LES CANOTIERS 1 (2023)Peinture de Frob
Dîners, banquets et réveillon du Nouvel An !
Le banquet, contrairement au dîner plus informel, est un événement culinaire qui se déroule autour d'une table, en présence d'un nombre prédéterminé de personnes réunies pour célébrer un jour spécial. C'est pourquoi mon top 10 des peintures inspirées par l'atmosphère du prochain dîner de la Saint-Sylvestre visait à se référer davantage au concept expliqué ci-dessus, en "rassemblant" une série d'œuvres d'art caractérisées par des cuisines ou des salons remplis d'invités, probablement rassemblés pour des occasions spéciales et soigneusement planifiées. En parlant de la Saint-Sylvestre, pour nous plonger davantage dans l'atmosphère de ce jour important, il convient de rappeler que les Romains célébraient déjà le changement d'année par des banquets élaborés, qui tombaient ensuite précisément entre le 31 décembre et le 1er janvier. Cette date spécifique est attribuée à Jules César lui-même, qui, en 46 avant J.-C., a introduit le calendrier julien, dans lequel le premier jour de l'année tel que nous le connaissons aujourd'hui a été établi. Néanmoins, cette célébration n'était pas encore répandue dans de nombreux pays européens, qui ne l'ont uniformisée qu'avec l'adoption du calendrier grégorien, institué par le pape Innocent XII en 1691. Maintenant que nous avons fait le plein de connaissances et que nous sommes vraiment prêts à faire la fête, préparons-nous à nous mettre dans l'ambiance de la longue nuit entre le 31 et le 1er avec les célébrations culinaires proposées par mon top 10 ! Avant de commencer, j'aimerais clarifier un dernier aspect : les chefs-d'œuvre sélectionnés s'inspirent de moments festifs en général, sans nécessairement faire référence à la Saint-Sylvestre...
Sandro Botticelli, Nastagio degli Onesti, troisième épisode, 1483. Tempera sur panneau, 82 x 142 cm. Madrid : Musée du Prado. Madrid.
1.Sandro Botticelli, Nastagio degli Onesti, troisième épisode (1483)
Un joyeux banquet est interrompu par l'arrivée soudaine d'un chevalier brandissant farouchement une épée et par l'agressivité de deux chiens mordants. Pourquoi Botticelli a-t-il peint de cette manière cette tempéra sur bois, aujourd'hui conservée au Musée du Prado (Madrid) ? Le maître italien a donné vie à une interprétation des événements de Nastagio degli Onesti, racontés dans le Décaméron de Giovanni Boccace, en faisant spécifiquement référence au troisième épisode, qui se déroule dans la forêt de pins qui entoure la ville de Ravenne. Nastagio a organisé ici un banquet pour convaincre une femme qui ne lui rendait pas son amour. Dans l'ambiance festive générale, le chevalier mentionné ci-dessus apparaît de manière inattendue, poursuivant une jeune fille déchirée par des chiens, effrayant les convives qui veulent fuir. Pendant ce temps, Nastagio, détourné au premier plan, tente de les rassurer. Il n'y a rien à craindre puisque l'homme qui brandit l'épée est le fantôme de l'ancêtre de Nastagio, Guido, venu lui rappeler sa tragique histoire d'amour. Dans cette histoire, la femme qui l'a rejeté et l'a poussé au suicide était condamnée à être tuée tous les vendredis, le cœur livré aux chiens. L'exemple terrifiant de Guido a rapidement convaincu la jeune fille qui avait rejeté Nastagio de l'épouser, comme le montre l'événement joyeux célébré sur le côté gauche du tableau.
Raphaël, Banquet de mariage d'Amour et de Psyché, Loggia od Psyché, 1518. Villa Farnesina, Rome.
