"Une femme à moustache a toujours été populaire."

Le proverbe italien ancien "Une femme à moustache a toujours été populaire", peut-être à l'origine plutôt "Une femme ventrue a toujours été populaire", nous donne une idée de la popularité de la moustache, même parmi les représentantes du sexe féminin. En mettant de côté, ne serait-ce qu'un moment, les femmes avec des moustaches ou des poils du visage, et le débat connexe sur leur attrait érotique, il est intéressant de souligner chez les hommes la vieille coutume d'accentuer les poils du visage, qui remonte peut-être même à l'ère préhistorique lorsque, en effet, les spécimens de singes les plus évolués avaient à leur disposition des outils tranchants. En laissant de côté la discussion sur l'évolution de la moustache dans l'histoire, soumise à de multiples tendances et interprétations religieuses, nous souhaitons nous concentrer sur les chefs-d'œuvre les plus célèbres de l'histoire de l'art qui l'ont immortalisée. Cette intention nous ramènera aux femmes barbues tant aimées et attendues, mais aussi aux artistes et aux sujets dotés de tels poils du visage, ainsi qu'aux tableaux "défigurés", aux cas humains de tous goûts et genres, et aux histoires de films d'horreur. Voici le top 10 !

Top 10!

Salvador Dalí, Doux autoportrait au bacon frit, 1941.

1.Salvador Dalí : Autoportrait mou avec du lard grillé (1941)

Commençons par la moustache la plus emblématique de l'histoire de l'art, certainement personnifiée par la figure surréaliste de Salvador Dalí, l'auteur de l'Autoportrait mou avec bacon grillé, dans lequel le peintre s'est représenté précisément avec sa pilosité faciale la plus typique, bouclée et soigneusement taillée, peut-être en faisant allusion à une réalité parallèle où la gravité ne fait pas tomber les poils du corps. En mettant de côté l'existence du gel fixatif, le chef-d'œuvre en question dépeint Dalí comme un spectre ironique au visage amorphe et peut-être moribond, qui, soutenu par des béquilles, repose sur un socle portant l'inscription du titre de l'œuvre et présente à sa surface une tranche de bacon grillé, faisant allusion au menu quotidien du maître. En ce qui concerne l'ironie mentionnée précédemment, son identité humoristique nous est révélée précisément par la présence de ces moustaches mignonnes tournées vers le haut, qui, semblables à des antennes prêtes à percevoir la surréalité partout, fixent sa présence dans l'esprit du spectateur. Quoi qu'il en soit, l'insouciance en question passe au second plan lorsque nous remarquons que les yeux du peintre n'ont pas été peints, mais qu'ils abritent, dans leurs creux, des fourmis qui y grimpent, destinées à symboliser une interprétation plus sombre de l'œuvre, inéluctablement liée à la décadence, à la caducité de l'être et à la faiblesse.

Marcel Duchamp, LHOOQ, 1919. Prêt-à-porter. Collection privée, New York.

2.Marcel Duchamp : L.H.O.O.Q. (1919)

Lorsque j'ai mentionné ci-dessus le sujet des chefs-d'œuvre "défigurés", j'imaginais littéralement Duchamp, pénétrant de nuit au Louvre, pour défigurer la Joconde, donnant naissance à L.H.O.O.Q., en réalité son distinct ready-made rectifié, visant à confirmer, une fois de plus, l'attrait intemporel des femmes à moustache. En effet, l'œuvre irrévérencieuse et ironique envers la peinture la plus célèbre du monde dépeint une version inédite de la Joconde, qui, manipulée, nous apparaît désormais avec une moustache et une barbiche exubérantes. Une telle ironie ne se limite pas à la révision susmentionnée du personnage, mais également au titre même de l'œuvre du maître français, à lire comme un jeu de mots dans l'esprit dadaïste. En effet, L.H.O.O.Q., prononcé en français, sonne comme "Elle a chaud au cul", une phrase qui nous amènerait à réviser la figure de l'effigie, désormais à comprendre comme une prostituée insatiable avec une forte appétence sexuelle. Précisément grâce à cette provocation, Duchamp souhaitait éveiller la conscience des spectateurs, souvent enchantés et enivrés devant les chefs-d'œuvre, qu'ils vénèrent sans discernement.

