Pop art et marques - marques et Pop art

CHANEL'DOG (2023) Sculpture par The Kri$$$.

Comment est-on passé de Coca-Cola à Chanel ?

"Le pop art est une peinture industrielle. Je pense que le sens de mon travail est qu'il est industriel, c'est ce que le monde entier deviendra bientôt. L'Europe sera bientôt dans la même situation, elle ne sera plus américaine, elle sera universelle." 

Cette citation de Roy Lichtenstein prédit sans aucun doute l'avènement de la société mondialisée d'aujourd'hui, un phénomène à travers lequel le capitalisme s'est répandu en éliminant les barrières entre les États, pour imposer un modèle économique et culturel global, dans lequel de multiples marques de luxe sont devenues l'un des principaux sujets du Pop art contemporain. Mais quelles sont les origines de cette tendance et comment a-t-elle évolué au fil des ans ? Tout d'abord, il convient de clarifier brièvement l'"idéologie" du mouvement artistique susmentionné, afin de démontrer, par la suite, son évolution, qui visait initialement à donner de la visibilité aux marques de supermarchés principalement et, plus tard, aux marques manifestement plus élitistes. Partant des concepts de base du Pop art, il s'est distingué par l'utilisation d'images hautement identifiables qui, tirées des médias et de la culture populaire, ont, avec le Néo-Dada et d'autres mouvements, remis en question la définition même de l'art, en déplaçant ce dernier concept vers une dimension de célébration et d'élévation du quotidien. C'est précisément dans ce sens, c'est-à-dire dans l'intention de brouiller les frontières entre la "haute" et la "basse" culture, que s'inscrivent les images que le maître incontesté du mouvement, Andy Warhol, a créées au cours des années 60, qui, visant à donner une nouvelle interprétation de la marque Coca-Cola, poursuivaient l'intention, avec les non moins célèbres boîtes de soupe Campbell, d'externaliser les produits qui faisaient partie de la vie de l'artiste. Ces produits démocratiques, car accessibles aux masses, seront juxtaposés dans les années 1980 suivantes à des lithographies plus élitistes qui, comme celle pour Chanel (1985), font partie du portefeuille publicitaire, visant à mettre en valeur non seulement la marque française, mais aussi certaines des entreprises américaines les plus puissantes, telles que Mobilgas, Paramount Pictures, Disney et Apple Macintosh, accompagnées par les marques étrangères Volkswagen et Blackglama. Pour en revenir à Chanel, la lithographie a été créée pour célébrer, en s'inspirant d'une publicité des années 1960, un parfum iconique et favori de Marilyn Monroe, présenté dans un flacon simple et transparent, prenant forme dans un design minimaliste, ce qui a certainement été à l'origine de son succès intemporel. À ce stade, nous voyons clairement comment, dans ce dernier cas, la célébration des objets quotidiens, bien illustrée par le Coca-Cola susmentionné, est remplacée par l'"idolâtrie" des produits de luxe, proposés comme une simple allusion, l'exaltation et l'ostentation d'un état de bien-être, auquel les masses aspirent. C'est précisément à ce désir incessant de possession que l'on doit le succès actuel des marques de luxe dans le Pop art contemporain, un mouvement qui devient le porte-parole de l'apogée dans lequel se déverse l'ostentation moderne, fomentée par la diffusion d'images montées et construites sur les médias sociaux.

CHANEL (2022) Peinture de Rinalds Vanadzins.

LES AMOUREUX DE CHANEL (2021) Peinture de Stan.

Chanel aujourd'hui

Le besoin compulsif de partager son aisance, ainsi que l'aspiration à cristalliser le goût de la possession, sont aujourd'hui bien illustrés par Chanel (2021), une impression sur toile finie à la main par les frères Miaz, un duo d'artistes lombards connu pour avoir mûri au cours de leur long parcours de recherche, incluant la photographie, la vidéo et la peinture, une nouvelle technique qui a renouvelé leur approche du portrait, car leurs sujets, réalisés principalement à l'aérographe et à l'acrylique, présentent des contours flous. au cours de leur long parcours de recherche, incluant la photographie, la vidéo et la peinture, une nouvelle technique qui a renouvelé leur approche du portrait, car leurs sujets, réalisés principalement à l'aérographe et à l'acrylique, présentent des contours flous, visant à générer des images énigmatiques et suggestives. C'est précisément dans ce sens que Chanel (2021) défie également la perception du spectateur, en évitant une définition complète, même s'il est désormais impossible de ne pas distinguer la silhouette du parfum iconique, ce qui démontre la diffusion totale, l'affirmation et la reconnaissabilité de l'iconographie du luxe. Dans la manière susmentionnée de reproduire le parfum, qui, en s'inspirant certainement de l'exemple de Warhol, a voulu représenter son flacon iconique, Chanel (2022), une peinture de l'artiste Artmajeur Rinalds Vanadzins a été réalisée "analogiquement", il a créé une surface structurée, dynamique et vibrante, dans laquelle les coups de pinceau lisses de l'acrylique contrastent avec la texture rugueuse de la peinture en aérosol, des techniques conçues pour exprimer la capacité multiforme de l'artiste à s'exprimer et à maîtriser différents matériaux afin de générer des œuvres pop ayant un fort impact visuel. Dans la même veine que Vanadzins, un autre artiste d'Artmajeur, Stan, dont le "Pop Surréalisme" se manifeste dans le baiser qui prend vie et forme dans le liquide de parfum, un détail qui m'a immédiatement fait penser à Salvator Dali, un maître qui a donné une interprétation particulière du célèbre flacon, en y représentant un autoportrait "incomplet" de lui-même, puisqu'il n'a donné forme qu'aux yeux, aux sourcils et à la moustache de l'artiste catalan. Pour en revenir à Stan, le peintre français contemporain se distingue par son style unique, visant à combiner Pop et Street art, des tendances réinterprétées avec un goût prononcé pour l'univers des années 1950 et 1970, des époques immortalisées par leurs icônes.

