ROSES (2021) Pittura da Valery Marche.
Mon classement des natures mortes aux fleurs rassemble toutes celles qui, à mon avis, ont été les œuvres les plus iconiques et "commerciales" du genre, que j'ai classées par ordre décroissant, pour aboutir au symbole par excellence du sujet, ce chef-d'œuvre que personne, ou presque, ne peut manquer de reconnaître, que je me suis permis d'élire comme le manifeste iconique représentatif de la peinture "à thème floral" par excellence. Mais avant de passer au top 10, il est bon d'entrer, au moins pour un moment, dans le contexte historique des natures mortes avec des fleurs, sujets naturels nés, au départ, comme une manifestation artistique mineure par rapport aux sujets historiques, religieux ou mythologiques, de la main du Flamand Hans Memling qui, vers 1490, a jeté les bases de la poursuite d'un sujet devenu aujourd'hui incontournable, grâce aussi au fait qu'il a atteint, au fil des siècles, une intensité et une originalité esthétique bien supérieures à une simple reproduction botanique. En outre, après le succès du genre au sein de l'Art nouveau, nous devons à l'avènement du XXe siècle l'intuition d'aller au-delà de la simple reproduction des fleurs telles qu'elles sont, et de les impliquer dans des assemblages, des installations, des photographies, etc. Nous interrompons cette longue histoire ancienne et future pour nous consacrer aux œuvres qui, entre la fin du XIXe siècle et les années 2000, ont représenté pour moi l'apogée du genre, car elles sont non seulement techniquement et stylistiquement inédites, mais aussi de véritables "produits grand public" très contemplés par les masses.
Murakami avec un spécimen de sa série Flower Ball. @soulr.co
10. Takashi Murakami, Flowerball Pink, 2007
Pour résumer et sans faire référence aux intentions, à la formation et aux influences qui sous-tendent l'œuvre de Murakami, Flowerball Pink (2007) est une estampe circulaire remplie d'une esquisse intense et "bondée" de fleurs lumineuses, chacune avec un smiley, créant une sensation tridimensionnelle illusoire, destinée à animer l'ensemble de la série Flower Ball, dont cette estampe fait partie. Ajoutant les détails manquants à cette description concise, les fleurs populaires de Murakami, un élément essentiel de la carrière de l'artiste comme la boîte de soupe Campbell pour Warhol, proviennent d'une réinterprétation originale de la peinture japonaise traditionnelle, dans laquelle les fleurs étaient souvent représentées. À cette iconographie ancienne s'ajoute une observation précise du monde du manga, de l'anime et de la sous-culture japonaise, qui génère des objets commerciaux que Takashi transforme en art, en brouillant les frontières entre le consumérisme et l'art, une attitude qui fait à nouveau écho aux intentions du Pop art des années 1950. Malgré ces affinités, les dessins de Murakami vont au-delà de la simple juxtaposition de la haute et de la basse culture, car derrière les sourires éclatants mentionnés ci-dessus, on peut apercevoir des larmes cachées, capables de donner forme à ce courage mûr capable de dissimuler la souffrance derrière une digne démonstration de sérénité. Cette dernière observation est d'ailleurs liée à une déclaration douloureuse de l'artiste au New York Times, dans laquelle il avoue que ses Smiling Flowers ne sont qu'une manifestation muette des émotions refoulées et des traumatismes collectifs vécus par les Japonais au moment le plus dramatique de leur histoire : le bombardement d'Hiroshima-Nagasaki en 1945.
