté, l'harmonie, la symétrie ou les proportions parfaites dans leur art. Afin de poursuivre ces objectifs, l'esprit de l'époque a donné naissance à de nouvelles innovations techniques telles que le Naturalisme, le Contrapposto, le Chiaroscuro et la Perspective Linéaire, qui ont donné naissance à une production figurative fondamentalement réaliste. Ces tendances ont connu des variations au fil du temps, car l'art de la Renaissance est classé en différentes périodes ou phases : la Proto-Renaissance, la Renaissance précoce, la Renaissance classique, ainsi que d'autres régions en dehors de l'Italie, désignées collectivement sous le nom de Renaissance du Nord. Maintenant, le top 10 commence, présenté dans l'ordre chronologique : en mettant en vedette les artistes en fonction de leur date de naissance !

Adam et Ève chassés de l'Éden, avant et après restauration. Masaccio, Adam et Ève chassés de l'Éden, 1424.25. Affresque. Chapelle Brancacci dans l'église Santa Maria del Carmine à Florence.

1.Masaccio : Adam et Ève chassés de l'Éden (1424-25)

Voici comment Giorgio Vasari décrit l'art de Masaccio : "Les choses faites avant lui [avant Masaccio] peuvent être qualifiées de peintes, et les siennes, vivantes, vraies et naturelles." Après ces éloges, nous pouvons décrire l'une des œuvres les plus célèbres du peintre né en 1401, à savoir L'Expulsion des Progéniteurs du Paradis terrestre, une fresque de la Chapelle Brancacci de l'Église Santa Maria del Carmine à Florence. Dans cette œuvre, Adam et Ève, ayant goûté au fruit de la connaissance, ont péché de manière irréparable en désobéissant à Dieu. Cependant, Masaccio représente le moment où ils sont littéralement chassés du Paradis terrestre, apparaissant nus, effrayés et malheureux, conduits hors du seuil de maçonnerie par un chérubin brandissant une épée. L'artiste toscan semble être resté quelque peu fidèle au récit biblique, bien qu'il y ait certains détails qui s'écartent des mots de la Genèse. En effet, dans l'histoire biblique, les protagonistes seraient vêtus, il y a plusieurs anges, et il n'est pas mention de l'existence d'une porte signalant la fin du Paradis et le début du monde mortel.

Andrea Mantegna, La Lamentation sur le Christ mort, vers 1470-1474 ou vers 1483. Tempera sur toile, 68 cm × 81 cm. Pinacothèque de Brera, Milan.

2.Andrea Mantegna : La Lamentation sur le Christ mort (vers 1470-1474 ou vers 1483)

Nous voilà déjà arrivés à Mantegna, peintre, graveur et enlumineur de la République de Venise, né en 1431, l'auteur de l'emblématique Christ mort, un chef-d'œuvre conservé à la Pinacothèque de Brera à Milan. Pourquoi ce Jésus sans vie est-il si important ? Après tout, l'histoire de l'art est pleine de sujets similaires... En réalité, non, avant Mantegna, personne n'avait représenté cette scène avec autant de drame, donnant vie à un Fils de Dieu extraordinairement humain, et dans la mort, il prend en fait les caractéristiques d'un corps froid étendu de la croix. Ce n'est plus seulement la représentation d'une divinité attendant la résurrection, car le corps sans vie repose lourdement sur une dalle de marbre rouge, identifiable comme la traditionnelle Pierre de l'Onction utilisée pour préparer le corps à l'inhumation. Nous, les spectateurs, pouvons également nous concentrer sur les petits détails de la tempera, comme les blessures des clous, peut-être aussi observées par les trois figures en deuil à gauche du panneau, identifiables malgré les rides et les marques rugueuses de Mantegna, comme les figures de la Vierge Marie, de saint Jean et de Marie-Madeleine.

Pérugin, Le Mariage de la Vierge, 1500-1504. Huile sur bois, 234 cm × 185 cm. Musée des Beaux-Arts, Caen.