Frida Kahlo, Autoportrait au collier d'épines et au colibri, 1940. Huile sur toile sur masonite. Centre Harry Ransom, Austin, Texas, Austin.

3.Frida Kahlo : Autoportrait au collier d'épines et colibri (1940)

Ainsi, je me sens désolé pour Duchamp, mais la femme à moustache la plus célèbre de l'histoire de l'art reste toujours Frida Kahlo, dont la célèbre pilosité faciale, associée à sa tout aussi célèbre unibrow (sourcil unifié), a été immortalisée dans le portrait le plus convoité par tous les esthéticiens du monde, qui sont prêts depuis des années, pince à épiler en main, à enlever chaque poil un par un avec une grande satisfaction. Mais à ce stade, nous serons tous un peu déçus, car la moustache de Kahlo, comme dans le cas de Dali, a également contribué à forger l'artiste elle-même. En ce qui concerne la description du chef-d'œuvre en question, celui-ci ne se présente pas aussi ironique que mon texte, car il est empli de significations symboliques douloureuses, destinées à dépasser une narration réaliste pour exprimer les sentiments de l'artiste, qui, tel un oiseau noir sans vie, a dû passer une partie de sa vie à souffrir des conséquences provoquées par l'accident de bus qui a bouleversé sa vie à l'âge de dix-huit ans. Dès ce moment fatidique, l'artiste a dû subir environ trente-cinq interventions chirurgicales, dont les cicatrices, douloureuses comme des épines, ont fait de leur mieux pour réparer son corps. Cependant, l'espoir n'a jamais dû abandonner la peintre, qui, malgré les vicissitudes dramatiques de sa vie, s'est représentée dans un paysage naturel luxuriant, marqué par la présence de grandes feuilles, évidentes derrière sa silhouette.

Amedeo Modigliani : Portrait de Paul Guillaume, Novo Pilota (1915). Huile sur toile, 105×75 cm. Musée de l'Orangerie, Paris.

4.Amedeo Modigliani : Portrait de Paul Guillaume, Novo Pilota (1915)

Modigliani ne peut pas personnellement faire partie de notre récit, car dans les photos et les peintures le représentant, il apparaît toujours aussi lisse que la peau d'un enfant pleine d'onguents, prêt, comme un bon Italien, à faire parler de lui toutes les femmes de Montparnasse. Cependant, l'interprète opiniâtre du génie indomptable réalisa le portrait de Paul Guillaume, un galeriste et marchand d'art en affaires et en amitié avec le peintre originaire de Livourne. En parlant du portrait de Guillaume, il est important de souligner qu'il fait partie d'une série de trois du même sujet, même si nous nous limiterons à décrire l'exemplaire du Musée de l'Orangerie (Paris). Ce dernier, daté de 1915, a été réalisé chez Beatrice Hasting, précisément rue Norvins (Paris), un endroit où Emile Zola avait également vécu. En parlant du style, cependant, l'œuvre de l'Italien présente, dans le visage angulaire de l'effigie, des influences cubistes marquées, prêtes à façonner un personnage qui trouve sa place devant un piano droit, destiné à rompre le contact avec l'arrière-plan de la composition. L'œuvre se révèle quelque peu festive, car le nom de famille de Guillaume, écrit en majuscules, est manifesté en haut à gauche du support, accompagné, en bas à gauche, du titre de la peinture.

Edvard Munch, Autoportrait au bras squelette, 1895. Lithographie.

5.Edvard Munch : Autoportrait avec bras squelette (1895)

Les moustaches dans l'autoportrait avec bras de squelette sont quelque peu suggérées, légères, subtiles, ondulées, parfois clairsemées, bien que, dans le répertoire de la représentation portraitiste, à la fois photographique et picturale, visant à dépeindre le maître norvégien, elles se révèlent être une présence plutôt constante, ainsi que épaisses, définies et denses sur le visage de l'artiste. Dans le cas particulier de l'œuvre en question, cependant, elles font partie d'un contexte plutôt macabre, car bien que le peintre n'ait que trente et un ans à l'époque, il se représente comme une figure fantomatique, rendue explicite par la présence d'un certain nombre d'os, qui, se présentant dans la partie inférieure de la lithographie, fonctionnent à la manière d'un rappel de la mort. Ces restes humains trouvent leur contrepartie chromatique et arrangement dans la partie supérieure de l'image, prête à accueillir le nom et la date de l'artiste, évoquant, lorsqu'ils sont interprétés dans une vue d'ensemble, l'image d'une froide pierre tombale. Enfin, cette triste histoire pourrait être résumée, ainsi que trouver son explication ultime, dans les mots du peintre lui-même, qui a révélé : "La maladie, la folie et la mort étaient les anges sombres qui ont veillé sur mon berceau et m'ont suivi toute ma vie."