Sculpture de fleurs par Yayoi Kusama. @kusama_archive
9. Yayoi Kusama, Prêt à fleurir le matin, 1989
Une fois de plus, elle ne déçoit pas ! Yayoi Kusama, artiste japonaise contemporaine extrêmement connue pour son utilisation compulsive de motifs à pois denses, décorations dues à son inspiration, inexorablement tirée des hallucinations dramatiques et arrondies dont l'artiste souffre depuis l'enfance, ne nous prend pas au dépourvu lorsqu'elle choisit de reproposer son motif le plus cher en donnant également vie à un fond rouge répétitif, destiné à se matérialiser dans les points entourant les deux fleurs, destinées à se détacher au premier plan. Si l'obsession qui vient d'être révélée, manifestée dans ce cas par la représentation du monde des fleurs, vous a surpris, c'est que vous ne connaissez pas le travail de l'artiste japonaise qui, à d'autres occasions, a abordé le monde floral, toujours de manière compulsive, comme, par exemple, lors de la Triennale de la National Gallery of Victoria (Melbourne, 2018), elle a permis aux visiteurs de placer librement des multitudes de gerberas sur toutes les surfaces disponibles d'une pièce. Cette œuvre, intitulée Flower Obsession, s'explique, une fois de plus, par la répétition des visions susmentionnées, bien que, dans ce cas particulier, ce soit l'artiste elle-même qui révèle l'origine de l'installation : " Tout a commencé par une hallucination. Un jour, alors que j'étais enfant, après avoir observé un motif de fleur rouge sur la nappe, j'ai levé les yeux et le plafond, les fenêtres et les colonnes semblaient recouverts du même motif de fleur rouge. J'ai vu toute la pièce, tout mon corps et tout l'univers recouverts de fleurs rouges, et à cet instant, mon âme a été anéantie... Ce n'était pas une illusion, mais la réalité elle-même".
Andy Warhol, Fleurs, 1964.
8. Andy Warhol, Fleurs, 1964
Avant 1964, de manière assez incroyable, le répertoire de Warhol manquait presque impardonnablement de l'approche d'un sujet essentiellement naturaliste comme, par exemple, les fleurs ! Comment l'artiste de Pittsburgh a-t-il pu oublier un genre aussi récurrent dans l'histoire de l'art, peut-être pour le transformer en un objet de consommation répétitif à offrir compulsivement aux masses ? En réalité, Andy n'a jamais manifesté d'intérêt autonome pour le sujet susmentionné, à tel point que son analyse a été motivée par l'intervention d'Henry Geldzahler, conservateur d'art contemporain, qui a incité Warhol, lors de l'exposition universelle de New York en 64, à enrichir sa production de l'élément naturel par excellence. En fin de compte, Andy est devenu intime avec ce sujet, en particulier avec l'Hibiscus, qui, réalisé dans un style visant à combiner les techniques impressionnistes et abstraites, a poursuivi l'intention de donner une voix à l'âme la plus intime de l'artiste et peut-être même la moins exposée et la plus controversée, car elle est souvent cachée par les apparences de la narration consumériste. Jusqu'à présent, tout allait bien, à tel point que Warhol a interprété le sujet à plusieurs reprises, mais un jour, l'amère vérité a éclaté au grand jour : les sérigraphies "Flowers" reproduisent clairement l'image des fleurs d'hibiscus des photographies de Patricia Caulfield, une artiste qui, n'ayant pas été interrogée par Warhol, s'est directement adressée à la justice !
7. Roy Lichtenstein, Fleurs noires, 1961
Nous arrivons à la septième position, occupée par l'un des principaux artistes du Pop Art, avec celui dont nous venons de parler : il s'agit de Roy Lichtenstein, connu pour ses œuvres inspirées de journaux et de bandes dessinées, en particulier celles qui, réalisées au point Ben-Day, illustrent la vie de l'époque et passent à l'histoire, surtout grâce à des chefs-d'œuvre tels que Whaam ! (1963), ainsi que celles représentant de jolies dames blondes qui, avec une certaine condescendance, allaient presque jusqu'à pleurer et sourire sur commande. Dans cette production, où l'on trouve également des œuvres ayant pour sujets Donald Duck et Mickey Mouse, ainsi que des remakes de chefs-d'œuvre bien connus, qui aurait cru que l'on trouverait aussi des natures mortes florales ? Je voudrais ici présenter Black Flowers, une œuvre qui, bien que datée de 1961, c'est-à-dire à placer au début de la carrière de l'artiste, montre déjà certains des traits stylistiques les plus mûrs de Lichtenstein, qui, marqué de manière indélébile par le monde de la bande dessinée, en vient, dans ce cas, à subvertir la beauté chromatique des fleurs, à les capturer dans un noir et blanc peu commun, visant à s'élever au-dessus d'un vase en forme de colonne cannelée, un détail qui permet d'unir le monde classique et celui des magazines.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Huile, 73,7 x 45,7 cm.
6. Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924
Il était tout simplement impossible de ne pas inclure dans ce top 10 le travail d'O'Keeffe, une artiste américaine surtout connue pour ses peintures de fleurs, qui, réalisées en gros plan ou à grande échelle, représentaient certains de ses chefs-d'œuvre les plus connus. , datant du milieu des années 1920 aux années 1950. Au sein de cette vaste production florale, j'ai voulu choisir comme œuvre représentative Red Canna (1924), une toile représentant un lys roseau "agrandi", et donc vu de près, dont la perspective poursuit l'intention de nous faire connaître et d'apprécier la beauté, richesse et délicatesse d'une fleur ouverte, interprétable, de manière parallèle, érotique et sensuelle avec la vue rapprochée de la partie la plus cachée de la féminité, une "dimension" souvent reconnue par les observateurs dans une grande partie du répertoire floral d'O'Keeffe . En fait, la malice réside précisément dans l'œil du spectateur, car la peintre a impétueusement déclaré que son travail avait été littéralement méconnu, devenant le symbole d'une interprétation masculiniste, formulée par un critique d'art majoritairement masculin, qui avait perpétué une conception sexuelle de son travail qui était en fait très différent de ses intentions initiales.
Henri Matisse, Gerbes de roses devant la fenêtre, 1925. Huile sur toile, 80×65 cm. Collection privée. @ peintures_i_love.
5. Henri Matisse, Fleurs, 1907
Matisse, chef de file des Fauves, se distingue, comme les autres porte-parole de ce dernier courant aquatique, par la vulgarisation des formes simplifiées, l'abolition de la perspective et du clair-obscur, ainsi que l'utilisation de couleurs vives, non naturelles et pures. La nature morte florale Fleurs, datée de 1907, aux couleurs moins "agressives" et légèrement plus "naturalistes" que les précédentes, s'appuie davantage sur le mouvement des coups de pinceau très expressifs, visant à construire des formes plates et graphiques, que sur l'étonnement véhiculé par les tons vifs, qui s'inscrivent dans le thème plus "classique" de la nature morte. Si cette description s'applique aux Fleurs (1907), il convient de souligner comment, au cours de sa longue carrière, l'artiste est revenu à plusieurs reprises sur le thème des fleurs, les interprétant dans des contextes plus ou moins développés, y compris des scènes d'intérieur et des paysages, comme par exemple Robe pourpre et anémones (1937) et Intérieur avec chien (1934).
Katsushika Hokusai, Bouvreuil sur cerisier pleureur, 1840.
4. Katsushika Hokusai, Bouvreuil sur cerisier pleureur, 1840
« Un seul oiseau se baigne / ses plumes et s'envole / cerisier du matin » : c'est la traduction de l'inscription trouvée sur l'estampe Bullfinch on Weeping Cherry (1840), qui porte les dix-sept syllabes attribuables à Bunrai'an Setsuman, un poète haïku de Setsumon, une école à laquelle Hokusai était associé et également référencé pour le texte figurant sur le tableau Pines and Mt Fuji. En parlant du cerisier en fleurs, mentionné par la même citation, c'est le protagoniste incontesté de l'œuvre, qui, au milieu des fleurs et des bourgeons, est présenté avec un bouvreuil, un volatile qui au Japon est la figure de proue bien connue d'une cérémonie organisé chaque réveillon du Nouvel An dans les sanctuaires de Tenjin. A cette occasion il faut se rendre au lieu sacré armé du bouvreuil de l'année précédente afin de le remplacer par celui du nouveau parcours, qui, béni, protégera son propriétaire des malheurs de l'année suivante. L'animal bienveillant, en revanche, réalisé de manière réaliste dans l'estampe d'Hokusai, est bien un spécimen mâle, comme en témoigne la marque rose, qui s'étend de la joue à la gorge de l'oiseau. Enfin, les fleurs, le bleu de Prusse, l'oiseau et les inscriptions forment un ensemble harmonieux, capable de nous parler de la plus haute tradition artistique, ainsi que des coutumes et de la culture du Japon.
Gustav Klimt, Le Tournesol , 1906 - 1907. Huile sur toile, 110 x 110 cm. Collection privée.