2.Raphaël, Banquet de noces d'Amour et Psyché, Loggia de Psyché (1518)
Une fois de plus, nous nous trouvons devant la combinaison artistique récurrente, fusionnant l'événement d'un mariage avec celui d'un banquet, célébrant dans ce cas les amants les plus célèbres de l'histoire de l'art : Cupidon et Psyché. Avant de décrire l'œuvre de Raphaël, il est essentiel de présenter le contexte dans lequel elle a été créée : la Loggia de Psyché, un espace peint à fresque par le maître lui-même et ses assistants, situé au rez-de-chaussée de la Villa Farnesina à Rome. La datation de cette entreprise artistique nous est parvenue dans un contexte de critique et de rivalité qui impliquait à l'époque les figures de Raphaël et de Michel-Ange. En effet, Michel-Ange fut informé de la réalisation de la Loggia de Psyché un an plus tard, en 1519, par son concitoyen Leonardo Sellaio, qui lui écrivit que les fresques semblaient encore plus mauvaises que celles de la Stanza dell'Incendio di Borgo, également œuvre de l'artiste d'Urbino. Maintenant que nous pouvons imaginer Michel-Ange se délectant des paroles injustes de Sellaio, nous sommes prêts à décrire le banquet, l'épisode final du cycle de fresques, dans lequel Cupidon et Psyché célèbrent tout en étant ornés de fleurs par les Heures et parfumés par les Grâces. De même, toutes les divinités présentes à l'événement sont représentées en couple, tandis que Vulcain attend son épouse d'un air ennuyé, que Bacchus est présent en tant qu'échanson et Apollon en tant que musagète.
Dirck Hals, Un banquet, 1628. Huile sur bois, 40,6 x 66 cm. RENCONTRÉ.
3.Dirck Hals, Un banquet (1628)
Je peux affirmer avec une quasi-certitude que ce que nous voyons est en partie le résultat d'un banquet et, pour l'essentiel, doit être compris comme les conséquences évidentes d'une ivresse collective, prête à entraîner les protagonistes du chef-d'œuvre dans des pas de danse audacieux ou à flirter et à rire de bon cœur. Après le contexte italien, nous nous retrouvons dans le contexte néerlandais, bien représenté par le pinceau de Dirck Hals (1591-1656), un artiste du Siècle d'or connu pour ses scènes de genre festives et ludiques, parfois influencées par l'exemple de son frère aîné Frans. En effet, il est possible que Dirck ait étudié avec Frans et le peintre de genre Willem Buytewrch de Rotterdam, dont il a peut-être hérité la tendance à représenter souvent de petites figures distinctes avec des vêtements à la mode. Tout cela est rendu par la technique de peinture particulière de Hals, connue pour être très colorée, bien que dans le cas du "Banquet", elle soit malheureusement moins éclatante en raison du bois usé, des nettoyages passés et du grain du bois, qui sont visibles à travers les couches de peinture amincies.
Giambattista Tiepolo, Rencontre entre Antoine et Cléopâtre, 1743. Huile sur toile. Galerie nationale de Victoria, Melbourne.
4.Giambattista Tiepolo, Rencontre entre Antoine et Cléopâtre (1743)
Revenons en Italie, plus précisément en 1743, année de la création d'un chef-d'œuvre mettant en scène la rencontre emblématique entre Antoine et Cléopâtre. Il s'agit d'un épisode du cycle de fresques de Giambattista Tiepolo, réalisé pour la salle de bal du palais Labia à Venise, où l'on peut admirer ce qui est décrit : le général romain se tient au centre de l'œuvre, distingué par son armure classique, tandis que Cléopâtre, à gauche, est vêtue d'habits du XVIIIe siècle. La fresque présente également d'autres personnages, mais on se demande ce que les protagonistes peuvent bien être en train de discuter. La scène, qui s'inscrit dans un contexte figuratif plus traditionnel d'épisodes de banquets impliquant le couple, capture le moment où Antoine défie la richesse de Cléopâtre, affirmant qu'il peut lui offrir le dîner le plus cher. Cependant, Cléopâtre répond par des actes, en immergeant une perle inestimable dans du vinaigre pour démontrer le luxe inimaginable dans lequel elle a l'habitude de vivre. Le maître italien choisit en fait d'immortaliser ce moment précis, en l'entourant d'une claire illusion de perspective qui émerge entre le ciel partiellement nuageux et un escalier descendant, tandis que des éléments architecturaux classiques sont visibles sur le côté, notamment des colonnes, des chapiteaux, des pilastres, un arc et un linteau.
William Salter, Le banquet de Waterloo, 1836. Huile sur toile, 81,3 x 137,4 cm. Collection privée.
