Top 10 des déjeuners artistiques

LA RUPTURE..... CROÛTE (2021) Peinture de Laurence Pustoc'H.

Brève introduction onirique

S'il vous arrivait de vous réveiller en sursaut au milieu de la nuit, en vous rappelant avec une grande précision les détails des riches plats du déjeuner auquel vous venez de rêver, vous pourriez décider, en plus de vouloir préparer un succulent banquet pour le jour même, de consulter le livre de La Smorfia napoletana, un volume inextricablement lié à la capitale de la Campanie, qui est utilisé pour interpréter les visions des rêves, afin d'en tirer des suggestions concernant les numéros gagnants pour jouer au loto. Selon La Smorfia, le déjeuner, sous ses différentes facettes, conduit à des significations différentes et, par conséquent, à des numéros à choisir pour tenter sa chance. Par exemple : rêver de participer à un déjeuner, c'est manifester son amour du confort, propension liée au chiffre 23 ; rêver de préparer un banquet, c'est faire allusion à une grande satisfaction, à accompagner d'un pari avec le chiffre 3 ; rêver de s'habiller pour participer à un déjeuner, c'est hélas suivre des fantasmes irréalisables, inexorablement liés au chiffre 8 ; etc. Vous laissant à vos paris, en espérant que vous ne ferez qu'un bon usage de mes enseignements, je me propose de m'intéresser à l'étymologie et à l'histoire du terme déjeuner, mot qui, dans les langues romanes, trouve son origine dans le nom latin "prandium", combinant "prae" qui signifie "avant" et "dium" qui signifie "jour". Dans la Rome antique, ce terme désignait le petit repas pris le matin, juste avant midi, à la différence du dîner, qui était un repas copieux pris entre trois et quatre heures de l'après-midi. Vers le Ve siècle, cependant, le petit-déjeuner a été introduit en tant que repas du matin immédiatement après le réveil, de sorte que le repas de midi est devenu connu sous le nom de "second petit-déjeuner". Au fil du temps, ce dernier terme est devenu obsolète et a été remplacé par le déjeuner, tandis que le dîner, également appelé "coena" à l'époque médiévale, s'est progressivement déplacé vers les heures du soir. Dans la culture anglo-saxonne, le repas de midi était souvent appelé "noon cheon" ou "nuncheon", c'est-à-dire repas de midi, appellation qui a ensuite évolué vers le terme anglais "lunch", tandis que l'ancien "morgen-mete", destiné à désigner le repas matinal, a été rebaptisé "breakfast". Enfin, c'est à l'histoire de l'art qu'il revient de clore cette brève revue, qui s'est efforcée d'analyser la coutume du déjeuner à partir de points de vue multiples et plus ou moins fictifs, une discipline qui, comme une sorte de rêve révélé, a concrétisé l'aspect de nos rêves les plus recondensés concernant le deuxième repas de la matinée, pour lui donner forme dans les chefs-d'œuvre les plus célèbres de tous les temps.

Top 10

Nicolas Lancret, Le Dîner au jambon , 1735. Huile sur toile, 188 cm × 123 cm. Musée Condé, Chantilly, Oise.