Portrait de Vlad Hagyak III, vers 1560. Château d'Ambras à Innsbruck, Autriche.

6.Portrait de Vlad Hagyak III, vers 1560

Alors, vous souvenez-vous de l'introduction du top 10 ? Quoi qu'il en soit, peu importe votre réponse, je vais vous le rappeler... J'avais explicitement parlé d'histoires de films d'horreur, qui, dans ce cas, passent des livres au médium pictural, comme c'est le cas pour le récit de Dracula. Comment, ne saviez-vous pas que le comte Dracula avait une moustache, même une assez grande ose-je dire, comme le montre clairement le tableau le représentant datant d'environ 1560, qui, par un auteur inconnu, est conservé au château d'Ambras (Innsbruck). On dit que ce dernier est une copie d'un original légendaire, réalisé à l'époque où le noble roumain, soldat et homme politique, né en 1431, était en vie, une période pendant laquelle il s'est distingué en tant que dirigeant sanguinaire, un homme impitoyable à tel point qu'il était surnommé l'Empaleur, car il avait l'habitude de tuer ses ennemis les plus amers au moyen de cette pratique cruelle. D'accord, mais de là à sucer du sang, il y a une grande différence ! Eh bien, le Dracula le plus connu est le produit de la plume de Bram Stoker, un écrivain qui s'est inspiré de la figure décrite ci-dessus pour donner vie au célèbre comte Dracula, vampire de Transylvanie. Arrivé à ce point, je vous pose une question rhétorique : accrocheriez-vous le tableau en question chez vous, ou auriez-vous peur que l'on vous vole votre propre sang ?

Portrait de Van Beck par un peintre inconnu.

7.Portrait de Van Beck par un peintre inconnu

Revenant pour la deuxième fois à l'introduction, j'avais également annoncé que je vous montrerais des cas humains, c'est-à-dire des "exagérations", dans ce cas de l'adage mentionné précédemment : "Une femme à moustache a toujours été populaire" ! En effet, si les femmes à moustaches plaisent beaucoup, alors peut-être que les véritables séductrices sont celles qui sont velues comme des singes, tout comme l'immortalité notoire du sujet du tableau en question, Barbara van Beck (1629-1668), l'a prouvé. Cette "jeune fille spéciale" était en effet très prisée à son époque, au point de devenir une entrepreneure et une célébrité, certainement en raison de la fascination que lui conférait sa condition d'hypertrichose, également appelée syndrome d'Ambras. Pour être plus clair, ce dernier fait référence à ces personnes caractérisées par un excès de poils dès la naissance, une maladie très rare sans prédilection géographique, ethnique ou sexuelle, dont environ 40 cas ont été signalés dans le monde. En revenant au sujet de Barbara, elle est née à Augusta, où ses parents, dès son plus jeune âge, l'ont non seulement éduquée, mais aussi présentée dans des spectacles. Maintenant, cependant, voici toute la confirmation de mes thèses : à votre avis, Barbara, aussi velue, aurait-elle pu rester vieille fille ? Absolument pas ! C'est Johan Michael van Beck qui a séduit la jeune fille, un homme qui l'a également épousée dans l'intention de voyager pour la présenter dans des spectacles. Êtes-vous sûr que votre femme ne se rase pas ?

Ana Mendieta dans Sans titre (Glass on Body Imprints—face) de 1972.