5.William Salter, Le banquet de Waterloo (1836)
Éloignons-nous de la répétition des célébrations liées aux relations romantiques, il est intéressant de noter que les banquets peuvent également découler d'une victoire militaire, en l'occurrence, la célèbre bataille de Waterloo. Pour ceux qui n'en auraient peut-être pas entendu parler ou qui ne se souviendraient pas l'avoir étudiée à l'école ou à l'université, le nom fait référence à la date du 18 juin 1815. Ce jour-là, lors de la guerre entre les forces françaises et l'armée britannique-néerlandaise-allemande du duc de Wellington, ainsi que l'armée prussienne dirigée par le maréchal Gebhard Leberecht von Blücher, Napoléon subit sa défaite finale. Pour illustrer l'importance historique de cette bataille, William Salter, un peintre anglais, y répondit vingt et un ans plus tard avec "Le Banquet de Waterloo", qui se trouve être son œuvre la plus célèbre. L'artiste britannique avait cependant une raison claire de peindre ce sujet. Il avait assisté au banquet commémoratif chez le duc de Wellington tout en se promenant à Hyde Park le 18 juin. Par la suite, le duc accorda au peintre l'accès à son salon à Hyde Park Corner pour le représenter fidèlement. L'œuvre, commandée par Lady Berghersh, la nièce du duc, représentait de nombreuses célébrités de l'époque, notamment le roi William IV, Charles Lennox, Hussey Vivian, le général de division Sir Peregrine Maitland et Rowland Hill. Il est important de noter la représentation de ce dernier, car la plupart d'entre eux sont représentés naturellement assis en groupes de conversation, à l'exception du duc de Wellington, proposant un toast, et du roi, assis à sa droite.
Giuseppe De Nittis, Petit déjeuner dans le jardin, 1884. Musées civiques, Barletta.
6.Giuseppe De Nittis, Le déjeuner de l'évêque (1861)
Le moment du toast, dans ce cas précis, le moment même où les convives lèvent leurs verres, a été capturé dans le tableau de Giuseppe De Nittis intitulé "Le Déjeuner de l'Évêque". De Nittis était un peintre italien associé aux mouvements artistiques impressionniste et vériste. En ce qui concerne le vériste, il fait référence à une tendance étroitement liée au réalisme, un mouvement qui s'est développé dans les années 1840, en commençant par l'exemple français de Gustave Courbet, son principal représentant, aux côtés de Honoré Daumier et Jean-François Millet. Pour clarifier la distinction entre ces deux termes artistiques, malgré leur affinité, le réalisme se concentre davantage sur la représentation objective des faits, tandis que le vériste accorde une plus grande importance à la représentation de la vie intérieure et du statut social de ses sujets. Revenons maintenant au chef-d'œuvre en question, "Le Déjeuner de l'Évêque" immortalise des convives élégants placés sur le plan horizontal rigide d'une table dressée, conférant à l'environnement une connotation mondaine. Au centre de la composition se trouve le sujet qui donne son nom au tableau, l'évêque, placé presque en face d'une fenêtre, un motif que l'on retrouve également dans un cadre similaire à l'extrême droite du tableau, où des bourgeois moins formels dînent également.
Gunnar Berndtson, Le chant de la mariée, 1881. Huile sur toile, 66 x 82,5 cm. Galerie nationale finlandaise.
7.Gunnar Berndtson, La chanson de la mariée (1881)
Gunnar Fredrik Berndtson (1854-1895), un peintre finlandais de genre et de portraits, a terminé ses études à Helsinki avant de déménager à Paris en 1876. À Paris, il a fréquenté l'École des Beaux-Arts, ce qui était rare parmi ses compatriotes. Le chef-d'œuvre que j'ai choisi pour le top 10 est l'œuvre la plus connue de l'artiste, dans laquelle il démontre son talent de peintre dans le rendu parfait des tissus et des détails variés. Berndtson était généralement connu pour créer des peintures se déroulant dans des contextes historiques, mais dans ce cas particulier, il a opté pour un contexte contemporain, montrant une certaine influence de l'impressionnisme. De plus, les modèles représentés sont des amis de l'artiste, et les espèces végétales sont étudiées avec minutie, faisant allusion de manière symbolique à la transition de la jeunesse au mariage, et finalement à la maternité. Lorsque nous observons cette œuvre, on a presque l'impression d'être assis parmi les convives, captivés par la figure de la mariée, protagoniste incontestée de la composition.