10. Le Déjeuner de jambon (1735) de Nicolas Lancret

Qui sait quel numéro de loterie jouer si l'on tombe sur un tel rêve, c'est-à-dire un rêve conçu pour nous projeter dans un déjeuner sauvage, informel et agréable, dans lequel les excès du champagne, une boisson claire généreusement versée dans des verres par le personnage presque au centre de la composition, font sentir leurs effets sur les participants à l'événement, sans doute aussi sur l'attitude des animaux qui, surpris à errer, malgré quelques chamailleries entre races, parmi les assiettes et les tessons de bouteilles à la recherche de nourriture, se prennent à espérer que l'état d'ébriété de leurs maîtres les rendra plus généreux en partageant leur repas avec eux. Le chef-d'œuvre en question, représentant une scène de dîner aristocratique au jambon dans un cadre champêtre, a été réalisé par l'inventeur du genre pictural de la scène de repas de chasse par excellence, à savoir Lancret, qui est également l'auteur d'une autre œuvre au sujet similaire datée de 1725, peinte pour le marquis Henri-Camille de Beringhen et conservée au musée du Louvre.  Le Dîner de jambon, quant à lui, fut commandé en 1734 par le roi Louis XV, monarque qui plaça le chef-d'œuvre dans la salle à manger des appartements du château de Versailles, destination que l'œuvre changea à la Révolution, lorsqu'elle fut transportée au Musée central des arts, ancêtre du Louvre susmentionné. Des conflits ultérieurs ont également conduit le chef-d'œuvre en Angleterre, bien que le tableau ait réussi à revenir en France, où il est aujourd'hui conservé au château de Chantilly, actuellement propriété de l'Institut de France.

Livre de chasse (XVe siècle), folio 67, par Gaston Phébus

9. Livre de chasse (XVe siècle), folio 67, par Gaston Phébus

Parfois, les rêves nous transportent aussi dans des temps très lointains, où l'art, éternellement actuel, avait déjà immortalisé le thème du déjeuner, comme la feuille 67 du Livre de la chasse de Gaston Phébus, comte de Foix et vicomte de Béarn, qui dédia l'ouvrage, réalisé entre 1387 et 1389, au duc de Bourgogne Philippe le Hardi, diffusant ainsi un chef-d'œuvre dont les miniatures étaient destinées à faire partager le savoir de son créateur.  Il souhaitait partager ses connaissances sur les bêtes apprivoisées et sauvages, la nature, le soin des chiens, les instructions pour la chasse au chien, les pièges, les collets et les arbalètes. Quant à la miniature en question, elle illustre un banquet à l'échelle héroïque, c'est-à-dire étendu dans le temps et les cours, qui se déroule avant la partie de chasse, définissant clairement la hiérarchie des personnages invités. Enfin, le feuillet susmentionné du manuscrit largement diffusé se trouve aujourd'hui à la Bibliothèque nationale de France à Paris. Outre les versions manuscrites, l'œuvre a été imprimée trois fois au XVIe siècle : une fois vers 1500 et deux fois vers 1507. Depuis 1854, il a également fait l'objet de nombreuses éditions modernes, dont l'une des plus récentes s'intitule "Das Jagdbuch des Mittelalter".

Claes Oldenburg, Floor Burger, 1962. New York : Moma. @mettmuseum

8. Giant BLT (sandwich au bacon, à la laitue et à la tomate) (1963) de Claes Oldenburg

Jusqu'au Pop Art, les déjeuners ont été immortalisés de la manière la plus disparate, bien que poursuivant principalement l'objectif de véhiculer l'idée d'un temps plus ou moins long, passé sereinement à profiter des plaisirs de la table, à consommer le plus souvent en compagnie. Avec l'avènement du mouvement d'Andy Warhol, les plats individuels, transformés en icônes "minimalistes" des habitudes alimentaires des masses, sont devenus les symboles synthétiques de nouvelles habitudes culinaires, visant à faire vivre la dimension du repas avec la hâte d'une société de consommation irrépressible, qui nous pousse à consommer rapidement nos aliments, afin de retourner au plus vite sur notre lieu de travail. Le BLT géant de Claes Oldenburg, l'une des premières sculptures molles réalisées par l'artiste, résume bien ce contexte, toujours d'actualité, destiné à s'ajouter à ses hamburgers, cornets de glace et Chips tout aussi mous, fruit de sa découverte en 1962 des tissus vinyles brillants qui, disponibles dans de nombreuses couleurs, sont devenus le matériau idéal pour réaliser des objets malléables et changeants, en alternative aux formes dures et figées de la sculpture conventionnelle. Il convient de souligner que dans le cas particulier du BLT géant, Claes a utilisé du kapok, une substance semblable à de la plume, pour composer en plusieurs couches, comme du pain, du bacon, de la laitue et de la tomate, un sandwich qui a été percé avec un cure-dent en bois.