3. Le Pérugin : Le Mariage de la Vierge (1501-1504)

Le peintre italien né en 1448 est connu de diverses manières, comme Pietro di Cristoforo Vannucci, Pietro Perugino et Le Perugin, mais aussi comme le "peintre divin". Cette dernière appellation traduit immédiatement le calibre de l'artiste dont nous parlons, qui dirigeait simultanément deux ateliers, l'un à Florence et l'autre à Pérouse, et qui a reçu sa formation chez Verrocchio, aux côtés de Botticelli et de Léonard de Vinci ! L'artiste, considéré comme l'un des plus grands représentants de l'humanisme, est l'auteur du célèbre Mariage de la Vierge, aujourd'hui conservé au Musée des Beaux-Arts de Caen. Les spoliations napoléoniennes de 1797 ont en effet conduit la peinture à l'huile sur bois en France, où elle raconte un événement joyeux de la tradition chrétienne, commémorant le mariage de la Vierge Marie et de saint Joseph. Dans l'œuvre de l'artiste, un temple sert de toile de fond à cet épisode, visant à synthétiser les idéaux de la Renaissance plutôt que de se référer fidèlement à un modèle classique. La composition de la peinture rappelle le fresque précédent du Pérugin, la Remise des clés, dans laquelle un grand édifice central de plan octogonal est placé à l'extrémité d'un sol en damier en perspective, conçu pour amplifier la scène de premier plan tout en respectant l'idéal de la rationalité géométrique de l'époque, également utilisé par Raphaël dans son Mariage de la Vierge.

Ghirlandaio, Adoration des bergers, 1485. Tempera sur panneau, 167×167 cm. Basilique Santa Trinita, chapelle Sassetti, Florence.

4.Ghirlandaio : L'Adoration des bergers (1485)

Domenico Bigordi, connu sous le nom de Ghirlandaio (1448-1494), était un peintre actif principalement à Florence, le lieu où il est né et où il s'est distingué à cette époque florissante sous le règne du célèbre Laurent le Magnifique. Son Adoration est définitivement datée de 1485. Comment puis-je le dire ? Regardez vous-même l'un des deux chapiteaux corinthiens placés en soutien du toit de la cabane sous laquelle se tiennent les animaux, qui, comme s'ils étaient humains, semblent contempler la Vierge et l'enfant devant eux. Alors, avez-vous vu l'année explicitée en chiffres romains ? Eh bien, il y a d'autres choses que je peux vous montrer, car, dans la composition carrée, exécutée conformément à l'iconographie traditionnelle, nous trouvons plusieurs références au monde antique, telles que, en plus des colonnes mentionnées ci-dessus, l'arc de triomphe et le sarcophage romain utilisé comme mangeoire. De plus, l'inscription latine sur ce dernier, destinée à évoquer l'événement de la naissance du Christ, est aussi précise que le geste que Joseph fait pour observer la procession plus éloignée, un souci du détail qui confirme la grande attention du maître à l'exécution, probablement aussi due à une observation attentive de la tradition flamande.

Léonard de Vinci, La Joconde , 1503-1505. Huile sur panneau de peuplier, 77 cm × 53 cm. Persienne, Paris.

5.Léonard de Vinci : La Joconde (1503-1505)

Souvent, Dante dans la Divine Comédie s'évanouit, il s'évanouit dans des situations difficiles, où son corps ne peut pas supporter ce que son esprit perçoit. Mon Dieu, quand j'ai écrit le nom de Léonard, j'ai ressenti un peu ça, car le maître né en 1452 est considéré comme l'un des plus grands génies de l'humanité, parfaitement capable d'incarner pleinement l'esprit de son époque, visant à atteindre les plus hautes expressions de l'homme dans les domaines de l'art et de la connaissance. Sa peinture la plus célèbre, et en effet la plus célèbre au monde, est la Joconde, un chef-d'œuvre qui a également suscité l'intérêt de Sigmund Freud. Freud, plutôt que de croire que la femme représentée était Lisa Gherardini, a soutenu que le maître avait immortalisé sa mère, une figure qui avait quitté prématurément sa vie. En fait, le peintre, enfant illégitime d'un notaire et d'une servante, a passé ses premières années avec sa mère Caterina, avant d'aller vivre avec son père et sa nouvelle jeune épouse. De plus, la mère de l'artiste est décédée alors qu'il n'avait que cinq ans, un fait qui, selon le psychothérapeute, a eu un impact durable sur le développement de la personnalité de Léonard. Cette hypothèse est potentiellement étayée par le paysage derrière le protagoniste du chef-d'œuvre, qui semble faire allusion à l'environnement d'enfance de Léonard, près de la rivière Arno.