ELSIR N°5 (2022)Peinture de Simona Zecca.

Pour une vision moins classique de la marque

Si le Chanel No. 5 est devenu la forme la plus connue et la plus populaire pour faire allusion à l'iconicité de la marque française, une analyse du travail d'autres artistes contemporains nous montre comment la narration de l'art a dépassé le "classicisme" susmentionné, en représentant, par exemple, un couple de personnages sur une pelouse au moment où, tandis que l'un d'eux savoure une boisson Starbucks, l'autre trouve, juste au-dessus de sa tête, l'image du logo de la marque tant aimée, l'un d'eux déguste une boisson Starbucks, l'autre trouve, juste au-dessus de sa tête, l'image du logo de la marque tant aimée, visant à transformer l'œuvre d'art, intitulée Chanel et faisant partie de la série Product Placement (2010), en une sorte d'affiche publicitaire grand public. Je parle de l'œuvre créée par Alex Gross, un artiste visuel né en 1968, spécialisé dans les peintures à l'huile sur toile dont les thèmes incluent la mondialisation, le commerce, la beauté, le chaos sombre et le temps qui passe, et qui s'exprime à travers un langage pop surréaliste, visant à analyser l'atmosphère culturelle de l'Amérique consumériste, dans laquelle les grandes marques telles que Dior et Fendi sont diabolisées afin de relier la consommation à l'amour et à la moralité, en stimulant l'esprit critique des spectateurs, qui sont encouragés à développer un sentiment de scepticisme à l'égard de certaines normes sociales. De même, la toile Elisir n° 5 de l'artiste Artmajeur Simona Zecca place l'inscription Chanel dans un contexte dominé par la figure humaine, prenant presque au dépourvu le spectateur qui, perdu dans la contemplation du sujet principal, se retrouve également à idolâtrer les divinités de la culture de masse.

GUCCI DREAMS (2021)Peinture de Helen She.

GUCCI EN FLEURS (2022) Collages de Géraldine G.

Pop art et marques - marques et Pop art

Jusqu'à présent, nous avons vu comment l'art, qui a rendu hommage à la mode la plus luxueuse, a pris la forme d'une publicité tacite, sans considérer que la relation inverse est également possible, visant à se produire lorsqu'une marque transforme ses publicités en véritables œuvres d'art, impliquant le travail d'artistes contemporains, comme dans le cas des images surréalistes et des iconographies d'antan, animées dans les murs d'art créés à Milan, New York et Hong Kong par l'artiste espagnol Ignasi Monreal pour Gucci. Une autre forme de relation art-mode est réalisée lorsque les œuvres utilisent les images les plus classiques du répertoire figuratif, qui sont reproposées dans un nouveau contexte Pop consumériste, un concept bien rendu par l'artiste d'Artmajeur Helen She's David Fendi, une peinture visant à transformer le chef-d'œuvre de Michel-Ange en un témoignage populaire de la mode, pris dans une pose similaire à celles prises par les personnalités les plus célèbres du monde du show-business, généralement largement exploitées par les marques. Toujours à propos d'Elle, elle a également créé Gucci dreams, un nu féminin qui, cher à l'iconographie plus traditionnelle de la Vénus d'Urbino du Titien, de l'Olympia de Manet, du Nu endormi de Giorgione, etc., est posé comme une bande dessinée, faisant explicitement allusion à une autre marque italienne : Gucci. Enfin, la relation entre l'art et la mode change à nouveau dans le collage et l'acrylique de Géraldine G. intitulé Gucci in bloom, une œuvre dans laquelle c'est probablement l'artiste d'Artmajeur qui réinterprète de manière innovante le motif décoratif qui apparaît sur l'emballage du parfum Flora de Gucci, même si dans la recherche artistique de Géraldine la juxtaposition de thèmes publicitaires et naturels semble très récurrente, le but étant de relier les symboles de la vie par excellence à ceux d'une créativité tout aussi inépuisable, à caractère essentiellement consumériste.