Claude Monet, Le Déjeuner , 1876-1877. Huile sur toile, 201 x 160 cm. Paris : Musée d'Orsay. @Claude Monet_

7. Le Déjeuner (1876-1877) de Claude Monet

La lenteur d'un repas pris en famille, profitant pleinement de l'ombre abritant le fort soleil de midi, destiné à réchauffer un jardin, est évoquée par la scène capturée par Monet, avec l'intention spécifique d'immortaliser les moments qui suivent la prise du second petit déjeuner. En fait, la tâche accomplie par le sujet est de mettre en évidence les traces d'une vie de famille simple et spontanée, dans laquelle les personnes ne sont toutefois pas le centre d'intérêt principal de l'œuvre, car l'artiste nous demande de contempler les habitudes de leur vie, plutôt que leurs figures. Il en résulte l'impression d'un moment de loisir, dans lequel on aperçoit deux figures féminines et un enfant plus détaillé, Jean Monet, surpris en train de jouer tranquillement avec des morceaux de bois. Contrairement à ce dernier tableau, le moment du déjeuner est bien résumé dans Le déjeuner (1868 - 1869), un autre chef-d'œuvre de Monet, qui a été rejeté par le Salon de Paris, bien que quatre ans plus tard, il ait été présenté à la première exposition impressionniste, où Monet a "présenté" sa famille, un invité et un serviteur pendant le déjeuner.

Giuseppe De Nittis, Déjeuner à Posillipo , 1879. Huile sur toile, 111 x 173,3 cm. Milan: Galleria d'Arte Moderna. @rosastorace

6. Déjeuner à Posillipo (1879) de Giuseppe De Nittis

Un groupe de personnages est réuni autour d'une grande table recouverte d'une nappe blanche, surface sur laquelle sont disposés les couverts et la vaisselle, à l'usage des convives qui discutent en attendant le déjeuner. La vision susmentionnée est enrichie par la présence de quelques musiciens, qui jouent de la guitare et chantent, tandis que derrière eux s'ouvre la mer de Naples, qui se présente dans son littoral et dans les bâtiments de Posillipo. Cette description nous introduit à la sixième place de mon classement, occupée par le chef-d'œuvre de Giuseppe De Nittis intitulé Déjeuner à Posillipo, une huile sur toile de 1879, immortalisant une soirée festive que le maître italien a passée entre la fin de l'année 1878 et le printemps de l'année suivante, c'est-à-dire pendant son séjour dans la capitale de la Campanie, qui a suivi l'avènement de l'Exposition universelle de Paris. C'est précisément à Posillipo que l'artiste avait l'habitude de se réunir avec d'autres peintres sur la terrasse du golfe, où leurs discussions sur l'art étaient souvent accompagnées de musique. Parmi les représentations du Déjeuner à Possillipo, seule celle de Léontide, l'épouse de De Nittis, qui apparaît en position centrale, est certaine, tandis que la femme et l'homme assis à droite pourraient être le peintre Edoardo Dalbono et son épouse Adele, des personnages qui, évoquant le tableau de Manet, semblent avoir été représentés d'après nature.

Diego Velázquez,   Le Déjeuner , 1617.   Huile sur toile, 108,5 cm × 102 cm. Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg.

5. Le Déjeuner (1617) de Diego Velázquez

Il semble que nous soyons en train d'observer l'un des clichés les plus typiques entre amis, destinés à peupler le monde des médias sociaux, alors qu'à l'intérieur d'une taverne informelle, des hommes consomment un mauvais repas d'une manière plutôt complice, en tournant leur regard vers le spectateur, tandis que la figure fière tient fièrement le vin dans ses mains et que l'autre, d'une manière très confidentielle, fait le geste du pouce en l'air. Si vous avez des doutes sur la datation de l'œuvre et sur l'existence de ce dernier, je vous signale que l'origine d'un tel geste est attestée dès l'Antiquité romaine, où le premier s'opposait au second, plus infâme, du pouce vers le bas. Malgré cette origine ancienne, cette coutume s'est répandue dans le monde entier, n'atteignant sa notoriété maximale que pendant la Seconde Guerre mondiale. Pour en revenir au tableau, Le déjeuner est l'un des premiers chefs-d'œuvre du célèbre artiste espagnol. Achevé vers 1617 et conservé au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, il représente une composition tournant autour d'une table drapée d'un drap froissé, sur laquelle reposent deux grenades et une tranche de pain. En outre, la scène, qui représente plusieurs personnes participant au déjeuner, présente une ressemblance frappante avec une autre œuvre de Velázquez, intitulée Le déjeuner des paysans (1618).