8.Ana Mendieta : Sans titre (Transplantations de poils du visage) (1972/1997)

Une confirmation supplémentaire de la fascination et de la popularité des femmes à moustache, parfois barbues ou très velues, nous vient également de l'art contemporain, personnifié par la figure d'Ana Mendieta, une artiste de performance née à La Havane, qui, dans "Transplantations de poils du visage", a documenté la collecte, l'assemblage et l'auto-application de vrais poils de barbe, fixés dans la narration éternelle de l'histoire de l'art, à travers un support photographique. Pratiquement, l'artiste, en prenant des photos où il avait les poils mentionnés fixés sur son visage, en plus de modifier son propre corps, a activé une conception culturelle de ce dernier, prête à révéler comment les classifications sexuelles sont en réalité des conventions sociales, visant à encadrer et à surdéterminer les sexualités. En conséquence, en expliquant l'identification sexuelle mutante, Mendieta a problématisé de telles classifications, perturbant même les canons de beauté selon lesquels la société opère, différenciant entre féminin et masculin. Un autre objectif de cette performance était de modifier le genre, de changer le corps sans peur ni préjugé, pour également démontrer le pouvoir inhérent aux cheveux : celui de pouvoir changer la perception de la réalité des choses.

Frans Hals, Banquet des officiers de la garde civique Calivermen, Haarlem (1627).

9.Cornelis van Haarlem : Le Banquet des officiers et des sous-officiers de la Garde civique de Haarlem (1599)

Et si nous imaginions un magnifique amoncellement de moustaches ? Autant de figures avec des moustaches et des barbes réunies autour d'une table dressée, distrayées cependant à regarder l'exhibition de la femme la plus velue du monde, leur déesse de l'amour incontestée ? D'accord, retirons la partie concernant la déesse de l'amour incontestée, car la réunion en question, dans la longue narration de l'histoire de l'art, existe bel et bien, mais elle est entièrement composée d'hommes, pour être précis des officiers et des sous-officiers dans le tableau de Cornelis van Haarlem intitulé "Banquet des officiers et des sous-officiers de la Garde civique de Haarlem" ! Ce dernier a produit deux exemples de ce type, le premier en 1583 et le second, le sujet de notre attention, en 1599. Les deux tableaux ont été reconnus pour leur représentation vivante des sujets, que Cornelis, en tant que membre de la même compagnie, à savoir la compagnie de Haarlem, connaissait bien dans leur joie de vivre la plus caractéristique. Enfin, parlons de curiosités : dans l'exemplaire de 1583, l'artiste se représente, se peignant lui-même en tant qu'individu avec un chapeau en haut à gauche, tandis que, à côté de lui, se trouve son maître : Pieter Pietersz !

Albrecht Dürer, Autoportrait avec fourrure, 1500. Huile sur panneau, 67,1 cm × 48,9 cm. Ancienne Pinacothèque, Munich.

10.Albrecht Dürer : Autoportrait en manteau de fourrure (1500)

La moustache en question a été choisie parce que, bien qu'elle repose sur le visage d'un laïc, elle fait allusion à celle d'une divinité, car le maître de Nuremberg, pour la composition du chef-d'œuvre, s'est inspiré du modèle iconographique du Salvator Mundi d'Antonello da Messina, dont il a repris la position frontale sacrée de l'effigie, ainsi que son encadrement. Il est important de souligner que cette décision a été prise en toute connaissance de cause par l'artiste, qui a absolument voulu attribuer à son image le statut d'artiste-intellectuel, valorisant ainsi son travail et celui des autres peintres contemporains. En fait, c'est à partir de l'année de la réalisation de l'Autoportrait avec fourrure que les peintres sont devenus des protagonistes culturels dans la vie de leur époque, alors que, au Moyen Âge, la distinction entre peintre et artisan n'était pas encore si bien définie. C'est même plus tôt, c'est-à-dire au XVe siècle, que, grâce à Leon Battista Alberti, l'architecture, la sculpture et la peinture ont été reconnues comme des arts majeurs, bien que ce ne soit qu'avec Michel-Ange que la figure de l'artiste affranchi du client ait été formalisée. En revanche, Leonardo da Vinci est crédité d'incarner l'un des premiers maîtres conscients de son statut intellectuel. Par conséquent, notre top dix se termine, après les cas humains et d'horreur, par des allusions plutôt inattendues au divin, visant à élever l'instrument pictural en question à l'omnipotence.