Les maîtres de la lumière : Turner et Monet

Je commence par une question peu exploitée, négligée, souvent considérée comme allant de soi, tant en termes généraux que dans le cadre de l'analyse de nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, où les titres des œuvres elles-mêmes résolvent souvent des dilemmes, empêchant les critiques d'approfondir la nature, ainsi que l'identité, de ce qui est dépeint. Dans ce cas précis, je veux me référer à des œuvres qui, dans le cas où elles ne portent pas de titre explicite faisant référence au sujet, pourraient immortaliser soit le phénomène de l'aube, soit le phénomène connexe du coucher du soleil. Ce problème d'identification, qui ne se posera ici que pour certaines des œuvres qui seront étudiées, m'amène à vous enseigner une sorte d'astuce qui permettrait de distinguer les deux manifestations à l'intérieur d'une composition. En effet, l'aube semble apporter des ciels plus lumineux et bleutés, tandis que le coucher du soleil, au contraire, apporterait une plus grande obscurité, marquée principalement par des teintes rougeâtres. Malgré cette clarification, il est encore difficile, dans certains cas, de distinguer avec certitude les deux phases du jour qui sont liées, de sorte que je ne peux qu'écarter le problème de l'identification du sujet, pour me consacrer au récit des vues et des paysages des deux maîtres de la lumière les plus connus, à savoir Turner et Monet, artistes dont l'œuvre, principalement centrée sur le rendu des données lumineuses et atmosphériques, a souvent été consacrée à immortaliser l'apparition, ou la disparition, du soleil. En commençant par l'aîné, Turner, connu pour avoir porté la peinture de paysage à des niveaux nouveaux et inédits, s'est distingué par son utilisation magistrale de la lumière, comprise comme un moyen de charger les scènes d'une émotionnalité intense, capable d'attribuer au tableau un niveau d'expression supérieur, visant à faire directement allusion aux manifestations du divin, prêt à apaiser ou à décourager l'être humain. Ce qui vient d'être décrit trouve sa manifestation dans ce dernier sens négatif de la peur dans le chef-d'œuvre Le bateau négrier (1840), qui, peut-être au coucher du soleil, représente un bateau en proie à la force destructrice des eaux, fuyant la zone en question, mais perdant au passage une multitude d'hommes qui tentent de résister à la ruée de poissons affamés et de créatures monstrueuses. Leurs cris de douleur sont relayés par les couleurs marquées de la palette, qui soulignent la puissance dévastatrice de la nature et la triste impuissance de l'homme. Outre Le bateau noir, il existe d'autres chefs-d'œuvre du maître en question, destinés à représenter les moments de la journée qui nous intéressent, tels que Le lever du soleil avec des monstres marins (1845), Le coucher du soleil (1830), Le valeureux téméraire (1839), etc., bien que le point culminant des expériences de l'artiste à cet égard soit atteint dans La lumière et la couleur (théorie de Goethe) (1843), un tableau dans lequel il a également réalisé l'apogée de ses études sur la lumière et la couleur. Ces dernières se réalisent à l'intérieur d'un sujet indéterminé, peut-être pris dans un coucher de soleil, dans lequel les formes, désormais dématérialisées, sont remplacées par la présence de la couleur, de la lumière et de la matière picturale, marquées par un mouvement centrifuge, visant à contenir, en partie, des sujets à la limite de l'identification. En tout cas, ce triomphe "abstrait" a été conçu pour donner forme à l'événement bien connu et "concret" du Déluge Universel, un cataclysme qui, tiré de la Genèse et capable de submerger le globe entier, met en évidence l'ambivalence favorite de Turner, cette conception particulière d'une nature "bipolaire", à comprendre comme une force créatrice et destructrice à la fois. Enfin, en ce qui concerne les expériences sur la lumière mentionnées plus haut, l'œuvre découle de l'assimilation des recherches scientifiques de Goethe, en particulier de la Théorie des couleurs, selon laquelle c'est la lumière qui génère les couleurs, ce qui a incité l'artiste à rechercher les effets lumineux les plus exubérants à obtenir grâce à l'utilisation de la couleur.

BLOCK ISLAND SUNRISE (2019)Peinture de Roy Wrenn.

BLISS (2023)Peinture d'Eva Volf.

À ce stade, comment peut-on passer de Turner à Monet ? Rien de plus simple ! Il suffit de relier certains traits du romantisme du premier aux particularités impressionnistes du second, ce qui est rendu possible par le fait que Turner, à l'instar de l'impressionnisme ultérieur, a innové en s'intéressant à la peinture en plein air, en immortalisant ses paysages dans des carnets et en plaçant la couleur au centre de sa recherche artistique. Il convient toutefois de souligner que, contrairement aux impressionnistes, le peintre anglais n'a pas voulu donner au spectateur une vision fidèle de la nature, mais donner forme aux émotions suscitées par le spectacle des incroyables événements de la création. En parlant de Monet, il est impossible de ne pas évoquer Impression, soleil levant (1874), un chef-d'œuvre représentant l'aube orangée dans le port du Havre, où le brouillard et l'atmosphère opaque du crépuscule suggèrent une impression de réalité, qui remplace la description plus traditionnelle et méticuleuse de la nature. C'est précisément ces particularités que l'on peut à nouveau résumer et reconnaître dans le terme même d'impression, qui, après avoir donné son titre à l'œuvre en question, a également étendu sa signification au mouvement du même nom, dont font également partie d'autres couchers de soleil de Monet, comme, par exemple : San Giorgio Maggiore au crépuscule. Cette dernière huile de 1908, qui capture l'île de San Giorgio Maggiore à Venise, fait partie d'une série d'œuvres sur le même sujet, visant à l'immortaliser à différents moments de la journée et, par conséquent, à partir de différentes perspectives chromatiques-atmosphériques. Après avoir terminé le récit romantique-impressionniste, ma narration historico-artistique sur le coucher ou le lever du soleil se poursuit à travers l'œuvre de certains artistes d'Artmajeur, tels que : Bozhena Fuchs, Otto Frühwach et Svetlana Kostina.