Pierre-Auguste Renoir, Le petit déjeuner des rameurs , 1880-1881. Huile sur toile, 129,5×172,5 cm. Collection Phillips, Washington.

4. Le Déjeuner des canotiers (1880-1881) de Pierre-Auguste Renoir

Nous approchons inexorablement du podium, de sorte qu'une icône de la peinture impressionniste par excellence ne pouvait manquer d'être présente, le Déjeuner des canotiers de Renoir, une toile immortalisant des amis et des connaissances du maître, qui donnent forme à une réunion communautaire de connaissances, se déroulant sous une terrasse et animée par des rameurs, hommes et femmes de la bourgeoisie, qui se retrouvent réunis autour d'une table, sur laquelle sont présentés les restes d'un repas qu'ils viennent de prendre. Cette scène, pleine de personnages conversant agréablement, trouve son cadre par une chaude après-midi sur la Seine, précisément dans la véranda ouverte du restaurant Fournaise de l'île de Chatou, habituellement fréquenté par les rameurs parisiens. Il en résulte une atmosphère conviviale, festive et légèrement bohème, accentuée par le dense réseau de regards qui lie de manière expressive les différents personnages, rendus dans la légèreté d'un dimanche après-midi, dont les bruits de paroles et les rires semblent arriver jusqu'à nos oreilles, si seulement nous nous arrêtons un instant pour observer les petits groupes de conversation qui animent l'huile. Enfin, le tableau est également remarquable parce qu'il est probablement l'un des derniers chefs-d'œuvre que Renoir a peints avant son voyage en Italie, un voyage qui a entraîné un changement stylistique drastique dicté par la vue des modèles de la Renaissance, des œuvres qui ont suscité un grand malaise spirituel chez l'artiste français, qui s'est vu dépouillé de ses certitudes pour se découvrir artistiquement ignorant et pauvre dans les ressources offertes par la technique impressionniste.

Claude Monet, Déjeuner sur l'herbe , 1866. Huile sur toile, 248×217 cm. Paris : Musée d'Orsay.

3. Déjeuner sur l'herbe (1866) de Claude Monet

"Je devais un loyer au propriétaire et, ne pouvant faire autrement, je lui ai donné en garantie la toile qu'il gardait enveloppée dans la cave. Quand j'ai pu enfin réunir la somme nécessaire pour la reprendre, vous comprendrez que la toile avait eu tout le temps de moisir". Ces mots de Monet introduisent le chef-d'oeuvre daté de 1866 et intitulé Déjeuner sur l'herbe, fragment conservé au musée d'Orsay qui, avec une autre partie conservée au même endroit, constitue un témoignage du monumental Déjeuner sur l'herbe, oeuvre commencée par le maître français au début de l'année 1865, qui se voulait un hommage au chef-d'oeuvre éponyme de Manet, sinon une comparaison ouverte avec lui. Malgré ces importantes intentions, Monet abandonna ce projet la même année pour les raisons que la citation ci-dessus révèle, si bien que le maître ne rentra en possession de la toile qu'en 1884, lorsqu'il la découpa en trois fragments, dont le troisième est malheureusement considéré comme manquant.  Pour décrire brièvement le chef-d'œuvre, le thème central du tableau a été minutieusement planifié à travers une série de petites esquisses, suivies ensuite d'une plus grande et plus détaillée, qui a permis à l'artiste de traduire sa composition sur une toile de grand format, où des couleurs vibrantes et une habile manipulation de la lumière ont pris forme, tout en illuminant délicatement les vêtements, les visages et les éléments naturels environnants qui entourent les personnages du tableau.