Michel-Ange, Création d'Adam, vers 1511. Fresque, 280 cm × 570 cm. Plafond de la Chapelle Sixtine.

6.Michel-Ange : La Création d'Adam (vers 1511)

Le voilà, Michel-Ange ! Une personnalité aussi brillante que tumultueuse, surnommée le Divin Artiste et reconnue comme l'un des plus grands maîtres de tous les temps, même par ses contemporains. Michel-Ange Buonarroti, peintre, sculpteur, architecte et poète, est né à Caprese (Arezzo, Toscane) le 6 mars 1475. L'œuvre qui mettra en valeur son talent immortel est la Création d'Adam, une fresque dans la chapelle Sixtine, l'une des œuvres les plus célèbres et emblématiques de l'histoire de l'art. Elle prend forme dans la représentation de Dieu suspendu dans un halo porté par des anges, sa main sur le point de rencontrer celle d'Adam, qui gît sur la gauche, apparaissant sur un pré. Quelle est la signification de ce que nous voyons ? L'arrière-plan, qui ne représente pas de détails, nous plonge dans le contexte de la création d'Adam, et donc de l'humanité, se référant spécifiquement au moment où Dieu le Père tend son bras pour toucher physiquement le jeune homme, lui transmettant l'étincelle de la vie. À ce stade, je conclue avec une anecdote intéressante : un geste similaire à celui illustré ci-dessus se trouve dans l'Annonciation de Sandro Botticelli au Cestello, où l'archange Gabriel tend la main vers la Vierge, créant des mouvements dramatiques et théâtraux, construits autour de la diagonale créée par les bras des deux protagonistes.

Titien, Vénus d'Urbin, 1538. Huile sur toile, 119 cm × 165 cm. Galerie des Offices, Florence.

7.Titien : Vénus d'Urbin (1538)

Dans ce top dix, chaque artiste est une expérience déchirante pour moi, trop de grandeur dans un seul article. Mais avant de m'évanouir à nouveau, puis-je parler de Titien ? Oui, Tiziano Vecellio, connu simplement sous le nom de Titien, était un peintre italien né en 1488, une figure éminente de l'école vénitienne, dont les éléments stylistiques sont en partie résumés par le célèbre chef-d'œuvre, la Vénus d'Urbino. L'huile sur toile, malgré sa composition parfaitement équilibrée, maintient la naturalité des figures, se concentrant particulièrement sur la protagoniste, une Vénus nue allongée sur un drap blanc, tenant son buste de sa main droite et appuyant son bras sur deux oreillers. La femme regarde directement l'observateur, tandis qu'avec sa main gauche, elle couvre sa zone pubienne, et de sa main droite, elle tient quelques roses, dont certaines sont tombées sur le lit rouge. Dans la pièce de style Renaissance, en plus du petit chien près de la déesse, on peut voir deux servantes à l'arrière qui récupèrent des vêtements dans une malle. Cependant, le chef-d'œuvre peut être compris simplement en se référant à son mécène, Guidobaldo, qui avait l'intention d'utiliser le tableau comme un rappel et un modèle de la vie conjugale à dédier à sa femme, Giulia da Varano. En fait, certains éléments de la toile parlent clairement à cet égard : les roses symbolisent la beauté, qui, contrairement à la fidélité éternelle symbolisée par le chien, s'estompe avec le temps. Par conséquent, plutôt que la prestance physique, au cours d'une longue histoire d'amour, c'est l'attitude respectueuse qui est favorisée pour toujours soutenir les époux...

Piero della Francesca, Le Baptême du Christ, 1445. Tempera sur panneau, 167 cm × 116 cm. Galerie nationale, Londres.

8.Piero della Francesca : Le Baptême du Christ (1445)