3. Gustav Klimt, Tournesol, 1906
Forget The Kiss (1908), Judith (1901) et The Three Ages of Woman (1905), des œuvres qui nous ont amenés à penser que Klimt était peut-être plus habile, et certainement plus intéressé, à représenter la figure humaine, plutôt que la nature, ou nature morte. Si la première hypothèse est sûrement erronée, compte tenu de l'éclectisme de l'artiste, la seconde semble tout à fait plausible, car le Tournesol de 1906 s'avère être un sujet exceptionnellement dépourvu de l'élément anthropomorphique le plus typique. En tout cas, les fleurs susmentionnées de Klimt semblent être très similaires aux êtres humains, car elles se tiennent debout dans un jardin, où elles vivent, se révélant toujours loin d'être liées dans l'espace d'un vase avec des fruits et autres fleurs mourantes. spécimens. Pour cette raison, si nous voulons vraiment être ponctuels, le chef-d'œuvre, plutôt que de tomber totalement dans le genre de la nature morte, semblerait s'apparenter quelque peu au genre du paysage, au sein duquel les tournesols reprennent les mouvements des protagonistes de ce qui précède. -des chefs-d'œuvre mentionnés, en particulier, faisant écho à la prise des amants dans Le Baiser avec leurs feuilles jointes dans une étreinte similaire.
Calude Monet, Ninfee, 1919. New York : Metropolitan Museum of Art.
2. Claude Monet, Étang aux nénuphars, harmonie verte, 1899
À mi-chemin entre la nature morte et le paysage, on trouve également la longue série des nénuphars de Monet qui, bien que placés en plein air et encore vivants, deviennent des modèles au même titre que les vases, les fruits et les compositions florales plus "domestiques". Ce cycle de plus de 250 tableaux, réalisés entre 1890 et 1926, raconte en fait le détachement du maître par rapport à certaines particularités du mouvement qu'il représentait lui-même : l'impressionnisme. En effet, si l'une des particularités de ce dernier était de peindre "en plein air", afin de fixer l'impression d'un moment précis en une seule image, réalisée tout à fait soudainement, le maître a échoué dans cette manière de travailler pour deux raisons : la taille de ses dernières toiles et la saison hivernale. En ce qui concerne la première, les grandes toiles étaient strictement conservées dans son atelier, un lieu où il pouvait fragmenter ses impressions saisies sur le vif et les recomposer ensuite en une suite d'instants cohérents. Pour ce qui est de la saison hivernale, en revanche, le froid permettait à l'artiste, à l'aide de chevalets mobiles, de commencer son travail à l'extérieur et de le terminer dans son atelier, où il pouvait obtenir une vue d'ensemble savante.
Vincent van Gogh, Les tournesols, 1889. Huile sur toile, 95 x 73 cm. Amsterdam : Musée Van Gogh.
1. Vincent Van Gogh, Fleur de soleil, 1889
Et le gagnant est : Vincent ! Je dois avouer que j'ai toujours eu un faible pour les esprits tourmentés, mais dans ce cas, ses tournesols représentent vraiment un chef-d'œuvre de nature morte indispensable à l'histoire de l'art, car ils réalisent la synthèse parfaite entre la réalité extérieure et le monde intérieur de l'artiste. En effet, le tableau, qui représente un bouquet de tournesols rassemblés dans un vase en forme de pot et exposés sur un plan, précisément contre un mur pâle, est un exemple bien connu de l'expérimentation figurative d'un maître, qui a vécu la peinture comme une thérapie existentielle quotidienne, c'est-à-dire à la fois une recherche artistique et un filtre pour affronter la réalité. En outre, la série des Tournesols a été créée dans l'intention d'exprimer sa gratitude à son ami et collègue Paul Gauguin, à tel point qu'elle a été conçue pour décorer la chambre que Vincent lui avait aménagée à Arles, dans la Maison Jaune, où le Français l'avait rejoint. En fait, le maître hollandais aimait tellement cette fleur qu'il a fini par s'y identifier, au point de la qualifier de "tout à fait Vincent". Enfin, il est également important de noter que les tournesols placés dans les vases par Van Gogh sont parfois, comme révélé à son frère Théo, au nombre de quatorze ou quinze, afin de faire référence aux numéros des apôtres du Christ ajoutés aux figures de Théo et de Paul Gauguin, auxquels on pourrait également ajouter la présence de Vincent lui-même.
Olimpia Gaia Martinelli