Sir James Dromgole Linton, Le mariage du duc d'Albany, 27 avril 1882. Collection royale.
8.Sir James Dromgole Linton, Le Banquet
Sir James Dromgole Linton (1840-1916) était un peintre, aquarelliste et lithographe anglais, auteur du chef-d'œuvre que je vais décrire : dans une cour en plein air, une longue table est dressée et occupée par des convives qui, outre le fait de boire et probablement de manger, s'attachent à écouter la musique dansée par une jeune fille. La fille, vue de dos, se déplace avec grâce, pieds nus, portant une robe rouge et dorée, se tenant sur un sol en mosaïque. À ce stade, vous vous demandez peut-être qui sont les principaux destinataires de sa danse. Ce sont les hôtes, les deux figures assises sous l'immense dais orné d'emblemes nobles. Pour décrire brièvement ces hôtes : la femme est habillée en rouge et se ventile avec un éventail noir, tandis que le mari porte de la fourrure et une tunique. Toute cette scène se déroule dans un environnement avec de fortes références classiques, ainsi qu'un cadre du XVIe siècle.
Grant Wood, Dinner For Threshers, 1934. Huile sur panneau isorel, 50,8 x 203,2 cm. Via Wikiart.
9.Grant Wood, Dîner pour les batteuses (1934)
À travers une perspective allongée, abaissée et "coupée", le chef-d'œuvre en question capture une longue table dressée dans un salon à côté de la cuisine, accueillant une multitude d'ouvriers agricoles typiques des fermes du Midwest américain. Cette image, avec son ambiance sobre et authentique, a été conçue pour mettre en avant l'importance du travail agricole, ainsi que les coutumes et les modes de vie de la classe sociale en question. En effet, à première vue, la femme qui franchit le seuil de la cuisine avec un plat à la main pourrait sembler être la femme de l'homme assis à la tête de la table. Cependant, elle est en réalité sa fille, qui, restée célibataire, devait rester à la ferme pour aider son père veuf. Les détails, non seulement dans le récit mais aussi dans la technique de peinture, sont ce qui a rendu l'artiste célèbre. Son style a été fortement influencé par le réalisme fin des peintures flamandes et allemandes du XVe siècle. Lorsque l'on observe cette œuvre, on peut se plonger dans les détails, tels que le poêle à bois, le chat, la purée de pommes de terre, la cafetière sur le poêle, et bien d'autres encore, qui offrent tous un sentiment clair d'authenticité domestique.
Stanley Spencer, Dîner sur la pelouse de l'hôtel, 1956-1957. Peinture à l'huile sur toile, 949 × 1359 mm. Tate.
10.Stanley Spencer, Dîner sur la pelouse de l'hôtel (1956-1957)
Qui est Stanley Spencer (1891-1959) ? C'était un peintre britannique connu pour situer fréquemment son travail dans sa ville natale de Cookham dans le Berkshire. Ce qui l'a inspiré dans cet endroit, ce sont les souvenirs d'enfance qu'il a collectés de cet endroit, tels que, dans le cas de "Dîner sur la pelouse de l'hôtel", ceux empruntés aux régates de Cookham, qui avaient lieu le long de la rive au début du XXe siècle. Cependant, ce qui ressort vraiment dans cette œuvre, c'est le moment que l'artiste a choisi de représenter, celui de la préparation de la table et de l'anticipation plutôt que de la consommation des repas et des boissons. Par conséquent, parmi les personnages au premier plan, qui sont les points focaux de la composition, il y a aussi les domestiques, souvent assistés ou ignorés par les convives. Enfin, en ce qui concerne l'artiste, il a d'abord lié son lieu de naissance à la représentation de scènes bibliques, et ce n'est que plus tard qu'il a commencé à peindre à des fins commerciales, ce qui a entraîné une augmentation de l'excentricité de son style, désormais plus claustrophobique et significativement plus axé sur les détails.
Olimpia Gaia Martinelli