Au centre de la composition, nous trouvons Jésus, tandis que sur la droite, Jean le Baptiste prend sa position ; ce sont les principales figures de ce chef-d'œuvre, entourées d'anges et d'une figure masculine plus éloignée, qui apparaît devant un groupe de prêtres grecs. La scène du baptême, qui trouve un espace concret au-dessus de la tête du Fils de Dieu, aux mains de Jean, a été habilement étudiée, bien qu'elle puisse sembler quelque peu aléatoire. L'artiste, en effet, a respecté des règles mathématiques précises, visant à donner au tableau une sensation de calme et de sérénité, principalement en raison d'une construction géométrique particulière, que Piero a également décrite dans le traité "De quinque corporibus regularibus". Toute cette étude devient apparente lorsque nous décomposons la composition, en essayant d'y trouver la figure d'un carré, dont la forme s'étend de la base du support jusqu'un peu au-dessus de la colombe. Ensuite, un demi-cercle pourrait être placé dans la partie supérieure de l'œuvre, qui, s'il est divisé en deux, révélera Jésus comme la figure centrale incontestée, ainsi que la main de Jean et l'animal mentionné précédemment. Comment tout cela s'interprète-t-il dans ce qui a été décrit jusqu'à présent ? Même dans ce cas, derrière un message simple, se cache un message plus complexe et symbolique, prêt à se révéler dans les différents éléments représentés, tels que, par exemple : l'arbre luxuriant, le buisson desséché, la colombe et les anges. Le premier se réfère à la richesse de la vie des fidèles, le deuxième à la pauvreté des non baptisés, le troisième à l'Esprit Saint, et le dernier à la Trinité... En ce qui concerne l'artiste, Piero di Benedetto de' Franceschi, communément connu sous le nom de Piero della Francesca, né à Sansepolcro en 1412, était un peintre et mathématicien italien, certainement l'une des figures les plus emblématiques de la Renaissance italienne, appartenant à la deuxième génération de peintres-humanistes.

Raphaël, L'École d'Athènes, 1510. Fresque, 500 cm × 770 cm. Palais Apostolique, Cité du Vatican.

9.Raphaël : L'École d'Athènes (1510)

Considéré comme l'un des plus grands artistes de tous les temps, Raphaël Sanzio (1483-1520), peintre et architecte, est l'auteur d'une des œuvres les plus connues de l'histoire de l'art : L'École d'Athènes, une fresque dans une lunette de la Chambre de la Signature aux Palais du Vatican (Cité du Vatican). Le chef-d'œuvre représente un bâtiment classique avec un sol décoré de carrés réguliers, prêt à accueillir un escalier, où sont placés divers éléments architecturaux antiques. L'ensemble a été conçu comme un superbe décor, avec, en plus du ciel bleu en arrière-plan, des personnages de renom, des scientifiques et des intellectuels contemporains du maître, ainsi que du monde classique. Au centre de la fresque, en fait, les figures de Platon et d'Aristote sont positionnées, prêtes à clarifier le sens de toute la composition : célébrer la civilisation romaine et la papauté en tant qu'héritière de la grandeur antique. En particulier, selon le programme du pape Jules II, la Chambre de la Signature était censée représenter la philosophie, incarnant les valeurs du bien, du vrai et du beau, les seuls chemins par lesquels l'homme peut atteindre Dieu.

Botticelli, La Naissance de Vénus, 1476-1487. Tempera sur toile. 172,5 cm × 278,9 cm (67,9 po × 109,6 po). Galerie des Offices, Florence.

10.Botticelli : La Naissance de Vénus (1476-1487)

Nous concluons ce compte-rendu non exhaustif avec la dixième position, fermement prise par Botticelli, qui ne voulait pas et ne pouvait pas être exclu. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, connu sous le nom artistique de Sandro Botticelli, né en mars 1445 à Florence, était un peintre de la Renaissance, principalement célébré pour sa Nativité de Vénus, une tempera sur toile admirée à la Galerie des Offices (Florence). L'œuvre, la dixième d'un classement qui va seulement dans l'ordre de la séniorité des maîtres, présente au centre la figure de la déesse debout sur un coquillage, prête à se diriger vers les côtes de Chypre, où l'une des Heures, ou l'une des Grâces, l'attend, offrant une robe brodée. Tout cela est rendu possible par le vent, personnifié par Zéphyr, dont le souffle, venant de la gauche, permet à Vénus de se déplacer, tandis qu'il-même profite de l'étreinte de la nymphe Chloris. Le tableau a été créé pour illustrer le récit d'Ovide dans les Métamorphoses, bien qu'il contredise son propre titre car, plutôt que de représenter la naissance de la déesse, il représente son voyage. Pourquoi alors se référer aux Métamorphoses ? La Nativité de Vénus, ainsi que la Primavera de Botticelli, ont été conçues dans le cadre de la culture néoplatonicienne florentine, adoptée par de nombreux intellectuels, qui promouvaient la vue de l'amour comme un principe vital plein du pouvoir de renouvellement dans la nature.