BEAUTIFUL SUNRISE (2023)Peinture de Tanja Frost.

LEVER DU SOLEIL. ALBA. (2020)Peinture d'Achille Chiarello.

Bozhena Fuchs : Rencontre avec le soleil

La première interprétation de la marine de Fuchs est fournie par l'artiste elle-même, qui affirme que cette peinture à l'huile capture et synthétise l'essence de la navigation d'un bateau, poussé par la brise de l'aube, qui teinte ses voiles de rouge, une couleur qui se détache sur un ciel divisé entre l'orange et le bleu, voulant se refléter dans une mer qui affiche les mêmes teintes. De plus, selon l'artiste d'Artmajeur, la vision de ce bateau en mouvement serait capable de stimuler, chez les spectateurs les plus réceptifs, un sentiment d'anticipation et d'excitation, comme s'il synthétisait le mouvement d'un nouveau départ vital. En effet, l'observateur du tableau pourrait également saisir l'énergie d'un moyen de locomotion qui, en voulant couper l'eau, se dirige avec vitalité et optimisme vers le soleil levant, symbole par excellence du miracle de la nature et des possibilités infinies de notre voyage sur terre. Du point de vue de l'histoire de l'art, cependant, l'association bateau-coucher de soleil rappelle immédiatement Sunset fire (1880) de Winslow Homer, un tableau dans lequel les deux éléments principaux sont, une fois de plus, le bateau et le coucher de soleil, des sujets qui anticipent l'intérêt d'Homer, qui a mûri dans les années 1880, pour les marinas, un thème qui a définitivement pris le pas sur d'autres dessinés par l'artiste au cours des décennies précédentes.

WIN WIN SITUATION (2023)Arts numériques par Otto Frühwach.

Otto Frühwach : situation gagnant-gagnant

Un coucher de soleil de flammes se détache sur le fond d'une peinture dont le sujet principal est une rencontre entre deux hommes, qui semble évoquer la pochette de l'album de Pink Floyd intitulé Wish you were here, une œuvre d'art graphique connue pour sa puissante critique sociale, qui, prenant forme dans une poignée de main infâme, et à une température très élevée, symbolise l'hypocrisie de l'industrie musicale, cette capacité généralisée à dissimuler ses véritables intentions, afin d'éviter ce qui arrive à l'effigie sur la droite : s'enflammer, c'est-à-dire se brûler pour s'être exposé émotionnellement, dans un monde où les stratégies sont toujours nécessaires. En abandonnant les maisons de disques, en cherchant dans le récit de l'histoire de l'art des tableaux connus dans lesquels la présence de deux personnages au coucher du soleil est évidente, il est obligatoire de se référer à l'œuvre de Caspar David Friedrich et, en particulier, à la toile Le coucher du soleil (1830-35), un tableau qui montre deux hommes le dos tourné, comme le spectateur lui-même, observant d'en haut un paysage marin au moment du coucher du soleil. Les protagonistes de l'œuvre, deux voyageurs, portent un costume traditionnel allemand, destiné à révéler leur expérience de vie commune, qui les amène à observer à l'unisson le même spectacle, qui, dans leurs figures, semble réunir, c'est-à-dire mettre en contact, le ciel et la mer. Malgré cette "communication", l'huile est imprégnée d'une grande mélancolie, car les personnages tournent leur attention vers un paysage auquel, comme le montre le chemin interrompu, ils ne peuvent accéder.

GONE WITH SUNSET (2023)Peinture de Svetlana Kostina.

Svetlana Kostina : Autant en emporte le coucher du soleil

Un chien court le long d'un chemin de campagne, il semble presque vouloir poursuivre le coucher du soleil, voyageant le long d'une route qui le mène au bout du monde, et probablement aussi de l'existence. Un autre type de scène champêtre, toujours marquée par une atmosphère rêveuse, mystique et visionnaire, se retrouve dans un chef-d'œuvre paysager bien connu de l'histoire de l'art, à savoir le Coucher de soleil à Eragny (1890) de Camille Pissarro, une huile sur toile représentant un coucher de soleil naturaliste dans les tons violet et jaune, destinée à nous raconter l'histoire de l'installation du peintre dans le village d'Eragny (France) en 1884, où il a pris une maison qu'il achètera par la suite avec l'aide de Monet. Ce lieu, qui est resté sa maison-atelier pendant les vingt dernières années de la vie du maître, a permis au peintre d'entrer en contact avec un environnement rural peu marqué par le développement industriel, où les plus grands sujets d'intérêt dans l'œuvre de l'artiste étaient sans aucun doute les champs calmes, ascétiques et contemplatifs, dominés par des arbres muets. D'un point de vue stylistique, en revanche, l'œuvre appartient à la période où le maître, au contact de Paul Signac et insatisfait des caractéristiques stylistiques impressionnistes, se rapproche de l'approche "scientifique" et de la technique néo-impressionniste.