Édouard Manet, Déjeuner à l'atelier , 1868. Huile sur toile, 118 × 154 cm. Nouvelle Pinacothèque, Munich.

2. Déjeuner à l'atelier (1868) d'Édouard Manet

Pourquoi la médaille d'argent revient-elle à un tableau qui, bien qu'intitulé Petit déjeuner à l'atelier, ne représente pas l'atelier d'un artiste ? En fait, au-delà de l'incohérence du titre, le chef-d'œuvre mérite sa place sur le podium, car il est, entre autres, l'une des œuvres les plus retravaillées du maître français. En effet, comme l'atteste la peinture à l'huile, elle a d'abord été réalisée dans un atelier, décor qui a ensuite été recouvert d'un mur de maison sombre. Dans ce dernier contexte, un après-déjeuner a pris vie, animé, depuis la droite du stand, par un monsieur réfléchi qui fume, une serveuse prête à servir les personnages et un jeune homme placé au premier plan, officiellement reconnu comme Léon Leenhoff, le fils présumé de Manet, saisi alors qu'il regarde vers le spectateur sans croiser son regard. Ce dernier s'avère d'ailleurs être le seul personnage mis au point, ainsi que quelques détails sur la table et le fauteuil. En ce qui concerne la palette de couleurs, en revanche, il est important de noter comment le jaune du citron pelé se combine avec celui de la cravate, du pantalon et du chapeau du jeune homme, une particularité qui nous fait penser que Manet a peut-être voulu évoquer Vermeer, étant donné qu'il a admiré le maître hollandais à Amsterdam, un auteur bien connu de citrons pelés, comme ceux que l'on trouve dans le Portrait de Zacharue Astruc et dans la Femme au perroquet du Néerlandais. Enfin, tous ces traits stylistiques combinés créent une œuvre chargée d'une profonde extranéité, c'est-à-dire résolument liée à la nature absente des regards fugaces des trois personnages qui, ne manifestant ni sentiments ni affection, génèrent une atmosphère d'attente.

Édouard Manet, Déjeuner sur l'herbe , 1863. Huile sur toile, 208×264 cm. Musée d'Orsay, Paris.

1. Déjeuner sur l'herbe (1863) d' Édouard Manet

Sur la plus haute marche du podium se trouve le chef-d'œuvre, d'abord connu sous le nom de La Baignoire, puis sous celui de Déjeuner sur l'herbe, qui représente une œuvre d'art fondamentale dans l'histoire de l'art occidental, car il introduit une approche picturale sans précédent, englobant trois genres artistiques fondamentalement distincts, à savoir le portrait, le paysage et la nature morte, qui, pour la première fois, font partie d'une seule et même représentation. En effet, pour décrire brièvement le tableau, celui-ci représente une femme nue assise en présence de deux bourgeois en costume sombre, créant une composition dans laquelle la présence de la nature morte doit être interprétée comme les restes d'un savoureux déjeuner en plein air, sans doute enrichi d'une conversation stimulante. Une deuxième femme en jupon, immortalisée au moment où elle se baigne dans l'étang, constitue l'arrière-plan de ce qui est décrit, occupant tout le deuxième étage du support, où, sur la droite, se trouve également une petite barque reposant sur la rive, tandis que, parmi les arbres au centre, on peut apercevoir un paysage au loin. Enfin, l'œuvre est également remarquable pour des raisons historiques, puisqu'elle a été réalisée entre 1862 et 1863 et qu'elle a été refusée, avec 3 000 autres œuvres, par le tristement célèbre jury du Salon de Paris, ce qui a incité Napoléon III à faire exposer les tableaux refusés dans les salles du Palais de l'Industrie, sanctionnant ainsi la naissance du Salon des Refusés.